Szczęśliwego Nowego Roku 2024!
Jak zawsze w naszym indywidualnym życiu, kolejny rok dobiegł końca i każdy z nas skupia się na wyciąganiu wniosków na jego temat. W pewnym sensie w tę dynamikę włączył się również Artmajeur, który postanowił pokazać, kim byli najpopularniejsi artyści minionego roku. Dążąc do tego celu połączyłem jednak pożyteczne z przyjemnym, gdyż każdy z prezentowanych przeze mnie artystów opowie nam, poprzez jedno ze swoich dzieł, fragment historii sztuki. W rzeczywistości zacznę od opisu obrazu, fotografii itp., które zostaną powiązane, jeśli to możliwe, z konkretnym ruchem artystycznym, a następnie zakończę prezentacją jego twórcy. Szczęśliwego 2024 roku!
WE LOVE YOUR FACE (2023) Malarstwo autorstwa Brazo
PURPLE CHROME GOLD SOUP SPLASH (2021)Rzeźba autorstwa 2fast
EROS & PSYCHÉ (2022)Fotografia: Mathilde Oscar
Dziesięciu najlepiej sprzedających się artystów 2023 roku
Matylda Oskar
Skrzydlaty młodzieniec, nagi, całuje czoło dziewczynki, jedną ręką pieszcząc skórę jej piersi. W klasycznej scenerii wyłaniają się inne detale: kokarda, motyl i loggia wychodząca na zielony krajobraz. Czy rozpoznajecie te dwie postacie? Są to Kupidyn i Psyche, co łączy fotografię Oscara ze słynną i starożytną tradycją malarstwa historycznego. Należy wyjaśnić, że malarstwo historyczne różni się od malarstwa historycznego, które zajmuje się historią w ścisłym tego słowa znaczeniu, poza narracjami mitologicznymi, religijnymi i alegorycznymi. Kupidyn i Psyche to bowiem postacie z mitu greckiego, znanego nam przede wszystkim z „Metamorfoz” Apulejusza, w których opowiedziana jest historia szczęśliwej miłości, szeroko zinterpretowana w narracji historyczno-artystycznej, której kulminacją jest tytułowe arcydzieło Canovy. A jeśli już mowa o Oscarze, urodzonym w Paryżu w 1980 roku, jest to wszechstronna artystka, której kariera rozpoczęła się od głębokiej pasji do malarstwa, napędzanej jej doświadczeniem w historii sztuki. Jej artystyczna podróż obejmowała przejście od malarstwa do projektowania graficznego, a w 2013 roku zajęła się fotografią. W swoich fotografiach Mathilde umiejętnie przeplata swoją miłość do wielkich stylów romantyzmu i neoklasycyzmu, często włączając do swoich prac wyszukane dekoracje, kostiumy i akcesoria. praca. Co więcej, czasami zapuszcza się w sferę twórczości cyfrowej, dodając współczesny akcent swoim skądinąd klasycznym inspiracjom.
PIĘKNA USZCZELKA. OBRAZ ORYGINALNY (2020)Malarstwo autorstwa Ireny Aizen
Irena Aizen
Antropomorficzny króliczek olbrzymi siedzi spokojnie nad stawem, zwracając wyłącznie uwagę na to, co robią jej ręce, a potem oczy: trzyma na smyczy udomowioną fokę, która pozwala się rozpieszczać jak pudel. Jasne jest, że znajdujemy się w rzeczywistości surrealistycznej, ponieważ to, co widzimy, nie jest racjonalnie możliwe, mimo że jest dość powtarzalne. Tak naprawdę, jeśli przyjrzymy się całej twórczości Aizena, zauważymy, że długouchy bohater często pojawia się, jak powtarzający się motyw, przypominający nadprzyrodzony i dziecięcy świat Chagalla, gdzie postacie takie jak wędrowny Żyd i skrzypek były przedstawiane bardziej niż raz. Podobnie króliczek Aizena staje w obliczu wielu przygód w ramach złożonej narracji obrazkowej, której często towarzyszą dziwne zwierzaki lub postacie przypominające bliźniaki. Czasem jednak twórczość artysty skupia się także wyłącznie na gatunku martwej natury, gdzie żywe zwierzęta pojawiają się w zrównoważonych kompozycjach obiektowych. Irena Aizen to rosyjska malarka mieszkająca obecnie w Izraelu, która swoją pasję i zamiłowanie do sztuki odkryła już w młodym wieku, bo urodziła się w rodzinie artystów już w trzecim pokoleniu. Ten kontekst zdeterminował jej oddanie malarstwu od dziesiątego roku życia, a później kontynuowała edukację artystyczną w Jarosławskiej Szkole Artystycznej w obwodzie jarosławskim w Rosji.
