무엇이 당신에게 예술 창작과 예술가로서의 영감을 주었나요?
예술은 항상 세상과 소통하는 제 방식이었습니다. 말로는 부족할 때, 제 그림이 말을 합니다. 저는 삶에서 표현을 요구하는 많은 것을 경험했습니다. 기쁨, 고통, 자유, 그리고 그리움의 순간들. 모든 변화, 모든 도전, 모든 성장의 순간은 제 예술적 목소리에 층을 더했습니다.
예술을 창작하면 사람들과 깊이 연결되고, 그들이 나처럼 관점을 바꾸도록 도울 수 있습니다. 저는 그저 아름다운 물건을 만들고 싶지 않습니다. 다른 사람들이 자신의 삶에서 자유를 받아들이고, 삶의 도전을 장벽이 아니라 성장의 기회로 보도록 영감을 주고 싶습니다. 이러한 열망은 저를 개념적 팝 리얼리즘 으로 이끌었습니다. 이는 사실적인 이미지와 철학적 깊이, 고양된 감정을 결합한 스타일입니다.
제가 그리는 모든 것은 메시지를 담고 있습니다. 자유는 선택이며, 행복으로 이어질 수 있습니다. 저는 활기차고 긍정적인 에너지를 사용하여 시청자를 사로잡고, 압도당하지 않고 삶의 복잡성을 성찰하도록 초대하는 것을 믿습니다. 그것은 변화에 관한 것이고, 그것이 제 예술의 본질입니다. 자기 해방과 발견의 지속적인 여정입니다.
그래서 저에게 예술가가 되는 것은 단순한 직업이 아니었습니다. 피할 수 없는 일이었습니다. 그것은 핵심적인 저의 모습입니다. 제가 만지는 모든 캔버스는 사람들이 성찰하고, 힘을 얻고, 궁극적으로 더 자유로운 자신이 되도록 초대하는 것입니다.
당신의 예술적 배경은 무엇이며, 지금까지 어떤 기법과 주제를 실험했습니까?
제 예술적 여정은 기법과 의미에 대한 역동적인 탐구였습니다. 저는 고전적인 드로잉으로 시작했는데, 이는 저에게 형태와 구성에 대한 강력한 기초를 제공했습니다. 시간이 지나면서 저는 유화에 몰두했고, 그 풍부함과 복잡한 감정을 전달하는 능력에 사로잡혔습니다. 저는 사실주의에서 저만의 독특한 목소리를 찾을 때까지 초상화, 정물화, 추상적 개념 등 다양한 장르를 실험했습니다. 하지만 저는 단순히 현실을 복제하고 싶지 않았습니다. 저는 그것을 더 깊은 무언가로 가는 다리로 사용하고 싶었습니다.
처음에는 제 주제가 주로 일상 생활에서 추출되었습니다. 감정적 공명을 일으키는 사람, 사물, 순간들이었습니다. 제가 발전하면서 제 초점은 철학적 아이디어로 옮겨갔습니다. 저는 상징주의를 통합하여 모든 세부 사항이 의미를 갖는 구성을 만들고, 시청자가 표면을 넘어 생각하도록 했습니다. 이것이 컨셉추얼 팝 리얼리즘이 탄생한 방식입니다. 밝고 접근 가능한 이미지와 더 자세히 보려는 사람들을 위해 점진적으로 펼쳐지는 의미의 층이 융합된 것입니다.
기술적으로, 저는 색상과 내용 모두에서 대조를 가지고 노는 것을 좋아합니다. 저는 종종 더 무거운 주제를 균형 잡기 위해 생생한 팔레트를 사용하여 시청자를 가벼운 방식으로 진지한 대화로 초대합니다. 저는 또한 질감을 실험하여 부드러운 사실주의와 표현적이고 거친 획을 혼합하여 시각적 긴장과 에너지를 만듭니다. 모든 작품은 시청자뿐만 아니라 저에게도 여정입니다. 사실주의와 개념 사이의 경계를 넓히는 방법을 끊임없이 탐구하기 때문입니다.
궁극적으로, 제 작업은 자유에 관한 것입니다. 표현의 자유, 생각의 자유, 존재의 자유입니다. 주제와 기법에 대한 이러한 실험을 통해 저는 제 예술이 제가 그리는 것뿐만 아니라 사람들이 어떻게 느끼게 하는지에 관한 것이라는 것을 발견했습니다. 힘을 얻고, 영감을 받고, 자신보다 더 큰 무언가와 연결되어 있습니다.
다른 예술가와 차별화되어 당신의 작품을 독특하게 만드는 세 가지 측면은 무엇입니까?
