1.775 Resultaten voor "color pencil"

Blader door een exclusieve selectie van originele kunstwerken over color pencil

Onze online kunstgalerie biedt de grootste collectie originele kunstwerken online, waaronder een exclusieve selectie van color pencil kunstwerken van opkomende en beroemde kunstenaars van over de hele wereld. Artmajeur biedt inderdaad miljoenen kunstwerken zoals schilderijen, sculpturen en foto's van de grootste hedendaagse kunstenaars van vandaag!

Koop veilig alle kunst waar je van houdt op Artmajeur
Bent u op zoek naar color pencil kunstwerken te koop ? Je kunt veilig schilderijen over color pencil kopen , maar ook sculpturen, foto's of tekeningen: al je aankopen vallen onder ons retourbeleid van 14 dagen, zonder vragen! Kunstwerken die op de galerij worden gepresenteerd, worden verkocht tegen een gegarandeerde prijs, met gratis verzending.

Vind "color pencil" schilderijen en kunstwerken bij jou in de buurt
Met de geografische zoekmachine op Artmajeur kunt u ook kunstwerken bij u in de buurt vinden, op deze manier kunt u gemakkelijk originele kunst vinden in uw stad, regio of elke locatie die u kiest. Sommige verkopers kunnen ook zelf pakketten bezorgen als hun studio dicht bij jouw locatie is gevestigd.

Ontvang een aangepaste selectie van schilderijen en kunstwerken
Een perfecte manier om uw huis zo geïndividualiseerd mogelijk te maken, is met een op maat gemaakte selectie van kunstwerken. De kunstwerken worden beschikbaar gesteld in uw keuze van onderwerpen, maten, genres, vormen, stijlen, thema's, kleuren en onderwerp. Als u een kunstcollectie heeft die bestaat uit honderden schilderijen, al dan niet met de hand geschilderd, kunt u degene kiezen die uw interesses het beste weergeven.

Om schilderijen voor uw collectie te selecteren die bij uw smaak en stijl passen, kunt u de opties in het zijmenu gebruiken. Door simpelweg opties zoals kleur, thema, prijs, onderwerp te selecteren, wordt uw selectie automatisch bijgewerkt. Je kunt ook alle kunstwerken die je leuk vindt als favoriet opslaan: zo kun je je persoonlijke favorieten bewaren voor toekomstig gebruik. Als u uw kunstwerken met anderen wilt delen, kunt u uw collecties ook openbaar maken, het is een creatieve manier om uw favoriete kunst te delen met andere kunstliefhebbers, vrienden of zelfs klanten.

Vraag een kunstadviseur om je te helpen bij het vinden en kopen van kunst om je collectie op te bouwen

Er kan een groot aantal kunstwerken zijn gerelateerd aan color pencil : Of je nu voor de eerste keer online koopt of al een frequente koper bent, het kan zowel intimiderend als tijdrovend zijn om het juiste kunstwerk online te vinden:

• Hoe maak je de juiste keuze en koop je het juiste kunstwerk?
• Hoe betaal je de beste prijs voor een origineel kunstwerk?
• Hoe navigeer je door het grote aantal beschikbare collecties?

Ons team van kunstadviseurs staat voor je klaar: Artmajeur wil het online kopen van kunst gemakkelijk en veilig maken. Al onze kunstwerken worden geleverd met een 100 procent geld-terug-garantie, zodat u zich volledig veilig voelt over uw online aankoop bij ons.

We hebben een platform gecreëerd waar kunstenaars hun kunstwerken rechtstreeks op onze website kunnen uploaden om u te helpen het perfecte stuk te vinden. Blader door duizenden prenten, sculpturen en schilderijen van hedendaagse topartiesten. Prijzen variëren van zeer betaalbare kunstwerken tot zeer waardevolle stukken om in te investeren, afhankelijk van het type en de grootte van het kunstwerk dat u zoekt en uw ruimtevereisten. Het is verbazingwekkend om de verscheidenheid aan originele kunstwerken online te zien. Artmajeur heeft het allemaal, of je nu op zoek bent naar een mooi en duur olieverfschilderij of een meubelstuk voor in huis.

Oosterse kunst: een breed scala aan creativiteit uit verschillende culturen

Er is een grote verscheidenheid aan artistieke tradities uit heel Azië die de geschiedenis van de Aziatische kunst vormen. Centraal-Azië, Oost-Azië, Zuid-Azië, Zuidoost-Azië en West-Azië zijn de meest prominente delen van het Aziatische continent.

Oost-Aziatische kunst omvat de culturen van China, Japan en Korea, terwijl Centraal-Aziatische kunst wordt gedomineerd door creaties van de Turkse volkeren van de Euraziatische steppe. Zuidoost-Aziatische kunst bestaat uit de kunst van Thailand, Laos, Vietnam, Singapore, Indonesië en de Filippijnen, terwijl Zuid-Aziatische kunst verwijst naar de kunst van het Indiase subcontinent. Kunst uit het Nabije Oosten, of West-Azië, omvat Mesopotamische kunst uit de oudheid en islamitische kunst uit de moderne tijd.

De evolutie van de Aziatische kunst is in veel opzichten vergelijkbaar met die van de westerse kunst. Culturen vermengden zich via middelen zoals de overdracht van kunst langs de zijderoute, culturele uitwisseling tijdens het tijdperk van ontdekking en kolonisatie, en via internet en de huidige globalisering. Als we de kunst van het stenen tijdperk buiten beschouwing laten, is de kunst van Mesopotamië de vroegste kunst in Azië.

Centraal-Aziatische kunst

Het hedendaagse Kirgizië, Kazachstan, Oezbekistan, Turkmenistan, Azerbeidzjan, Tadzjikistan, Afghanistan, Pakistan en sommige regio's van het huidige Mongolië, China en Rusland worden allemaal beschouwd als onderdeel van de Centraal-Aziatische regio, waar een rijke geschiedenis en een grote verscheidenheid aan artistieke tradities. Centraal-Aziatische kunst van de oudheid tot de middeleeuwen illustreert de diverse bevolking en het culturele erfgoed van de regio. Het culturele erfgoed van Centraal-Azië weerspiegelt de multiculturele samenstelling van de regio op verrassende manieren, zoals blijkt uit de artistieke artefacten van de regio. Scythische kunst, Grieks-boeddhistische kunst, Serindische kunst en zelfs de moderne Perzische cultuur maken allemaal deel uit van deze ingewikkelde geschiedenis, die ook de overdracht van kunst over de zijderoute omvat.

Migrerende herders die gemengde economieën beoefenden aan de periferie van sedentaire gemeenschappen, hebben de graslanden van Centraal-Azië (van de Kaspische Zee tot centraal China en van Zuid-Rusland tot Noord-India) sinds het einde van het 2e millennium voor Christus tot relatief recentelijk hun thuis genoemd. De prehistorische kunst in 'dierlijke stijl' van deze pastorale nomaden onthult niet alleen hun zoömorfische mythen en sjamanistische rituelen, maar ook hun openheid om de symbolen van de gevestigde cultuur op te nemen in hun eigen praktijken.

Culturen van over de hele wereld hebben elkaar ontmoet en samengevoegd in Centraal-Azië, waardoor het het zenuwcentrum is van de oude zijderoute die China met de Middellandse Zee verbond. Groeiende gemeenschappen in het derde en tweede millennium voor Christus maakten deel uit van een enorm handelsnetwerk dat Centraal-Azië verbond met de Indusvallei, Mesopotamië en Egypte.

Islamitische kunst heeft de afgelopen eeuwen een grote invloed gehad op de westerse kunst, maar oudere culturen lieten zich inspireren door een breed scala aan bronnen, waaronder de kunst van China, Perzië en Griekenland, evenals de dierlijke stijl, die ontstond onder de nomaden van de steppen.

Oost-Aziatische kunst

Culturele praktijken uit Oost-Azië omvatten de beeldende kunst, literatuur en de podiumkunsten van China, Korea en Japan. Aangezien ze geen praktisch doel hebben en geen handenarbeid vergen, krijgen in China alleen schilderkunst en kalligrafie de status van "echte schone kunsten". Beeldhouwkunst, samen met bronsgieten en snijwerk, evenals de productie van keramiek, textiel, metallurgie en lakwerk, worden allemaal als ambachten beschouwd. Traditionele Chinese gebouwen zijn bijna vaak gemaakt van hout en hebben een platform, een post-en-latei frame, daksteunen en een zwaar, hellend dak.

Drie factoren, waaronder boeddhistische iconografie, inheemse Japanse thema's en tradities en Chinese beeldende kunst, hebben een aanzienlijke invloed gehad op de Japanse visuele cultuur. De Hry-tempel, gebouwd in de zevende eeuw, was de eerste structuur die de asymmetrische lay-outs gebruikte die de Japanse architectuur zouden gaan karakteriseren. De polychrome houtsnede, die zich ontwikkelde tot de iconische ukiyo-e-print, en de scherm- en paneelschilderingen uit de 16e tot 18e eeuw zijn uitstekende voorbeelden van de preoccupatie van Japanse schilders met abstractie van de natuur. Het gebruik van steen in de bouw en beeldhouwkunst en de ontwikkeling van een voortreffelijk celadonglazuur zijn twee van Korea's meest onderscheidende bijdragen aan de kunsten.

Onder de literatuur van de wereld heeft China de langste ononderbroken geschiedenis (meer dan 3000 jaar). Zijn geschiedenis is nauw verweven met die van de geschreven taal die het deelt met Korea en Japan. Ballads, legendes, maskerdrama's, teksten voor poppenshows en p'ansori-teksten ("verhaalzang") maken allemaal deel uit van Korea's rijke mondelinge geschiedenis, en het land heeft ook een robuuste geschreven traditie van poëzie (met name hyangga- en sijo-vormen) . Omdat noch Japan, noch Korea hun eigen geschreven taal hadden, leenden de literaire tradities van beide landen veel van China (hoewel Japanse lettergreepsystemen rond 1000 ontstonden en het Koreaanse Hangul in de 15e eeuw werd ontwikkeld). Poëzie uit Japan, vooral in de haiku-vorm, staat over de hele wereld bekend om zijn delicate gevoeligheid en dateert helemaal uit de 7e eeuw, samen met de vele literaire schatten van het land, zoals The Tale of Genji.

Oost-Aziatische muziek creëerde, net als westerse muziek, een pentatonische toonladder op basis van een 12-toons vocabulaire, maar de basis ervan is duidelijk. Oost-Aziatische ensembles zijn meestal relatief klein, en componisten in de regio geven doorgaans prioriteit aan melodie en ritme boven harmonische complexiteit. Het is vermeldenswaard dat in Oost-Aziatische landen muziek, dans en drama vaak met elkaar verbonden zijn, en er is geen bewijs van een duidelijke evolutie van vorm in de geassocieerde categorieën van Oost-Aziatische dans en theater. Gedanste processies, dansopera (jingxi of 'Peking' en andere soorten Chinese opera), schaduwtheater, poppentheater en dialoogspelen met muziek en dans zijn slechts enkele van de vele varianten van Oost-Aziatische podiumkunsten (bijv. kabuki). De werken van Bash, Bo Juyi, Du Fu, Hiroshige Ando, Lu Xun en Murasaki Shikibu zijn ook het onderzoeken waard, evenals ikebana, papiervouwen in Jgan-stijl, rolschildering, shinden-zukuri, shoin-zukuri, sukiya-stijl, Tempyu-stijl en Tori-stijl architectuur.

Zuid-Aziatische kunst

De kunsten van India, Pakistan, Bangladesh en Sri Lanka worden vaak Zuid-Azië genoemd. Een overvloed aan oude tekstuele literatuur in het Sanskriet, Prkrit en regionale talen heeft geholpen om mensen van het Indiase subcontinent samen te brengen, evenals een gedeeld cultureel en ethisch perspectief. Ondanks de opdeling van de regio in een caleidoscoop van politieke patronen door de eeuwen heen, heeft het subcontinent als geheel gemeenschappelijke muziek- en danstradities, rituele rituelen, religieuze praktijken en literaire ideeën.

De heldendichten van Zuid-Azië, zoals de Rmyaa en de Mahbhrata, geven inzicht in het complexe web van relaties tussen de vele volkeren in de regio. Er is duidelijk bewijs van een familiale relatie tussen de goden en helden van ver van elkaar verwijderde locaties, en veel van de plaatsnamen zelf verwijzen naar gedeelde antecedenten. Er zijn ook aanhoudende pogingen geweest om een verenigde politieke orde in het gebied te vestigen. In de derde eeuw voor Christus controleerde bijvoorbeeld keizer Aoka het grootste deel van dit gebied; in de elfde eeuw na Christus veroverde Rajendra I van Chai een groot deel van India en Zuidoost-Azië; en in de zestiende eeuw na Christus deed de grote Mughal Akbar hetzelfde. Grenzen zijn door de Zuid-Aziatische geschiedenis heen gegroeid en gekrompen, waarbij ze officieel als complete regio's zijn samengevoegd en gescheiden, maar de cultuur is de hele tijd consistent gebleven.

Er was een wijdverbreide waardering voor de schoonheid van de bergen en rivieren in de regio vanwege de gedeelde fysieke omgeving. De Himalaya's, die langs de noordgrens lopen, zijn 's werelds hoogste bergen en vertegenwoordigen een cultureel ideaal van grootsheid, zuiverheid en ongerepte sneeuw. Rivieren zoals de Brahmaputra en de Indus worden geëerd als "moeders" in hun respectieve regio's vanwege de overvloed aan water die ze leveren.

Er is een wijdverbreide overtuiging dat watergeesten en bosfeeën, respectievelijk bekend als nga's en yaka's, de meren en bronnen van de regio bewonen. De naam van een vroege dynastie in Kasjmir, Karkoa, is zelf symbolisch voor nga-aanbidding. Oude religieuze artefacten zoals beelden van nga's en yaka's die op verschillende locaties zijn opgegraven, duiden op een gedeelde devotionele ethos, net als religieuze teksten die al eeuwenlang mondeling zijn overgedragen zonder de oorspronkelijke intonatie te verliezen. Sculpturen met een vergelijkbare klassieke dans zijn te vinden in de Pakistaanse steden Gandhra, Bhrhut en Amarvat.

In Zuid-Azië is het essentieel om goed thuis te zijn in een aantal verschillende kunsten voordat je je in slechts één kunt specialiseren. Aangezien beeldhouwkunst, net als schilderen en dansen, de hele wereld afbeeldt, ligt het voor de hand dat men zich niet in elke kunstvorm kan bekwamen zonder eerst de andere te beheersen. Dansen is een vorm van expressie door beweging en ritme; daarom is een goed begrip van muzikaal ritme cruciaal. Kennis van literatuur en retorica wordt belangrijk geacht voor het opwekken van emotie in muziek en dans; de smaak (rasa) die in muziek, dans, beeldhouwkunst of schilderkunst tot uitdrukking moet worden gebracht, vereist enige bekendheid met het geschreven woord. De kunsten zijn dus op vele niveaus met elkaar verbonden.

De kunsten in Zuid-Azië werden niet alleen voor zichzelf beoefend als een respectabele vrijetijdsbesteding, maar ook als een daad van toewijding en aanbidding aan een hogere macht. Er zijn literaire verwijzingen naar prinsen die kunstwerken inspecteren op gebreken. De prestaties en ambities, zowel in theorie als in de praktijk, van de kunstenaar worden geïllustreerd door een enkele inscriptie die de naam vermeldt van de stra-dhra ("architect") van de Mallikrjuna-tempel in Pattadakal, gebouwd in de achtste eeuw.

Zuid-Aziatische culturen hebben kunstenaars lange tijd een bevoorrechte status toegekend. Het hof was gevuld met dichters, muzikanten en dansers. Een briljante danser werd geprezen door Rjendra Ca, en de architect van de tempel in Tiruvoiyr, die ook werd gesteund door Rjendra, werd in een inscriptie geprezen om zijn uitgebreide kennis van architectuur en kunst. Toch was er een sterk verband tussen de volkskunst en de hoge kunsten. Er waren bijvoorbeeld overeenkomsten tussen dansen van stamgroepen en westerse klassieke kunst, dans en muziek. Het Indiase subcontinent heeft een rijke artistieke geschiedenis, met beeldhouwkunst in de rondte (citra) en beeldhouwkunst in reliëf (ardhacitra) die beide belangrijke posities innemen.

Citrbhsa, wat zich vertaalt naar 'het uiterlijk van beeldhouwkunst', is de op twee na hoogste kunstvorm. Een vers uit een drama van de 5e-eeuwse dichter Klidsa legt uit hoe het oog tuimelt over de hoogten en diepten die worden afgebeeld in het modelleren van een schilderij, en laat zien hoe essentieel de invloed van clair-obscur (dwz het gebruik van licht en schaduw om modellering uit te drukken) was . De meesters hechten het meeste belang aan de lijnschets van een schilderij, die stevig en sierlijk moet worden getekend, gevolgd door schaduw en de weergave van modellering, die door anderen wordt gewaardeerd, het decoratieve element dat een beroep doet op de vrouwelijke smaak, en de pracht van kleur , die appelleert aan de gewone smaak. Het is heel indrukwekkend dat je met zo'n kleine tekening zoveel vorm hebt kunnen aangeven. Er zijn talloze literaire voorbeelden van succesvolle portretkunst in de Zuid-Aziatische schilderkunst en beeldhouwkunst, wat de centrale rol van portretkunst in de beeldende kunst van de regio aantoont. De Viudharmottara, geschreven in de zesde eeuw, verdeelt portretten in vier categorieën: natuurlijk, lyrisch, verfijnd en gemengd. Het categoriseert ook verschillende soorten mensen op basis van hun haar- en oogvormen en kleuren. Er is een overzicht van de vele artistieke perspectieven, evenals een uitleg van de basisprincipes van verkorting. Zoals een gedicht de dichter weerspiegelt, dacht men dat schilderijen en sculpturen de kenmerken van hun makers zouden aannemen.

