De fundamentele principes van het Italiaanse futurisme: snelheid, beweging en technologie

Futurisme: een explosie van moderniteit

Het futurisme ontstond in 1909 als een kreet van breuk. De beweging, onder leiding van de dichter Filippo Tommaso Marinetti, maakte haar eerste publieke optreden op 20 februari 1909 met het Manifest van het Futurisme , dat eerst werd gepubliceerd in La Gazzetta dell'Emilia en daarna op de voorpagina van Le Figaro , het meest gelezen dagblad van Frankrijk. Het was het begin van een ideologische en culturele campagne die Italië – en ver daarbuiten – zou doen schudden door het verleden symbolisch te vernietigen om de toekomst, snelheid, technologie en stedelijke moderniteit te verheerlijken.

Het futurisme ontstond in Milaan, maar verspreidde zich snel naar Turijn, Napels en later ook naar het buitenland. Het is gebaseerd op een alliantie tussen literatuur, beeldende kunst, muziek, architectuur en zelfs gastronomie. Marinetti was de onvermoeibare promotor, maar de visuele ziel van de beweging was Umberto Boccioni, begeleid door Giacomo Balla, Gino Severini, Carlo Carrà en Luigi Russolo. Samen hielpen ze een nieuwe, dynamische en gefragmenteerde kunst te definiëren die reageerde op de hectiek van het moderne leven.

Tot slot is het belangrijk om te benadrukken dat deze beweging is opgebouwd rond drie fundamentele principes die de esthetische en ideologische identiteit ervan sterk definiëren: snelheid, beweging en technologie. Voor de futuristen zijn deze concepten veel meer dan terugkerende thema's. Ze vormen concrete instrumenten voor artistieke revolutie, middelen waarmee kunst een directe weerspiegeling wordt van de energie, het ritme en de transformatie van de moderne wereld. Laten we nu eens gedetailleerd bekijken hoe elk van deze elementen bijdraagt ​​aan de ontwikkeling van de futuristische visie.

Umberto Boccioni, De stad stijgt , 1910–1911. Olieverf op doek. MoMA, New York.

1. Snelheid: energie in beweging

Voor de futuristen was snelheid een echte seculiere religie, een symbool van de transformerende kracht van de moderniteit. Auto's, treinen en vliegtuigen werden vereerd als de nieuwe industriële goden. Marinetti ging zelfs zo ver om te zeggen dat "een racewagen... mooier is dan de Gevleugelde Nikè van Samothrake", waarmee hij het klassieke idee van schoonheid ondermijnde om de kracht en het gebrul van de motor te verheerlijken. In de schilderkunst vertaalde dit zich in snelle penseelstreken, diagonale lijnen en composities die letterlijk van het doek leken te springen.

De verheerlijking van de vooruitgang ging gepaard met een agressieve visie op de realiteit: oorlog, die Marinetti ‘de enige hygiëne ter wereld’ noemde, werd gezien als een drijvende kracht voor vernieuwing. Deze houding leidde ertoe dat de groep zich eerst aansloot bij het nationalisme en vervolgens bij het fascisme. Dit had een ambivalente invloed op de ontvangst van de beweging.

Een treffend voorbeeld: Il lavoro (later De stad rijst ) van Boccioni, gemaakt in 1910, markeert de geboorte van de futuristische schilderkunst. Het is een stedelijk tafereel dat doorkruist wordt door een storm van kleuren en krachten, die de opkomst van een nieuw tijdperk symboliseert. De tentoonstelling van 1911 in Milaan – eveneens georganiseerd ter ondersteuning van werklozen – toonde duidelijk de link tussen kunst, sociale actie en moderniteit. Laten we dit werk eens wat beter bekijken...

Analyse van een snel werk
The City Rises van Umberto Boccioni, het levendige hart van het futurisme, is niet zomaar een schilderij: het is een visuele explosie van kracht, energie en oncontroleerbare snelheid. Dit werk werd tussen 1910 en 1911 gemaakt en belichaamt de essentie van het futuristische ideaal: de viering van de vooruitgang als een onweerstaanbare impuls naar de toekomst, belichaamd in de fysieke kracht van de mens en de razernij van voortgestuwde dieren. Boccioni vertelt geen scène, hij transformeert deze in pure dynamische spanning. De bouwplaats in Milaan, met de gebouwen in aanbouw en de schoorstenen op de achtergrond, wordt het symbolische decor voor een stedelijke en sociale revolutie, terwijl in het centrum een ​​echte botsing tussen natuur en moderniteit plaatsvindt.