창조의 컨셉추얼 팝 리얼리즘
저는 리얼리즘과 철학, 감정을 연결하는 방법으로 컨셉추얼 팝 리얼리즘을 개발하여 컨셉추얼 아트에서 흔히 발견되는 무거운 주제에 대한 대안을 제시했습니다. 전통적인 컨셉추얼 리얼리즘은 어둡고 무겁게 느껴질 수 있지만, 제 접근 방식은 시청자가 긍정적이고 생생한 렌즈를 통해 심오한 아이디어에 참여하도록 합니다. 저는 밝은 색상과 접근 가능한 이미지를 사용하여 반성을 불러일으키고 시청자가 고양되고 힘을 얻는 방식으로 철학적 질문을 탐구하도록 격려합니다. 의미와 분위기의 이러한 융합, 즉 무거움이 없는 깊은 생각은 제 스타일을 독특하게 만듭니다.핵심 주제로서의 자유
자유를 추구하는 것은 단순한 주제가 아니라 제 작품의 영혼입니다. 제가 만드는 모든 작품은 자유가 행복과 성장을 가져온다는 믿음을 증명합니다. 미학이나 서사에만 집중하는 많은 예술가와 달리 저는 제 그림을 다른 사람에게 개인적 해방을 고취하는 매체로 사용합니다. 제 예술은 단순히 이야기를 전하는 것이 아니라 사람들이 자신의 삶을 되돌아보고, 한계에 의문을 제기하고, 새로운 가능성을 탐구하도록 초대하는 것입니다. 각 그림은 행동에 대한 부름입니다. 진정성 있게 살고, 변화를 받아들이고, 내면의 자유를 추구하세요.현실주의와 상징주의를 통한 감정적 연결
제 작업을 차별화하는 것은 제가 기술적 숙련도와 깊은 감정적 공명을 결합하는 방식입니다. 제 그림은 단순한 사실적인 묘사가 아니라 상징적 여정입니다. 구성 내의 모든 사물, 색상, 요소는 목적을 갖고 있으며 여러 겹의 의미를 담고 있습니다. 저는 예술이 시각적으로 매력적일 뿐만 아니라 강한 감정을 불러일으키고 생각을 자극해야 한다고 믿습니다. 사실주의와 미묘한 상징주의의 이러한 혼합은 제 작업이 지적인 수준과 감정적인 수준에서 모두 공명하여 참여하는 사람들에게 지속적인 영향을 미치도록 합니다.
이런 요소들이 합쳐져서 내 예술은 단순한 시각적 작품 이상의 의미를 갖습니다. 이는 모든 관람객에게 자기 인식과 내면의 자유를 불러일으키는 것을 목표로 하는 변화적 경험입니다.
당신은 어디에서 영감을 얻나요?
제 영감은 삶 자체와의 깊은 연결에서 나옵니다. 복잡성, 모순, 아름다움이죠. 저는 위대한 순간과 평범한 순간에서 영감을 찾습니다. 피부에 비치는 햇살, 서핑을 하면서 느끼는 파도의 리듬, 겉보기에 평범한 상황에서 감정이 펼쳐지는 방식 등입니다. 즐겁든 도전적이든 모든 경험에는 메시지가 담겨 있고, 저는 그것을 제 예술에 녹여냅니다.
자연은 제 창작 과정에서 중요한 역할을 합니다. 특히 바다는 끊임없이 영감의 원천이었습니다. 서핑은 저에게 자유, 흐름, 회복력에 대해 가르쳐 주었고, 저는 이를 제 작업에 적용합니다. 자연 세계에서 혼돈과 조화의 역동적인 상호 작용은 제가 그림에서 탐구하는 주제와 일치합니다.
저는 또한 인간의 감정과 우리 안에 있는 이야기에서 깊은 영감을 받습니다. 사람들을 관찰하는 것, 그들의 상호작용, 취약성, 승리는 작곡에 대한 아이디어를 불러일으킵니다. 저는 단지 순간을 포착하는 것이 아니라 표면 아래에 있는 감정과 생각을 포착하고, 제 예술을 통해 말로는 종종 표현하지 못하는 것을 반영하고자 노력합니다.
마지막으로, 자유는 제 영감의 초석입니다. 저는 그것을 궁극적인 목표로 보고, 정신적으로, 감정적으로, 창의적으로 자유롭게 사는 것이 무엇을 의미하는지 끊임없이 탐구하고 있습니다. 이 탐구는 모든 붓놀림에 활력을 불어넣습니다. 제 영감은 특정 사건이나 사물에 국한되지 않습니다. 의미와 연결을 끊임없이 찾는 것이며, 각 그림은 그 여정의 일부가 됩니다.
당신의 예술적 접근 방식은 무엇입니까? 당신은 시청자에게 어떤 비전, 감각 또는 감정을 불러일으키고 싶습니까?
제 예술적 접근 방식은 예술이 사람들을 자신의 잠재력에 눈뜨게 함으로써 사람들을 변화시킬 수 있다는 믿음에 뿌리를 두고 있습니다. 제가 만드는 모든 그림은 기술, 의미, 감정의 의도적인 융합입니다. 저는 단순한 미학을 넘어서는 것을 목표로 합니다. 제 목표는 시청자와 더 깊은 차원에서 소통하여 자유와 긍정의 렌즈를 통해 삶의 복잡성을 성찰하도록 영감을 주는 것입니다. 저는 그들이 제 그림을 그저 관객이 아니라 자신의 감정 여정에 참여하는 사람으로 남기기를 바랍니다.
