BLUE HARMONY - TABLEAU ABSTRAIT À LA PEINTURE À L'HUILE (2016) Malarstwo autorstwa Sophie Artinian.
Linia: „Jednokierunkowa ciągła figura geometryczna, intuicyjnie definiowalna jako utworzona przez kolejne pozycje punktu w ruchu”. - Języki oksfordzkie
Wprowadzając tematykę „linearności” powyższą definicją, dodam, że wspomniana powyżej figura geometryczna stanowi fundamentalny dynamiczny element komunikacji wizualnej, mający za zadanie kształtowanie, a tym samym generowanie profili i objętości podmiotów sztuka figuratywna. W sferze abstrakcyjnej to samo, jako poruszające się kropki wyrwane z konstruowania obrazów rzeczywistości, jest w stanie wywołać głębokie doznania, dające się ponownie połączyć z nieuchronnie abstrakcyjnymi pojęciami. Wychodząc od roli linii w sztukach figuratywnych, warto zwrócić uwagę na to, jak wyobrażenia odnoszące się do świata zmysłowego zaczynały się właśnie od takiej figury geometrycznej, która kreślona na ziemi lub na ścianie jaskini ożywała, początkowo jako elementarny zarys rzeczy, a następnie stał się, wraz z najbardziej wystudiowanymi niuansami i nałożeniami, nieodzownym warunkiem wstępnym wielu bardziej złożonych manifestacji artystycznych. W zasadzie nie ma, albo prawie nie ma mistrza, który by nie posłużył się rysunkiem do analizy, zrozumienia, obmyślenia czy naszkicowania projektu figuratywnego, bo tylko poprzez przedstawienie linii możliwe jest dogłębne zrozumienie proporcji, wymiarów, wykończenie powierzchni, objętości i proporcje przedmiotów, aby poznać je w sposób głęboki i ostateczny. Dochodząc do tego miejsca, nie sposób nie pomyśleć o twórczości Leonarda da Vinci, jednego z najwybitniejszych artystów w historii sztuki, ale też jednego z najważniejszych mistrzów rysunku, który w Dzieciątku w łonie matki nałożone na siebie i zawiłe linie, aby utworzyć, a także zbadać, obraz życia w pełnym tego słowa znaczeniu. Do tematyki tego ostatniego rysunku da Vinci, zainspirowany klasycznymi studiami embriologicznymi Arystotelesa, zajął się badaniem układu rozrodczego, badając najpierw bydło, a następnie kobiety. W Bambino nel grembno materna (Dziecko w łonie matki) siedmiomiesięczny ludzki płód w łonie matki jest przedstawiony za pomocą kolejnych złożonych, perspektywicznych linii, organ, który włoski geniusz jako pierwszy wyczuł, był wypełniony płynem, który pozwoliłaby dziecku lepiej rozłożyć swój ciężar i nie obciążać matki. Mówiąc jeszcze o włoskich mistrzach, na uwagę zasługuje również czarny ołówek, czerwony ołówek, biały ołów i tusz Michała Anioła na papierze, który w dużej mierze „minimalistyczny” nosi tytuł Madonna z Dzieciątkiem (ok. 1525) i przedstawia Dziewicę zamierzającą karmić swoje dziecko, która od tyłu odmawia widzowi swojej twarzy.
TWORZENIE EMOCJONALNE #373 (2023)Obraz Carla Sá Fernandes.
GG-5 (2017) Obraz autorstwa Tima Blagodova.