Het rode paard in het midden, dat in zijn race bijna mythisch is, wordt het middelpunt van de beweging. Dit is geen gewoon dier, maar een symbool van oerenergie die de mens tevergeefs probeert te temmen. Hun uitgestrekte armen, hun aangespannen spieren, de schuine lijnen die hen kruisen, weerspiegelen een bijna heldhaftige inspanning. Toch is er in deze strijd geen sprake van drama of pijn: er is enthousiasme, er is wilskracht. Voor Boccioni is de moderne mens de schepper van een nieuw tijdperk, waarbij fysieke inspanning een verheffing wordt, een daad van verovering. In tegenstelling tot andere futuristische werken verheerlijkt dit werk niet de machine, maar de menselijke snelheid – levendig, sculpturaal, dynamisch.

Boccioni's techniek verwerpt elke vorm van fixatie. De draadachtige penseelstreken, die zijn overgenomen uit het divisionisme, volgen de wetten van de snelheid. Ze bouwen geen vaste massa's, maar tekenen krachtlijnen. Alles is in beweging: kleur, ruimte, lichamen. Het perspectief is nog steeds aanwezig, maar het wordt overschaduwd door de dynamiek van de figuren die zich naar de toeschouwer toe projecteren. Het lijkt alsof het schilderij uit het doek wil komen en ons in zijn waanzin wil meesleuren. Er is geen ankerpunt: het oog springt van een paard naar een arbeider, gevangen in een wervelwind van vormen en kleuren die moderniteit schreeuwen.

In deze visuele wervelwind verandert The City Rises in een liefdesverklaring van futuristische snelheid. Dit is geen simpele weergave van het heden, maar een profetische visie: de wereld verandert, wordt opgebouwd en versnelt. De stad – het opperste symbool van de moderne beschaving – is nog niet voltooid, maar ze ‘verrijst’, ze verrijst met het momentum van hen die nooit achterom kijken. En in dit momentum zijn mannen en paarden niet langer passieve figuren, maar de mythische hoofdrolspelers van een nieuw tijdperk.

Giacomo Balla, Dynamiek van een hond aan de lijn , 1912. Olieverf op doek, 89,8 × 109,8 cm. Albright-Knox Kunstgalerie, New York.

2. Beweging: dynamiek als taal

Het futurisme maakte van beweging een grondbeginsel. In tegenstelling tot academische schilders wilden de futuristen het gebaar, het ritme en de overgang vastleggen. Zo ontstond het plastische dynamiek , het gelijktijdig weergeven van verschillende fasen van een handeling.

In het Manifest van de futuristische schilders (1910) verklaarden Boccioni en zijn collega's de oorlog aan de cultus van het verleden en riepen op tot een kunst die transformatie en stedelijke razernij vierde. Vandaar dat technieken werden toegepast die waren geïnspireerd op het divisionisme en het kubisme, maar dan levendiger en gefragmenteerder: gefragmenteerde beelden, over elkaar heen gelegde vormen, zuivere en intense kleuren.

Het concept van krachtlijnen – overgenomen uit het kubisme – werd een centraal visueel element. Deze lijnen wekten de illusie dat de figuren bewogen, waardoor het doek veranderde in een soort levend fotogram. De invloed van bewegingsfotografie (Muybridge, Marey) bracht de gebroeders Bragaglia ertoe de fotodynamiek te ontwikkelen, een fotografische techniek waarmee gebaren onscherp en in volgorde worden vastgelegd, en die daarmee vooruitliep op de experimentele cinema.

Het futurisme onderzocht ook andere vormen van bewegende kunst: Russolo vond nieuwe muziekinstrumenten uit en schreef Die Kunst der Lawaai (1913), terwijl Bragaglia de film Thaïs (1916) regisseerde, de enige bewaard gebleven futuristische speelfilm, die bekend staat om zijn abstracte en dynamische settings.