시각적으로, 저는 현실적인 묘사와 상징적 요소를 혼합하여 점진적으로 펼쳐지는 의미의 층을 제공합니다. 저는 시청자가 먼저 작품의 아름다움과 활기찬 에너지에 이끌려 표면 아래에서 더 깊은 철학적 질문을 발견하기를 바랍니다. 단순함과 깊이 사이의 이러한 상호 작용은 시청자가 잠시 멈추고, 성찰하고, 참여하기를 바라는 저의 바람을 반영합니다. 예술뿐만 아니라 자신의 생각과 감정에도 말입니다.
제가 불러일으키고 싶은 가장 중요한 감정은 자유 입니다. 정신적, 감정적, 창의적입니다. 저는 예술을 통해 사람들이 자신의 한계에 맞서고, 믿음에 도전하고, 새로운 사고방식을 발견할 수 있다고 믿습니다. 제 그림은 가능성에 대한 감각을 고양시키고, 영감을 주고, 불을 붙이는 것을 의미합니다. 저는 사람들이 마음에 가벼움을 가지고, 상상 이상의 것을 할 수 있다는 감각을 가지고, 자신만의 행복 버전을 추구하려는 충동을 가지고 떠나기를 바랍니다.
동시에 저는 제 작품에서 대조를 수용합니다. 빛과 그림자, 기쁨과 우울, 부드러움과 강인함의 균형을 이룹니다. 이러한 긴장은 삶의 현실을 반영하는데, 자유는 종종 어려운 진실에 직면함으로써 옵니다. 이러한 대조를 통해 저는 시청자가 혼돈 속에서 명료함이나 평화의 순간을 만난 것처럼 감정적 해방감을 느끼기를 바랍니다.
궁극적으로, 제 접근 방식은 연결에 관한 것입니다. 즉, 보는 사람과 예술, 생각과 감정, 그리고 각 사람과 내면의 자아 사이의 연결입니다. 모든 그림은 삶을 더 깊이, 더 자유롭게, 더 즐겁게 경험하라는 초대입니다.
당신의 작품을 만드는 과정은 어떤가요? 즉흥적인가요 아니면 긴 준비 과정을 거쳐서인가요?
제 작품을 만드는 과정은 즉흥성과 꼼꼼한 준비의 혼합입니다. 보통 아이디어나 느낌으로 시작합니다. 개인적인 경험, 감정, 심지어 일상 생활의 한 장면에서 나올 수 있는 영감의 불꽃이죠. 하지만 저는 캔버스로 바로 달려가지 않습니다. 아이디어를 성숙시키고 시각적 경험으로 어떻게 번역하고 싶은지 숙고하는 데 시간을 들입니다.
준비에는 개념적 요소와 기술적 요소가 모두 포함됩니다. 저는 초기 아이디어를 스케치하고, 때로는 구성을 실험하여 시각적 흐름이 기본 메시지와 일치하는지 확인합니다. 이 단계에는 연구도 포함됩니다. 영감을 얻기 위해 예술 고전을 다시 살펴보거나 전달하고 싶은 철학적 개념을 탐구하는 것입니다. 저는 베르메르나 호퍼와 같은 거장의 작품에 몰두하는 것을 좋아합니다. 그들을 모방하기 위해서가 아니라 그들이 빛, 감정, 서사를 어떻게 포착했는지 이해하기 위해서입니다.
명확한 비전이 생기면 실제 작업이 시작됩니다. 저는 종종 캔버스에 여러 겹을 준비하여 깊이를 만들기 위해 텍스처를 구축합니다. 그림 그리는 과정 자체가 자발성이 지배하는 곳입니다. 계획을 가지고 캔버스에 접근하더라도 예상치 못한 것에 대한 여지를 남겨둡니다. 때로는 가장 의미 있는 세부 사항이 그림을 그리는 동안 자연스럽게 나타납니다. 갑작스러운 붓놀림, 색상의 변화 또는 작품의 방향을 바꾸는 새로운 요소입니다.
저는 또한 제 작품을 직관과 의도 사이의 대화로 봅니다. 저는 제가 어디로 가고 싶은지 알고 있지만, 그림이 저를 그 길로 인도하게 둡니다. 통제와 자유 사이의 이러한 균형은 제가 제 예술에서 탐구하는 주제와 일치합니다. 삶은 예측할 수 없지만 의도로 가득 차 있으며, 아름다움은 종종 그러한 상호 작용에서 나타납니다.
각 그림은 완성하는 데 몇 주 또는 몇 달이 걸릴 수 있습니다. 특히 복잡한 상징주의 층을 구축하고 싶을 때 더욱 그렇습니다. 기술적 완벽함을 달성하는 것만이 아닙니다. 작업이 감정적으로 완벽하다고 느끼는 것입니다. 제가 포착하고자 하는 에너지를 담고 있다는 것입니다. 한 걸음 물러나서 그림이 자체적인 삶을 가지고 있다고 느낄 때, 저는 그것이 완성되었다는 것을 압니다.
당신은 특정한 작업 기술을 사용합니까? 그렇다면 설명해 주시겠습니까?