Ondanks Zuid-Azië's lange geschiedenis van blootstelling aan buitenlandse invloeden, heeft de regio altijd manieren gevonden om deze elementen te combineren in inheemse praktijken, waardoor een unieke synthese ontstaat in plaats van slechts een kopie. Dit wordt ook weerspiegeld in de kunstwerken van de Pakistaanse regio Gandhra, die in die tijd (4e eeuw voor Christus) doordrenkt was van de Grieks-Romeinse cultuur. De integratie van Indiase motieven en stijlen in de dominante westerse stijl is een kenmerk van de beeldhouwkunst van dit tijdperk.

Na de invasie van Kushan in de eerste eeuw na Christus was er een duidelijke instroom van invloeden van buitenaf, maar uiteindelijk zegevierde de inheemse cultuur. Het Mogol-rijk, dat vanaf de 16e eeuw over Zuid-Azië regeerde en bestond uit moslims uit Centraal-Azië, verenigde de regio cultureel door een overwegend Indiaas onderwijs aan zijn onderdanen op te leggen. Moslimkunst bloeide onder het bewind van de tweede Mughal-keizer, Humayn, die kunstenaars van het hof van de Perzische sjah binnenhaalde en een geschiedenis creëerde van het samensmelten van Indiase en Perzische stijlen.

De kunst van elke regio weerspiegelt zijn eigen politieke structuur, morele en ethische normen en sociale structuren. Al in de derde eeuw voor Christus toonden heersers de bereidheid om de mensen te dienen en ze bijna als nakomelingen te behandelen. Prachtige munten uit het Gupta-rijk van Noord-India in de 4e-6e eeuw verbeelden het ideaal van de vorst als de ongeëvenaarde boogschutter, de eenmaker, de lange en statige nobele geest, de offeraar voor het welzijn van de onderdanen en de held van zijn mensen (die hem op een statige olifant zien). Kunstwerk dat rechtvaardige verovering en rechtvaardige oorlogvoering afschildert. Oorlog en verovering, symbolische paardenoffers, de raad van de koning, diplomatieke recepties, vredesonderhandelingen, tempelbouw, waardering voor de schone kunsten (inclusief dans en muziek) en de kroning van koningen zijn slechts enkele van de vele regeringsactiviteiten die in de uitgebreide reeks sculpturen die de geschiedenis van de Zuid-Indiase Pallava-dynastie van de 4e-9e eeuw uitbeelden.

Net zoals sculpturen die de nadruk leggen op dharma, de conventies of wetten die de verplichting opleggen, morele attitudes weerspiegelen, zo ook sculpturen die morele handelingen verbeelden. Een veel voorkomende manier waarop het principe van ahimsa, of geweldloosheid jegens anderen, wordt gevisualiseerd, is door het beeld van een hert, en het ideaal van een heilige plaats wordt meestal afgebeeld als een locatie waar het hert vrij kan rondlopen. Kunstwerken tonen vaak scènes waarin de onderwerpen genieten van hun eigen offers of die van anderen. Verhalen uit de Paca-tantra, een van 's werelds vroegste verzamelingen fabels, worden op een rechttoe rechtaan maar doeltreffende manier in sculpturen verbeeld. Zuid-Aziatische kunst verbeeldt consequent de vroomheid, het geloof en het respect voor moraliteit die generaties lang de sociale structuur van het subcontinent heeft doordrongen.

Zuidoost-Aziatische kunst

De kunst van Zuidoost-Azië omvat de geschreven, mondelinge en visuele vormen. Hoewel de Indiase cultuur een aanzienlijke invloed had op de ontwikkeling van het gebied, zijn er enkele gemeenschappelijke kenmerken die dateren van vóór deze tijd. Kunststijlen die niet afkomstig zijn uit India, zoals batikstoffen, gamelanorkesten en het wayang-poppentheater, blijven populair. Inheemse teelt van natte rijst (of padi), metallurgie, navigatie, voorouderculten en bergaanbidding waren allemaal gebruikelijk.

Zuidoost-Azië omvat het uitgestrekte schiereiland Indochina en de andere eilanden in de regio die vaak bekend staan als Oost-Indië. Zuidoost-Azië kan worden onderverdeeld in twee verschillende delen: het vasteland en de eilanden. Myanmar (Birma), Thailand, Laos, Cambodja, Vietnam, Maleisië, Singapore, Indonesië en de Filippijnen zijn de overheidsinstanties die deel uitmaken van dit gebied. Hoewel de Filippijnen aanvankelijk niet werden beschouwd als onderdeel van Zuidoost-Azië, wordt het nu algemeen beschouwd als onderdeel van de regio vanwege de nabijheid van China en Japan en de nauwe culturele overeenkomsten die het heeft met de culturen van Zuidoost-Azië.

Heel Zuidoost-Azië heeft hetzelfde klimaat en dezelfde topografie, die de geschiedenis en cultuur van de regio hebben gevormd. Cultureel gezien hebben degenen die in de bergen wonen de neiging om af te wijken van degenen die in de valleien wonen.

Oorspronkelijk werd aangenomen dat de mensen van Zuidoost-Azië een gebrek aan originaliteit deelden dat teruggaat tot de prehistorie en dat ze meer "ontvankelijk" dan "creatief" waren in hun interacties met andere culturen. Latere opgravingen en ontdekkingen in Myanmar en Thailand waren voor sommige geleerden aanleiding om te argumenteren tegen de algemeen aanvaarde theorie dat de beschaving in de prehistorie vanuit China naar Zuidoost-Azië was verhuisd. In plaats daarvan, zo voerden ze aan, waren de mensen op het vasteland van Zuidoost-Azië bezig met het kweken van planten, het maken van aardewerk en het werken in brons rond dezelfde tijd als de mensen in het oude Midden-Oosten, en dus verspreidde de beschaving zich een millennium eerder van het vasteland van Zuidoost-Azië naar China. Omdat ze altijd meer geïnteresseerd zijn in het praktische werk van het creëren van mooie dingen, hebben Zuidoost-Aziaten geen rijke erfenis van kunsttheorie, literaire of dramatische kritiek.

Het is niet mogelijk om het ontstaan en de evolutie van kunstvormen in Zuidoost-Azië stap voor stap te volgen, aangezien de mensen, vooral in de westelijke helft van het vasteland, aan niet-duurzame materialen werkten. Gezien de geschiedenis van dichte bebossing in het gebied, ligt het voor de hand dat hout om esthetische redenen het vroegste materiaal was dat werd gebruikt. Ondanks hun hernieuwde vaardigheid met metaal en steen, hebben ze nooit de traditionele praktijk van houtsnijwerk verlaten, die bleef bloeien, zelfs nadat de hoge leeftijd van stenen beeldhouwkunst en steenconstructie voorbij was (ongeveer de 13e eeuw). In de westelijke Shan-staat Myanmar, langs de rivier de Salween, hebben archeologen prehistorische grottekeningen ontdekt die een opvallende gelijkenis vertonen met latere Naga-sculpturen op huispalen. Net zoals het zonnesymbool overal in Zuidoost-Azië als kunstmotief kan worden gevonden, en hoe houtsnijwerk onder de dakrand van Naga-huizen zinspeelt op ontzag, triomf en vreugde bij het verwerven van een menselijk hoofd, weerspiegelt de latere esthetische traditie van Zuidoost-Azië de grotschilderingen van een paar mensenhanden met open handpalmen die de zon vasthouden en een menselijke schedel. De grotschildering is het bewijs dat de kunst van het gebied altijd verweven is geweest met zijn magisch-religieuze verleden.

Vroeger geloofde men dat de techniek voor het gieten van bronzen trommels die in Dong Son, nabij Hanoi, werd gebruikt, afkomstig was uit China. Nieuwe opgravingen in Thailand hebben echter aangetoond dat zowel de trommels als de zogenaamde Dong Son-beschaving inheems zijn op het vasteland van Zuidoost-Azië. Hoe dan ook, de bronzen trommels die door de Karen gedurende millennia tot het begin van de 20e eeuw zijn gegoten, tonen de continuïteit van de esthetische erfenis van Zuidoost-Azië. Metaalbewerking moest zich al vroeg hebben ontwikkeld, aangezien de bergen van het vasteland van Zuidoost-Azië goud, zilver en andere metalen leverden. De heuvelvolkeren van Zuidoost-Azië hebben een lange geschiedenis in het maken en gebruiken van prachtige zilveren knopen, riemen en sieraden. Textielpatronen volgen dezelfde esthetische lijn. Liederen, dansen en andere vormen van muzikale expressie werden traditioneel gebruikt in tribale ceremonies.

Onder de steun van de heersers in heel Zuidoost-Azië bloeiden de kunsten. Rond de tijd van Christus' geboorte begonnen stammen zich formeel te organiseren in stadskoninkrijken of conglomeraten van dorpen na jaren van gevestigd leven als rijstproducenten. In deze visie was een koning niet veel meer dan een opperste stamhoofd. Omdat de stammen al een traditie hadden van het aanbidden van geesten, zochten de vorsten naar een nieuwe godheid die voor iedereen het voorwerp van toewijding zou worden. Dit verlangen naar nieuwe nationale goden droeg bij aan de openheid van Zuidoost-Azië voor de goden van het hindoeïsme en het boeddhisme. Koningen in Zuidoost-Azië waren verantwoordelijk voor het verspreiden van nieuwe religies, vandaar dat de tempels in de regio een gouden eeuw beleefden van de eerste tot de dertiende eeuw.

Tempels werden centra van culturele activiteit en hun muren werden doeken voor architectuur, beeldhouwkunst en religieuze muurschilderingen. Geleerden van het Sanskriet, de taal van de heilige teksten van het hindoeïsme, waren hovelingen in de oude rijken van Oost-Indochina en de eilanden, waar ze lokale Sanskrietliteratuur creëerden. Alleen door de grote hindoeïstische heldendichten Mahabharata en Ramayana heeft dit literaire streven het gewone volk ooit bereikt. Verhalen over hindoegoden, duivels en machtige mannen waren essentieel om het hindoeïsme aan het gewone volk uit te leggen toen de Sanskrietgeschriften buiten hun bereik waren. Over het schiereiland in het Pyu-Birmese rijk van Prome, dat vóór de 8e eeuw bloeide, vond een dergelijke ontwikkeling om twee redenen niet plaats: ten eerste werd het hindoeïsme nooit algemeen aanvaard in Birma, en ten tweede ontwikkelde de meer open Birmese samenleving noch de instelling van een god-koning noch die van een erfelijke adel.

Later werden heidense koningen omringd door Pali-experts, maar de studie van Pali werd niet in het paleis uitgevoerd, maar in kloosters aan de andere kant van het rijk, waardoor de leer van de Boeddha naar zelfs de meest afgelegen dorpen werd gebracht. Boeddhistische monniken en academici van over de hele wereld reisden naar Pagan om Pali te bestuderen, terwijl de hoven van de koningen in Cambodja en Java slechts regionale centra van Sanskrietonderzoek bleven. Jataka-verhalen (Boeddha's geboorte) werden gebruikt om het boeddhisme uit te leggen aan de gewone mensen die de Pali-geschriften niet konden lezen, net zoals Indiase heldendichten werden gebruikt om het hindoeïsme aan de massa uit te leggen. Tempels in Cambodja en Java waren versierd met houtsnijwerk en fresco's met scènes uit de Jatakas, net zoals die met gebeurtenissen uit de grote heldendichten.

De komst van de islam op het eiland Zuidoost-Azië na de Majapahit-dynastie vestigde een derde culturele laag bovenop de reeds bestaande inheemse en hindoe-boeddhistische. Een nieuw Birmese rijk ontwikkelde zich uit de as van het oude en voerde de missie uit om het boeddhisme over het vasteland van Zuidoost-Azië te verspreiden. De Birmese invasie van Siam in de 18e eeuw bracht de hindoeïstische cultuur met zich mee, die de ontwikkeling van het Birmese spel hielp bevorderen. Vietnam, aan de andere kant van het schiereiland, heroverd door China, werd steeds meer beïnvloed door de Chinese cultuur. Na een korte islamitische culturele bloeitijd werden de inheemse bevolking van de eilandnaties van Zuidoost-Azië gedwongen zich te onderwerpen aan buitenlandse overheersing. Alleen in Birma en Siam, twee van de regeringen van Zuidoost-Azië die na jaren van strijd als machtige koninkrijken zijn voortgekomen, bleef de inheemse kunst floreren.

Religie en nationale geschiedenis staan al lang centraal in de Zuidoost-Aziatische kunst. Afgezien van het leven en karakter van de Boeddha en de goden van het hindoeïsme, was de religieuze doctrine geen belangrijk aandachtspunt. Nadat de grote rijken waren gevallen, maar hun herinnering aan glorie en kracht bleef bestaan, ontstond een nieuw thema in de nationale geschiedenis: de verering van legendarische helden uit het verleden.

Hoewel het Boeddhabeeld in de loop van de tijd evolueerde, bleef het een populair onderwerp voor kunstenaars. Naast het introduceren van lokale kleur door als achtergrond scènes uit de eigen tijd van de kunstenaar te gebruiken, diende het afbeelden van scènes uit zijn vorige levens in fresco's en reliëfsculpturen om de mensen boeddhistische ethiek te leren, aangezien de Jatakas bepaalde morele deugden van de Boeddha in zijn vorige levens.

Hetzelfde gold voor afbeeldingen van gebeurtenissen uit de hindoe-epen, die de kunstenaar een vergelijkbare kans boden en een vergelijkbare functie vervulden. Naarmate de tijd verstreek, werden boeddhistische en hindoeïstische geschriften, zoals goden en godinnen, helden en prinsessen, kluizenaars en tovenaars, demonen en draken, vliegende paarden en gevleugelde maagden, enzovoort, samengevoegd met soortgelijke inheemse figuren, en volksverhalen werden opgenomen in de overkoepelende religieuze thema’s.

Verschillende voorstellingen van de naga, een soort bovenmenselijke geest, ontstonden in verschillende delen van de wereld toen de naga werd toegeëigend uit boeddhistische en hindoeïstische geschriften en versmolten met nationale analogen. De naga van Birma heeft een kenmerkende kuif op zijn kop. Voor de Mon was naga een krokodil, maar voor de Khmer en Indonesiër was het een negenkoppige slang.

Hoewel de demonen van Zuidoost-Azië zijn gegroepeerd onder de Pali-Sanskrietterm yakkha of yaksha, zijn hun verschillende identiteiten bewaard gebleven in de beeldhouwkunst en schilderkunst van elk land. De leeuw, die niet bekend was met het moessonwoud, werd niettemin een populair inheems embleem en thema vanwege zijn associatie met de goden van de hindoeïstische en boeddhistische mythologie. Zelfs nadat het Khmer-rijk de gewoonte had verlaten om de slang-draak als een god van de vruchtbaarheid te aanbidden, was de negenkoppige naga een symbool geworden van bescherming en koninklijke macht, en hielden stenen naga's de wacht over de koninklijke paleizen en heilige tempels. Naga-aanbidding werd afgekeurd door boeddhisten.

Gedurende de Birmese en Mon kunstgeschiedenis is de naga altijd afgebeeld in een ondergeschikte rol aan de Boeddha, vaak een stoel uit zijn rollen voor de Boeddha of zijn enorme kap opheffend om hem tegen de elementen te beschermen. De bewaker van een Mon-tempel werd traditioneel afgebeeld als een leeuw met twee lichamen en een menselijk hoofd, terwijl de bewaker van een Birmese tempel traditioneel werd afgebeeld als een kuifleeuw. Ondanks de aanspraak van de Tai om de Khmer- en Mon naga-kunsttradities te erven, diende de goede demon in die culturen als de tempelwachter.

De Indiase dieren werden een onderdeel van de oude symboliek en dierenbeelden die de kunsten binnenkwamen. Zo kozen de Bergen de rode berghark als hun embleem, herschreven de Birmezen de zon als hun favoriete vogel, de pauw, op grond van het feit dat in de boeddhistische mythologie de pauw wordt geassocieerd met de zon, en in Indonesië de mythische vogel Garuda, het voertuig van Vishnu, werd samengevoegd met de plaatselijke adelaar. De afbeeldingen van deze vogels zijn gebruikt als versiering. Gestileerde versies van de dieren die ooit de rieten daken en houten muren van Zuidoost-Aziatische huizen sierden, vonden hun weg naar de meer weelderige paleizen en tempels. Ontwerpen van bomen, fruit en bloemen uit de moessonbossen werden gecombineerd met Indiase bloemmotieven en oude geometrische motieven.

Zuidoost-Aziatische kunst is volledig verschillend van de kunst van een andere regio, met uitzondering van India. Hoewel Birma van oudsher een essentiële handelsverbinding met China is, zijn Chinese invloeden verrassend afwezig in de traditionele Birmese kunst. De Tai arriveerden laat in Zuidoost-Azië en brachten enkele Chinese artistieke tradities met zich mee, maar ze verlieten die praktijken snel ten gunste van die van de Khmer en Mon. Tegenwoordig zijn de enige sporen van die eerdere contacten te zien in de architectonische kenmerken van de tempels, met name het taps toelopende dak en lakwerk.