Analyse van een werk in beweging
In 1912 schilderde Giacomo Balla Dynamiek van een hond aan de lijn , een werk dat de viering van beweging, een van de fundamentele principes van het futurisme, volledig belichaamt. Ik heb juist dit schilderij gekozen omdat het op een directe en visuele manier de dynamische energie weergeeft die de futuristen in de kunst wilden leggen en waarmee ze braken met de onbeweeglijkheid van de traditionele schilderkunst. De scène toont een vrouw die met haar hond over een trottoir loopt. Maar het is niet het verhaal dat Balla interesseert: het is de beweging, de snelheid, het hectische tempo van het moderne leven. De kunstenaar kadert het tafereel met de voeten van de vrouw, de zoom van haar jurk, het lijf van de hond en de riem in, waarbij hij de beelden vermenigvuldigt en over elkaar heen legt in een volgorde die de indruk van voortdurende beweging creëert.

Dit is niet alleen een stijloefening. Balla bereikt een ware visuele revolutie: door de transparante en ritmische overlapping van benen, staarten en bewegende stoffen transformeert hij de actie in een ononderbroken stroom. Deze techniek, beïnvloed door de chronofotografie van Étienne-Jules Marey, stelt de kunstenaar in staat om tijd en beweging op een vast oppervlak weer te geven, waardoor het doek trilt van energie. De herhalende, golvende lijnen van de riem verbinden de hond en zijn baasje symbolisch en versterken hun dynamische band.

Het werk geeft niet alleen beweging weer: het vergroot het en plaatst het in het middelpunt van de visuele ervaring. Niets in dit beeld is vast of beschouwend. Elk element draagt ​​bij aan een explosie van vitaliteit en zelfs de achtergrond, met de diagonale lijnen van het trottoir, lijkt in de tegenovergestelde richting te bewegen, waardoor het gevoel van snelheid wordt versterkt. Dynamiek van een hond aan de lijn is dus niet alleen een voorbeeld van futuristische kunst, maar ook een statement van een intentie: het futurisme wil de schilderkunst bevrijden van haar onbeweeglijkheid en haar een weerspiegeling maken van de moderne wereld – een wereld van race, urgentie en transformatie.

Alfredo Gauro Ambrosi, Aeroritratto di Mussolini aviatore , 1930. Privécollectie.

3. Technologie: motor van de verbeelding

Vanaf de eerste manifesten heeft technologie zich ontwikkeld tot een pijler van futuristische esthetiek, niet alleen als een onderwerp dat gerepresenteerd moet worden, maar ook als een creatief en conceptueel hulpmiddel. De futuristen maakten gebruik van nieuwe technologieën op het gebied van drukwerk, communicatie en transport om hun ideeën door heel Europa te verspreiden, zelfs over de landsgrenzen heen. De tentoonstellingen in Parijs (1912), Londen en Berlijn droegen bij aan de internationale ontwikkeling van het futurisme tot een artistieke beweging.

Ook in het beeld is de invloed van de machine en de industriële wereld merkbaar. In Unique Forms of Continuity in Space (1913) transformeert Boccioni het menselijk lichaam tot een mechanisch geheel, waarbij hij anatomie en techniek samenvoegt. De futuristische architect Antonio Sant'Elia ontwerpt verticale steden met verkeer over meerdere verdiepingen, met een esthetiek die doet denken aan Art Deco en sciencefiction.

Futuristische kunst opende zich ook voor grafiek, reclame, meubilair en aeropainting: schilderkunst geïnspireerd door het uitzicht op de wereld vanuit de lucht, zoals dat van een piloot in de lucht. In de jaren dertig herleefde de beweging door fotografische posters en experimenten met meerdere negatieven, uitgevoerd door kunstenaars als Tato (Guglielmo Sansoni).

Het futurisme is nooit een strikt Italiaans fenomeen geweest. In Rusland ontwikkelde het Kubofuturisme soortgelijke ideeën, terwijl het zich onafhankelijk van Marinetti opstelde. In Japan hebben kunstenaars als Gyō Fumon en Seiji Tōgō de futuristische taal opnieuw geïnterpreteerd met een oosterse gevoeligheid. In de Verenigde Staten produceerde Joseph Stella werken als Battle of Lights, Coney Island (1913–14), waarin licht en beweging een industriële dans vormden.

