Paul Maisonneuve

Professeur de philosophie, titulaire d’un diplôme de psychologie de l’art, Paul Maisonneuve a toujours peint.

En 2002, il rompt définitivement avec sa vie de cadre de multinationale à Paris et installe son atelier à Peypin en Provence, pour se consacrer totalement à sa passion : LA PEINTURE.

Insatiable expérimentateur de matériaux et de procédés picturaux presque aucune des œuvres de Paul Maisonneuve n’a la même texture, le même toucher ou la même sensualité.

Il utilise indifféremment tous les types de support : la toile, le bois ou les panneaux, la tôle rouillée, le plâtre gratté, le papier…

La couleur, souvent acrylique, peut être rehaussée de craie, de pastels, d’encres de chine ou d’encres d’imprimerie, de pigments naturels ou de bien d’autres matières colorantes, telles que le sulfate de fer, de cuivre, le goudron, la poudre de marbre, le sable, la colle colorée, le plâtre.

Couleurs, textures et supports sont assemblés de telle sorte qu’ils questionnent presque toujours le rapport entre la forme et le fond, ce dernier restant souvent reconnaissable dans sa matérialité.

Le motif et la texture sont réalisés soit par empreintes, contre-empreintes, ligatures, frottages, pochoirs, déchirures, grattages, gravures.

Les œuvres les plus récentes sont réalisées sur papiers marouflés, puis déchirés et font appel au principe de la lithographie.

Regroupées sous le titre « Mythologies », les œuvres les plus récentes sont pour la plupart des collages de papiers, imprimés grâce à un procédé proche de la lithographie.

L’artiste puise dans l’histoire de l’art, un ensemble de « morceaux » apparemment hétéroclites. Ces morceaux de peinture ou ces références symboliques sont alors décontextualiseés, puis réassemblées.

Chaque élément perd alors son identité d’origine, et dans le croisement interactif avec les diverses entités constitutives de l’œuvre, donne naissance à une nouvelle présence.

Le tableau toujours en attente d’interprétations provisoires suscite alors un trouble libérateur.

Un détour mythologique, par l’usage des symboles et signes universaux, permet la présence de l’infini du mythe dans le cadre fini du tableau.

La mise en scène de ces fragments mythologiques souligne les déchirures et l’impermanence du réel, mais révèle aussi des horizons de vie insoupçonnés.

Par ces temps de bouleversement social et culturel, il est sûr que ces tableaux sont actuels et qu’ils délivrent un message d’espérance.

Cette mise à distance par rapport aux yeux, laisse à la peinture toute son autonomie et au « regardant » toute sa liberté de projection et d’interprétation. Comme les visages que l’on regarde, nous avons envie de fermer à demi les yeux et c’est alors que l’on voit ; entrant comme en vibration, nous sommes envahis par de multiples sensations.

A regarder chaque tableau dans sa globalité, nous voyons d’abord des êtres sereins, sorte de « Bouddhas » méditants ou statues de pierre, qui nous prédisposent à regarder plus profondément en nous-mêmes.

L’expression déformée, caractérisée par une exagération de la largeur des yeux, aux paupières toujours closes ou mi-closes, l’élongation générale des traits, la dilatation des formes, peuvent nous faire penser à des masques africains ou à des bas-reliefs khmers.

Mais ces masques ne cachent rien derrière : ils révèlent au contraire le moi le plus intime de ceux qui les observent.

Les traits des visages sont à dominante orientale mais toujours métissés de racines occidentales ou africaines.

Mi bouddha méditant, mi athlète clignant des yeux face au soleil, ces visages expressifs nous invitent fortement à dépasser nos propres frontières mentales et nous permettent de regarder profondément en nous-mêmes.

Comme nous, prisonniers de leurs propres limites, leurs regards sans regards, tournés vers l’intérieur sont à la recherche de quelque chose qui nous élève et que nous n’avons pas encore rencontrés.

De l’Orient, notamment du Cambodge et du Tibet, où il a plusieurs fois voyagé, il emprunte la forme des yeux, à la paupière inférieure en forme de « S ».
Ces yeux de « Bouddha », renforcés par l’expression des commissures des lèvres donnent de prime abord un parfum d’orientalisme, fait de sourire et de sérénité.

En regardant mieux à la hauteur des yeux, nous découvrons souvent, à l’intersection des lignes formées par les cils, les sourcils et l’arête du nez, une forme de croix.
Selon l’angle, la focale, ou sa propre disposition de l’instant, on peut aussi imaginer à la place du Christ en croix, une danseuse les bras écartés, à l’endroit des sourcils, comme celle des paquets de gitane bleus.

Le nez, à l’arête souvent surdimensionnée, d’inspiration byzantine, l’angle de la mâchoire souvent anguleux, à l’instar d’un athlète latin, confirment l’ancrage occidental de cette peinture hybride.

Christ, gitane, athlète, Bouddha, sont tous présents mais comme indéterminés, dégageant une impression générale de liberté, de tolérance et d’infini. Tentations de l’Orient, racines occidentales, expressions mutantes comme le sont les plaques de fer rouillé qui servent souvent de support.