Omdat Vietnam een millennium lang een kolonie van China was, heeft de Chinese cultuur de Vietnamese kunst beïnvloed. Archeologisch bewijs van het hindoeïsme in het hedendaagse Zuid-Vietnam dateert uit de tijd van de oude Champa-monarchie, die in de 15e eeuw door Vietnam werd veroverd. Chinese invloeden zijn te zien in de boeddhistische beelden in het noorden van Vietnam. Wanneer we de tempelgraven van Cambodja en Indonesië vergelijken met die van de Vietnamese keizers of de weelderige en waardige Boeddhabeelden van Vietnam met die van Cambodja en Birma's ascetische en sierlijke Boeddhabeelden, onthult de fundamentele verschillen in esthetisch doel en stijl tussen de kunsten van Oost-Azië en die van Zuidoost-Azië. Islamitische kunst, die dierlijke en menselijke figuren verwerpt en de realiteit achter de illusoire schoonheid van de alledaagse wereld probeert te onthullen, deelt evenmin weinig met Zuidoost-Aziatische kunst. Zuidoost-Aziatische kunst negeerde de leerstellingen van het hindoeïsme en het boeddhisme dat de sensuele wereld een illusie en vergankelijk was.

In Zuidoost-Aziatische kunst bestaan realiteit en fantasie naast elkaar, en een positieve kijk op het leven doordringt elk stuk. Sommigen hebben opgemerkt dat de klassieke Khmer- en Indonesische kunst gericht was op het weergeven van het dagelijkse leven van de goden, maar vanuit een Zuidoost-Aziatisch perspectief was het dagelijkse leven van de goden hetzelfde als dat van henzelf: vreugdevol, aards en goddelijk. Niet alleen weerspiegelde de Zuidoost-Aziatische kunst niet de Europese opvatting van 'kunst om de kunst', maar evenmin weerspiegelde het de Europese verdeling van kunst in seculiere en religieuze categorieën. Dezelfde motieven die een prachtige tempel en een lakschotel sierden, waren getatoeëerd op de dijen van een Birmese man. De Zuidoost-Aziatische kunstenaar hoefde geen modellen te gebruiken omdat hij, in tegenstelling tot zijn Europese tegenhangers, niet gaf om nauwkeurigheid in elk anatomisch aspect. Het gebruik van fantastische elementen en de nadruk op het vieren van het goede in het menselijk leven is wat Zuidoost-Aziatische kunst onderscheidt.

Focus op Japanse kunst

Er is een grote verscheidenheid aan kunstvormen en media met betrekking tot Japanse kunst', van oude keramiek en beeldhouwwerken tot inktschilderkunst en kalligrafie op zijde en papier, ukiyo-e schilderijen en houtsneden, keramiek en origami. hedendaagse manga en anime. Vanaf de eerste tekenen van menselijk bestaan in Japan in het 10e millennium voor Christus tot heden heeft Japan een rijke en gevarieerde geschiedenis.

Japan heeft zowel een snelle toestroom van buitenlandse ideeën als een langdurig isolement van de rest van de wereld meegemaakt. De Japanners hebben een lange geschiedenis van het assimileren en aanpassen van aspecten van andere culturen die ze esthetisch aangenaam vinden. In de zevende en achtste eeuw werd verfijnde kunst in Japan gecreëerd als reactie op de verspreiding van het boeddhisme. Toen de Japanners wegtrokken uit China en hun eigen unieke uitdrukkingsstijlen ontwikkelden in de 9e eeuw, won de seculiere kunst aan belang; vanaf dat moment tot het einde van de 15e eeuw bloeiden zowel religieuze als seculiere kunsten. Toen de Nin-oorlog uitbrak in Japan (1467-1477), luidde deze meer dan een eeuw van politieke, sociale en economische onrust in. Kunstwerken die de zuiveringen van het Tokugawa-shogunaat overleefden, waren grotendeels seculier en religie speelde een veel kleinere rol in het dagelijks leven. De plotselinge introductie van westerse stijlen was een belangrijke gebeurtenis tijdens de Meiji-periode (1868-1912).

In Japan houden zowel amateurs als experts zich bezig met schilderen als hun primaire vorm van artistieke expressie. De Japanners zijn vooral afgestemd op de waarden en esthetiek van de schilderkunst omdat ze tot de moderne tijd een penseel gebruikten in plaats van een pen. Tijdens de Edo-periode werd houtsnededruk een belangrijke kunstvorm en de methoden die werden gebruikt om de levendige afdrukken te maken, werden verfijnd om te voldoen aan de behoefte van een groeiende populaire cultuur. Toen de religieuze betekenis van het traditionele Japanse boeddhisme in deze tijd afnam, vonden de Japanners beeldhouwkunst een minder aantrekkelijk medium om hun creatieve visie tot uitdrukking te brengen.

Men is het er algemeen over eens dat Japans aardewerk van de hoogste artistieke kwaliteit is en enkele van de vroegste artefacten uit Japan bevat; porseleinexport uit Japan is op verschillende momenten een belangrijke economische activiteit geweest. Japans lakwerk, prachtig versierd met maki-e, is lange tijd een populaire export geweest naar Europa en China, en deze trend zette zich gedurende de negentiende eeuw voort. Traditionele Japanse architectuur kenmerkt zich door natuurlijke materialen en de integratie van binnen- en buitenleven.

Japanse prenten

Ukiyo-e, of Japanse houtsneden, worden steeds populairder in het Westen. Hun naam komt van de uitdrukking "foto's van de zwevende wereld", die hun onderwerp beschrijft. Het boeddhistische geloof dat geluk vluchtig is en dat alleen een afwezigheid van verlangen tot verlichting kan leiden, vormde de inspiratie voor hun stijgende, gewichtloze beeld.

De shoguns van het feodale Japan speelden een belangrijke rol in de ontwikkeling van de Japanse prentkunst, die begon in de Edo-regio (het huidige Tokio). Onder het Sakoku-beleid, dat letterlijk 'afgelegen of gesloten land' betekent, sloot Japan zich af van de rest van de wereld. Perry, een Amerikaanse generaal, bezocht Japan in 1853 om te onderhandelen met de Meiji-regering. Veel prenten van Ukiyo-e, een hedendaagse kunstvorm die floreerde toen Perry Edo bezocht, waren te koop op de trottoirs van de stad.

Scènes uit de Japanse geschiedenis en legendes werden vaak afgebeeld in ukiyo-e, evenals portretten van kabuki-artiesten, scènes uit het theater, verliefde stelletjes, beroemde courtisanes en landschappen. Reizigers uit het Westen waren meteen dol op Ukiyo-e-prints, dus het is niet verwonderlijk dat ze ze mee naar huis namen en de wereld kennis lieten maken met de unieke Japanse kunststijl.

Ukiyo-e art prints werden gemaakt door geïnkte houtblokken op papier te drukken nadat de afbeeldingen achterstevoren in de blokken waren gesneden. Toen het printen begon, gebeurde alles in zwart-wit. Okomura Masanobu en Suzuki Harunobu waren pioniers op het gebied van kleurendruk op houtblokken, waarbij voor elke kleur een apart blok nodig was.

Een key-block voor de contouren en individuele blokken voor elke tint waren vereist. Bovendien, aangezien een klein aantal afdrukken uit een enkel blok kan worden gemaakt, zou een aanzienlijk aantal blokken moeten worden gesneden om een aanzienlijk aantal kopieën af te drukken. De kunstenaar was slechts een van de vele professionals die betrokken waren bij de productie van Japanse kunstdrukken. Anderen waren ontwerpers, vormplanners, vormsnijders en vormpersen.

Rond 1912 begon de grafische beweging die bekend staat als Offshoots of Ukio-e uit te sterven, maar al snel vormden zich twee andere grafische scholen om de leegte te vullen. Sosaku Hanga en Shin Hanga zijn de twee namen voor hen. Er zijn twee stromingen als het gaat om het drukproces: Sosaku Hanga, die stelt dat de kunstenaar bij elke stap een centrale rol moet spelen, en Shin Hanga, die traditioneler is en stelt dat de uitgever het meest centraal staat, zo verschillend kunstenaars kunnen verantwoordelijk zijn voor het ontwerp, de blokkering en het afdrukken.

Voor het kopen en verkopen van Ukiyo-e-prints is het belangrijk om enkele Japanse terminologie te kennen om deze fascinerende kunstvorm goed te kunnen waarderen en waarderen. Wanneer wordt verwezen naar een Japanse prent, geeft de term "atozuri" aan dat deze werd gedrukt nadat de eerste oplage was geëindigd, maar nog steeds de originele houtblokken gebruikte. Shozuri-prints zijn eerste edities, terwijl fukkoku-prints kopieën zijn. Handtekeningen van kunstenaars en nummers van gedrukte edities werden pas in de tweede helft van de twintigste eeuw in de laatste stappen van het Japanse prentenproces opgenomen. In plaats daarvan had elke prent een stempel met de naam van de maker, de uitgever en de beeldhouwer.

Toen Europeanen echter leerden over de unieke cultuur van Japan, ontstond er een rage voor alles wat Japans was, en aan het eind van de jaren 1860 werden er massale zendingen Japanse kunstafdrukken naar het continent gestuurd. Uitgeverijen in Japan realiseerden zich al snel dat ze reproducties van de bekendere houtsneden moesten maken om aan de snelgroeiende vraag te voldoen.

Door postzegels en andere marginalia is gemakkelijk te zien welke prenten authentiek zijn en welke duplicaten. De originaliteit van een document kan vaak worden bepaald door de staat van papier en kleur. Aangezien de gemiddelde kunstverzamelaar waarschijnlijk geen Japanse karakters kan lezen, moeten ze het advies van een expert inwinnen voordat ze een authentieke Japanse kunstdruk kopen.

Focus op betekenissen van Chinese bloemsierkunst

Vanaf de Neolithische periode hebben kunstenaars in China planten afgebeeld in hun kunstwerken. Bloemen, vogels en insecten worden gebruikt voor versiering, en niet alleen omdat ze mooi zijn; ze dragen ook een schat aan betekenis. Tijdens de Song-dynastie (960-1279) versterkte een toename van het aantal schilderijen met de titel "vogel en bloem" de status van bloemenbeelden als een prominent onderwerp in de Chinese kunst. Anders dan op rolschilderingen, is dit thema te zien op een breed scala aan driedimensionale kunstwerken, waaronder porselein, lakwerk, jade sculpturen, textiel, meubels en meer.

Terwijl we ons voorbereiden om de lente te verwelkomen, zullen we de symboliek van bloemen in de Chinese kunst onderzoeken door te kijken naar een selectie schilderijen uit de Aziatische kunstcollectie van de AGGV uit de 19e eeuw. De illustraties van dit album zijn allemaal spot-on voorstellingen van bloemen en vlinders op basis van hun werkelijke flora en fauna. Het is waarschijnlijk dat de combinatie voor het eerst verscheen in de 18e eeuw op goederen die speciaal in opdracht waren gemaakt om als verjaardagscadeau te worden gegeven. Butterfly rebussen kunnen worden gebruikt om meerdere goede wensen tegelijk te uiten. Deze items, die ook verband houden met een lange levensduur, zijn geweldige verjaardagssymbolen. Vlinders stonden in het taoïsme voor het ontketenen van de geest. Bloemen vertegenwoordigen veel positieve dingen, en hun opname in deze kunstwerken draagt alleen maar bij aan hun positieve connotatie.

Volgens een Chinees volksverhaal over twee geliefden die op tragische wijze door oorlog werden verscheurd, staat de klaproos voor trouw en loyaliteit tussen partners in een romantische relatie. Het verhaal draait om klaprozen, die groeiden op de plek waar de vrouw zich had gepleegd na de dood van haar soldaat-echtgenoot.

De uitdrukking huakaifugui suggereert dat camelia's, die bloeien tijdens het Chinese Nieuwjaar (eind januari tot half februari), gebruikt moeten worden om iemands huis te verfraaien om geluk te verwelkomen in het komende jaar. Vanwege Europa's langdurige voorliefde voor de roos, de bloem wordt vaak afgebeeld op artikelen die elders te koop zijn. Omdat de Chinese roos het hele jaar door veelvuldig bloeit, is er de naam "permanente lentebloem" op toegepast.

Trots van de ochtend De trompetvormige bloesems van de ochtendglorie, die bloeien in een levendige paars, werden aanvankelijk gebruikt als decoratief element in Ming blauw- en witgoed in de 15e eeuw. Er wordt beweerd dat deze bloem het geluk in het huwelijk symboliseert. China herbergt vele soorten azalea's, allemaal met een uniek bloeiseizoen. In combinatie met vlinders krijgt de azalea de connotatie van "creatief talent in de kunst" en vertegenwoordigt zij de vrouwelijke schoonheid die zo overheersend is in de kunst.

Nieuwsgierigheid: wat is oriëntalisme?

Oriëntalisme verwijst naar de praktijk van het nabootsen of stereotyperen van elementen uit het Oosten, en het wordt gevonden op het gebied van kunstgeschiedenis, literatuur en culturele studies. Westerse auteurs, ontwerpers en schilders zijn het vaakst verantwoordelijk voor deze afbeeldingen. Van de verschillende subgenres van academische kunst die in de 19e eeuw populair waren, was de oriëntalistische schilderkunst - die zich richtte op het tonen van het Midden-Oosten - een van de meest prominente. Evenzo toonde de westerse literatuur van die tijd een grote belangstelling voor het exotisme van het Oosten.

In academische kringen is de term 'oriëntalisme' gemeengoed geworden sinds Edward Said's Orientalism in 1978 werd gepubliceerd. Deze term wordt gebruikt om een neerbuigend westers perspectief op Aziatische en Afrikaanse culturen te beschrijven. Volgens Said beschouwt het Westen deze culturen als stagnerend en onderontwikkeld, waardoor een beeld ontstaat van de oosterse cultuur dat kan worden onderzocht, afgebeeld en gereproduceerd in dienst van het keizerlijke gezag. Zoals Said aangeeft, berust deze leugen op de veronderstelling dat de westerse samenleving progressief, intelligent, flexibel en superieur is. Dit geeft westerlingen de vrijheid om zich "oosterse" culturen en mensen voor te stellen als zowel exotisch als gevaarlijk.

De term 'oriëntalisme' wordt in de kunstgeschiedenis gebruikt om het oeuvre te beschrijven dat in de 19e eeuw is gemaakt door westerse kunstenaars die zich richtten op oosterse thema's en motieven als gevolg van hun verkenningen van West-Azië. In die tijd werden kunstenaars en academici vaak spottend bestempeld als 'oriëntalisten', een term die populair werd door de Franse kunstcriticus Jules-Antoine Castagnary. De Franse Vereniging van Oriëntalistische Schilders, met Jean-Léon Gérôme als erevoorzitter, werd opgericht in 1893, ondanks wijdverbreide sociale afkeuring van het genre; in Groot-Brittannië daarentegen betekende 'oriëntalist' eenvoudig 'kunstenaar'.

De perspectieven van kunstenaars veranderden rond het einde van de 19e eeuw met de oprichting van de Franse Oriëntalistische Schildersvereniging, waardoor leden zichzelf konden herkennen als onderdeel van een grotere artistieke beweging. Hoewel er tijdens de hoogtijdagen van de beweging in de 19e eeuw tal van verschillende oriëntalistische schilderstijlen ontstonden, wordt de term 'oriëntalistische schilderkunst' meestal gebruikt om te verwijzen naar een enkel subgenre van academische kunst. Veel kunsthistorici classificeren oriëntalistische schilders in twee categorieën: degenen die schilderden vanuit directe observatie en degenen die fantastische instellingen in hun studio's creëerden. Men is het er algemeen over eens dat Franse kunstenaars als Eugène Delacroix (1798-1863) en Jean-Léon Gérôme (1824-1904) de meest prominente figuren in de oriëntalistische beweging waren.

Frans oriëntalisme

Napoleons rampzalige invasie van Egypte en Syrië in 1798-1801 beïnvloedde de Franse oriëntalistische schilderkunst en werd gedocumenteerd door Napoleons hofschilders, vooral Antoine-Jean Gros, in de jaren die volgden, ondanks het feit dat Gros niet met het leger naar het Midden-Oosten reisde . Bonaparte Visiting the Plague Victims of Jaffa (1804) en Battle of Abukir (1806) concentreren zich beide op de keizer, zoals hij toen was, maar er zijn ook veel Egyptische individuen. De minder succesvolle Napoleon in de Slag om de Piramides heeft ook veel Egyptenaren (1810). Ook belangrijk was La Révolte du Caire (1810) van Anne-Louis Girodet de Roussy-Trioson. De Franse regering produceerde twintig delen met een geïllustreerde beschrijving van de oudheden van Egypte tussen 1809 en 1828 onder de titel Description de l'Égypte.

Voordat Eugène Delacroix ooit voet aan wal zette in Griekenland of het Oosten, scoorde Eugène Delacroix zijn eerste grote hit met The Massacre at Chios (1824), die, net als zijn vriend Théodore Géricaults The Raft of the Medusa, een recente tragedie in een verre plaats verbeeldde publieke opinie. Terwijl de Grieken nog steeds worstelden voor vrijheid van de Ottomanen, was het land net zo exotisch als de meer oosterse delen van het rijk. Delacroix schilderde vervolgens Griekenland op de ruïnes van Missolonghi (1827) ter herdenking van een belegering die het jaar daarvoor had plaatsgevonden, en De dood van Sardanapalus (1828), geïnspireerd door Lord Byron en naar verluidt het eerste kunstwerk geweest om seks, geweld, luiheid en exotisme te combineren. In 1832, als onderdeel van een diplomatieke missie naar de sultan van Marokko, reisde Delacroix uiteindelijk naar wat nu Algerije is, een gebied dat onlangs door de Fransen is veroverd. Hij was diep ontroerd door wat hij zag, en trok parallellen tussen de Noord-Afrikaanse manier van leven en die van de oude Romeinen, en hij bleef onderwerpen van zijn reis schilderen nadat hij in Frankrijk was teruggekeerd. Veel van zijn afbeeldingen toonden joden of krijgers op paarden omdat hij het, net als veel andere oriëntalistische schilders, moeilijk vond om vrouwen te portretteren. Weinig volgende haremscènes konden dezelfde claim van realisme maken, maar hij was blijkbaar in staat om toegang te krijgen tot de vrouwenverblijven (of harem) van een huis om te schetsen wat Vrouwen van Algiers werden.