Właśnie mały Jezus okazuje się bardziej skończony w wykonaniu, zwłaszcza w ciele, podczas gdy jego głowa, podobnie jak postać jego matki, wydaje się nieco grubo ociosana przez światłocień. W tym miejscu spróbujmy wprowadzić połączenie rysunku i malarstwa, najpierw w pracach figuratywnych, gdzie te dwie techniki są wyraźnie odmienne, a później w arcydziełach, gdzie oba środki wyrazu stopniowo się przenikają, aż dojdziemy do najczystszej konceptualności abstrakcjonizmu. Zacznijmy od rysunku zbliżenia kobiety myślącej, której dość szkicowe kontury i definicja odcinają się od olejnych farb oddanych głównie bladymi i niezbyt naturalistycznymi kolorami: Mówię o Głowie kobiety (1924) autorstwa Pablo Picasso. Niewielki obraz, o którym mowa, nosi sygnaturę i datę „Picasso 24”, szczegół obecny w prawym górnym rogu podstawy, chociaż na ramie tej samej pracy widnieje napis „luty 1925”, który może sugerować, że mistrz rozpoczął pracę dopiero pod koniec 1924 roku. Pomijając datowanie, olej przedstawia, podobnie jak wiele kubistycznych, wieloaspektowych tematów Hiszpana, twarz kobiety podzieloną na dwie odrębne połowy, tak jakby była oglądana z dwóch różnych kątów, lub przedstawiający połączoną męsko-żeńską głowę. Jednak cechy fizjonomiczne podmiotu powierzone są rysunkowi wykonanemu z kilku schematycznych linii, na których farba układa się, bez łączenia, jako płaskie obszary o głównie różowej i białej barwie. Wspomniane kontury twarzy zostały najprawdopodobniej wyrysowane poprzez nacięcie ich linii w grubym impaście malarskim, poprzez umiejętne posługiwanie się rączką pędzla. Innym dziełem Picassa, mającym na celu przedstawienie stopniowego wzrostu fuzji języka linearnego i obrazowego, jest Jacqueline, obraz z 1961 roku, na którym te same kolory olejne tworzą linie koszuli kukły, a także szczegóły jej kapelusza i ostre kontury, mające na celu konstruowanie cech somatycznych podmiotu i krzesła, na którym leży. Wreszcie, mówiąc o abstrakcjonizmie, tylko w tym nurcie linia, teraz oderwana od rzeczywistego punktu odniesienia, może reprezentować tylko siebie, poruszając się kręto wśród kolorów i konstruując geometryczne formy, tak jak dzieje się to w kultowej Kompozycji VIII, arcydziele Wasilija Kandinsky'ego z 1923 roku , w którym trójkąt, kwadrat, koło prosta linia i kolory podstawowe oddziałują na siebie, konkretyzując te koncepcje korespondencji formalnej i chromatycznej, o których mówił mistrz we wcześniejszej publikacji O duchowości sztuki, mającej na celu zilustrowanie teorii, że dźwięczne kolory są intensyfikowane obecnością ostrych form, tak jak emanujące głębią kolory wzmacniają okrągłe kształty. Wreszcie narracja wokół linii jest kontynuowana poprzez analizę prac artystów Artmajeur, takich jak: Gdel, Karl S, Alan Wrightson i Les Pinceaux De Marie.
CHWILA TAK BLISKA TWOICH SŁÓW (2023)Obraz autorstwa Tehos.
FORESCUBE921 (2021)Malarstwo autorstwa Gdel.
Gdel: Forescube921
Na niebieskim tle, kojarzącym się powszechnie z niebem i morzem, ułożony jest, zwłaszcza w centralnej części podpory, splot czarnych linii, mający przypominać o wszystkich znaczeniach, jakie niesie ze sobą ta ciągła figura geometryczna. podejmowanych w sztuce abstrakcyjnej, odwołując się zwłaszcza do twórczości Wasilija Kandinsky'ego, Pieta Mondriana, Agnes Martin, Cy Twombly i Bridget Riley. W rzeczywistości, jeśli dla byłego mistrza linia miała za zadanie przekazać duchowość pokrewną tej rozpowszechnianej przez świat muzyczny, a także oddziaływanie emocjonalne, które wywołane liniami wymiarowymi i perspektywicznymi było w stanie poruszyć dusze, to ten ostatni, mocno przekonany o komunikacyjnej sile kreski, chciał poprzez ten element sprowadzić język malarstwa do tego, co esencjalne, odsłaniając duchową prawdę wszechświata. Z kolei o Agnes Martin artystka malowała siatki, które z pozoru precyzyjne zawierały odkrywcze, subtelne i drobne niedoskonałości, mające na celu przekazanie czegoś zasadniczo organicznego i ludzkiego. Kontynuując Cy Twombly, użył linii do przekazania abstrakcyjnych i intensywnych uczuć, rozproszonych za pomocą glifów, których zmysłowe krzywe przypominają rodzaj prymitywnego pisma. Wreszcie, jeśli chodzi o Bridget Riley, malarka wykorzystała linię, aby wywołać u widzów reakcję, zarówno emocjonalną, jak i fizyczną, wywołaną głównie wrażeniem ruchu tworzonym przez jej obrazy.
