Krajobrazy, kawa i błyski geniuszu: odkrycie na ArtMajeur
Scena jest niemal komiczna, gdy patrzy się na nią z zewnątrz. Badaczka pochylona nad biurkiem drapie się po głowie, szukając idealnego pomysłu, aby uczynić pozornie prosty temat interesującym: omawianie krajobrazów, widoków i morskich pejzaży. Misja, którą wielu nazwałoby przewidywalną, niemal oczywistą. Ale ona się nie poddaje. Na zmianę zerka na monitor i bierze długie łyki kawy, podczas gdy jej umysł splata i rozplątuje nici myśli w poszukiwaniu oryginalnego podejścia.
A jednak odpowiedź jest tuż przed jego oczami, tam, na ekranie, i nie tylko przed jego oczami: jest już przed oczami wszystkich odwiedzających stronę ArtMajeur. Nieskończony marketplace sztuki, gdzie krajobrazy nie ograniczają się do klasycznych kwitnących pól uwiecznionych przez Moneta – „pokój jego duszy” – szepcze badaczka z uśmiechem – lecz rozciągają się we wszystkich możliwych kierunkach. Góry – majestatyczne i uroczyste; pustynie – miejsca światła i samotności; lasy – ciemne i pełne tajemnicy. To właśnie te motywy, wraz z morskimi pejzażami, malarstwem marynistycznym i widokami miejskimi, ukazują szerszą, współczesną i głęboko realistyczną oraz zróżnicowaną wizję świata.
Teraz badaczka śmieje się do siebie, szczęśliwa i niemal ulżona. Nic nie mogłoby być prostsze, jaśniejsze ani doskonalsze: opowiedzieć historię krajobrazów ArtMajeur takimi, jakie są, eksplorując każdy aspekt, każdą emocję, każdą historię.
Niech podróż się rozpocznie!
Krajobrazy
Pola
Po deszczu... (2020) Obraz autorstwa Ans Duin
„After the Rain” Ansa Duina przedstawia wiejski krajobraz tuż po intensywnych opadach deszczu. Łąka wydaje się świeża i bujna, a ciemnoszare chmury wciąż wiszą na horyzoncie, niemal obiecując, że ich dudniące grzmoty mogą jeszcze rozbrzmiewać przez kilka godzin.
Praca wpisuje się w tradycję artystyczną, która z dala od rozświetlonych słońcem pól impresjonizmu eksploruje mroczniejsze i bardziej intensywne tematy. Zachmurzone krajobrazy, dramatyczne niebo i przejściowe atmosfery inspirowały artystów z różnych ruchów historycznych, od romantyzmu po postimpresjonizm, od baroku po ekspresjonizm.
Wybitnym przykładem mrocznego krajobrazu w tradycji romantycznej jest Morning in the Riesengebirge Caspara Davida Friedricha. Obraz ten przedstawia górzystą scenę zanurzoną w zimnym świetle świtu i spowitą niskimi chmurami, przywołując poczucie uroczystej ciszy i melancholii. Podobnie jak inni romantycy, Friedrich wykorzystuje krajobraz do eksploracji wzniosłości — uczucia podziwu i niepokoju, którego doświadczają ludzie w obliczu majestatu natury.
Podobnie amerykański artysta Thomas Cole w swojej pracy The Oxbow (1836) eksploruje naturę, która nie jest całkowicie sielankowa. Podczas gdy celebruje amerykański krajobraz, Cole zestawia rozświetloną słońcem, żyzną stronę rzeki z dzikszym, bardziej burzliwym odcinkiem naznaczonym ciemnymi chmurami. Ta dwoistość odzwierciedla napięcie między cywilizacją a nieokiełznaną naturą.
Wśród najbardziej ikonicznych obrazów ciemnych krajobrazów znajduje się Widok Toledo (ok. 1596-1600) El Greca. Ta barokowa wizja hiszpańskiego miasta pod burzliwym niebem tworzy surrealistyczną, niemal mistyczną atmosferę. Kompozycja przekazuje poczucie izolacji i niepokoju, co jest zgodne z intensywną duchowością artysty. Zastosowanie ciemnych kolorów i burzliwego nieba jest charakterystyczne dla stylu barokowego, który często dramatyzował rzeczywistość i podkreślał aspekty emocjonalne.
W Holandii w XVII wieku artyści tacy jak Jan van Goyen tworzyli dzieła takie jak Sandy Road with a Farmhouse , które przedstawiały ciemne krajobrazy zdominowane przez szare niebo i melancholijną atmosferę. Ten typ przedstawienia był typowy dla malarzy holenderskiego Złotego Wieku, którzy starali się uchwycić prostotę codziennego życia i ciągle zmieniające się warunki pogodowe holenderskiej wsi.