Het was Ingres, directeur van de Franse Académie de peinture, die een erotisch Oriënt populair maakte door zijn vage generalisatie van de vrouwelijke figuren in zijn levendig gekleurde afbeelding van een Turks bad (die allemaal hetzelfde model zouden kunnen zijn). In het mysterieuze Oosten werden meer openlijke uitingen van seksualiteit getolereerd. Henri Matisse's halfnaakte schilderijen uit de Nice-periode en zijn gebruik van oosterse kostuums en patronen zijn voorbeelden van dit voortdurende gebruik van dit motief tot in het begin van de 20e eeuw. Het stoomschip maakte reizen veel gemakkelijker en veel kunstenaars bezochten het Midden-Oosten en daarbuiten om een breed scala aan oosterse taferelen te schilderen. Voordat hij het Oosten bezocht, had Théodore Chassériau (1819-1856), een leerling van Ingres, al succes geboekt met zijn naakt The Toilette of Esther (1841, Louvre) en het ruiterportret van Ali-Ben-Hamet, kalief van Constantijn en hoofd van de Haractas, gevolgd door zijn Escort

Veel van deze werken hielden een stereotiep, exotisch en geseksualiseerd beeld van het Oosten in stand. Dit soort kunstwerken was vaak gericht op de Arabische, Joodse en andere Semitische culturen, omdat Franse schilders hierheen reisden om meer te weten te komen over de geschiedenis en ontwikkeling van de regio toen het keizerlijke Frankrijk zijn invloed in Noord-Afrika uitbreidde. Verschillende Franse kunstenaars, zoals Eugène Delacroix, Jean-Léon Gérôme en Jean-Auguste-Dominique Ingres, beeldden odalisken af in hun schilderijen van de islamitische cultuur. Ze benadrukten traagheid en flitsende beelden. Vooral genreschilderijen zijn bekritiseerd omdat ze te veel lijken op Europese voorbeelden van hetzelfde onderwerp, of omdat ze een oriëntalistisch wereldbeeld in de Saidische zin uitdrukken. Gérôme was de stamvader en vaak de meester van een groep Franse schilders uit de late eeuw die bekend stonden om hun schaamteloos seksuele afbeeldingen van harems, openbare baden en slavenveilingen (de laatste twee ook verkrijgbaar met een klassiek decor), en voor hun bijdrage aan "de vergelijking van oriëntalisme met het naakt in pornografische modus".

Oriëntalisme in Europese architectuur en design

Vanaf het einde van de 15e eeuw was de Moreske-stijl van Renaissance-versiering een Europese aanpassing van de islamitische arabesk die tot vrijwel op de dag van vandaag in bepaalde gebieden werd gebruikt, zoals als boekbinderij. De term "Indo-Saraceense Revival" beschrijft het vroege westerse gebruik van Indiase architectonische thema's. De voorkant van de Londense Guildhall dateert uit deze periode (1788-1789). Vanaf ongeveer 1795, toen de opvattingen over India werden gepubliceerd door William Hodges en William en Thomas Daniell, verwierf de stijl populariteit in het Westen. Een van de bekendste voorbeelden van 'Hindoe'-architectuur zijn Sezincote House (ca. 1805) in Gloucestershire, dat werd gebouwd voor een nabob die onlangs was teruggekeerd uit Bengalen, en het Royal Pavilion in Brighton.

Het gebruik van "Turkse" stijlen in de decoratieve kunsten, occasionele adoptie van Turkse kleding en interesse in kunst die het Ottomaanse rijk uitbeeldt, maakten allemaal deel uit van de Turquerie-beweging, die begon in de late 15e eeuw en duurde tot ten minste de 18e. Zelfs als Frankrijk na de 18e eeuw belangrijker werd, was Venetië, de oude commerciële relatie van de Ottomanen, het oorspronkelijke middelpunt.

De naam "Chinoiserie" verwijst naar de algemene stijl van decoreren met elementen geïnspireerd op China, dat populair was in West-Europa vanaf de 17e eeuw en zijn hoogtepunt bereikte in verschillende golven, met name tijdens de Rococo-periode (ongeveer 1740-1770). De technische complexiteit van Chinese keramiek werd geprobeerd en slechts gedeeltelijk succesvol door westerse ontwerpers van de Renaissance tot de 18e eeuw. In de 17e eeuw begonnen landen als Engeland (met de Oost-Indische Compagnie), Denemarken (met de Oost-Indische Compagnie), Nederland (met de Oost-Indische Compagnie) en Frankrijk (met de Oost-Indische Compagnie) tekenen te vertonen. van Chinoiserie (de Franse Oost-Indische Compagnie). In het begin van de 17e eeuw begonnen pottenbakkers in Delft en andere Nederlandse steden hetzelfde authentieke blauw-witte porselein te gebruiken dat tijdens de Ming-dynastie in China was geproduceerd. Borden, vazen en theeserviezen uit de vroegste plaatsen van echte porseleinproductie, zoals Meissen, bootsten traditionele Chinese vormen na (zie Chinees exportporselein).

De formele parterres van laat-barokke en rococo-Duitse paleizen hadden plezierpaviljoens in 'Chinese smaak' en tegelpanelen in Aranjuez bij Madrid toonden vergelijkbare structuren. Vooral theetafels en servieskasten werden in 1753-1770 door Thomas Chippendale versierd met sierlijsten en balustrades. Naturalisatie vond ook plaats in de sombere hommages aan het meubilair van vroege Xing-geleerden, zoals de tang, die een mid-Georgische bijzettafel werd en vierkante fauteuils met lamellen die geschikt waren voor zowel Engelse heren als Chinese geleerden.

Niet alle westerse interpretaties van traditionele Chinese esthetiek worden als 'chinoiserie' beschouwd. Voorbeelden van Chinoiserie-media zijn keramische figuren en tafelornamenten, vroeg geschilderd behang in bladvorm en imitaties van lak en beschilderde tôle-schalen die Japan opriepen. Grote pagodes werden in tuinen geïnstalleerd, terwijl miniatuurversies op schoorsteenmantels werden geplaatst. The Great Pagoda, gemaakt door William Chambers, is een prachtig bouwwerk in Kew. De Wilhelma (1846), gelegen in Stuttgart, is een gebouw dat een voorbeeld is van de Moorse Revival-stijl. Leighton House is gebouwd voor de kunstenaar Frederic Leighton en heeft een traditionele buitenkant, maar een sierlijk interieur in Arabische stijl met echte islamitische tegels en andere componenten en Victoriaans oriëntaliserend werk.

Grotendeels dankzij de introductie van ukiyo-e-prints in het Westen, bloeide de esthetische beweging die bekend staat als het japonisme na 1860. Vooral invloedrijk op moderne Franse kunstenaars als Claude Monet en Edgar Degas was de Japanse esthetiek. Japanse prenten inspireerden de Amerikaanse kunstenaar Mary Cassatt, die in Frankrijk woonde en werkte. Ze verwerkte hun gebruik van gelaagde patronen, platte vlakken en dynamisch perspectief in haar eigen werk. Enkele van de beste voorbeelden van Japans geïnspireerde kunst zijn te vinden in The Peacock Room, een verzameling schilderijen van James Abbott McNeill Whistler. The Gamble House en andere gebouwen van de Californische Greene en Greene werden beïnvloed door de Japanse architectuur.

Egyptische Revival-architectuur was een populaire stijl in het begin en midden van de 19e eeuw, en het bleef als een minder belangrijke stijl in het begin van de 20e eeuw. In het begin van de 19e eeuw behoorden synagogen tot de belangrijkste begunstigden van de Moorse opwekkingsstijl die zijn oorsprong vond in de Duitse staten. Een architecturale stijl die bekend staat als Indo-Saraceense Revival ontstond rond het einde van de 19e eeuw in de Britse Raj.

Decoreren met oosterse kunst

De esthetiek van een oosters decor behoort tot de meest aanlokkelijke ter wereld. Populair in de meubel- en interieurindustrie, het gebruik van oosterse decorelementen is in opkomst. Deze verzameling Aziatische kunstvormen is al millennia in trek en bevat werken uit een grote verscheidenheid aan Aziatische landen.

De term 'oosterse kunst' roept vaak beelden op van geishameisjes in Japan of Chinese aquarellen, maar dit zijn niet de enige voorbeelden. Met hun levendige kleuren en aandacht voor detail hebben oosterse rollen, vazen en schilderijen eeuwenlang standgehouden. Paraplu's, ventilatoren en lampen zijn andere voorbeelden van andere vormen van oosterse kunst.

Een van de redenen waarom oosterse kunst zo geliefd is, zijn de strakke lijnen en levendige kleuren. Zowel het oosterse als het westerse halfrond hebben elementen van oosterse decors in hun interieurs verwerkt. Vanwege zijn elegantie en functionaliteit kan het worden gebruikt in instellingen die anders ongewoon zijn. Het toevoegen van een stuk oosterse kunst aan uw huis is een geweldige manier om het een unieke look en feel te geven. De wandventilator is een iconisch voorbeeld van oosterse kunst. Decoreren met items uit het Oosten is een geweldig idee omdat ze zowel stijlvol als goedkoop zijn.

Zoals veel specialisten in het veld suggereren, zijn veilingen een van de beste manieren om werken van oosterse kunst te verwerven. Daarom kunt u eenvoudig door veilingcatalogi bladeren en uw huis inrichten met oriëntaalse stukken. Over Japanse kunst wordt echter vaak geveild met prenten, keramiek, harnassen en meer.

Enkele beroemde oosterse artiesten

Gu Kaizhi (344 - ca. 406)

Beroemde werken van de Chinese kunstenaar Gu Kaizhi zijn onder meer Vermaningen van de gouvernante aan de dames van het hof en instructies voor illustere vrouwen. Hij was ook een dichter en kunsttheoreticus. Hij was een taoïstische filosoof die een kleurrijk leven leidde en soms groot cynisme aan de dag legde. Gu Kaizhi (ca. 344-406), een regeringsfunctionaris die in 366 begon, werd geboren in Wuxi, in de provincie Jiangsu, maar zijn talenten reikten tot ver buiten de politiek. Hij was ook een ervaren dichter, essayist, schilder en beoefenaar van Chinese kalligrafie. Drie werken, Over schilderen, Inleiding tot de beroemde schilderijen van de Wei- en Jin-dynastieën, en Schilderen van de berg Yuntai, vatten Gu's talrijke theorieën over het medium samen. Zijn levenswerk is gedocumenteerd in meer dan 70 schilderijen die zich richten op menselijke en goddelijke figuren, dieren, landschappen en waterwegen. Nanjing Temple Buddha (gemaakt om geld te genereren voor de bouw van de tempel), Vermaningen van de Gouvernante aan de Dames van het Hof, en The Luo River Nymph zijn allemaal werken die gewoonlijk aan hem worden toegeschreven. Werken van Gu Kaizhi zijn nu te vinden in collecties over de hele wereld. Tussen ongeveer 220 na Christus en 581 na Christus was er een gouden eeuw van de Chinese schilderkunst. Ondanks de oorlogen en dynastieke veranderingen die in de loop van 300 jaar in China plaatsvonden, bleef het culturele leven van het land levendig. Dit was grotendeels te danken aan de vele verschillende scholen die een belangrijke impuls gaven aan de artistieke ontwikkeling van het land. Er zijn verschillende voorbeelden van virtuositeit in Chinese kalligrafie en kunst in deze periode, waaronder grafschilderingen, stenen en bakstenen sculpturen en lakschilderijen. Ook theoretiseren zijn de picturale regels die we onder de hedendaagse Chinese schilderkunst zien, regels zoals de grafische theorie en de theorie van zes regels. Een van de meest invloedrijke en bekende van deze kunstenaars is Gu Kaizhi, die vaak wordt beschouwd als de grondlegger van de traditionele Chinese schilderkunst. Zijn werken belichamen het tijdperk waarin hij leefde.

Fan Kuan (960 - ca. 1030)

Van de jaren 990 tot 1020 was Fan Kuan een prominente "noordelijke stijl" taoïstische schilder in China. Aan hem worden onder meer de mooiste meesters van de 10e en 11e eeuw toegeschreven. Een verticale rol met de titel Travelers amid Mountains and Streams, door Fan Kuan, wordt algemeen beschouwd als het fundamentele kunstwerk voor de Northern Song School. Het zet een standaard voor gigantische landschapsschilderkunst waar veel kunstenaars vervolgens naar op zoek zouden gaan voor begeleiding. Het is duidelijk dat het oude Chinese idee van drie dimensies, dichtbij, midden (vertegenwoordigd door water en mist) en afstand, hier aan het werk is. In tegenstelling tot de vroegste voorbeelden van Chinese landschapsschilderkunst, is de pracht van de natuurlijke wereld de focus in plaats van een bijzaak. Aan de voet van de monoliet is een rij pakpaarden te zien die uit de struiken komen. Conventies uit de oudere Tang-dynastie zijn te zien in de visuele stijl van het kunstwerk.

Katsushika Hokusai ( 1760 – 1849 )

Het is de ukiyo-e-stijl die Katsushika Hokusai populair maakte als schilder en graficus in Japan. Hij was een precieze en excentrieke schilder die vooral bekend is om zijn prenten. Hij bleef echter zijn hele leven in beide media werken. Meer dan zestig jaar in zijn carrière had hij al geëxperimenteerd met houtsneden met afbeeldingen van theatrale onderwerpen, wenskaarten voor privé-circulatie (surimono) en, vanaf de jaren 1830, landschapsseries, zoals blijkt uit werken als Gezichten op beroemde bruggen en beroemde watervallen in Verschillende provincies en zesendertig uitzichten op de berg Fuji, wat deels een persoonlijke gehechtheid aan de beroemde vulkaan weerspiegelt. The Great Kanagawa Wave, ook onderdeel van deze canon, is een bijbehorend werk. Na een periode van grote ontberingen veroorzaakt door een aantal familiekwesties, waarvan zijn neef niet in de laatste plaats gokte, publiceerde hij een aantal teken- en mangagidsen voor zowel amateurs als professionals. Het schrijven en tekenen van een breed scala aan mysterieboeken en korte verhalen voor vrouwen en kinderen, evenals het werken aan het illustreren van grote literaire meesterwerken, werd geïnspireerd door zijn levenslange liefde voor literatuur, die waarschijnlijk begon tijdens zijn adolescentiejaren als loopjongen voor een reizende bibliotheek. De haiku's die hij schreef waren ook redelijk goed. Vanwege de wijdverbreide invloed van zijn kunst op Europese impressionisten zoals Claude Monet en post-impressionisten zoals Vincent van Gogh en de Franse schilder Paul Gauguin, werden tussen 1896 en 1914 drie biografieën over Hokusai in het Frans gepubliceerd door de belangrijkste critici van die tijd, waaronder Edmond de Goncourt. Volgens de verhalen die over hem werden verteld, verhuisde hij meer dan negentig keer en gebruikte hij tijdens zijn carrière verschillende artiestennamen.

Hiroshi Yoshida (1876 – 1950)

Japanse schilder en drukker Hiroshi Yoshida. Zijn prenten van de Taj Mahal, de Zwitserse Alpen en de Grand Canyon behoren tot de beroemdste voorbeelden van shin-hanga-kunst en roepen sterke emoties op bij de kijkers. Op 19 september 1876 begon in de stad Kurume, in de prefectuur Fukuoka op het eiland Kysh, het leven van Hiroshi Yoshida, geboren als Hiroshi Ueda. Zijn adoptievader, een kunstleraar op een openbare school, moedigde zijn vroege artistieke talent aan. Na drie jaar in Tokio te hebben geleerd onder Koyama Shotaro, werd hij op 19-jarige leeftijd overgeplaatst naar Kyoto om te studeren bij de beroemde westerse schildersmeester Tamura Soryu. In 1899 gaf Yoshida zijn eerste show in wat toen het Detroit Museum of Art heette, maar nu het Detroit Institute of Arts heet. Hiroshi Yoshida was een ervaren olieverfschilder die het medium al gebruikte sinds de introductie in het Meiji-tijdperk in Japan. De serie Sailing Boats uit 1921 en de Taj Mahal-prints (waarvan er zes zijn) zijn beide voorbeelden van Yoshida's gewoonte om hetzelfde beeld in verschillende kleuren te reproduceren om de stemming te veranderen.

Citaten

Madeleine L'Engle

• “ Ik vind het leuk dat de grote schilders in de oude Chinese kunst altijd een opzettelijke fout in hun werk hebben opgenomen: de menselijke schepping is nooit perfect.”

Ai Weiwei

• “Alle rijke mensen verzamelen traditionele Chinese kunst. Het is dus heel natuurlijk voor Chinese families om kunst nog steeds te zien als de hoogste menselijke prestatie en hun kinderen naar dit veld te sturen.”

Stephen Gardiner

• "In de Japanse kunst nam de ruimte een dominante rol in en haar positie werd versterkt door zenconcepten".

Henri Matisse

• "Hebben de kunstenaars uit de hoogtijdagen van de Japanse kunst tijdens hun loopbaan niet vaak van naam veranderd? Daar houd ik van; ze wilden hun vrijheid vrijwaren".