네, 저는 주로 매끄러운 그림 기법 ( gladkoe pis'mo )을 사용하는데, 이는 옛 거장들의 전통에 뿌리를 두고 있습니다. 이 방법은 캔버스에 눈에 띄거나 융기된 질감 없이 깊이, 광채, 미묘한 톤의 그라데이션을 구축하기 위해 lazur 라고 알려진 반투명 유약을 여러 겹 얇게 바르는 것을 포함합니다. 각 층을 조심스럽게 바르고 말린 후 다음 층을 추가하면 캔버스에서 붓 자국이 튀어나오지 않고 만져도 완벽하게 매끄러운 표면이 만들어집니다.
이러한 전통적인 접근 방식 외에도 저는 컬러 프라이밍이라는 저만의 기법을 개발했습니다. 중립적이거나 흰색의 제소 베이스로 시작하는 대신, 그림의 기초 역할을 하는 생생한 색상의 바탕을 적용합니다. 이 기법을 사용하면 안료가 기본 색상과 독특한 방식으로 상호 작용하여 빛나는 효과를 낼 수 있습니다. 색상은 생생하고 강렬하게 유지되어 그림의 에너지를 향상시키고, 가장 중요한 것은 시간이 지남에 따라 종종 나타나는 둔화 효과를 견뎌내며 영원히 밝고 신선함을 유지합니다. 이 혁신을 통해 제 작품은 수년에 걸쳐 원래의 감정적 영향을 유지합니다.
매끄러운 페인팅과 컬러 프라이밍의 조합은 내 작업에 독특한 시각적 깊이와 광채를 제공합니다. 반투명한 층은 생생한 베이스 위에 쌓여서 빛이 페인트를 통과하고 반사되어 색상이 풍부하고 생동감 있게 보이게 합니다. 정밀성과 인내심이 필요한 시간이 많이 걸리는 과정이지만, 기술적 숙련도와 감정적 공명 사이의 완벽한 조화를 이룰 수 있게 해줍니다.
이 세심한 접근 방식은 깊고 복잡한 주제를 담고 있을 때조차도 예술은 힘들이지 않고 조화롭게 느껴져야 한다는 저의 철학을 반영합니다. 매끄럽고 흠잡을 데 없는 표면은 시청자가 산만함 없이 이미지 아래의 의미에 깊이 관여하도록 합니다. 이러한 기술을 통해 저는 감정을 포착할 뿐만 아니라 앞으로 여러 세대에 걸쳐 그 생생한 정신을 보존하는 작품을 만듭니다.
당신의 작업에는 혁신적인 측면이 있나요? 어떤 것이 있는지 말해줄 수 있나요?
제 작업에서 가장 중요한 혁신은 컨셉추얼 팝 리얼리즘 의 창조입니다. 제가 2019년에 창시한 이 스타일은 사실적인 이미지와 깊은 철학적 의미, 긍정적인 감정적 에너지를 결합하여 현대 미술의 새로운 방향을 나타냅니다. 종종 무겁고 우울하거나 추상적인 주제를 강조하는 전통적인 컨셉추얼 아트와 달리, 제 접근 방식은 생생하고 고양되는 이미지를 통해 시청자를 의미 있는 성찰로 초대합니다. 심오한 사고와 접근 가능한 미학 사이의 이러한 균형은 컨셉추얼 팝 리얼리즘을 오늘날의 세계에서 독특하고 필요한 것으로 만듭니다.
예술이 긍정적인 감정적 경험과 단절되어 있다고 느낄 수 있는 시대에, 저는 개념적 팝 리얼리즘이 중요한 격차를 메운다고 믿습니다. 저의 목표는 시청자에게 생각할 뿐만 아니라 힘을 얻고 자유로워지도록 영감을 주는 것입니다. 각 그림은 개인의 자유, 성장 또는 감정적 해방과 같은 철학적 문제를 다루지만 낙관주의와 행동을 장려하는 방식으로 그렇게 합니다. 작품의 감정적 톤은 개념적 깊이만큼 중요합니다. 저는 제 예술이 기쁨을 불러일으키고, 성찰을 고취하고, 힘을 제공하기를 바랍니다. 이러한 접근 방식은 투쟁에서 가능성으로 주의를 돌려 시청자에게 깊은 사고가 무겁게 느껴질 필요가 없다는 것을 보여줍니다. 그것은 변형적이고 고양될 수 있습니다.
감정적 충격 외에도, 컨셉추얼 팝 리얼리즘의 시각적 측면은 시청자를 사로잡기 위해 신중하게 제작되었습니다. 저는 밝은 색상, 깔끔한 형태, 신중하게 선택된 심볼을 사용하여 복잡한 아이디어를 더 쉽게 접근할 수 있도록 합니다. 리얼리즘과 "팝" 미학의 조합은 사람들을 끌어들여 표면 아래에 있는 더 깊은 의미를 발견하기 전에 연결의 순간을 만듭니다. 시각적 가벼움과 지적 깊이가 만나는 이러한 이중성은 제 작업에 힘을 줍니다.
