Jak zdefiniować Pop Art ? Ten międzynarodowy ruch, który pojawił się w połowie lat pięćdziesiątych w Anglii , nadal błyszczy w naszym nowoczesnym społeczeństwie. Czasami uważany za bezpośredniego potomka dadaizmu, ten nurt kpi z wyciszonego świata sztuki, zawłaszczając kody popkultury , masowej konsumpcji, reklamy, przemysłu hollywoodzkiego i mediów głównego nurtu. Pop Art oferuje widzowi nowe, przystępne, zabawne, a czasem krytyczne spojrzenie na wady naszego społeczeństwa konsumpcyjnego. Dzięki barwnym i zrozumiałym pracom zaciera w ten sposób granice i hierarchie między sztukami wyższymi i niższymi, między sztukami pięknymi a sztuką popularną.
5. Tylko co sprawia, że dzisiejsze domy są tak różne, tak atrakcyjne?, Richard Hamilton
Ta praca jest słusznie uważana za pierwsze prawdziwe dzieło Pop Artu . Ten niewielki kolaż ( tylko 26x25cm ), wykonany w 1956 roku przez angielskiego artystę Richarda Hamiltona , składa się z obrazów z amerykańskich magazynów . Co więcej, tytuł tej pracy, w języku francuskim: „ Co dokładnie sprawia, że dzisiejsze domy są tak różne, tak atrakcyjne?” „Jest zainspirowany hasłem z jednego z tych czasopism, dzięki któremu powłoka promuje glebę i kolorowy design.
Klatka schodowa po lewej stronie pochodzi z reklamy odkurzacza, kulturysta pośrodku to zwycięzca konkursu Mister Los Angeles (Pan LA) z 1955 roku, kobieta na sofie po prawej z magazynu erotycznego… Praca obfituje w symbole społeczeństwa konsumpcyjnego i kultury popularnej , które w ten sposób zgrupowane razem tworzą odważną krytyczną broszurę przeciwko niedoskonałościom stereotypowego i egocentrycznego społeczeństwa .
Richard Hamilton , świadomy otwarcia wyłomu potencjalnego nowego ruchu artystycznego , zacznie w następnym roku teoretyzować Pop Art : dla niego musi to być „ popularna sztuka przeznaczona dla mas, efemeryczna, na krótką metę, konsumpcyjna. , łatwo zapomnieć, masowo produkowany, niedrogi, młody, dowcipny i seksowny ” . Niektóre z tych cech z czasem oczywiście znikną (zwłaszcza jeśli chodzi o ceny tych prac, które osiągają obecnie sumy stratosferyczne), ale inne pozostaną, nawet dzisiaj, idealnie adekwatne do tej pierwotnej definicji.
4. Spójrz Mickey , Roy Lichtenstein
Po Anglii zmieńmy kontynent, aby zainteresować się początkami amerykańskiego pop-artu. Roy Lichtenstein , psotny artysta, który wyprodukował tę pracę w 1961 roku , nie był predestynowany do zostania ikoną Pop Artu, którą znamy. Przed tym osiągnięciem wyrażał raczej swój artystyczny zapał poprzez abstrakcyjny ekspresjonizm , ruch artystyczny w dużej mierze zdominowany przez współczesnych mu Jacksona Pollocka i Willema de Kooninga .
W 1961 roku jeden z jego synów sprowokował go: pokazując mu jeden ze swoich komiksów, powiedział mu: „ Założę się, że nie umiesz tak dobrze malować!”. ” . Wyzwanie przyjęte dla Roya Lichtensteina, który pracuje nad stworzeniem monumentalnego dzieła ( 122x175cm ) inspirowanego bańką komiksową ( Kaczor Donald Lost and Found ). Ta praca, oprócz tego, że jest zabawna i estetycznie przyjemna do kontemplacji, stanowi awangardę wielu rzeczy: jest pierwszym prawdziwym dziełem sztuki, które jest otwarcie inspirowane światem komiksu , i jest to pierwsza praca, w której artysta posługuje się techniką punktów Benday ( punkty ułożone symetrycznie iw dużej ilości, które dają złudzenie jednolitego koloru wraz z odległością ). Dziś mamy tendencję do widywania Mickeya wszędzie w sztuce współczesnej: cóż, to właśnie ta praca reprezentuje pierwsze wtargnięcie słynnej myszy do świata sztuki .
