Kunstquiz: raad de kunsttechniek!

"BEDRIJF TEZETA" (2022) Schilderij van Romain Fontaine (Neist)

Elke keer dat we een boek over kunst lezen, naar een museum, tentoonstelling of galerie gaan, kunnen we live of op papier een wisselend aantal kunstwerken bewonderen, altijd vergezeld van de naam van de auteur, de titel van de werk, het jaar van uitvoering, de techniek, de afmetingen en de plaats van bewaring. De kijker, verwend met voorverpakte informatie, wordt nooit gevraagd zijn kritische zin te ontwikkelen door zelf te proberen te achterhalen welke techniek de kunstenaar bijvoorbeeld gebruikte. Een dergelijke vraag, die zeker zijn nieuwsgierigheid zou stimuleren en hem ertoe zou brengen meer interactie te hebben, zowel met het werk als met de referentiebibliografie, evenals informatie met betrekking tot de verschillende eigenaardigheden van benaderingen van picturale kunst, wordt de hoofdrolspeler van deze verhaal, dat onsterfelijke meesterwerken zal illustreren, vergezeld door het gebruik van een "geheime" techniek, die pas aan het einde zal worden onthuld. Het belangrijkste thema dat dit iconografische verhaal zal verenigen is, nogmaals, het vrouwelijke onderwerp, dat, samen met landschappen en stillevens, onmogelijk te ontsnappen is als het gaat om de meer "bekende" en traditionele kunst. Toegevoegd aan dit thema is er een kenmerkende en wijdverspreide helderheid en ondoorzichtigheid van de onderzochte werken, die, neigend naar parelachtig, de beeltenis een interpretatie geven die onontkoombaar verband houdt met het gebruik van de mysterieuze techniek in kwestie, die ik heb hernoemd: "Miss X ." Beginnend met het eerste meesterwerk, van de Parijse schilder François Boucher, getiteld The Birth and Triumph of Venus en gedateerd c. 1743, het beeldt een sensueel liggende Venus af die een witte duif aan haar lichaam wil vasthouden, terwijl ze wordt omringd door een groot aantal bewonderaars die vakkundig om haar heen zijn verdeeld, onder wie de naiads opvallen, die de godin rode koralen en andere zeeschatten presenteren, twee tritons strijden om de aandacht van Venus en putti die zowel op zee als in de lucht eer bewijzen aan de mooiste vrouw. Ondanks al dit feest lijkt Venus weinig aandacht te schenken aan haar omgeving en blijft ze in een statische, peinzende houding die haar gevoeliger maakt voor het stille, zachte verenkleed van het dier van de vrede. In plaats daarvan een reflectie op de titel van het werk, zinspeelt het op zowel de geboorte als de triomf van de godin en bevindt het zich "halverwege" tussen Botticelli's iconische Birth of Venus (1485) en Bronzino's The Allegory of the Triumph of Venus (1540-46) . In het eerste geval, waarbij Boucher naast de Toscaanse meester wordt geplaatst, wordt duidelijk hoe het meesterwerk uit 1743 de zware, maar toch lichte aanwezigheid van de sint-jakobsschelp mist, een schelp die eigenlijk alleen wordt genoemd in de eerste-eeuwse versie van de mythe door de Isiac-priester Isidore . Over Bronzino gesproken, Boucher keek waarschijnlijk naar het voorbeeld van de Italiaan voor de overbevolking in zijn schilderij, hoewel hij niet zo ver ging dat alle hoofdrolspelers, hoewel ze naar Venus verlangen, niet zo brutaal tegen haar durven strijken.

François Boucher, De geboorte en triomf van Venus , omstreeks 1743. Los Angeles: Getty Museum.

Joseph Mallord William Turner, Een dame in een zwarte zijden jurk zittend op een roze sofa , 1827. London: Tate.

Henri de Toulouse-Lautrec, De twee vrienden , 1895. Zürich: Fondation et Collection Emil G. Bührle.