Blader door een exclusieve selectie van originele kunstwerken over color pencil

Onze online kunstgalerie biedt de grootste collectie originele kunstwerken online, waaronder een exclusieve selectie van color pencil kunstwerken van opkomende en beroemde kunstenaars van over de hele wereld. Artmajeur biedt inderdaad miljoenen kunstwerken zoals schilderijen, sculpturen en foto's van de grootste hedendaagse kunstenaars van vandaag!

Koop veilig alle kunst waar je van houdt op Artmajeur
Bent u op zoek naar color pencil kunstwerken te koop ? Je kunt veilig schilderijen over color pencil kopen , maar ook sculpturen, foto's of tekeningen: al je aankopen vallen onder ons retourbeleid van 14 dagen, zonder vragen! Kunstwerken die op de galerij worden gepresenteerd, worden verkocht tegen een gegarandeerde prijs, met gratis verzending.

Vind "color pencil" schilderijen en kunstwerken bij jou in de buurt
Met de geografische zoekmachine op Artmajeur kunt u ook kunstwerken bij u in de buurt vinden, op deze manier kunt u gemakkelijk originele kunst vinden in uw stad, regio of elke locatie die u kiest. Sommige verkopers kunnen ook zelf pakketten bezorgen als hun studio dicht bij jouw locatie is gevestigd.

Ontvang een aangepaste selectie van schilderijen en kunstwerken
Een perfecte manier om uw huis zo geïndividualiseerd mogelijk te maken, is met een op maat gemaakte selectie van kunstwerken. De kunstwerken worden beschikbaar gesteld in uw keuze van onderwerpen, maten, genres, vormen, stijlen, thema's, kleuren en onderwerp. Als u een kunstcollectie heeft die bestaat uit honderden schilderijen, al dan niet met de hand geschilderd, kunt u degene kiezen die uw interesses het beste weergeven.

Om schilderijen voor uw collectie te selecteren die bij uw smaak en stijl passen, kunt u de opties in het zijmenu gebruiken. Door simpelweg opties zoals kleur, thema, prijs, onderwerp te selecteren, wordt uw selectie automatisch bijgewerkt. Je kunt ook alle kunstwerken die je leuk vindt als favoriet opslaan: zo kun je je persoonlijke favorieten bewaren voor toekomstig gebruik. Als u uw kunstwerken met anderen wilt delen, kunt u uw collecties ook openbaar maken, het is een creatieve manier om uw favoriete kunst te delen met andere kunstliefhebbers, vrienden of zelfs klanten.

Vraag een kunstadviseur om je te helpen bij het vinden en kopen van kunst om je collectie op te bouwen

Er kan een groot aantal kunstwerken zijn gerelateerd aan color pencil : Of je nu voor de eerste keer online koopt of al een frequente koper bent, het kan zowel intimiderend als tijdrovend zijn om het juiste kunstwerk online te vinden:

• Hoe maak je de juiste keuze en koop je het juiste kunstwerk?
• Hoe betaal je de beste prijs voor een origineel kunstwerk?
• Hoe navigeer je door het grote aantal beschikbare collecties?

Ons team van kunstadviseurs staat voor je klaar: Artmajeur wil het online kopen van kunst gemakkelijk en veilig maken. Al onze kunstwerken worden geleverd met een 100 procent geld-terug-garantie, zodat u zich volledig veilig voelt over uw online aankoop bij ons.

We hebben een platform gecreëerd waar kunstenaars hun kunstwerken rechtstreeks op onze website kunnen uploaden om u te helpen het perfecte stuk te vinden. Blader door duizenden prenten, sculpturen en schilderijen van hedendaagse topartiesten. Prijzen variëren van zeer betaalbare kunstwerken tot zeer waardevolle stukken om in te investeren, afhankelijk van het type en de grootte van het kunstwerk dat u zoekt en uw ruimtevereisten. Het is verbazingwekkend om de verscheidenheid aan originele kunstwerken online te zien. Artmajeur heeft het allemaal, of je nu op zoek bent naar een mooi en duur olieverfschilderij of een meubelstuk voor in huis.

Oosterse kunst: een breed scala aan creativiteit uit verschillende culturen

Er is een grote verscheidenheid aan artistieke tradities uit heel Azië die de geschiedenis van de Aziatische kunst vormen. Centraal-Azië, Oost-Azië, Zuid-Azië, Zuidoost-Azië en West-Azië zijn de meest prominente delen van het Aziatische continent.

Oost-Aziatische kunst omvat de culturen van China, Japan en Korea, terwijl Centraal-Aziatische kunst wordt gedomineerd door creaties van de Turkse volkeren van de Euraziatische steppe. Zuidoost-Aziatische kunst bestaat uit de kunst van Thailand, Laos, Vietnam, Singapore, Indonesië en de Filippijnen, terwijl Zuid-Aziatische kunst verwijst naar de kunst van het Indiase subcontinent. Kunst uit het Nabije Oosten, of West-Azië, omvat Mesopotamische kunst uit de oudheid en islamitische kunst uit de moderne tijd.

De evolutie van de Aziatische kunst is in veel opzichten vergelijkbaar met die van de westerse kunst. Culturen vermengden zich via middelen zoals de overdracht van kunst langs de zijderoute, culturele uitwisseling tijdens het tijdperk van ontdekking en kolonisatie, en via internet en de huidige globalisering. Als we de kunst van het stenen tijdperk buiten beschouwing laten, is de kunst van Mesopotamië de vroegste kunst in Azië.

Centraal-Aziatische kunst

Het hedendaagse Kirgizië, Kazachstan, Oezbekistan, Turkmenistan, Azerbeidzjan, Tadzjikistan, Afghanistan, Pakistan en sommige regio's van het huidige Mongolië, China en Rusland worden allemaal beschouwd als onderdeel van de Centraal-Aziatische regio, waar een rijke geschiedenis en een grote verscheidenheid aan artistieke tradities. Centraal-Aziatische kunst van de oudheid tot de middeleeuwen illustreert de diverse bevolking en het culturele erfgoed van de regio. Het culturele erfgoed van Centraal-Azië weerspiegelt de multiculturele samenstelling van de regio op verrassende manieren, zoals blijkt uit de artistieke artefacten van de regio. Scythische kunst, Grieks-boeddhistische kunst, Serindische kunst en zelfs de moderne Perzische cultuur maken allemaal deel uit van deze ingewikkelde geschiedenis, die ook de overdracht van kunst over de zijderoute omvat.

Migrerende herders die gemengde economieën beoefenden aan de periferie van sedentaire gemeenschappen, hebben de graslanden van Centraal-Azië (van de Kaspische Zee tot centraal China en van Zuid-Rusland tot Noord-India) sinds het einde van het 2e millennium voor Christus tot relatief recentelijk hun thuis genoemd. De prehistorische kunst in 'dierlijke stijl' van deze pastorale nomaden onthult niet alleen hun zoömorfische mythen en sjamanistische rituelen, maar ook hun openheid om de symbolen van de gevestigde cultuur op te nemen in hun eigen praktijken.

Culturen van over de hele wereld hebben elkaar ontmoet en samengevoegd in Centraal-Azië, waardoor het het zenuwcentrum is van de oude zijderoute die China met de Middellandse Zee verbond. Groeiende gemeenschappen in het derde en tweede millennium voor Christus maakten deel uit van een enorm handelsnetwerk dat Centraal-Azië verbond met de Indusvallei, Mesopotamië en Egypte.

Islamitische kunst heeft de afgelopen eeuwen een grote invloed gehad op de westerse kunst, maar oudere culturen lieten zich inspireren door een breed scala aan bronnen, waaronder de kunst van China, Perzië en Griekenland, evenals de dierlijke stijl, die ontstond onder de nomaden van de steppen.

Oost-Aziatische kunst

Culturele praktijken uit Oost-Azië omvatten de beeldende kunst, literatuur en de podiumkunsten van China, Korea en Japan. Aangezien ze geen praktisch doel hebben en geen handenarbeid vergen, krijgen in China alleen schilderkunst en kalligrafie de status van "echte schone kunsten". Beeldhouwkunst, samen met bronsgieten en snijwerk, evenals de productie van keramiek, textiel, metallurgie en lakwerk, worden allemaal als ambachten beschouwd. Traditionele Chinese gebouwen zijn bijna vaak gemaakt van hout en hebben een platform, een post-en-latei frame, daksteunen en een zwaar, hellend dak.

Drie factoren, waaronder boeddhistische iconografie, inheemse Japanse thema's en tradities en Chinese beeldende kunst, hebben een aanzienlijke invloed gehad op de Japanse visuele cultuur. De Hry-tempel, gebouwd in de zevende eeuw, was de eerste structuur die de asymmetrische lay-outs gebruikte die de Japanse architectuur zouden gaan karakteriseren. De polychrome houtsnede, die zich ontwikkelde tot de iconische ukiyo-e-print, en de scherm- en paneelschilderingen uit de 16e tot 18e eeuw zijn uitstekende voorbeelden van de preoccupatie van Japanse schilders met abstractie van de natuur. Het gebruik van steen in de bouw en beeldhouwkunst en de ontwikkeling van een voortreffelijk celadonglazuur zijn twee van Korea's meest onderscheidende bijdragen aan de kunsten.

Onder de literatuur van de wereld heeft China de langste ononderbroken geschiedenis (meer dan 3000 jaar). Zijn geschiedenis is nauw verweven met die van de geschreven taal die het deelt met Korea en Japan. Ballads, legendes, maskerdrama's, teksten voor poppenshows en p'ansori-teksten ("verhaalzang") maken allemaal deel uit van Korea's rijke mondelinge geschiedenis, en het land heeft ook een robuuste geschreven traditie van poëzie (met name hyangga- en sijo-vormen) . Omdat noch Japan, noch Korea hun eigen geschreven taal hadden, leenden de literaire tradities van beide landen veel van China (hoewel Japanse lettergreepsystemen rond 1000 ontstonden en het Koreaanse Hangul in de 15e eeuw werd ontwikkeld). Poëzie uit Japan, vooral in de haiku-vorm, staat over de hele wereld bekend om zijn delicate gevoeligheid en dateert helemaal uit de 7e eeuw, samen met de vele literaire schatten van het land, zoals The Tale of Genji.

Oost-Aziatische muziek creëerde, net als westerse muziek, een pentatonische toonladder op basis van een 12-toons vocabulaire, maar de basis ervan is duidelijk. Oost-Aziatische ensembles zijn meestal relatief klein, en componisten in de regio geven doorgaans prioriteit aan melodie en ritme boven harmonische complexiteit. Het is vermeldenswaard dat in Oost-Aziatische landen muziek, dans en drama vaak met elkaar verbonden zijn, en er is geen bewijs van een duidelijke evolutie van vorm in de geassocieerde categorieën van Oost-Aziatische dans en theater. Gedanste processies, dansopera (jingxi of 'Peking' en andere soorten Chinese opera), schaduwtheater, poppentheater en dialoogspelen met muziek en dans zijn slechts enkele van de vele varianten van Oost-Aziatische podiumkunsten (bijv. kabuki). De werken van Bash, Bo Juyi, Du Fu, Hiroshige Ando, Lu Xun en Murasaki Shikibu zijn ook het onderzoeken waard, evenals ikebana, papiervouwen in Jgan-stijl, rolschildering, shinden-zukuri, shoin-zukuri, sukiya-stijl, Tempyu-stijl en Tori-stijl architectuur.

Zuid-Aziatische kunst

De kunsten van India, Pakistan, Bangladesh en Sri Lanka worden vaak Zuid-Azië genoemd. Een overvloed aan oude tekstuele literatuur in het Sanskriet, Prkrit en regionale talen heeft geholpen om mensen van het Indiase subcontinent samen te brengen, evenals een gedeeld cultureel en ethisch perspectief. Ondanks de opdeling van de regio in een caleidoscoop van politieke patronen door de eeuwen heen, heeft het subcontinent als geheel gemeenschappelijke muziek- en danstradities, rituele rituelen, religieuze praktijken en literaire ideeën.

De heldendichten van Zuid-Azië, zoals de Rmyaa en de Mahbhrata, geven inzicht in het complexe web van relaties tussen de vele volkeren in de regio. Er is duidelijk bewijs van een familiale relatie tussen de goden en helden van ver van elkaar verwijderde locaties, en veel van de plaatsnamen zelf verwijzen naar gedeelde antecedenten. Er zijn ook aanhoudende pogingen geweest om een verenigde politieke orde in het gebied te vestigen. In de derde eeuw voor Christus controleerde bijvoorbeeld keizer Aoka het grootste deel van dit gebied; in de elfde eeuw na Christus veroverde Rajendra I van Chai een groot deel van India en Zuidoost-Azië; en in de zestiende eeuw na Christus deed de grote Mughal Akbar hetzelfde. Grenzen zijn door de Zuid-Aziatische geschiedenis heen gegroeid en gekrompen, waarbij ze officieel als complete regio's zijn samengevoegd en gescheiden, maar de cultuur is de hele tijd consistent gebleven.

Er was een wijdverbreide waardering voor de schoonheid van de bergen en rivieren in de regio vanwege de gedeelde fysieke omgeving. De Himalaya's, die langs de noordgrens lopen, zijn 's werelds hoogste bergen en vertegenwoordigen een cultureel ideaal van grootsheid, zuiverheid en ongerepte sneeuw. Rivieren zoals de Brahmaputra en de Indus worden geëerd als "moeders" in hun respectieve regio's vanwege de overvloed aan water die ze leveren.

Er is een wijdverbreide overtuiging dat watergeesten en bosfeeën, respectievelijk bekend als nga's en yaka's, de meren en bronnen van de regio bewonen. De naam van een vroege dynastie in Kasjmir, Karkoa, is zelf symbolisch voor nga-aanbidding. Oude religieuze artefacten zoals beelden van nga's en yaka's die op verschillende locaties zijn opgegraven, duiden op een gedeelde devotionele ethos, net als religieuze teksten die al eeuwenlang mondeling zijn overgedragen zonder de oorspronkelijke intonatie te verliezen. Sculpturen met een vergelijkbare klassieke dans zijn te vinden in de Pakistaanse steden Gandhra, Bhrhut en Amarvat.

In Zuid-Azië is het essentieel om goed thuis te zijn in een aantal verschillende kunsten voordat je je in slechts één kunt specialiseren. Aangezien beeldhouwkunst, net als schilderen en dansen, de hele wereld afbeeldt, ligt het voor de hand dat men zich niet in elke kunstvorm kan bekwamen zonder eerst de andere te beheersen. Dansen is een vorm van expressie door beweging en ritme; daarom is een goed begrip van muzikaal ritme cruciaal. Kennis van literatuur en retorica wordt belangrijk geacht voor het opwekken van emotie in muziek en dans; de smaak (rasa) die in muziek, dans, beeldhouwkunst of schilderkunst tot uitdrukking moet worden gebracht, vereist enige bekendheid met het geschreven woord. De kunsten zijn dus op vele niveaus met elkaar verbonden.

De kunsten in Zuid-Azië werden niet alleen voor zichzelf beoefend als een respectabele vrijetijdsbesteding, maar ook als een daad van toewijding en aanbidding aan een hogere macht. Er zijn literaire verwijzingen naar prinsen die kunstwerken inspecteren op gebreken. De prestaties en ambities, zowel in theorie als in de praktijk, van de kunstenaar worden geïllustreerd door een enkele inscriptie die de naam vermeldt van de stra-dhra ("architect") van de Mallikrjuna-tempel in Pattadakal, gebouwd in de achtste eeuw.

Zuid-Aziatische culturen hebben kunstenaars lange tijd een bevoorrechte status toegekend. Het hof was gevuld met dichters, muzikanten en dansers. Een briljante danser werd geprezen door Rjendra Ca, en de architect van de tempel in Tiruvoiyr, die ook werd gesteund door Rjendra, werd in een inscriptie geprezen om zijn uitgebreide kennis van architectuur en kunst. Toch was er een sterk verband tussen de volkskunst en de hoge kunsten. Er waren bijvoorbeeld overeenkomsten tussen dansen van stamgroepen en westerse klassieke kunst, dans en muziek. Het Indiase subcontinent heeft een rijke artistieke geschiedenis, met beeldhouwkunst in de rondte (citra) en beeldhouwkunst in reliëf (ardhacitra) die beide belangrijke posities innemen.

Citrbhsa, wat zich vertaalt naar 'het uiterlijk van beeldhouwkunst', is de op twee na hoogste kunstvorm. Een vers uit een drama van de 5e-eeuwse dichter Klidsa legt uit hoe het oog tuimelt over de hoogten en diepten die worden afgebeeld in het modelleren van een schilderij, en laat zien hoe essentieel de invloed van clair-obscur (dwz het gebruik van licht en schaduw om modellering uit te drukken) was . De meesters hechten het meeste belang aan de lijnschets van een schilderij, die stevig en sierlijk moet worden getekend, gevolgd door schaduw en de weergave van modellering, die door anderen wordt gewaardeerd, het decoratieve element dat een beroep doet op de vrouwelijke smaak, en de pracht van kleur , die appelleert aan de gewone smaak. Het is heel indrukwekkend dat je met zo'n kleine tekening zoveel vorm hebt kunnen aangeven. Er zijn talloze literaire voorbeelden van succesvolle portretkunst in de Zuid-Aziatische schilderkunst en beeldhouwkunst, wat de centrale rol van portretkunst in de beeldende kunst van de regio aantoont. De Viudharmottara, geschreven in de zesde eeuw, verdeelt portretten in vier categorieën: natuurlijk, lyrisch, verfijnd en gemengd. Het categoriseert ook verschillende soorten mensen op basis van hun haar- en oogvormen en kleuren. Er is een overzicht van de vele artistieke perspectieven, evenals een uitleg van de basisprincipes van verkorting. Zoals een gedicht de dichter weerspiegelt, dacht men dat schilderijen en sculpturen de kenmerken van hun makers zouden aannemen.