ABSTRACT 23105 (2023) Malarstwo Alexa Senczenki
Aleksiej Senczenko
Tło niebieskie podzielone jest na część górną i dolną. W górnej części wspornika następuje eksplozja koloru, z wyraźną dynamiką żółci, fuksji, błękitu i pomarańczy, natomiast poniżej niemal wszechobecna warstwa białej farby, która czasami pęka, odsłaniając to, co jest pod. Tę abstrakcję opisał także sam artysta, aktywnie angażując widza i wyrażając to w tych słowach: „Zanurz się w świecie tętniącej życiem sztuki dzięki «Abstract 23105», abstrakcyjnemu obrazowi będącemu eksplozją jasnych i odważnych kolorów .” Podążając za tymi rozważaniami, malarz opisuje swoje bogate impasto malarskie jako rodzaj efektu 3D, zdolnego dodać głębi otoczeniu, w którym żyje, a także wigoru i dynamicznej energii. Nacisk położony na kolor, a nie na formy, jakie mógłby on tworzyć w realnym świecie, zachęca obserwatora do eksploracji głębi faktury, kierując go w stronę jasnej koncepcji abstrakcyjnej ekspresji w języku malarstwa. W rzeczywistości abstrakcja jest wizualnym językiem kolorów, kształtów i znaków w pełnym tego słowa znaczeniu, mającym na celu przekazywanie myśli, uczuć, emocji i doświadczeń. Warto podkreślić, że ta forma sztuki kładzie mniejszy nacisk na przedstawiany temat na rzecz waloryzacji metod i materiałów tworzenia. Wreszcie Alex Senchenko to współczesny artysta mieszkający w Wielkiej Brytanii, którego sztuka ma jasny cel: stworzyć metafory jego wyjątkowego spojrzenia na życie, określanego jako „pozytywne, dynamiczne i proste”, charakteryzujące się przejrzystością i czystą intensywnością kolor.
CASETTA NEL GIALLO (2023) Malarstwo Gio Mondelli
Gio Mondelli
Pomyślałem, że Gio Mondelli, włoski artysta urodzony w 1953 roku, często zabiera swój samochód, być może ze sztalugami i pędzlami w bagażniku, aby pojechać i obserwować najpiękniejsze i najbardziej odległe krajobrazy Bel Paese (Włochy), miejsca, które dają życie do następującego malarskiego przedstawienia jego wizji: żółte, bardzo żółte pole, prawdopodobnie pszenicy, którego kulminacją jest morze z żaglówkami, a wszystko to obserwowane z rozległego nieba. W malarskiej przestrzeni koloru słońca mieści się także niewielki domek, cieszący się cieniem dwóch drzew, dzięki czemu ukazane miejsce staje się bliższe naszym realnym doświadczeniom, pomimo nierealnej żywości barw. Można powiedzieć, że najbardziej tradycyjny i realistyczny gatunek pejzażu, narodzony w holenderskim złotym wieku, mógł wzorować się na chromatycznej plastyce Fauwów, choć włoski malarz aranżuje swoje mocne kolory z niespotykaną i wystudiowaną precyzją, czyniąc ją bardziej uporządkowaną i bliższą narracji rzeczywistości. Efekt jest rzeczywiście porównywalny do „fotografii” ze zmienionymi kolorami. A jeśli już mowa o malarzu, to na początku jego kariery artystycznej zajmował się badaniem i eksperymentowaniem z różnymi wpływami artystycznymi, z zamiarem ich interpretacji w coraz nowatorskich podejściach, później skłaniając się bardziej w stronę surrealizmu, symbolizmu i ekspresjonizmu, związanych głównie z filozofią myśli. Wracając do początku tego akapitu, możemy zakończyć, łącząc każdy kolorowy pejzaż artysty z prawdziwym włoskim krajobrazem, zinterpretowanym na nowo poprzez wysoce osobistą wrażliwość łączącą różne ekspresje artystyczne.