Als we doorgaan met de manifestaties van "Miss x", komen we bij een weinig bekend meesterwerk van Joseph Mallord William Turner, zoals A Lady in a Black Silk Dress Seated on a Pink Sofa (1827), gericht op het vereeuwigen van een vrouw, waarschijnlijk peinzend, die in de privacy van haar huis wordt omringd door kostbare schilderijen. Dit informele en onvoltooide werk, zozeer zelfs dat pigmenten in elkaar overvloeien, wat resulteert in zeer diffuse lijnen, kan qua onderwerp, maar niet qua techniek, worden vergeleken met het werk van de vader van het interieur met vrouwelijke figuren bij uitstek -Johannes Vermeer. Met name het werk van Turner, vol met portretten erin, zou kunnen worden "geplaatst" naast De vrouw die een brief voor het raam leest (ca. 1657), een olieverf op doek van de Nederlandse meester, die pas onlangs is gepubliceerd. gevonden om er een schilderij in te "huisvesten" dat Cupido afbeeldt, bedoeld om, zelfs in deze context, de versmelting van kunst met kunst schaamteloos te maken. Op dit punt in het verhaal verlaat de mysterieuze techniek het interieur om meer 'vrijheid' te vinden in het lichtgevende groen dat Cow Keeper, Eragny, (1887) schilderij van Camille Pissarro binnendringt, waarin een rustende herderin een van de liefste van de Franse meester oproept. en de meeste utopische visies, bedacht met de bedoeling kijkers kennis te laten maken met de visie van idyllische boerensamenlevingen. Maar wist Pissarro dat een paar jaar eerder een andere Italiaanse kunstenaar zelfs zo ver was gegaan om de dieren van de herders te 'zegenen'? Dit is Giovanni Segantini's The Blessing of the Sheep (1884), een werk, geschilderd vóór de Divisionist-experimenten van de meester, waarin een priester wordt afgebeeld bovenaan een gebogen trap, met de bedoeling drie misdienaars hem de instrumenten voor de zegening te laten brengen, terwijl , hieronder, nadert een kudde schapen onbewust. Voordat we de naam van de geheime techniek onthullen, laten we The Two Friends (1895) van Henri de Toulouse-Lautrec bekijken, een werk dat net als vele andere, zoals bijvoorbeeld Courbets The Sleep (1866), evenals de vele interpretaties van Sappho, waren hun tijd ver vooruit en toonden expliciet al die typische vrouwelijke medeplichtigheid, die vaak het andere geslacht op de achtergrond en met een zekere jaloezie laat observeren (ik lach). Over het meesterwerk uit 1985 gesproken, het werk toont de gasten van een Parijse gesloten huis die de schilder dierbaar was, die van jongs af aan deze plaatsen bezocht, juist om zijn favoriete modellen te observeren en te portretteren, die in totale intimiteit handelden. Hoewel het vandaag de dag wordt gezegd, klinkt het misschien wat bizar, en misschien, of bijna zeker, zelfs destijds, ging de Franse meester, om de bovengenoemde bedoeling na te streven, zelfs zo ver dat hij naar een echt bordeel verhuisde, een plek waar visuele prikkels , etc. kon hij zeker niet missen. Om wat serieuzer terug te komen, onderscheiden alle belangrijke werken die ik heb genoemd, afgezien van de werken die mij hebben geholpen bij hun beschrijving, zich doordat ze zijn uitgevoerd met de gouache-techniek. De laatste, die een zeer oude oorsprong heeft, lijkt een soort dekkende aquarel te zijn, omdat het, net als de laatste techniek, een verf op waterbasis is die is samengesteld uit natuurlijk pigment, water en bindmiddel. Het verhaal over de voormalige "Miss x" gaat verder vanuit het standpunt van Artmajeur-artiesten, in het bijzonder Jose Luis Montes, Stephen Grossman en Iuliia Petrushenko.

"SILENT" (2018) Schilderij van Natalia Nozdrina.

"AIR" (2018) Schilderij van José Luis Montes

José Luis Montes: Lucht

We introduceren de gouache van Montes door te verwijzen naar de eigen woorden van de kunstenaar, bedoeld om het verband te beschrijven tussen de afgebeelde onderwerpen en zijn specifieke poëtica van de werkelijkheid: "Dit werk is een allegorie van het leven, zoals wanneer de paardebloembloem wordt geblazen, de zaden worden verspreid en een nieuwe cyclus begint. De blouse van de vrouw is groen, omdat het de kleur van de natuur is, haar haar is blauw, een symbool van spiritualiteit, en de roze achtergrond straalt positiviteit, onschuld en warmte uit.' Kortom, het concept dat ten grondslag ligt aan het werk, aangegeven door de titel zelf, is het element lucht, dat in dit geval een essentieel voortzettingsprincipe wordt van de eerder genoemde bloemensoort. Een dergelijke "labiele" en "niet-substantiële" adem komt in dit specifieke geval tot uiting door een typisch en eenvoudig alledaags gebaar: de adem van een maagd, die met een duidelijke bedoeling nieuw leven op aarde verspreidt. Aan deze hoofdvisie van het werk worden de boodschappen toegevoegd die worden gelanceerd door de eerder genoemde vakkundig ontworpen kleurdetails, die verwijzen naar sleutelbegrippen van het menselijk bestaan en overleven, zoals natuur, spiritualiteit, positiviteit, onschuld en warmte. Binnen de kunstgeschiedenis manifesteert de combinatie paardenbloem en gouache zich in het werk van bekende meesters, zoals bijvoorbeeld Barbara Regina Dietzsch en Claude Monet. In de hedendaagse kunst zijn de eigenaardigheden van bovengenoemde soorten daarentegen terug te vinden in het werk van Duy Anh Nhan Duc, een botanisch kunstenaar die gespecialiseerd is in het creatief schikken van tere bloemen in een soort bloemenvakmanschap, waarin de serie over paardebloemen verschijnt in alle nauwkeurigheid van zijn luchtige opstelling, gericht op het vermengen van de kwetsbaarheid en poëzie die inherent zijn aan zijn wezen. Aan de praktische kant vindt zijn artistieke benadering van paardebloemen op verschillende manieren plaats: Duy Anh Nhan Duc kan de hele, volwassen bloemen gebruiken terwijl ze intact blijven, hij kan alleen hun kleine zaadjes rangschikken in perfecte, etherische patronen, of hij kan de twee weergaven.