Ondanks Zuid-Azië's lange geschiedenis van blootstelling aan buitenlandse invloeden, heeft de regio altijd manieren gevonden om deze elementen te combineren in inheemse praktijken, waardoor een unieke synthese ontstaat in plaats van slechts een kopie. Dit wordt ook weerspiegeld in de kunstwerken van de Pakistaanse regio Gandhra, die in die tijd (4e eeuw voor Christus) doordrenkt was van de Grieks-Romeinse cultuur. De integratie van Indiase motieven en stijlen in de dominante westerse stijl is een kenmerk van de beeldhouwkunst van dit tijdperk.

Na de invasie van Kushan in de eerste eeuw na Christus was er een duidelijke instroom van invloeden van buitenaf, maar uiteindelijk zegevierde de inheemse cultuur. Het Mogol-rijk, dat vanaf de 16e eeuw over Zuid-Azië regeerde en bestond uit moslims uit Centraal-Azië, verenigde de regio cultureel door een overwegend Indiaas onderwijs aan zijn onderdanen op te leggen. Moslimkunst bloeide onder het bewind van de tweede Mughal-keizer, Humayn, die kunstenaars van het hof van de Perzische sjah binnenhaalde en een geschiedenis creëerde van het samensmelten van Indiase en Perzische stijlen.

De kunst van elke regio weerspiegelt zijn eigen politieke structuur, morele en ethische normen en sociale structuren. Al in de derde eeuw voor Christus toonden heersers de bereidheid om de mensen te dienen en ze bijna als nakomelingen te behandelen. Prachtige munten uit het Gupta-rijk van Noord-India in de 4e-6e eeuw verbeelden het ideaal van de vorst als de ongeëvenaarde boogschutter, de eenmaker, de lange en statige nobele geest, de offeraar voor het welzijn van de onderdanen en de held van zijn mensen (die hem op een statige olifant zien). Kunstwerk dat rechtvaardige verovering en rechtvaardige oorlogvoering afschildert. Oorlog en verovering, symbolische paardenoffers, de raad van de koning, diplomatieke recepties, vredesonderhandelingen, tempelbouw, waardering voor de schone kunsten (inclusief dans en muziek) en de kroning van koningen zijn slechts enkele van de vele regeringsactiviteiten die in de uitgebreide reeks sculpturen die de geschiedenis van de Zuid-Indiase Pallava-dynastie van de 4e-9e eeuw uitbeelden.

Net zoals sculpturen die de nadruk leggen op dharma, de conventies of wetten die de verplichting opleggen, morele attitudes weerspiegelen, zo ook sculpturen die morele handelingen verbeelden. Een veel voorkomende manier waarop het principe van ahimsa, of geweldloosheid jegens anderen, wordt gevisualiseerd, is door het beeld van een hert, en het ideaal van een heilige plaats wordt meestal afgebeeld als een locatie waar het hert vrij kan rondlopen. Kunstwerken tonen vaak scènes waarin de onderwerpen genieten van hun eigen offers of die van anderen. Verhalen uit de Paca-tantra, een van 's werelds vroegste verzamelingen fabels, worden op een rechttoe rechtaan maar doeltreffende manier in sculpturen verbeeld. Zuid-Aziatische kunst verbeeldt consequent de vroomheid, het geloof en het respect voor moraliteit die generaties lang de sociale structuur van het subcontinent heeft doordrongen.

Zuidoost-Aziatische kunst

De kunst van Zuidoost-Azië omvat de geschreven, mondelinge en visuele vormen. Hoewel de Indiase cultuur een aanzienlijke invloed had op de ontwikkeling van het gebied, zijn er enkele gemeenschappelijke kenmerken die dateren van vóór deze tijd. Kunststijlen die niet afkomstig zijn uit India, zoals batikstoffen, gamelanorkesten en het wayang-poppentheater, blijven populair. Inheemse teelt van natte rijst (of padi), metallurgie, navigatie, voorouderculten en bergaanbidding waren allemaal gebruikelijk.

Zuidoost-Azië omvat het uitgestrekte schiereiland Indochina en de andere eilanden in de regio die vaak bekend staan als Oost-Indië. Zuidoost-Azië kan worden onderverdeeld in twee verschillende delen: het vasteland en de eilanden. Myanmar (Birma), Thailand, Laos, Cambodja, Vietnam, Maleisië, Singapore, Indonesië en de Filippijnen zijn de overheidsinstanties die deel uitmaken van dit gebied. Hoewel de Filippijnen aanvankelijk niet werden beschouwd als onderdeel van Zuidoost-Azië, wordt het nu algemeen beschouwd als onderdeel van de regio vanwege de nabijheid van China en Japan en de nauwe culturele overeenkomsten die het heeft met de culturen van Zuidoost-Azië.

Heel Zuidoost-Azië heeft hetzelfde klimaat en dezelfde topografie, die de geschiedenis en cultuur van de regio hebben gevormd. Cultureel gezien hebben degenen die in de bergen wonen de neiging om af te wijken van degenen die in de valleien wonen.

Oorspronkelijk werd aangenomen dat de mensen van Zuidoost-Azië een gebrek aan originaliteit deelden dat teruggaat tot de prehistorie en dat ze meer "ontvankelijk" dan "creatief" waren in hun interacties met andere culturen. Latere opgravingen en ontdekkingen in Myanmar en Thailand waren voor sommige geleerden aanleiding om te argumenteren tegen de algemeen aanvaarde theorie dat de beschaving in de prehistorie vanuit China naar Zuidoost-Azië was verhuisd. In plaats daarvan, zo voerden ze aan, waren de mensen op het vasteland van Zuidoost-Azië bezig met het kweken van planten, het maken van aardewerk en het werken in brons rond dezelfde tijd als de mensen in het oude Midden-Oosten, en dus verspreidde de beschaving zich een millennium eerder van het vasteland van Zuidoost-Azië naar China. Omdat ze altijd meer geïnteresseerd zijn in het praktische werk van het creëren van mooie dingen, hebben Zuidoost-Aziaten geen rijke erfenis van kunsttheorie, literaire of dramatische kritiek.

Het is niet mogelijk om het ontstaan en de evolutie van kunstvormen in Zuidoost-Azië stap voor stap te volgen, aangezien de mensen, vooral in de westelijke helft van het vasteland, aan niet-duurzame materialen werkten. Gezien de geschiedenis van dichte bebossing in het gebied, ligt het voor de hand dat hout om esthetische redenen het vroegste materiaal was dat werd gebruikt. Ondanks hun hernieuwde vaardigheid met metaal en steen, hebben ze nooit de traditionele praktijk van houtsnijwerk verlaten, die bleef bloeien, zelfs nadat de hoge leeftijd van stenen beeldhouwkunst en steenconstructie voorbij was (ongeveer de 13e eeuw). In de westelijke Shan-staat Myanmar, langs de rivier de Salween, hebben archeologen prehistorische grottekeningen ontdekt die een opvallende gelijkenis vertonen met latere Naga-sculpturen op huispalen. Net zoals het zonnesymbool overal in Zuidoost-Azië als kunstmotief kan worden gevonden, en hoe houtsnijwerk onder de dakrand van Naga-huizen zinspeelt op ontzag, triomf en vreugde bij het verwerven van een menselijk hoofd, weerspiegelt de latere esthetische traditie van Zuidoost-Azië de grotschilderingen van een paar mensenhanden met open handpalmen die de zon vasthouden en een menselijke schedel. De grotschildering is het bewijs dat de kunst van het gebied altijd verweven is geweest met zijn magisch-religieuze verleden.

Vroeger geloofde men dat de techniek voor het gieten van bronzen trommels die in Dong Son, nabij Hanoi, werd gebruikt, afkomstig was uit China. Nieuwe opgravingen in Thailand hebben echter aangetoond dat zowel de trommels als de zogenaamde Dong Son-beschaving inheems zijn op het vasteland van Zuidoost-Azië. Hoe dan ook, de bronzen trommels die door de Karen gedurende millennia tot het begin van de 20e eeuw zijn gegoten, tonen de continuïteit van de esthetische erfenis van Zuidoost-Azië. Metaalbewerking moest zich al vroeg hebben ontwikkeld, aangezien de bergen van het vasteland van Zuidoost-Azië goud, zilver en andere metalen leverden. De heuvelvolkeren van Zuidoost-Azië hebben een lange geschiedenis in het maken en gebruiken van prachtige zilveren knopen, riemen en sieraden. Textielpatronen volgen dezelfde esthetische lijn. Liederen, dansen en andere vormen van muzikale expressie werden traditioneel gebruikt in tribale ceremonies.

Onder de steun van de heersers in heel Zuidoost-Azië bloeiden de kunsten. Rond de tijd van Christus' geboorte begonnen stammen zich formeel te organiseren in stadskoninkrijken of conglomeraten van dorpen na jaren van gevestigd leven als rijstproducenten. In deze visie was een koning niet veel meer dan een opperste stamhoofd. Omdat de stammen al een traditie hadden van het aanbidden van geesten, zochten de vorsten naar een nieuwe godheid die voor iedereen het voorwerp van toewijding zou worden. Dit verlangen naar nieuwe nationale goden droeg bij aan de openheid van Zuidoost-Azië voor de goden van het hindoeïsme en het boeddhisme. Koningen in Zuidoost-Azië waren verantwoordelijk voor het verspreiden van nieuwe religies, vandaar dat de tempels in de regio een gouden eeuw beleefden van de eerste tot de dertiende eeuw.

Tempels werden centra van culturele activiteit en hun muren werden doeken voor architectuur, beeldhouwkunst en religieuze muurschilderingen. Geleerden van het Sanskriet, de taal van de heilige teksten van het hindoeïsme, waren hovelingen in de oude rijken van Oost-Indochina en de eilanden, waar ze lokale Sanskrietliteratuur creëerden. Alleen door de grote hindoeïstische heldendichten Mahabharata en Ramayana heeft dit literaire streven het gewone volk ooit bereikt. Verhalen over hindoegoden, duivels en machtige mannen waren essentieel om het hindoeïsme aan het gewone volk uit te leggen toen de Sanskrietgeschriften buiten hun bereik waren. Over het schiereiland in het Pyu-Birmese rijk van Prome, dat vóór de 8e eeuw bloeide, vond een dergelijke ontwikkeling om twee redenen niet plaats: ten eerste werd het hindoeïsme nooit algemeen aanvaard in Birma, en ten tweede ontwikkelde de meer open Birmese samenleving noch de instelling van een god-koning noch die van een erfelijke adel.

Later werden heidense koningen omringd door Pali-experts, maar de studie van Pali werd niet in het paleis uitgevoerd, maar in kloosters aan de andere kant van het rijk, waardoor de leer van de Boeddha naar zelfs de meest afgelegen dorpen werd gebracht. Boeddhistische monniken en academici van over de hele wereld reisden naar Pagan om Pali te bestuderen, terwijl de hoven van de koningen in Cambodja en Java slechts regionale centra van Sanskrietonderzoek bleven. Jataka-verhalen (Boeddha's geboorte) werden gebruikt om het boeddhisme uit te leggen aan de gewone mensen die de Pali-geschriften niet konden lezen, net zoals Indiase heldendichten werden gebruikt om het hindoeïsme aan de massa uit te leggen. Tempels in Cambodja en Java waren versierd met houtsnijwerk en fresco's met scènes uit de Jatakas, net zoals die met gebeurtenissen uit de grote heldendichten.

De komst van de islam op het eiland Zuidoost-Azië na de Majapahit-dynastie vestigde een derde culturele laag bovenop de reeds bestaande inheemse en hindoe-boeddhistische. Een nieuw Birmese rijk ontwikkelde zich uit de as van het oude en voerde de missie uit om het boeddhisme over het vasteland van Zuidoost-Azië te verspreiden. De Birmese invasie van Siam in de 18e eeuw bracht de hindoeïstische cultuur met zich mee, die de ontwikkeling van het Birmese spel hielp bevorderen. Vietnam, aan de andere kant van het schiereiland, heroverd door China, werd steeds meer beïnvloed door de Chinese cultuur. Na een korte islamitische culturele bloeitijd werden de inheemse bevolking van de eilandnaties van Zuidoost-Azië gedwongen zich te onderwerpen aan buitenlandse overheersing. Alleen in Birma en Siam, twee van de regeringen van Zuidoost-Azië die na jaren van strijd als machtige koninkrijken zijn voortgekomen, bleef de inheemse kunst floreren.

Religie en nationale geschiedenis staan al lang centraal in de Zuidoost-Aziatische kunst. Afgezien van het leven en karakter van de Boeddha en de goden van het hindoeïsme, was de religieuze doctrine geen belangrijk aandachtspunt. Nadat de grote rijken waren gevallen, maar hun herinnering aan glorie en kracht bleef bestaan, ontstond een nieuw thema in de nationale geschiedenis: de verering van legendarische helden uit het verleden.

Hoewel het Boeddhabeeld in de loop van de tijd evolueerde, bleef het een populair onderwerp voor kunstenaars. Naast het introduceren van lokale kleur door als achtergrond scènes uit de eigen tijd van de kunstenaar te gebruiken, diende het afbeelden van scènes uit zijn vorige levens in fresco's en reliëfsculpturen om de mensen boeddhistische ethiek te leren, aangezien de Jatakas bepaalde morele deugden van de Boeddha in zijn vorige levens.

Hetzelfde gold voor afbeeldingen van gebeurtenissen uit de hindoe-epen, die de kunstenaar een vergelijkbare kans boden en een vergelijkbare functie vervulden. Naarmate de tijd verstreek, werden boeddhistische en hindoeïstische geschriften, zoals goden en godinnen, helden en prinsessen, kluizenaars en tovenaars, demonen en draken, vliegende paarden en gevleugelde maagden, enzovoort, samengevoegd met soortgelijke inheemse figuren, en volksverhalen werden opgenomen in de overkoepelende religieuze thema’s.

Verschillende voorstellingen van de naga, een soort bovenmenselijke geest, ontstonden in verschillende delen van de wereld toen de naga werd toegeëigend uit boeddhistische en hindoeïstische geschriften en versmolten met nationale analogen. De naga van Birma heeft een kenmerkende kuif op zijn kop. Voor de Mon was naga een krokodil, maar voor de Khmer en Indonesiër was het een negenkoppige slang.

Hoewel de demonen van Zuidoost-Azië zijn gegroepeerd onder de Pali-Sanskrietterm yakkha of yaksha, zijn hun verschillende identiteiten bewaard gebleven in de beeldhouwkunst en schilderkunst van elk land. De leeuw, die niet bekend was met het moessonwoud, werd niettemin een populair inheems embleem en thema vanwege zijn associatie met de goden van de hindoeïstische en boeddhistische mythologie. Zelfs nadat het Khmer-rijk de gewoonte had verlaten om de slang-draak als een god van de vruchtbaarheid te aanbidden, was de negenkoppige naga een symbool geworden van bescherming en koninklijke macht, en hielden stenen naga's de wacht over de koninklijke paleizen en heilige tempels. Naga-aanbidding werd afgekeurd door boeddhisten.

Gedurende de Birmese en Mon kunstgeschiedenis is de naga altijd afgebeeld in een ondergeschikte rol aan de Boeddha, vaak een stoel uit zijn rollen voor de Boeddha of zijn enorme kap opheffend om hem tegen de elementen te beschermen. De bewaker van een Mon-tempel werd traditioneel afgebeeld als een leeuw met twee lichamen en een menselijk hoofd, terwijl de bewaker van een Birmese tempel traditioneel werd afgebeeld als een kuifleeuw. Ondanks de aanspraak van de Tai om de Khmer- en Mon naga-kunsttradities te erven, diende de goede demon in die culturen als de tempelwachter.

De Indiase dieren werden een onderdeel van de oude symboliek en dierenbeelden die de kunsten binnenkwamen. Zo kozen de Bergen de rode berghark als hun embleem, herschreven de Birmezen de zon als hun favoriete vogel, de pauw, op grond van het feit dat in de boeddhistische mythologie de pauw wordt geassocieerd met de zon, en in Indonesië de mythische vogel Garuda, het voertuig van Vishnu, werd samengevoegd met de plaatselijke adelaar. De afbeeldingen van deze vogels zijn gebruikt als versiering. Gestileerde versies van de dieren die ooit de rieten daken en houten muren van Zuidoost-Aziatische huizen sierden, vonden hun weg naar de meer weelderige paleizen en tempels. Ontwerpen van bomen, fruit en bloemen uit de moessonbossen werden gecombineerd met Indiase bloemmotieven en oude geometrische motieven.

Zuidoost-Aziatische kunst is volledig verschillend van de kunst van een andere regio, met uitzondering van India. Hoewel Birma van oudsher een essentiële handelsverbinding met China is, zijn Chinese invloeden verrassend afwezig in de traditionele Birmese kunst. De Tai arriveerden laat in Zuidoost-Azië en brachten enkele Chinese artistieke tradities met zich mee, maar ze verlieten die praktijken snel ten gunste van die van de Khmer en Mon. Tegenwoordig zijn de enige sporen van die eerdere contacten te zien in de architectonische kenmerken van de tempels, met name het taps toelopende dak en lakwerk.