개념적 팝 리얼리즘은 단순한 스타일이 아니라 철학입니다. 그것은 제가 세상을 보는 방식을 반영합니다. 모든 도전에는 기회가 있고, 모든 제한은 재정의될 수 있으며, 모든 개인은 자유롭고 진실하게 살 수 있는 잠재력이 있습니다. 이 혁신적인 접근 방식을 통해 저는 아름다운 예술 작품을 만드는 것뿐만 아니라 사람들이 생각하고 느끼는 방식을 변화시키는 것을 돕고자 합니다. 공감을 얻고, 행동을 고무하고, 궁극적으로 삶을 더 풍부하고 의미 있게 만드는 예술을 만드는 것입니다.
가장 편안한 형식이나 매체가 있나요? 그렇다면, 그 이유는 무엇인가요?
네, 저는 캔버스에 오일을 그리는 것이 가장 편안합니다. 오일 페인트로 작업하는 것에는 시대를 초월하고 깊은 만족감이 있습니다. 매끄럽고 세련된 표면을 만드는 데 필요한 제어력을 제공하는 동시에 무한한 실험 가능성을 제공합니다. 오일은 유약을 통해 미묘한 층을 형성하여 작업에 깊이와 광채를 부여할 수 있으며, 이는 개념적 팝 리얼리즘 의 원칙과 완벽하게 일치합니다.
캔버스는 유연성과 내구성 때문에 제가 선호하는 매체입니다. 캔버스는 시간이 지나도 무결성을 잃지 않으면서 제가 적용하는 여러 겹의 얇은 유약을 지지합니다. 이것은 제가 추구하는 매끄럽고 매끄러운 표면을 얻는 데 필수적입니다. 붓놀림이 튀어나오지 않고, 보는 사람의 초점이 작품 속의 감정과 의미에 맞춰집니다. 매끄러운 페인팅 기법과 컬러 프라이밍의 조합은 캔버스에서도 아름답게 작용하여 제 작품의 생생한 에너지가 앞으로도 수년간 빛나고 살아있게 합니다.
오일로 작업하는 촉각적 경험도 저에게는 똑같이 중요합니다. 페인트의 풍부함과 반응성은 정밀성과 자발성을 모두 가능하게 합니다. 그것은 제 직감을 따르고, 그 과정에서 변화와 조정을 하는 자유를 주면서도 최종 결과에 대한 통제력을 유지할 수 있게 합니다. 이것은 제 예술적 철학을 반영합니다. 구조와 자유 사이의 균형, 모든 요소가 조화로운 전체에 기여하는 것입니다.
궁극적으로 캔버스 오일은 내 예술을 정의하는 깊이, 의미, 활력을 전달하는 데 필요한 모든 것을 제공합니다. 그것은 개념적 팝 리얼리즘 의 감정적이고 철학적인 차원을 표현하기에 완벽한 매체입니다. 밝은 비주얼이 깊은 아이디어를 만나고 모든 그림이 반성하고, 느끼고, 성장할 수 있는 초대장이 됩니다.
어디에서 작품을 만드시나요? 집에서, 공동 작업장에서, 아니면 개인 작업장에서? 그리고 이 공간에서 창작물을 어떻게 정리하시나요?
저는 제가 사는 집의 전용실 인 개인 스튜디오 에서 작품을 만듭니다. 이 공간은 창의성과 집중력을 기르기 위해 특별히 설계된 제 성소입니다. 자연광이 가득 들어오는 대형 창문이 있어 그림을 그리기에 완벽한 조건을 만들어냅니다. 쏟아지는 일광 덕분에 제 작품의 진정한 색상을 다른 환경에서 어떻게 보일지 볼 수 있는데, 이는 제가 Conceptual Pop Realism을 통해 이루고자 하는 생동감과 광채에 필수적입니다.
스튜디오는 제 프로세스의 기술적 측면과 감정적 측면을 모두 지원하도록 구성되어 있습니다. 저는 도구와 재료를 꼼꼼하게 정리합니다. 제 붓, 오일 페인트, 유약은 항상 손이 닿는 곳에 있으므로 흐름을 방해하지 않고 아이디어 사이를 원활하게 이동할 수 있습니다. 제가 사용하는 매끄러운 페인팅 기법은 정밀성과 집중력이 필요하므로 깨끗하고 잘 정리된 작업 공간이 필수적입니다.
저는 또한 스튜디오에 창작의 여러 단계에 전념하는 구역을 두고 있습니다. 스케치와 계획을 위한 공간, 구성과 상징주의를 탐구하는 공간, 실제 그림 그리는 과정을 위한 또 다른 구역이 있습니다. 저는 종종 동시에 여러 작품을 진행하는데, 이를 통해 한 작품에서 벗어나 새로운 눈으로 다시 작업할 수 있습니다.
실용적인 세팅을 넘어, 스튜디오는 제가 정신적으로 명확함을 찾는 곳입니다. 자연광, 평화로운 에너지, 방해받지 않고 창작할 수 있는 자유로 가득 차 있습니다. 이 환경은 제가 탐구하는 주제인 자유, 성장, 감정적 해방과 깊이 연결되도록 도와주며, 각 그림이 제가 의도하는 생생한 에너지를 전달하도록 합니다. 제 스튜디오는 단순한 작업 공간이 아닙니다. 제 아이디어가 현실이 되는 곳이고, 제가 가장 편안함을 느끼는 곳이며, 영감을 불어넣는 곳입니다.
