Suite n.2 (2025) Pittura da Paolo Cantù Gentili

Recensione critica in chiave psicoanalitico-filosofica dell’opera Suite n.2 di Paolo Cantù Gentili

Nel secondo movimento di quella che si delinea come una partitura psichica frammentata — la Suite n.2 — Paolo Cantù Gentili porta avanti la sua esplorazione del gesto primario, del segno come rivelazione e maschera insieme, immergendoci in una tensione sottile tra forma e disintegrazione, tra desiderio e dissolvenza.

Questa volta il campo cromatico si fa giallo: non un giallo solare, vitale, ma un giallo-velatura, come se la luce fosse filtrata attraverso una memoria opaca, un trauma rielaborato. Il blu, ancora una volta protagonista come nel primo quadro, taglia la superficie come un’interferenza psichica, un elemento alieno e vitale che invade la scena dell’Io.

Il ritorno del rimosso: il segno come tracciato di un desiderio
Il gesto di Cantù non è mai gratuito, ma espressione di una pulsione che cerca forma senza mai trovarne una definitiva. In Suite n.2, la linea blu si muove come il tracciato di un pensiero errante, simile a un lapsus grafico: si attorciglia, si distende, si arresta bruscamente in macchie dense che sembrano coaguli del linguaggio visivo. L’astrazione qui non è fuga dal reale, ma sua sublimazione: ciò che non può essere detto viene disegnato. Non rappresentazione, ma emanazione.

L’opera diventa così il luogo di una tensione: tra il desiderio di coerenza e la forza centrifuga dell’inconscio, tra Eros e Thanatos. Non a caso, le spirali appena accennate nel fondo, circolari e quasi ipnotiche, ricordano le ripetizioni ossessive del pensiero traumatico. Sono tracce di qualcosa che insiste, che ritorna, che non vuole dissolversi. Lacan direbbe: il reale fa ritorno là dove il simbolico fallisce.

Il fondo come campo transferale
A differenza della Suite n.1, qui il fondo non è semplicemente neutro o assente: è un luogo abitato. Le tre forme circolari, giallo su giallo, appaiono come fantasmi latenti, nuclei di senso che emergono solo a un secondo sguardo. Sono centri di energia repressa, come sogni rimossi che affiorano nel discorso cosciente dell’immagine senza mai farsi del tutto visibili. La tela stessa diventa così un campo transferale: noi, spettatori, siamo chiamati a proiettare, a desiderare, a interpretare. L’opera non si offre come verità, ma come dispositivo analitico.

Il gesto come atto e come fallimento
Il gesto pittorico di Cantù può essere letto come un atto psicoanalitico: non illustra, ma mette in scena il fallimento della rappresentazione, e proprio in questo fallimento apre uno spazio autentico. L’enigmatica forma centrale — a metà tra una lettera, una figura danzante e un ideogramma alieno — è il segno di un senso che non si compie mai, ma che insiste. È la scrittura del soggetto nella sua scissione, nel suo desiderare senza oggetto.

Kuspit ci ha insegnato che l’arte contemporanea più radicale non cerca più di rappresentare il mondo esterno, ma di mappare il paesaggio dell’anima. In Suite n.2, Cantù si pone proprio in questa linea: la tela è il luogo dell’incontro tra pulsione e materia, tra linguaggio e corpo.

Conclusione: pittura come spazio analitico
Paolo Cantù Gentili in questa Suite n.2 costruisce una tela che è al tempo stesso superficie e abisso. Un campo giallo che non illumina ma confonde, una linea blu che non unisce ma seziona, e forme appena visibili che ci ricordano che sotto ogni visione c’è un rimosso che pulsa. È un’opera che non vuole piacere, ma perturbare. Non cerca di essere capita, ma di essere attraversata.

In definitiva, come ogni buon sogno o sintomo, anche questo quadro non dice tutto. Lascia tracce, indizi, possibilità. E ci costringe — come ogni analisi riuscita — a ritornare su noi stessi.