W kontekście postimpresjonizmu Vincent van Gogh wyróżnia się wykorzystaniem ciemnych krajobrazów do wyrażania głębokich emocji. Wheatfield with Crows (1890) jest znanym przykładem: kruki latające pod groźnym niebem sugerują poczucie złowrogiego przeczucia i niepokoju. Ruch pociągnięć pędzla i dramatyczne użycie koloru wzmacniają psychologiczny wpływ obrazu, zamieniając krajobraz w okno do niespokojnej duszy artysty.
Powodem, dla którego artyści z tak różnych nurtów — romantyzmu, baroku, postimpresjonizmu i holenderskiego złotego wieku — wybierali mroczne i burzliwe atmosfery, jest ich postrzeganie natury jako odbicia ludzkiego wnętrza. Zachmurzone niebo, burze i melancholijne sceny ucieleśniają wzniosłość, tajemniczość i wrażliwość ludzkości w konfrontacji ze światem.
Staje się więc jasne, w jaki sposób Ans Duin ze swoim albumem After the Rain idealnie wpisuje się w tę długą tradycję artystyczną.
Góry
kompozycja N3 /deszczowy nastrój (2024) Obraz Armena Ghazayrana (Nem)
YeY 24 (2024) Obraz Armena Ghazayrana (Nem)
Moje góry / w pamięci 24 (2024) Obraz Armena Ghazayrana (Nem)
Dlaczego zestawiłem ze sobą trzy obrazy tego samego artysty? To uzasadnione pytanie, a odpowiedź prawdopodobnie leży w tym, jak moja wyobraźnia zinterpretowała je jako kolejną narrację wizualną. Być może pod wpływem malarskiej eksploracji gór Cézanne'a chciałem zobaczyć postęp w tych pracach: podróż od abstrakcji do konkretu.
Trzy obrazy tworzą wyimaginowaną sekwencję, jak trzy etapy artystycznej podróży. Zaczyna się od abstrakcyjnej, nieokreślonej góry, gdzie forma rozpływa się w kolorach i malarskich gestach. Następnie góra z cechami „kubistycznymi”, podzielona na sekcje i bardzo blisko widza, niemal rozbijająca krajobraz, aby zbadać go od środka. W końcu dociera do trzeciego dzieła, charakteryzującego się fowistyczną kolorystyką i okazjonalnie impresjonistycznymi elementami stylistycznymi, tworząc wyraźny obraz namacalnej rzeczywistości: góra jest tam, namacalna, ze swoją mocą i pięknem.
Fascynacja górami z pewnością nie jest nowa. Przez całą historię wielu artystów czerpało inspirację z ich majestatu, przekształcając je w bohaterów lub niemych świadków narracji obrazowych. Edward Hargitt, na przykład, w swoich górskich krajobrazach, takich jak Mountain Landscape , uchwycił mieszaną atmosferę spokoju i wzniosłości typową dla brytyjskich gór. Charles John Holmes w Clearing Mists, Ribblesdale przedstawia krajobraz przesiąknięty mgłą i światłem, gdzie góra powoli wyłania się jako święta obecność wypełniona znaczeniem. Zwracając się ku tradycji wschodniej, chiński malarz Guo Xi w Early Spring (1072) przedstawia góry spowite mgłą, eksplorując przez nie ideał duchowej harmonii, dialog między człowiekiem a kosmosem.
Inny znaczący wkład w temat gór pochodzi od Giovanniego Segantiniego z jego Alpejskim Tryptykiem ( Życie, Natura, Śmierć ). Ten cykl symbolistycznych dzieł podnosi krajobraz górski do uniwersalnego poziomu: nie jest już tylko naturalnym otoczeniem, ale miejscem głębokiej refleksji nad kondycją człowieka. Poprzez przedstawienie gór Segantini przekształca naturę w metaforę samego życia, celebrując jego nieunikniony cykl, od narodzin do śmierci.
Góry odegrały również fundamentalną rolę w dziełach religijnych, podkreślając związek natury z boskością. W Dziewicy wśród skał Leonarda da Vinci góry otaczają Maryję i dziecko, stając się symbolem wieczności i ochrony. W Śnie Joachima Giotta góry podkreślają związek ziemi z niebem, przekształcając krajobraz w wymiar duchowy. Podobnie Tycjan w swoim Świętym Janie Chrzcicielu wykorzystuje góry, aby przekazać samotność i siłę, obdarzając postać świętego aurą mocy i odporności.
Lasy i pustynie
Jezioro Shiroka Poliana (2024) Obraz autorstwa Anny Mamonkiny
Pustynia Wadi Rum (2024) Obraz Anny Mamonkiny
Aulic i historyczne odniesienia są odsunięte na bok w ekskluzywnym porównaniu dwóch współczesnych dzieł, które, nie patrząc w przeszłość, pozwalają przemówić dualistycznej wizji jednej artystki, Anny Mamonkiny. Jej interpretacja porusza się między dwoma przeciwstawnymi, ale uzupełniającymi się światami: lasem i pustynią, oba zanurzone w narracji, która łączy cud natury z malarskim mistrzostwem artystki. Podczas gdy tematy różnią się radykalnie — jeden bujny i obfity, drugi suchy i surowy — to w języku wizualnym i elementach stylistycznych artystki te dzieła znajdują wspólny grunt.