당신의 일이 새로운 수집가를 만나기 위해, 박람회나 전시회를 위해 여행을 떠나게 합니까? 그렇다면, 그것은 당신에게 무엇을 가져다줍니까?
네, 저는 전시회, 박람회, 예술 행사를 위해 자주 여행을 다니며, 이러한 여행은 제 경력에 필수적인 부분입니다. 이러한 여행은 저에게 상업적 성공, 인지도 향상, 예술계에서의 가시성을 가져다줍니다. 각 전시회는 새로운 문을 열어 전 세계의 수집가, 예술가, 갤러리스트와 저를 연결해줍니다. 이러한 상호 작용은 매우 귀중합니다. 이는 제공하는 즉각적인 기회뿐만 아니라 종종 나타나는 장기적인 관계와 협업을 위해서도 중요합니다.
전시회를 위해 여행하는 것은 또한 새로운 환경, 문화, 관점을 경험할 수 있게 해주며, 이 모든 것이 저의 창작 과정에 영감을 주고 영향을 줍니다. 모든 이벤트는 새로운 관객에게 제 작품을 선보이고, Conceptual Pop Realism 에 대한 저의 철학을 전달하고, 제 아이디어에 도전하고 확장하는 대화에 참여할 수 있는 독특한 기회입니다.
또한, 이러한 이벤트는 다른 아티스트와 갤러리스트와 교류할 수 있는 순간을 제공하는데, 이는 저에게 풍요롭고 동기를 부여하는 일이라고 생각합니다. 아이디어를 교환하고 다른 사람들로부터 배우는 것은 저를 성장시키는 데 도움이 되며, 다른 커뮤니티가 제 작업에 어떻게 반응하는지 보는 것은 제 예술적 비전을 강화합니다.
여러 면에서 이러한 여행은 단순한 사업이나 직업적 성공 이상의 의미를 갖습니다. 영감과 개인적 발전의 원천입니다. 이러한 여행은 제 예술의 핵심인 자유, 연결, 진정성의 중요성을 확증합니다. 제 작품에 공감하는 사람들을 만나면서 예술이 개인뿐만 아니라 문화와 커뮤니티 전반에 변화를 불러일으킬 수 있는 힘이 있다는 믿음이 강화됩니다.
미래에 예술가로서의 당신의 작업과 경력이 어떻게 진화할 것으로 생각하시나요?
저는 제 작업이 긍정적인 감정과 개인적 성장을 계속 고무하는 동시에 더 깊은 개념적 탐구로 진화하는 것을 상상합니다. 개념적 팝 리얼리즘은 제 예술적 여정의 핵심으로 남을 것이지만, 저는 더 큰 규모의 프로젝트, 다층적 내러티브, 심지어 설치물이나 디지털 요소와 같은 새로운 미디어를 통합하는 등 그 경계를 넓힐 계획입니다. 제 목표는 시청자를 시각적, 감정적, 지적으로 사로잡아 성찰하고, 꿈꾸고, 행동하도록 격려하는 몰입형 경험을 만드는 것입니다.
제 미래 비전의 핵심 부분은 더 많은 아티스트가 컨셉추얼 팝 리얼리즘 스타일로 그림을 그리도록 하는 것입니다. 저는 다른 크리에이티브들에게 이 접근 방식을 영감과 안내로 제공하여, 그들이 작업에 철학적 의미를 포함시키면서도 그것을 고양되고 접근 가능하게 유지하고자 합니다. 제 야망은 컨셉추얼 팝 리얼리즘이 운동으로 성장하여 예술이 도전하고 영감을 줄 수 있다고 믿는 아티스트들을 하나로 모으고, 영혼을 고양시키는 동시에 심오한 의미를 제공하는 것입니다.
저는 또한 Conceptual Pop Realism에 전념하는 박물관을 만드는 것을 꿈꿉니다. 이 예술 스타일이 시간이 지남에 따라 번성하고 진화할 수 있는 공간입니다. 이 박물관은 제 작품을 위한 집일 뿐만 아니라 이 철학에 따라 작업하는 다른 아티스트를 위한 플랫폼이 될 것입니다. 전시, 대화, 교류의 장소가 되어 관객이 자유와 감정적 공명을 제공하는 예술에 참여하도록 초대합니다.
미래에 저는 제 커리어가 전 세계적으로 확장되는 것을 봅니다. 저는 국제 전시회를 통해 다양한 청중에게 다가가고 수집가, 갤러리, 기관과 지속적인 관계를 구축하고 싶습니다. 상업적 성공을 넘어서, 저는 개념적 팝 리얼리즘을 현대 미술에서 영향력 있는 스타일로 굳건히 하는 유산을 남기고자 합니다.