CHŁOPIEC JAJKO UBRANY, ABY ZABIĆ (2024) Obraz Ta Byrne'a
Ta Byrne’a
Grafika przedstawia postać ubraną w melonik i płaszcz. Zielone jabłko unosi się przed twarzą mężczyzny, w dużym stopniu ją zasłaniając. Można jednak dostrzec oczy mężczyzny, które są widoczne tuż nad jabłkiem. Zaraz, ale jakie dzieła sztuki właśnie opisałem? Właściwie mówiłem o „Synie człowieczym” Magritte’a, arcydziele, które, jak wspomniano wcześniej, wykazuje znaczne podobieństwo do surrealizmu Byrne’a. Artysta rzeczywiście przedstawił mężczyznę w meloniku, zastępując jabłko znacznie większym jajkiem sadzonym. Ponadto „Egg Boy Dressed to Kill” ma białe tło, a nie krajobraz, na którym widać jedynie popiersie portretowanej modelki. Zgodnie z przewidywaniami styl Ta Byrne'a często pokrywa się z wizjami surrealizmu, ruchu mającego na celu przede wszystkim ujarzmienie nieświadomości jako środka do uwolnienia mocy wyobraźni, odrzucając racjonalizm i realizm na rzecz czerpania inspiracji z psychoanalizy i świata snów. Możemy zatem sobie wyobrazić, że Ta Byrne, tajski malarz urodzony w 1974 roku, ugotował jajko sadzone, by wieczorem śnić, że jest antropomorficzne, a następnego dnia je malować. Mówiąc trochę o Ta, żywiła głęboką miłość do sztuki, ale kiedyś uważała, że bycie artystką jest nieosiągalnym marzeniem. Wszystko zmieniło się jednak dzięki prostemu szkicowi, który stworzyła w 2010 roku, wyznaczając kluczowy moment w jej życiu. Dzięki temu przemieniającemu rysunkowi artystka osiągnęła niezwykły sukces artystyczny, a jej prace zdobiły wnętrza domów, biur, hoteli i restauracji w ponad 66 krajach na całym świecie!