Omdat Vietnam een millennium lang een kolonie van China was, heeft de Chinese cultuur de Vietnamese kunst beïnvloed. Archeologisch bewijs van het hindoeïsme in het hedendaagse Zuid-Vietnam dateert uit de tijd van de oude Champa-monarchie, die in de 15e eeuw door Vietnam werd veroverd. Chinese invloeden zijn te zien in de boeddhistische beelden in het noorden van Vietnam. Wanneer we de tempelgraven van Cambodja en Indonesië vergelijken met die van de Vietnamese keizers of de weelderige en waardige Boeddhabeelden van Vietnam met die van Cambodja en Birma's ascetische en sierlijke Boeddhabeelden, onthult de fundamentele verschillen in esthetisch doel en stijl tussen de kunsten van Oost-Azië en die van Zuidoost-Azië. Islamitische kunst, die dierlijke en menselijke figuren verwerpt en de realiteit achter de illusoire schoonheid van de alledaagse wereld probeert te onthullen, deelt evenmin weinig met Zuidoost-Aziatische kunst. Zuidoost-Aziatische kunst negeerde de leerstellingen van het hindoeïsme en het boeddhisme dat de sensuele wereld een illusie en vergankelijk was.

In Zuidoost-Aziatische kunst bestaan realiteit en fantasie naast elkaar, en een positieve kijk op het leven doordringt elk stuk. Sommigen hebben opgemerkt dat de klassieke Khmer- en Indonesische kunst gericht was op het weergeven van het dagelijkse leven van de goden, maar vanuit een Zuidoost-Aziatisch perspectief was het dagelijkse leven van de goden hetzelfde als dat van henzelf: vreugdevol, aards en goddelijk. Niet alleen weerspiegelde de Zuidoost-Aziatische kunst niet de Europese opvatting van 'kunst om de kunst', maar evenmin weerspiegelde het de Europese verdeling van kunst in seculiere en religieuze categorieën. Dezelfde motieven die een prachtige tempel en een lakschotel sierden, waren getatoeëerd op de dijen van een Birmese man. De Zuidoost-Aziatische kunstenaar hoefde geen modellen te gebruiken omdat hij, in tegenstelling tot zijn Europese tegenhangers, niet gaf om nauwkeurigheid in elk anatomisch aspect. Het gebruik van fantastische elementen en de nadruk op het vieren van het goede in het menselijk leven is wat Zuidoost-Aziatische kunst onderscheidt.

Focus op Japanse kunst

Er is een grote verscheidenheid aan kunstvormen en media met betrekking tot Japanse kunst', van oude keramiek en beeldhouwwerken tot inktschilderkunst en kalligrafie op zijde en papier, ukiyo-e schilderijen en houtsneden, keramiek en origami. hedendaagse manga en anime. Vanaf de eerste tekenen van menselijk bestaan in Japan in het 10e millennium voor Christus tot heden heeft Japan een rijke en gevarieerde geschiedenis.

Japan heeft zowel een snelle toestroom van buitenlandse ideeën als een langdurig isolement van de rest van de wereld meegemaakt. De Japanners hebben een lange geschiedenis van het assimileren en aanpassen van aspecten van andere culturen die ze esthetisch aangenaam vinden. In de zevende en achtste eeuw werd verfijnde kunst in Japan gecreëerd als reactie op de verspreiding van het boeddhisme. Toen de Japanners wegtrokken uit China en hun eigen unieke uitdrukkingsstijlen ontwikkelden in de 9e eeuw, won de seculiere kunst aan belang; vanaf dat moment tot het einde van de 15e eeuw bloeiden zowel religieuze als seculiere kunsten. Toen de Nin-oorlog uitbrak in Japan (1467-1477), luidde deze meer dan een eeuw van politieke, sociale en economische onrust in. Kunstwerken die de zuiveringen van het Tokugawa-shogunaat overleefden, waren grotendeels seculier en religie speelde een veel kleinere rol in het dagelijks leven. De plotselinge introductie van westerse stijlen was een belangrijke gebeurtenis tijdens de Meiji-periode (1868-1912).

In Japan houden zowel amateurs als experts zich bezig met schilderen als hun primaire vorm van artistieke expressie. De Japanners zijn vooral afgestemd op de waarden en esthetiek van de schilderkunst omdat ze tot de moderne tijd een penseel gebruikten in plaats van een pen. Tijdens de Edo-periode werd houtsnededruk een belangrijke kunstvorm en de methoden die werden gebruikt om de levendige afdrukken te maken, werden verfijnd om te voldoen aan de behoefte van een groeiende populaire cultuur. Toen de religieuze betekenis van het traditionele Japanse boeddhisme in deze tijd afnam, vonden de Japanners beeldhouwkunst een minder aantrekkelijk medium om hun creatieve visie tot uitdrukking te brengen.

Men is het er algemeen over eens dat Japans aardewerk van de hoogste artistieke kwaliteit is en enkele van de vroegste artefacten uit Japan bevat; porseleinexport uit Japan is op verschillende momenten een belangrijke economische activiteit geweest. Japans lakwerk, prachtig versierd met maki-e, is lange tijd een populaire export geweest naar Europa en China, en deze trend zette zich gedurende de negentiende eeuw voort. Traditionele Japanse architectuur kenmerkt zich door natuurlijke materialen en de integratie van binnen- en buitenleven.

Japanse prenten

Ukiyo-e, of Japanse houtsneden, worden steeds populairder in het Westen. Hun naam komt van de uitdrukking "foto's van de zwevende wereld", die hun onderwerp beschrijft. Het boeddhistische geloof dat geluk vluchtig is en dat alleen een afwezigheid van verlangen tot verlichting kan leiden, vormde de inspiratie voor hun stijgende, gewichtloze beeld.

De shoguns van het feodale Japan speelden een belangrijke rol in de ontwikkeling van de Japanse prentkunst, die begon in de Edo-regio (het huidige Tokio). Onder het Sakoku-beleid, dat letterlijk 'afgelegen of gesloten land' betekent, sloot Japan zich af van de rest van de wereld. Perry, een Amerikaanse generaal, bezocht Japan in 1853 om te onderhandelen met de Meiji-regering. Veel prenten van Ukiyo-e, een hedendaagse kunstvorm die floreerde toen Perry Edo bezocht, waren te koop op de trottoirs van de stad.

Scènes uit de Japanse geschiedenis en legendes werden vaak afgebeeld in ukiyo-e, evenals portretten van kabuki-artiesten, scènes uit het theater, verliefde stelletjes, beroemde courtisanes en landschappen. Reizigers uit het Westen waren meteen dol op Ukiyo-e-prints, dus het is niet verwonderlijk dat ze ze mee naar huis namen en de wereld kennis lieten maken met de unieke Japanse kunststijl.

Ukiyo-e art prints werden gemaakt door geïnkte houtblokken op papier te drukken nadat de afbeeldingen achterstevoren in de blokken waren gesneden. Toen het printen begon, gebeurde alles in zwart-wit. Okomura Masanobu en Suzuki Harunobu waren pioniers op het gebied van kleurendruk op houtblokken, waarbij voor elke kleur een apart blok nodig was.

Een key-block voor de contouren en individuele blokken voor elke tint waren vereist. Bovendien, aangezien een klein aantal afdrukken uit een enkel blok kan worden gemaakt, zou een aanzienlijk aantal blokken moeten worden gesneden om een aanzienlijk aantal kopieën af te drukken. De kunstenaar was slechts een van de vele professionals die betrokken waren bij de productie van Japanse kunstdrukken. Anderen waren ontwerpers, vormplanners, vormsnijders en vormpersen.

Rond 1912 begon de grafische beweging die bekend staat als Offshoots of Ukio-e uit te sterven, maar al snel vormden zich twee andere grafische scholen om de leegte te vullen. Sosaku Hanga en Shin Hanga zijn de twee namen voor hen. Er zijn twee stromingen als het gaat om het drukproces: Sosaku Hanga, die stelt dat de kunstenaar bij elke stap een centrale rol moet spelen, en Shin Hanga, die traditioneler is en stelt dat de uitgever het meest centraal staat, zo verschillend kunstenaars kunnen verantwoordelijk zijn voor het ontwerp, de blokkering en het afdrukken.

Voor het kopen en verkopen van Ukiyo-e-prints is het belangrijk om enkele Japanse terminologie te kennen om deze fascinerende kunstvorm goed te kunnen waarderen en waarderen. Wanneer wordt verwezen naar een Japanse prent, geeft de term "atozuri" aan dat deze werd gedrukt nadat de eerste oplage was geëindigd, maar nog steeds de originele houtblokken gebruikte. Shozuri-prints zijn eerste edities, terwijl fukkoku-prints kopieën zijn. Handtekeningen van kunstenaars en nummers van gedrukte edities werden pas in de tweede helft van de twintigste eeuw in de laatste stappen van het Japanse prentenproces opgenomen. In plaats daarvan had elke prent een stempel met de naam van de maker, de uitgever en de beeldhouwer.

Toen Europeanen echter leerden over de unieke cultuur van Japan, ontstond er een rage voor alles wat Japans was, en aan het eind van de jaren 1860 werden er massale zendingen Japanse kunstafdrukken naar het continent gestuurd. Uitgeverijen in Japan realiseerden zich al snel dat ze reproducties van de bekendere houtsneden moesten maken om aan de snelgroeiende vraag te voldoen.

Door postzegels en andere marginalia is gemakkelijk te zien welke prenten authentiek zijn en welke duplicaten. De originaliteit van een document kan vaak worden bepaald door de staat van papier en kleur. Aangezien de gemiddelde kunstverzamelaar waarschijnlijk geen Japanse karakters kan lezen, moeten ze het advies van een expert inwinnen voordat ze een authentieke Japanse kunstdruk kopen.

Focus op betekenissen van Chinese bloemsierkunst

Vanaf de Neolithische periode hebben kunstenaars in China planten afgebeeld in hun kunstwerken. Bloemen, vogels en insecten worden gebruikt voor versiering, en niet alleen omdat ze mooi zijn; ze dragen ook een schat aan betekenis. Tijdens de Song-dynastie (960-1279) versterkte een toename van het aantal schilderijen met de titel "vogel en bloem" de status van bloemenbeelden als een prominent onderwerp in de Chinese kunst. Anders dan op rolschilderingen, is dit thema te zien op een breed scala aan driedimensionale kunstwerken, waaronder porselein, lakwerk, jade sculpturen, textiel, meubels en meer.

Terwijl we ons voorbereiden om de lente te verwelkomen, zullen we de symboliek van bloemen in de Chinese kunst onderzoeken door te kijken naar een selectie schilderijen uit de Aziatische kunstcollectie van de AGGV uit de 19e eeuw. De illustraties van dit album zijn allemaal spot-on voorstellingen van bloemen en vlinders op basis van hun werkelijke flora en fauna. Het is waarschijnlijk dat de combinatie voor het eerst verscheen in de 18e eeuw op goederen die speciaal in opdracht waren gemaakt om als verjaardagscadeau te worden gegeven. Butterfly rebussen kunnen worden gebruikt om meerdere goede wensen tegelijk te uiten. Deze items, die ook verband houden met een lange levensduur, zijn geweldige verjaardagssymbolen. Vlinders stonden in het taoïsme voor het ontketenen van de geest. Bloemen vertegenwoordigen veel positieve dingen, en hun opname in deze kunstwerken draagt alleen maar bij aan hun positieve connotatie.

Volgens een Chinees volksverhaal over twee geliefden die op tragische wijze door oorlog werden verscheurd, staat de klaproos voor trouw en loyaliteit tussen partners in een romantische relatie. Het verhaal draait om klaprozen, die groeiden op de plek waar de vrouw zich had gepleegd na de dood van haar soldaat-echtgenoot.

De uitdrukking huakaifugui suggereert dat camelia's, die bloeien tijdens het Chinese Nieuwjaar (eind januari tot half februari), gebruikt moeten worden om iemands huis te verfraaien om geluk te verwelkomen in het komende jaar. Vanwege Europa's langdurige voorliefde voor de roos, de bloem wordt vaak afgebeeld op artikelen die elders te koop zijn. Omdat de Chinese roos het hele jaar door veelvuldig bloeit, is er de naam "permanente lentebloem" op toegepast.

Trots van de ochtend De trompetvormige bloesems van de ochtendglorie, die bloeien in een levendige paars, werden aanvankelijk gebruikt als decoratief element in Ming blauw- en witgoed in de 15e eeuw. Er wordt beweerd dat deze bloem het geluk in het huwelijk symboliseert. China herbergt vele soorten azalea's, allemaal met een uniek bloeiseizoen. In combinatie met vlinders krijgt de azalea de connotatie van "creatief talent in de kunst" en vertegenwoordigt zij de vrouwelijke schoonheid die zo overheersend is in de kunst.

Nieuwsgierigheid: wat is oriëntalisme?

Oriëntalisme verwijst naar de praktijk van het nabootsen of stereotyperen van elementen uit het Oosten, en het wordt gevonden op het gebied van kunstgeschiedenis, literatuur en culturele studies. Westerse auteurs, ontwerpers en schilders zijn het vaakst verantwoordelijk voor deze afbeeldingen. Van de verschillende subgenres van academische kunst die in de 19e eeuw populair waren, was de oriëntalistische schilderkunst - die zich richtte op het tonen van het Midden-Oosten - een van de meest prominente. Evenzo toonde de westerse literatuur van die tijd een grote belangstelling voor het exotisme van het Oosten.

In academische kringen is de term 'oriëntalisme' gemeengoed geworden sinds Edward Said's Orientalism in 1978 werd gepubliceerd. Deze term wordt gebruikt om een neerbuigend westers perspectief op Aziatische en Afrikaanse culturen te beschrijven. Volgens Said beschouwt het Westen deze culturen als stagnerend en onderontwikkeld, waardoor een beeld ontstaat van de oosterse cultuur dat kan worden onderzocht, afgebeeld en gereproduceerd in dienst van het keizerlijke gezag. Zoals Said aangeeft, berust deze leugen op de veronderstelling dat de westerse samenleving progressief, intelligent, flexibel en superieur is. Dit geeft westerlingen de vrijheid om zich "oosterse" culturen en mensen voor te stellen als zowel exotisch als gevaarlijk.

De term 'oriëntalisme' wordt in de kunstgeschiedenis gebruikt om het oeuvre te beschrijven dat in de 19e eeuw is gemaakt door westerse kunstenaars die zich richtten op oosterse thema's en motieven als gevolg van hun verkenningen van West-Azië. In die tijd werden kunstenaars en academici vaak spottend bestempeld als 'oriëntalisten', een term die populair werd door de Franse kunstcriticus Jules-Antoine Castagnary. De Franse Vereniging van Oriëntalistische Schilders, met Jean-Léon Gérôme als erevoorzitter, werd opgericht in 1893, ondanks wijdverbreide sociale afkeuring van het genre; in Groot-Brittannië daarentegen betekende 'oriëntalist' eenvoudig 'kunstenaar'.

De perspectieven van kunstenaars veranderden rond het einde van de 19e eeuw met de oprichting van de Franse Oriëntalistische Schildersvereniging, waardoor leden zichzelf konden herkennen als onderdeel van een grotere artistieke beweging. Hoewel er tijdens de hoogtijdagen van de beweging in de 19e eeuw tal van verschillende oriëntalistische schilderstijlen ontstonden, wordt de term 'oriëntalistische schilderkunst' meestal gebruikt om te verwijzen naar een enkel subgenre van academische kunst. Veel kunsthistorici classificeren oriëntalistische schilders in twee categorieën: degenen die schilderden vanuit directe observatie en degenen die fantastische instellingen in hun studio's creëerden. Men is het er algemeen over eens dat Franse kunstenaars als Eugène Delacroix (1798-1863) en Jean-Léon Gérôme (1824-1904) de meest prominente figuren in de oriëntalistische beweging waren.

Frans oriëntalisme

Napoleons rampzalige invasie van Egypte en Syrië in 1798-1801 beïnvloedde de Franse oriëntalistische schilderkunst en werd gedocumenteerd door Napoleons hofschilders, vooral Antoine-Jean Gros, in de jaren die volgden, ondanks het feit dat Gros niet met het leger naar het Midden-Oosten reisde . Bonaparte Visiting the Plague Victims of Jaffa (1804) en Battle of Abukir (1806) concentreren zich beide op de keizer, zoals hij toen was, maar er zijn ook veel Egyptische individuen. De minder succesvolle Napoleon in de Slag om de Piramides heeft ook veel Egyptenaren (1810). Ook belangrijk was La Révolte du Caire (1810) van Anne-Louis Girodet de Roussy-Trioson. De Franse regering produceerde twintig delen met een geïllustreerde beschrijving van de oudheden van Egypte tussen 1809 en 1828 onder de titel Description de l'Égypte.

Voordat Eugène Delacroix ooit voet aan wal zette in Griekenland of het Oosten, scoorde Eugène Delacroix zijn eerste grote hit met The Massacre at Chios (1824), die, net als zijn vriend Théodore Géricaults The Raft of the Medusa, een recente tragedie in een verre plaats verbeeldde publieke opinie. Terwijl de Grieken nog steeds worstelden voor vrijheid van de Ottomanen, was het land net zo exotisch als de meer oosterse delen van het rijk. Delacroix schilderde vervolgens Griekenland op de ruïnes van Missolonghi (1827) ter herdenking van een belegering die het jaar daarvoor had plaatsgevonden, en De dood van Sardanapalus (1828), geïnspireerd door Lord Byron en naar verluidt het eerste kunstwerk geweest om seks, geweld, luiheid en exotisme te combineren. In 1832, als onderdeel van een diplomatieke missie naar de sultan van Marokko, reisde Delacroix uiteindelijk naar wat nu Algerije is, een gebied dat onlangs door de Fransen is veroverd. Hij was diep ontroerd door wat hij zag, en trok parallellen tussen de Noord-Afrikaanse manier van leven en die van de oude Romeinen, en hij bleef onderwerpen van zijn reis schilderen nadat hij in Frankrijk was teruggekeerd. Veel van zijn afbeeldingen toonden joden of krijgers op paarden omdat hij het, net als veel andere oriëntalistische schilders, moeilijk vond om vrouwen te portretteren. Weinig volgende haremscènes konden dezelfde claim van realisme maken, maar hij was blijkbaar in staat om toegang te krijgen tot de vrouwenverblijven (of harem) van een huis om te schetsen wat Vrouwen van Algiers werden.