LINES #090 (2022)Malarstwo Karla S.
POND MARGINS (2020) Obraz Alana Wrightsona.
Karol S.: Linia nr 090
Alan Wrightson: Marginesy stawu
Powyższe tytuły są dwa, ponieważ obaj artyści Artmajeur, zarówno Karl S, jak i Alan Wrightson, pozwolili mi połączyć swoje prace, wyrażone w linii #090 i marginesach Pond, z artystycznymi badaniami Gene Davisa (1920 - 1985), American Color Malarz polowy, najbardziej znany ze swoich prac z pionowymi paskami koloru. W rzeczywistości linia nr 090 mogłaby reprezentować animowaną i zwiewną ewolucję koncepcji linii, wyjaśnioną w „uporządkowanych” i „statycznych” arcydziełach kalibru Battle for Grownups z Portfolio Series II (1969) czy Raspberry Icicle (1967) , podczas gdy brzegi stawu dodałyby dynamizmu spokojniejszemu, ale podobnemu chromatycznie Ogrodowi Moneta (1980). Ponadto zarówno ta ostatnia praca, jak i Marginesy stawu odnoszą się do środowiska stawu, choć dopiero w akrylu Gene'a Davisa wyjaśniono, w jaki sposób to miejsce odpowiada miejscu, w którym francuski mistrz Monet malował swoje słynne lilie wodne, tematy teraz sprytnie sprowadzone do kolorowe linie. Wreszcie, jeśli chodzi o dwóch artystów w Artmajeur, abstrakcjonizm Karla S często skupia się na formie linii, która jest przedstawiana w kołyszących się, energicznych kompozycjach, które mają odzwierciedlać intensywne, prymitywne uczucia Cy Twombly, podczas gdy Wrightson, z drugiej strony, eksperymentuje z wieloma formami abstrakcjonizmu, na co bez wątpienia wpłynęły jego zainteresowania muzyczne, prawdopodobnie podobne do zainteresowań Kandinsky'ego.
LA LINÉA & MARIO BROS (2022) Malarstwo autorstwa Les Pinceaux De Marie.
Les Pinceaux De Marie: Linia i Mario Bros
Podsumowując wiele sposobów przedstawiania linii w sztuce, nie można pominąć Osvaldo Cavaldoli, włoskiego animatora, reżysera i rysownika, znanego z tworzenia i animowania postaci Linii, bohatera kreskówki składającej się z mały człowieczek, który kroczy nieskończoną linią, której jest integralną częścią, wraz z napotykanymi na swojej drodze przeszkodami, na które znajduje rozwiązanie, prosząc o pomoc samego rysownika. Właśnie w 1969 roku Cavandoli przedstawił wspomnianą postać, początkowo znaną jako Pan Linea, agencjom reklamowym zajmującym się produkcją filmów dla karuzeli RAI (Radiotelevisione Italiana SpA). Temat ten zwrócił uwagę Emilio Lagostiny, inżyniera, kolekcjonera dzieł sztuki i właściciela renomowanej firmy zajmującej się szybkowarami o tej samej nazwie, który chciał go jako bohatera kreskówki dla swojej firmy. Następnie popularne obecnie przygody bohatera, którym towarzyszyła nieco jazzowa ścieżka dźwiękowa i dubbing znanego Carlo Bonomi, stały się bohaterami serii znanych reklam, które były również emitowane na całym świecie, co doprowadziło później do stworzenia tematycznych płyt DVD i komiksy. Mówiąc o La linea i Mario Bros, postać Linea staje teraz twarzą w twarz z Super Mario, kolejnym znanym Włochem, który prawdopodobnie jest przedstawiany jako wróg, ponieważ bohater komiksu Cavaldolego wydaje się wznosić ręce do nieba , prosić o pomoc swojego twórcę, który w tym przypadku nie jest w stanie mu pomóc, gdyż w akrylu Les Pinceaux De Marie brakuje czasowej ewolucji narracji komiksowej. W rzeczywistości Linea na zawsze pozostanie unieśmiertelniony z podniesionymi rękami, nieustannie zabiegając o uwagę, przed najbardziej znanym bohaterem świata gier wideo, nie będąc w stanie rozwiązać jego sytuacji.
Olimpia Gaia Martinelli