또한, 저는 현재 작업 중인 책을 포함하여 예술가들이 고유한 목소리를 찾고 의미 있고 영향력 있는 예술을 창조할 수 있도록 돕기 위한 책을 계속 출판할 계획입니다. 제 경험과 통찰력을 공유하면 다른 창작자들과 교류하고 그들을 충족스럽고 시장성 있는 예술적 경력으로 안내할 수 있습니다.
궁극적으로, 예술가로서의 나의 진화는 나의 개인적 성장을 반영할 것입니다. 나는 자유롭고 진실하게 사는 것이 무엇을 의미하는지 계속 탐구할 것이고, 항상 예술을 통해 이러한 아이디어를 전달하는 새로운 방법을 모색할 것입니다. 나의 꿈은 아름다운 작품을 남기는 것뿐만 아니라 예술가와 시청자 모두가 삶에서 자유, 기쁨, 의미를 받아들이도록 힘을 실어주는 지속적인 운동을 만드는 것입니다.
귀하의 최신 예술 작품의 주제, 스타일 또는 기법은 무엇인가요?
제 최신 예술 작품은 여전히 개념적 팝 리얼리즘의 철학과 미학에 깊이 뿌리를 두고 있으며, 자유, 감정의 해방, 그리고 개인적인 변화를 주제로 삼고 있습니다. 이번 작품들은 관람객을 내면의 세계로 이끌어들이며, 밝고 대담한 색상과 긍정적인 에너지를 통해 기쁨과 가능성의 느낌을 불러일으킵니다. 이 작품들을 통해, 감정적, 정신적, 창조적 자유를 수용하는 것이 행복과 성장으로 이어진다는 개념을 탐구하고 있습니다.
기법적으로는, 저는 여전히 독특한 매끄러운 페인팅 기법을 사용하여 투명한 유약을 여러 겹으로 쌓아 깊이를 만들어냅니다. 각 층은 아래의 색과 상호작용하며 색을 더욱 빛나게 하고, 작품의 광채가 시간이 지나도 선명하게 유지되도록 합니다. 이 기법은 빛이 각 층을 통과하며 반사되어 작품이 빛나는 듯한 효과를 만들어내며, 작품의 감정적 에너지를 더욱 강화합니다.
최근 작품들은 종종 상징적인 물체나 인물들을 중심으로 전개되며, 투쟁과 해방, 구속과 자유라는 대비를 표현하기 위해 이러한 요소들이 선택되었습니다. 이러한 주제들은 보편적이지만, 저는 항상 긍정적인 시각에서 이들을 제시하려고 노력하고 있습니다. 각 구성은 어려운 순간에도 성장과 해방의 가능성이 있다는 것을 상기시키는 역할을 합니다.
제 최신 작품의 목표는 단순히 아름다운 이미지를 만드는 것이 아니라, 관람객에게 내면을 들여다보게 하고 자신이 직면한 장애물을 인식하며 그것을 극복할 힘을 느끼게 하는 것입니다. 모든 그림은 저와 관람객 모두에게 사고와 감정, 빛과 깊이, 자유와 의미에 대한 대화의 여정이 됩니다.
이 새로운 작품들은 제 창조적 실천에서의 발전을 나타내며, 개념적 팝 리얼리즘의 기본 원칙에 정확성과 활기를 더하며 제 철학에 충실하고 있습니다. 그것은 예술이 사람들을 고양시키고, 영감을 주며, 변화를 일으켜야 한다는 믿음을 바탕으로 하고 있습니다.
가장 중요한 전시 경험에 대해 말씀해 주세요.
저에게 작품을 전시하는 것은 예술적 여정의 중요한 부분입니다. 모든 전시는 새로운 기회를 가져다주며—제 작품을 새로운 관객에게 소개하고, 인지도를 높이며, 제 커리어를 진전시키는 기회를 제공합니다. 가장 중요한 경험 중 하나는 뉴욕에서의 전시였습니다. 그 전시 후 약 6개월 뒤, 큰 갤러리 대표가 저에게 연락을 했고 협업 제안을 했습니다. 이는 제 경력의 전환점이었으며, 이후 그들과 함께 작업하고 있습니다. 이 파트너십은 많은 기회를 열어주었고, 제 작품이 새로운 방식으로 성장할 수 있게 했습니다.
전시는 어디에서 이루어지든 저에게 가치는 있습니다. 모든 전시는 새로운 시각을 제공하고, 새로운 관객, 수집가, 그리고 예술 업계의 전문가들과 연결되는 기회를 줍니다. 이는 단순히 제 작품을 전시하는 것이 아니라, 제 개념적 팝 리얼리즘 철학을 공유하고, 장기적인 관계를 구축하는 것입니다. 전시는 제 예술적 과정에서 중요한 부분이며, 인지도를 촉진하고, 작품에 새로운 방향을 제시하며, 제 커리어를 새로운 차원으로 끌어올리고 있습니다.
역사 속에서 가장 유명한 작품을 하나 만들 수 있다면, 어떤 작품을 선택할 것인가요? 그리고 그 작품을 선택한 이유는 무엇인가요?