Analyse van een technologisch werk
Het Luchtportret van Mussolini van Alfredo Gauro Ambrosi is een opmerkelijk werk vanwege zijn visuele kracht en ideologische ambitie. Het werk werd gemaakt in de jaren dertig, midden in het fascistische tijdperk, en moet vandaag de dag niet worden gezien als een politieke verheerlijking, maar als een weerspiegeling van de historische en culturele context van die tijd: een tijd waarin het totalitaire regime alle kunstvormen doordrong en propaganda zich vermengde met esthetisch onderzoek. De analyse van dit werk is dan ook niet zozeer gericht op een moreel oordeel als wel op het begrijpen van de visuele taal die uitdrukking geeft aan de spanningen, visies en ambities van het Italië van die jaren.

Ambrosi, een vertegenwoordiger van de tweede generatie futuristen, sloot zich in de jaren dertig aan bij Aeropainting , een van de meest fascinerende takken van het futurisme. Deze trend, die in 1929 in het manifest Prospettive di volo werd geformuleerd, zag vliegen als een revolutie in de perceptie. Vliegen maakte het mogelijk om de wereld vanuit een nieuw, dynamisch en duizelingwekkend perspectief te zien: ‘een absoluut nieuwe realiteit’, in de woorden van Marinetti, Depero, Prampolini en andere ondertekenaars. Het was deze nieuwe realiteit die inspireerde tot composities waarin technologische visie en symbolische spanning met elkaar verweven waren.

In deze aeroritrato combineert Ambrosi een luchtfoto van Rome met het monumentale profiel van Benito Mussolini, die als een levend beeldhouwwerk uit de straten en gebouwen tevoorschijn komt. Het gezicht van de Duce is niet zomaar een afbeelding van de stad: het is de stad. Het Colosseum, de straten van het centrum en de Romeinse monumenten vloeien over in zijn gelaatstrekken, waardoor de man en de natie tot één visueel geheel worden samengevoegd. De propaganda-intentie is duidelijk: Mussolini wordt gepresenteerd als de directe incarnatie van Italië, geworteld in een duizendjarige geschiedenis, maar gericht op een gemechaniseerde en moderne toekomst.

Naast de politieke retoriek is het vooral de manier waarop technologie en artistieke visie samenkomen die dit werk zo bijzonder maakt. Het beeld ontstaat uit het gevoel van vliegen, van het vliegtuig als instrument dat de perceptie van ruimte en tijd radicaal verandert. De kunstenaar gebruikt een luchtperspectief, vergelijkbaar met dat van een vliegende periscoop, wat het traditionele aardse perspectief omdraait. De compositie volgt niet langer de klassieke regels van het perspectief: het wordt een dynamische, gefragmenteerde en uitgesproken futuristische ervaring. Het werk is daarmee een krachtige synthese tussen politieke boodschap, technologische verbeelding en perceptieve revolutie.

Ontdek onze selectie geïnspireerd door het futurisme

De onsterfelijke geest van het futurisme

Het futurisme was in zijn meest intense fase (1909-1916) een revolutionaire vonk die de manier waarop naar kunst werd gekeken voorgoed veranderde. Door de verheerlijking van snelheid, beweging en technologie creëerde de beweging een nieuwe visuele en intellectuele taal, die van invloed was op het Duitse expressionisme, dadaïsme, metafysische kunst, Engels vorticisme en hedendaagse architectuur en cinema.

Na de Eerste Wereldoorlog en de dood van Boccioni en Sant'Elia verdween het futurisme niet, maar onderging het een transformatie. In de jaren twintig en dertig paste hij zich onder Marinetti aan een nieuw tijdperk aan, hoewel zijn connectie met het fascisme zijn nalatenschap deels heeft overschaduwd. En toch leeft zijn geest voort: in de grafische vormgeving, het design, de cinema en in elke kunstvorm die de toekomst durft te verbeelden als een energie die alle grenzen doorbreekt.