"BOUW" (2010) Schilderij van Stephen Grossman.

Stephen Grossman: Bouw

Grossmans schilderij concretiseert de realisatie van een ingewikkeld geometrisch abstractionisme, door het gebruik van de ondoorzichtige techniek van gouache, die zich, door Matisse's oudere standpunt, al had gemanifesteerd in een soortgelijk, zij het minder labyrintisch, gezichtspunt. Het werk van de Franse meester in kwestie is The Snail (1953), dat, zoals de titel zelf suggereert, het langzaam bewegende dier verbeeldt door middel van een reeks gekleurde vormen, die, gerangschikt in een spiraal, complementaire kleuren combineren. Waaraan is Matisse's interesse in gouache te danken? De kunstenaar, die na 1948 om gezondheidsredenen niet meer kon schilderen, wijdde zich bedlegerig aan een reeks werken gemaakt in de bovengenoemde techniek, die, vergezeld van de praktijk van decoupage, tot stand kwam in snijdend of scheurend papier beschilderd met gouache. De uit deze benadering verkregen vormen werden geplaatst en geplakt door een assistent die werkte onder leiding van de meester, die onthulde hoe de techniek hem in staat stelde om in kleur te tekenen, door een vereenvoudiging: "In plaats van de omtrek te tekenen en de kleur erin te plaatsen, de een wijzigt de ander, ik teken direct in kleur." Tot slot is het goed om duidelijk te maken hoe door middel van de eerder genoemde spiraalvorm de gelaatstrekken van het dier materialiseerden in het hoofd van de kunstenaar, die verklaarde: "Allereerst tekende ik de slak uit de natuur, terwijl ik hem in mijn hand hield. Ik merkte dat het zich afrolde, vond in mijn hoofd een beeld gezuiverd uit de schaal, toen pakte ik de schaar." Dienovereenkomstig, opnieuw verwijzend naar de titel van het werk, kunnen we speculeren hoe de gouache van Grossman verwijst naar een hoog, slank gebouw met veel verdiepingen en ingewikkelde terrassen, voor een visie ergens tussen abstractie, verbeelding en realiteit.

"MOMENT" (2023)Schilderij van Iuliia Petrushenko.

Iuliia Petrushenko: Moment

Een bekende gouache- en aquarelzonsondergang is Turner's The Scarlet Sunset (1830-40), een meesterwerk waarin het rood van de wolken wordt weerspiegeld in het water, om zelfs in delen van de architectuur en vegetatie harmonieus terug te vinden. Het enige dat in de verte waarneembaar is, is een stedelijk landschap, waarin de aanwezigheid van een lange brug opvalt, die wordt bekroond door de zon en "omringd" door lichtreflecties, met de "schetsachtige" vorm van de "gele kruip van een slang. " Als we nu naar Petrushenko's gouache kijken, kunnen we ons bijna voorstellen dat we een vergrootglas pakken om in de wolken van Turner te 'vliegen', die zich ongeveer 182 jaar geleden onderscheidde als een van de grootste geleerden van de weergave van de atmosfeer en zijn componenten. Bovendien, nog steeds over wolken gesproken, een andere Engelse meester was er ook buitengewoon door gefascineerd, we spreken van John Constable, die, beïnvloed door de theorieën van Luke Howard, dergelijke hydrometeora zowel als een gevoelsorgaan als een meteorologisch fenomeen ging interpreteren. In tegenstelling tot Constable waren de drie basistypen wolken die Luke Howard identificeerde te beperkend voor de romanticus Caspar David Friedrich, een Duitse kunstenaar die in de natuur alle mogelijke en oneindige schakeringen van zijn zag. In plaats daarvan verwijzend naar de titel van het werk van de Artmajeur-kunstenaar, lijkt het in plaats daarvan een moment in het leven vast te leggen, in dit geval gemarkeerd door het passeren van een klein vliegtuig, waarvan de aanwezigheid ons lijkt te herinneren aan alle onbeduidendheid van de mens in het aangezicht van de onmetelijkheid van de wolken van de schepping.