Pierwsze dzieło, Shiroka Poliana Lake , to podróż do magicznego spokoju jeziora późną wiosną, skąpanego w miękkim blasku gwiaździstej nocy. Droga Mleczna, niebiański bohater, rozciąga się po przekątnej na płótnie, tęcza światła i ciemności odbija się na powierzchni wody poniżej. Las, obejmujący odległe brzegi, jest cichą i ochronną obecnością, podczas gdy resztki śniegu wzdłuż brzegów opowiadają historię przejścia: zima ustępuje miejsca wiośnie.
W ostrym kontraście do bujnej roślinności jeziora i lasu, pustynia Wadi Rum zabiera nas do krajobrazu, w którym dominują pustka i jałowość. Ogromna formacja skalna, wyrzeźbiona przez wiatr i czas, stanowi centralny punkt tej pustyni, opowiadając historię odporności i spustoszenia. Nocne niebo, ponownie ożywione Drogą Mleczną, łączy tę jałową ziemię z nieskończonym wszechświatem.
Krajobrazy morskie i malarstwo marynistyczne
Entre ciel et terre (2023) Malarstwo Cathy Doutreligne
Regaty żeglarskie, akryl, płótno, pejzaż morski (2023) Obraz autorstwa Pavlova
W świecie sztuki pejzaże morskie i obrazy marynistyczne reprezentują dwie odrębne interpretacje krajobrazu morskiego, każda z istotnymi różnicami w istocie. Krajobraz morski koncentruje się na morzu jako absolutnym protagonisty, spychając na dalszy plan wszelkie postacie lub sztuczne elementy, takie jak łodzie lub ludzie. Z kolei malarstwo marynistyczne podkreśla sztuczne elementy, takie jak statki i żaglowce, często przeplatające się ze środowiskiem morskim. Dzieła Entre ciel et terre Cathy Doutreligne i Sailing Regatta Oplyart Pavlova doskonale ilustrują to rozróżnienie.
Entre ciel et terre to emblematyczny przykład pejzażu morskiego, w którym morze i niebo stają się prawdziwymi bohaterami, dominującymi nad sceną swoimi odcieniami i kontrastami. Obraz przedstawia dwójkę dzieci biegnących wzdłuż plaży, postacie, które są niemal nieistotne w porównaniu z ogromem krajobrazu. Niebo góruje nad morzem z burzliwymi chmurami, tworząc scenę, w której chłodne odcienie nieba i spokojne odcienie morza harmonijnie ze sobą współdziałają. Łodzie na horyzoncie są ledwie naszkicowane, są to wizualne fragmenty, które przyczyniają się do kompozycji, nigdy nie przyćmiewając samego morza.
Natomiast Sailing Regatta Oplyart Pavlova jest doskonałym przykładem malarstwa morskiego. Tutaj łodzie są centralnym punktem kompozycji, przedstawione w żywych i dynamicznych regatach. Białe żagle, gładkie i w ruchu, są oświetlone jasnymi tonami, które oddają świeżość oceanu i poczucie wolności.
Krajobrazy miejskie
Jardin d'hiver (2024) Obraz Marie France Garrigues
Patrząc na ten pierwszy obraz, Jardin d'hiver (2024) Marie France Garrigues, scena natychmiast przenosi nas do cichego i niemal opustoszałego Paryża. Spojrzenie artystki spogląda z zaśnieżonego balkonu, gdzie kuta żelazna balustrada splata się w dekoracyjny wzór. Ulice poniżej, pozbawione przechodniów, odsłaniają atmosferę izolacji w mieście, które wydaje się zawieszone w czasie. Zimno śniegu, stonowane tony i brak postaci ludzkich przekształcają miejskość w coś eterycznego i introspekcyjnego.
Teraz, patrząc na tę scenę jeszcze raz, muszę zapytać: czy ona ci coś przypomina?
Odpowiedź ujawnia się sama, gdy ogląda się View Seen Through a Balcony (1880) Gustave'a Caillebotte'a, gdzie paryski balkon staje się absolutnym protagonistą. Również tutaj kuta żelazna balustrada natychmiast przyciąga wzrok swoimi krętymi i dekoracyjnymi motywami, wypełniając znaczną część kompozycji. Jednak w przeciwieństwie do obrazu Garrigues'a, widok ten otwiera się na Boulevard Haussmann, tętniący powozami, kolumnami reklamowymi i przechodniami, uchwytując dynamikę tętniącego życiem i nowoczesnego Paryża.
Olimpia Gaia Martinelli