NIEOCZEKIWANA REAKCJA (PRACA NA KOMISJĘ) (2023)Malarstwo Petera Duhaja
Piotr Duhaj
Czy kiedykolwiek rozmawiasz ze swoimi zwierzętami? Czy zdarza Ci się je podnosić, patrzeć im w oczy i wydawać z ust zwierzęce odgłosy, próbując się z nimi porozumieć? Bez wstydu mogę wyznać, że rzeczywiście prowadzę szczere rozmowy z moim psem, który, jestem pewna, ma wszelkie narzędzia, aby zrozumieć i zinterpretować go na swój własny sposób. Dlaczego mówię takie rzeczy? Ponieważ grafika Duhaja, ze względu na swój hiperrealizm, bezpośrednio przeniosła mnie do prawdziwego życia, przypominając mi mnie, mojego psa, ale także wszystkich ludzi, których widziałem, żywo wchodzących w interakcję ze swoimi zwierzętami. Mówiąc o hiperrealizmie, reprezentuje on stosunkowo młodą formę poszukiwań artystycznych, której podstawowym celem jest tworzenie iluzji podkreślających i uwydatniających otaczającą rzeczywistość. Aby osiągnąć ten cel, artyści hiperrealistyczni wykorzystują intensywność koloru, oświetlenia, kontrastu i ostrości, aby uzyskać obrazy, które wydają się bardziej żywe niż to, co powszechnie postrzegamy gołym okiem. Jeśli chodzi o Duhaja, współczesny węgierski artysta pozostaje pod głębokim wpływem wybitnych postaci w historii sztuki w swoim kraju, od młodości pielęgnując głęboką pasję do kolorów i form, a także ulotnej esencji chwil. Chociaż na wczesnych etapach swojej kariery Duhaj pragnął naśladować takich mistrzów jak István Sándorfy, Zsolt Bodoni, László Nyári i Tibor Csernus, później jego uwaga skupiła się na portretowaniu postaci ludzkiej przy użyciu języka będącego mieszanką realizmu i hiperrealizmu.
CIERPIĘ, DLACZEGO ŻYJĘ (2023)Malarstwo Miloša Hronca
Miłosz Hronec
Postacie portretowane przez ekspresjonizm Hronca wydają się być uderzone, przytłoczone, przykryte, a czasem niemal torturowane otaczającymi je kolorami, zdolnymi do wygenerowania emocjonalnej narracji, która czasami może nawet w niewielkim stopniu przypominać bardziej brutalne i udręczone sposoby portretowania postać ludzka w stylu Bacona. Ba, nawet ten ostatni mistrz, który często przedstawiał osoby zranione i z bliznami emocjonalnymi, wypracował charakterystyczny styl, charakteryzujący się eksploracją gatunku portretu, wykonywanego w sposób dość zniekształcony i brutalny. Niemniej jednak osoby pracujące powyższymi metodami dążą przede wszystkim do komunikowania intensywnych emocji, gotowych stać się autentycznymi objawieniami przytłaczających stanów emocjonalnych. Milos Hronec, współczesny słowacki malarz, pozostaje pod głębokim wpływem tętniącego życiem miasta Bratysława, co ukształtowało jego wyjątkową i różnorodną tożsamość artystyczną, obejmującą malarstwo olejne, akryl, farby w sprayu i rysunek. W rzeczywistości ekspresja artystyczna Hronca to fuzja ekspresjonizmu, sztuki ulicznej i graffiti, zawierająca zarówno elementy figuratywne, jak i ekspresyjne, harmonijnie łącząca ustalone podejścia artystyczne ze spontanicznymi improwizacjami.
N° - 741 (2023) Malarstwo Aykaz Arzumanyan
Ajkaz Arzumanjan
Obraz olejny na płótnie, wykonany w formie reliefu i powtórzony na całej powierzchni, tworzy monochromatyczny błękit, przerywany jedynie czarną „płytką”. Jeśli zapomnimy o tym ostatnim szczególe, wraz z dyskursem o sztuce materialnej, możemy opisać to dzieło także tymi słowami: inspiracja czerpie z koloru nieba, mającego na celu nawiązanie do ogromu nieskończoności, przekazanego za pomocą jednobarwny, mający dawać iluzję wiecznej powtarzalności wizji. Wszystko staje się otwartym oknem na wolność, jaką daje możliwość bycia otoczonym mocą i koncentracją jednego koloru. Inspiracją dla tego, co właśnie napisano, był opis „Błękitnego monochromatycznego” Yvesa Kleina (1961) sporządzony przez MOMA w Nowym Jorku, mający na celu uświadomienie częściowego pokrewieństwa malarstwa Aykaza z malarstwem francuskiego mistrza. A co z reliefem malarskim, który pojawia się dopiero na przykładzie artysty z Artmajeur? Teraz nieskończoność wydaje się bardziej konkretna i nie jest już powiązana z czymś niematerialnym; to tak, jakbyśmy mogli w końcu dotknąć nieba, wiedząc, że pozostaje ono na zawsze nieskończone i nieosiągalne. Aykaz Arzumanyan to ormiański artysta urodzony w 1977 roku, którego działalność artystyczna obejmuje malarstwo i plastykę, choć z entuzjazmem eksploruje nowe techniki i materiały. Dzięki nieustannemu poświęceniu i ciągłemu zaangażowaniu w swoją sztukę Arzumanyan rozwinął charakterystyczny styl przepełniony witalnością i zagadką, ożywiony przez powtarzające się drobne chromatyczne detale, które wyróżniają się w monochromatycznych obrazach.