Het was Ingres, directeur van de Franse Académie de peinture, die een erotisch Oriënt populair maakte door zijn vage generalisatie van de vrouwelijke figuren in zijn levendig gekleurde afbeelding van een Turks bad (die allemaal hetzelfde model zouden kunnen zijn). In het mysterieuze Oosten werden meer openlijke uitingen van seksualiteit getolereerd. Henri Matisse's halfnaakte schilderijen uit de Nice-periode en zijn gebruik van oosterse kostuums en patronen zijn voorbeelden van dit voortdurende gebruik van dit motief tot in het begin van de 20e eeuw. Het stoomschip maakte reizen veel gemakkelijker en veel kunstenaars bezochten het Midden-Oosten en daarbuiten om een breed scala aan oosterse taferelen te schilderen. Voordat hij het Oosten bezocht, had Théodore Chassériau (1819-1856), een leerling van Ingres, al succes geboekt met zijn naakt The Toilette of Esther (1841, Louvre) en het ruiterportret van Ali-Ben-Hamet, kalief van Constantijn en hoofd van de Haractas, gevolgd door zijn Escort

Veel van deze werken hielden een stereotiep, exotisch en geseksualiseerd beeld van het Oosten in stand. Dit soort kunstwerken was vaak gericht op de Arabische, Joodse en andere Semitische culturen, omdat Franse schilders hierheen reisden om meer te weten te komen over de geschiedenis en ontwikkeling van de regio toen het keizerlijke Frankrijk zijn invloed in Noord-Afrika uitbreidde. Verschillende Franse kunstenaars, zoals Eugène Delacroix, Jean-Léon Gérôme en Jean-Auguste-Dominique Ingres, beeldden odalisken af in hun schilderijen van de islamitische cultuur. Ze benadrukten traagheid en flitsende beelden. Vooral genreschilderijen zijn bekritiseerd omdat ze te veel lijken op Europese voorbeelden van hetzelfde onderwerp, of omdat ze een oriëntalistisch wereldbeeld in de Saidische zin uitdrukken. Gérôme was de stamvader en vaak de meester van een groep Franse schilders uit de late eeuw die bekend stonden om hun schaamteloos seksuele afbeeldingen van harems, openbare baden en slavenveilingen (de laatste twee ook verkrijgbaar met een klassiek decor), en voor hun bijdrage aan "de vergelijking van oriëntalisme met het naakt in pornografische modus".

Oriëntalisme in Europese architectuur en design

Vanaf het einde van de 15e eeuw was de Moreske-stijl van Renaissance-versiering een Europese aanpassing van de islamitische arabesk die tot vrijwel op de dag van vandaag in bepaalde gebieden werd gebruikt, zoals als boekbinderij. De term "Indo-Saraceense Revival" beschrijft het vroege westerse gebruik van Indiase architectonische thema's. De voorkant van de Londense Guildhall dateert uit deze periode (1788-1789). Vanaf ongeveer 1795, toen de opvattingen over India werden gepubliceerd door William Hodges en William en Thomas Daniell, verwierf de stijl populariteit in het Westen. Een van de bekendste voorbeelden van 'Hindoe'-architectuur zijn Sezincote House (ca. 1805) in Gloucestershire, dat werd gebouwd voor een nabob die onlangs was teruggekeerd uit Bengalen, en het Royal Pavilion in Brighton.

Het gebruik van "Turkse" stijlen in de decoratieve kunsten, occasionele adoptie van Turkse kleding en interesse in kunst die het Ottomaanse rijk uitbeeldt, maakten allemaal deel uit van de Turquerie-beweging, die begon in de late 15e eeuw en duurde tot ten minste de 18e. Zelfs als Frankrijk na de 18e eeuw belangrijker werd, was Venetië, de oude commerciële relatie van de Ottomanen, het oorspronkelijke middelpunt.

De naam "Chinoiserie" verwijst naar de algemene stijl van decoreren met elementen geïnspireerd op China, dat populair was in West-Europa vanaf de 17e eeuw en zijn hoogtepunt bereikte in verschillende golven, met name tijdens de Rococo-periode (ongeveer 1740-1770). De technische complexiteit van Chinese keramiek werd geprobeerd en slechts gedeeltelijk succesvol door westerse ontwerpers van de Renaissance tot de 18e eeuw. In de 17e eeuw begonnen landen als Engeland (met de Oost-Indische Compagnie), Denemarken (met de Oost-Indische Compagnie), Nederland (met de Oost-Indische Compagnie) en Frankrijk (met de Oost-Indische Compagnie) tekenen te vertonen. van Chinoiserie (de Franse Oost-Indische Compagnie). In het begin van de 17e eeuw begonnen pottenbakkers in Delft en andere Nederlandse steden hetzelfde authentieke blauw-witte porselein te gebruiken dat tijdens de Ming-dynastie in China was geproduceerd. Borden, vazen en theeserviezen uit de vroegste plaatsen van echte porseleinproductie, zoals Meissen, bootsten traditionele Chinese vormen na (zie Chinees exportporselein).

De formele parterres van laat-barokke en rococo-Duitse paleizen hadden plezierpaviljoens in 'Chinese smaak' en tegelpanelen in Aranjuez bij Madrid toonden vergelijkbare structuren. Vooral theetafels en servieskasten werden in 1753-1770 door Thomas Chippendale versierd met sierlijsten en balustrades. Naturalisatie vond ook plaats in de sombere hommages aan het meubilair van vroege Xing-geleerden, zoals de tang, die een mid-Georgische bijzettafel werd en vierkante fauteuils met lamellen die geschikt waren voor zowel Engelse heren als Chinese geleerden.

Niet alle westerse interpretaties van traditionele Chinese esthetiek worden als 'chinoiserie' beschouwd. Voorbeelden van Chinoiserie-media zijn keramische figuren en tafelornamenten, vroeg geschilderd behang in bladvorm en imitaties van lak en beschilderde tôle-schalen die Japan opriepen. Grote pagodes werden in tuinen geïnstalleerd, terwijl miniatuurversies op schoorsteenmantels werden geplaatst. The Great Pagoda, gemaakt door William Chambers, is een prachtig bouwwerk in Kew. De Wilhelma (1846), gelegen in Stuttgart, is een gebouw dat een voorbeeld is van de Moorse Revival-stijl. Leighton House is gebouwd voor de kunstenaar Frederic Leighton en heeft een traditionele buitenkant, maar een sierlijk interieur in Arabische stijl met echte islamitische tegels en andere componenten en Victoriaans oriëntaliserend werk.

Grotendeels dankzij de introductie van ukiyo-e-prints in het Westen, bloeide de esthetische beweging die bekend staat als het japonisme na 1860. Vooral invloedrijk op moderne Franse kunstenaars als Claude Monet en Edgar Degas was de Japanse esthetiek. Japanse prenten inspireerden de Amerikaanse kunstenaar Mary Cassatt, die in Frankrijk woonde en werkte. Ze verwerkte hun gebruik van gelaagde patronen, platte vlakken en dynamisch perspectief in haar eigen werk. Enkele van de beste voorbeelden van Japans geïnspireerde kunst zijn te vinden in The Peacock Room, een verzameling schilderijen van James Abbott McNeill Whistler. The Gamble House en andere gebouwen van de Californische Greene en Greene werden beïnvloed door de Japanse architectuur.

Egyptische Revival-architectuur was een populaire stijl in het begin en midden van de 19e eeuw, en het bleef als een minder belangrijke stijl in het begin van de 20e eeuw. In het begin van de 19e eeuw behoorden synagogen tot de belangrijkste begunstigden van de Moorse opwekkingsstijl die zijn oorsprong vond in de Duitse staten. Een architecturale stijl die bekend staat als Indo-Saraceense Revival ontstond rond het einde van de 19e eeuw in de Britse Raj.

Decoreren met oosterse kunst

De esthetiek van een oosters decor behoort tot de meest aanlokkelijke ter wereld. Populair in de meubel- en interieurindustrie, het gebruik van oosterse decorelementen is in opkomst. Deze verzameling Aziatische kunstvormen is al millennia in trek en bevat werken uit een grote verscheidenheid aan Aziatische landen.

De term 'oosterse kunst' roept vaak beelden op van geishameisjes in Japan of Chinese aquarellen, maar dit zijn niet de enige voorbeelden. Met hun levendige kleuren en aandacht voor detail hebben oosterse rollen, vazen en schilderijen eeuwenlang standgehouden. Paraplu's, ventilatoren en lampen zijn andere voorbeelden van andere vormen van oosterse kunst.

Een van de redenen waarom oosterse kunst zo geliefd is, zijn de strakke lijnen en levendige kleuren. Zowel het oosterse als het westerse halfrond hebben elementen van oosterse decors in hun interieurs verwerkt. Vanwege zijn elegantie en functionaliteit kan het worden gebruikt in instellingen die anders ongewoon zijn. Het toevoegen van een stuk oosterse kunst aan uw huis is een geweldige manier om het een unieke look en feel te geven. De wandventilator is een iconisch voorbeeld van oosterse kunst. Decoreren met items uit het Oosten is een geweldig idee omdat ze zowel stijlvol als goedkoop zijn.

Zoals veel specialisten in het veld suggereren, zijn veilingen een van de beste manieren om werken van oosterse kunst te verwerven. Daarom kunt u eenvoudig door veilingcatalogi bladeren en uw huis inrichten met oriëntaalse stukken. Over Japanse kunst wordt echter vaak geveild met prenten, keramiek, harnassen en meer.

Enkele beroemde oosterse artiesten

Gu Kaizhi (344 - ca. 406)

Beroemde werken van de Chinese kunstenaar Gu Kaizhi zijn onder meer Vermaningen van de gouvernante aan de dames van het hof en instructies voor illustere vrouwen. Hij was ook een dichter en kunsttheoreticus. Hij was een taoïstische filosoof die een kleurrijk leven leidde en soms groot cynisme aan de dag legde. Gu Kaizhi (ca. 344-406), een regeringsfunctionaris die in 366 begon, werd geboren in Wuxi, in de provincie Jiangsu, maar zijn talenten reikten tot ver buiten de politiek. Hij was ook een ervaren dichter, essayist, schilder en beoefenaar van Chinese kalligrafie. Drie werken, Over schilderen, Inleiding tot de beroemde schilderijen van de Wei- en Jin-dynastieën, en Schilderen van de berg Yuntai, vatten Gu's talrijke theorieën over het medium samen. Zijn levenswerk is gedocumenteerd in meer dan 70 schilderijen die zich richten op menselijke en goddelijke figuren, dieren, landschappen en waterwegen. Nanjing Temple Buddha (gemaakt om geld te genereren voor de bouw van de tempel), Vermaningen van de Gouvernante aan de Dames van het Hof, en The Luo River Nymph zijn allemaal werken die gewoonlijk aan hem worden toegeschreven. Werken van Gu Kaizhi zijn nu te vinden in collecties over de hele wereld. Tussen ongeveer 220 na Christus en 581 na Christus was er een gouden eeuw van de Chinese schilderkunst. Ondanks de oorlogen en dynastieke veranderingen die in de loop van 300 jaar in China plaatsvonden, bleef het culturele leven van het land levendig. Dit was grotendeels te danken aan de vele verschillende scholen die een belangrijke impuls gaven aan de artistieke ontwikkeling van het land. Er zijn verschillende voorbeelden van virtuositeit in Chinese kalligrafie en kunst in deze periode, waaronder grafschilderingen, stenen en bakstenen sculpturen en lakschilderijen. Ook theoretiseren zijn de picturale regels die we onder de hedendaagse Chinese schilderkunst zien, regels zoals de grafische theorie en de theorie van zes regels. Een van de meest invloedrijke en bekende van deze kunstenaars is Gu Kaizhi, die vaak wordt beschouwd als de grondlegger van de traditionele Chinese schilderkunst. Zijn werken belichamen het tijdperk waarin hij leefde.

Fan Kuan (960 - ca. 1030)

Van de jaren 990 tot 1020 was Fan Kuan een prominente "noordelijke stijl" taoïstische schilder in China. Aan hem worden onder meer de mooiste meesters van de 10e en 11e eeuw toegeschreven. Een verticale rol met de titel Travelers amid Mountains and Streams, door Fan Kuan, wordt algemeen beschouwd als het fundamentele kunstwerk voor de Northern Song School. Het zet een standaard voor gigantische landschapsschilderkunst waar veel kunstenaars vervolgens naar op zoek zouden gaan voor begeleiding. Het is duidelijk dat het oude Chinese idee van drie dimensies, dichtbij, midden (vertegenwoordigd door water en mist) en afstand, hier aan het werk is. In tegenstelling tot de vroegste voorbeelden van Chinese landschapsschilderkunst, is de pracht van de natuurlijke wereld de focus in plaats van een bijzaak. Aan de voet van de monoliet is een rij pakpaarden te zien die uit de struiken komen. Conventies uit de oudere Tang-dynastie zijn te zien in de visuele stijl van het kunstwerk.

Katsushika Hokusai ( 1760 – 1849 )

Het is de ukiyo-e-stijl die Katsushika Hokusai populair maakte als schilder en graficus in Japan. Hij was een precieze en excentrieke schilder die vooral bekend is om zijn prenten. Hij bleef echter zijn hele leven in beide media werken. Meer dan zestig jaar in zijn carrière had hij al geëxperimenteerd met houtsneden met afbeeldingen van theatrale onderwerpen, wenskaarten voor privé-circulatie (surimono) en, vanaf de jaren 1830, landschapsseries, zoals blijkt uit werken als Gezichten op beroemde bruggen en beroemde watervallen in Verschillende provincies en zesendertig uitzichten op de berg Fuji, wat deels een persoonlijke gehechtheid aan de beroemde vulkaan weerspiegelt. The Great Kanagawa Wave, ook onderdeel van deze canon, is een bijbehorend werk. Na een periode van grote ontberingen veroorzaakt door een aantal familiekwesties, waarvan zijn neef niet in de laatste plaats gokte, publiceerde hij een aantal teken- en mangagidsen voor zowel amateurs als professionals. Het schrijven en tekenen van een breed scala aan mysterieboeken en korte verhalen voor vrouwen en kinderen, evenals het werken aan het illustreren van grote literaire meesterwerken, werd geïnspireerd door zijn levenslange liefde voor literatuur, die waarschijnlijk begon tijdens zijn adolescentiejaren als loopjongen voor een reizende bibliotheek. De haiku's die hij schreef waren ook redelijk goed. Vanwege de wijdverbreide invloed van zijn kunst op Europese impressionisten zoals Claude Monet en post-impressionisten zoals Vincent van Gogh en de Franse schilder Paul Gauguin, werden tussen 1896 en 1914 drie biografieën over Hokusai in het Frans gepubliceerd door de belangrijkste critici van die tijd, waaronder Edmond de Goncourt. Volgens de verhalen die over hem werden verteld, verhuisde hij meer dan negentig keer en gebruikte hij tijdens zijn carrière verschillende artiestennamen.

Hiroshi Yoshida (1876 – 1950)

Japanse schilder en drukker Hiroshi Yoshida. Zijn prenten van de Taj Mahal, de Zwitserse Alpen en de Grand Canyon behoren tot de beroemdste voorbeelden van shin-hanga-kunst en roepen sterke emoties op bij de kijkers. Op 19 september 1876 begon in de stad Kurume, in de prefectuur Fukuoka op het eiland Kysh, het leven van Hiroshi Yoshida, geboren als Hiroshi Ueda. Zijn adoptievader, een kunstleraar op een openbare school, moedigde zijn vroege artistieke talent aan. Na drie jaar in Tokio te hebben geleerd onder Koyama Shotaro, werd hij op 19-jarige leeftijd overgeplaatst naar Kyoto om te studeren bij de beroemde westerse schildersmeester Tamura Soryu. In 1899 gaf Yoshida zijn eerste show in wat toen het Detroit Museum of Art heette, maar nu het Detroit Institute of Arts heet. Hiroshi Yoshida was een ervaren olieverfschilder die het medium al gebruikte sinds de introductie in het Meiji-tijdperk in Japan. De serie Sailing Boats uit 1921 en de Taj Mahal-prints (waarvan er zes zijn) zijn beide voorbeelden van Yoshida's gewoonte om hetzelfde beeld in verschillende kleuren te reproduceren om de stemming te veranderen.

Citaten

Madeleine L'Engle

• “ Ik vind het leuk dat de grote schilders in de oude Chinese kunst altijd een opzettelijke fout in hun werk hebben opgenomen: de menselijke schepping is nooit perfect.”

Ai Weiwei

• “Alle rijke mensen verzamelen traditionele Chinese kunst. Het is dus heel natuurlijk voor Chinese families om kunst nog steeds te zien als de hoogste menselijke prestatie en hun kinderen naar dit veld te sturen.”

Stephen Gardiner

• "In de Japanse kunst nam de ruimte een dominante rol in en haar positie werd versterkt door zenconcepten".

Henri Matisse

• "Hebben de kunstenaars uit de hoogtijdagen van de Japanse kunst tijdens hun loopbaan niet vaak van naam veranderd? Daar houd ik van; ze wilden hun vrijheid vrijwaren".

Kunstwerken kopen met als thema " color pencil ":

Koop kunst waar u van houdt zonder risico op Artmajeur! Koop unieke creaties die je niet elders kan vinden! Meer Opties: 

• Color Pencil Schilderijen te koop
• color pencil Sculpturen te koop
• COLOR PENCIL Fotografie te koop
• Color Pencil Tekeningen (Kunst te koop)