3. Flaga , Jasper Johns
To imponujące dzieło swoimi wymiarami ( 107x153cm ) zostało wykonane przez Jaspera Johnsa w 1954 roku . Reprezentuje amerykańską flagę , z 48 gwiazdami odpowiadającymi różnym stanom Konfederacji w tym czasie, co z tego powodu nie obejmuje jeszcze Hawajów i Alaski. Kiedy tworzył tę pracę, Jasper Johns miał zaledwie 24 lata i właśnie został zwolniony z obowiązków wojskowych w armii Stanów Zjednoczonych. Flaga amerykańska miała więc wielkie znaczenie w jego życiu, ale w tamtym czasie znajdowała się również w centrum wiadomości.
Dzieło jest rewolucyjne przede wszystkim dzięki subtelnościom jego realizacji . Wykorzystując różne techniki, takie jak enkaustyka , kolaż ze starych gazet i malarstwo olejne , praca plasuje się na granicy między sztuką abstrakcyjną , wciąż bardzo wpływową w Stanach Zjednoczonych, a sztuką figuratywną , ponieważ przedstawiony motyw jest niezwykle zrozumiały. Przyjmując ten znany wszystkim motyw, może skoncentrować się na plastycznym wykonaniu swojego płótna , a nie na symbolice całości. Zaciera w ten sposób klasyczne podziały lektury dzieł: krytycy nie mogą już wiedzieć, czy jest to malowana flaga, czy malowanie flagi . Dla Johnsa to jedno i drugie. Jest więc wpisany w samo serce neodadaizmu , ale także u podstaw pop-artu , minimal-artu i sztuki konceptualnej .
2. Marilyn Dyptyk , Andy Warhol
Ten monumentalny sitodruk ( 205x290cm ) słynnego Andy'ego Warhola powstał w 1962 roku , tuż po śmierci Marilyn Monroe . Składa się z 50 fotografii aktorki , uchwyconych w 1953 roku podczas promocji filmu Niagara. Po lewej stronie zdjęcia są super kolorowe, ale po prawej wszystkie zdjęcia są czarno-białe. Ten wybór reprezentuje relację Marilyn Monroe między życiem a śmiercią , a także symbolizuje dwa ulubione tematy amerykańskiej artystki: śmierć i kult celebryty . Mnogość obrazów przywodzi na myśl wszechobecność ikony w mediach , ale prawa strona panelu, czarno-biała, utwierdza nas w przekonaniu, że gwiazda pozostaje śmiertelna , jednocześnie czyniąc ją wieczną na zawsze dzięki dziełu uważanemu dziś przez brytyjską gazetę Gardian jako jedno z 3 najbardziej wpływowych dzieł sztuki współczesnej na świecie .
1. Większy plusk , David Hockney
Po ostatnią pracę w tej klasyfikacji wróćmy do Anglii . David Hockney miał 30 lat, kiedy stworzył tę świetlistą i frywolną pracę . Na tym monumentalnym płótnie, podobnie jak jego towarzysze ( 2,42 x 2,43 m ), odkrywamy na pierwszym planie trampolinę, basen, potem willę. Projekcje na powierzchni wody subtelnie uświadamiają nam, że ktoś właśnie tam zanurkował.
Poza stricte malarską analizą praca zabiera nas w podróż do hedonistycznej i fantasmagorycznej Kalifornii , gdzie mieszają się celebrytka, nadmiar, uwodzenie, impertynencja i egzaltacja zmysłów. Obraz ten, trzeci w serii poświęconej basenom (element malarski, który uwielbia David Hockney), odniósł duży sukces, w szczególności dzięki obsesyjnemu i metodycznemu charakterowi jego autora : choć bardzo minimalistyczny, obraz ten wykazuje idealną symetrię : my widzi wiele linii, czystych i prostych, które układają kompozycję, aby nadać jej trochę surowej strony, która sprawia, że jest tak przyjemnie kontemplować. Rozpryski wstrząsają niejawną siatką tej sceny, pozwalając widzowi skupić się na akcji. Choć praca pozbawiona jest ludzkich postaci (co Hockney rzadko ma w zwyczaju), nadal czujemy silną obecność, nawet poza rozbryzgującą się wodą: przypomina nam składane krzesło (typowo hollywoodzkie ), zaciągnięte zasłony czy zadbana trawa. że zbliża się ludzki wygląd , a my kochamy to uczucie!
Mamy nadzieję , że ta klasyfikacja była dla Ciebie przyjemna w lekturze i kontemplacji . Miłośnikom gatunku polecamy naszą kolekcję dedykowaną Pop Artowi , skupiającą śmietankę współczesnej kreacji.
Ostrzegamy: spodoba ci się!
Bastien Alleaume (Crapsule Project)