NADROŻE W RETRO. (2023)Malarstwo Igora Shulmana
Igor Szulman
Na ścianie chodnika dwoje kochanków spotyka się w pocałunku, objętych, a kobieta jest tak ogarnięta namiętnością, że zostawiła torebkę na boku. Pomijając myśl o przybyciu potencjalnego kieszonkowca, cała scena ukazana jest w stylu realistycznym, wiernie przekładającym walory prawdziwego świata na artystyczne przedstawienie. Nie należy jednak mylić tej osobliwości z ruchem artystycznym lat czterdziestych XIX wieku, mającym na celu uwydatnienie problemów współczesnego społeczeństwa. Prace Shulmana zdają się portretować życie codzienne, nie obciążając go problemami, a jedynie ukazując piękno scen, które ożywają w chwili ich uchwycenia. Głębia jest wciąż obecna w rzeczywistości w rozumieniu artystki: „Dzielę się fragmentami mojej pamięci, mojego życia. Nie wiem nic poza tym, co przeżyłam i doświadczyłam. Dzielę się więc swoimi emocjami z ludźmi, którzy mnie rozumieją. Przeważnie z moimi rówieśnikami, ludźmi, którzy przeżyli większość swojego życia. A jeśli mowa o Shulmanie, to rosyjski malarz mieszkający obecnie w Pradze, skłonny do eksperymentowania z różnymi tematami i stylami malarskimi, sprytnie łącząc elementy z różnych źródeł, tworząc dzieła całkowicie oryginalne i nowatorskie.
URODZONY ZE ZŁOTĄ ŁyŻKĄ (2023) Malarstwo Pavla Filina
Paweł Filin
Pociągnięcia pędzla nakładane w różny sposób, przypominające czasem plamy, tworzą swego rodzaju akrobatę, po prostu balansującego na jednej nodze, podczas gdy druga, pochylona nad sobą, trzyma pod spodem dziwną i niejednoznaczną laskę. Wszystko to dzieje się, gdy jest w bieliźnie, w kapeluszu i masce, a w ustach trzyma złotą łyżkę. Być może ten ostatni szczegół powstał w nawiązaniu do powiedzenia „urodzić się ze srebrną łyżką w ustach”, mającego nawiązywać do ludzi o wysokim statusie społecznym. Wracając do stosowania koloru, przypomina impresjonizm, ruch artystyczny, który wykorzystywał szybkie, gęste pociągnięcia pędzla, z akcentami koloru umieszczanymi obok siebie, czasami niezmieszanymi lub nakładanymi, gdzie światło, przestrzeń i formy były konstruowane wyłącznie za pomocą koloru. Skoro mowa o plamach, być może warto pomyśleć o Macchiaioli, włoskich „impresjonistach”, których pędzel tworzył nakładające się plamy koloru, aby zdefiniować masy światła i cienia. Jeśli chodzi o Filina, artystyczna podróż malarza rozpoczęła się w spokojnym miasteczku nad Wołgą, gdzie jego wczesne prace skupiały się głównie wokół gatunku pejzażu. Zawsze jednak pragnął uchwycić istotę ludzkiej postaci, badając jej ruchy i emocje, do tego stopnia, że temat ten stał się głównym tematem jego twórczości.
Olimpia Gaia Martinelli