역사 속에서 유명한 작품을 만들 수 있다면, 저는 René Magritte의 "이미지의 배신 (The Treachery of Images)"을 선택할 것입니다. 이 작품은 파이프를 그린 뒤 "Ceci n'est pas une pipe (이것은 파이프가 아니다)"라는 글이 적혀 있습니다. 이는 관람객에게 우리가 보고 있는 것에 대해 다시 생각하게 만듭니다. 물체의 이미지와 그 물체 자체가 동일하지 않다는 것을 보여주며, 현실이 착시일 수 있다는 가능성을 제시합니다. 이 개념은 사람들이 겉으로 보이는 것 이상의 것을 생각하고, 여러 시각을 고려하도록 자극합니다. 이는 제 예술적 철학과 깊은 공명을 일으킵니다.
Magritte의 작품은 개념적 팝 리얼리즘의 목표와 완벽하게 일치합니다. 그의 그림은 우리가 보는 것이 반드시 그것이 아니라고 말하며, 제 작품 역시 관람객에게 삶, 감정, 자유에 대해 생각하게 만들고자 합니다. Magritte가 가까운 것을 깊은 철학적 선언으로 바꿀 수 있는 힘은 제 창작 과정에 큰 영감을 주었습니다. 저는 시각적으로 매력적일 뿐만 아니라 지적으로도 자극적인 작품을 만들고자 하며, 관람객에게 다양한 사고 방식을 유도하고, 겉모습을 넘어 자신과 세상을 이해하도록 격려하고자 합니다.
Magritte처럼, 저는 예술이 단순히 보는 것이 아니라 그것을 어떻게 인식할 것인가와 관련이 있다고 믿습니다. 이 생각은 제 작품의 중심에 자리잡고 있습니다. 겉보기에 간단한 물체나 상황을 취해 그것에 의미를 부여하고, 그것이 서서히 드러나는 과정을 그립니다. 그의 접근 방식과 제 접근 방식은 모두 관람객을 깊이 관여시킬 수 있으며, 예술이 사고를 자극하고, 행동을 촉구하며, 현실 경험을 변화시킬 수 있는 힘을 가지고 있음을 보여줍니다.
만약, 한 명의 유명한 예술가(사망 여부와 관계없이)를 저녁에 초대할 수 있다면, 누구를 선택하시겠어요? 그리고 그들과 함께 저녁을 어떻게 보내고 싶으세요?
만약 제가 3명의 예술가를 저녁에 초대할 수 있다면, René Magritte, Banksy, 그리고 Andy Warhol을 선택하겠습니다. 이 세 사람은 예술에 대한 인식에 깊은 영향을 미쳤고, 제 창조적 철학의 다양한 측면에 영향을 주었습니다. 그들 각각은 예술적 재능을 넘어 매우 매력적이고 강력한 개성을 가지고 있으며, 그것이 그들의 작품에 큰 영향을 미쳤습니다. 그들이 전통을 깨고, 깊은 아이디어를 작품을 통해 표현할 수 있는 능력은 의미 있는 대화와 창조적 탐구의 밤에 가장 적합한 3명의 조합이 될 것입니다.
René Magritte와는 현실, 인식, 그리고 환상에 대해 이야기하고 싶습니다. 그의 작품은 우리가 보고 있는 것이 반드시 그것이 아니라는 점을 가르쳐 주며, 세상에 대한 의문을 제기합니다. 이는 제 개념적 팝 리얼리즘과 일치합니다. 우리의 대화는 예술에서 표면과 깊이의 균형을 탐구하는 새로운 방법을 창출할 것입니다.
Banksy와는 예술과 행동주의의 교차점, 그리고 그가 어떻게 익명성을 유지하면서 시대를 대표하는 사회적이고 예리한 작품을 만들었는지에 대해 이야기하고 싶습니다. 그의 작품은 놀이와 진지함이 섞여 있는 것처럼, 제 신념인 "예술이 자유와 개인적인 변화를 촉진해야 한다"는 생각과 공명합니다. 사회적 규범에 도전하면서 예술이 어떻게 접근 가능하고 매력적인 상태를 유지할 수 있는지에 대한 아이디어를 교환하고 싶습니다.
Andy Warhol과는 명성, 소비주의, 그리고 예술 시장에 대해 논의하고 싶습니다. 그는 대중 생산과 팝 문화에 대한 선견지명이 있는 접근법을 통해 예술이 사회에서 어떤 역할을 해야 하는지를 재정의했습니다. 오늘날의 예술계와 디지털 문화에 대해 그가 어떻게 접근했는지 궁금합니다. 개념적 팝 리얼리즘의 원칙이 우리의 현대 예술 풍경과 어떻게 일치하는지 함께 탐구하는 것도 흥미로울 것입니다.
저녁은 편안하고 자연스러운 모임이 될 것입니다. 깊은 대화와 창조적인 영감이 자유롭게 오가는 가운데, 저녁 식사 후에는 아이디어를 스케치하거나 미래의 예술 프로젝트에 대해 브레인스토밍을 할 수도 있습니다.
결국 잊지 못할 밤이 될 것입니다. 초현실주의, 거리 예술, 그리고 팝 문화가 충돌하며 새로운 아이디어가 생겨날 수 있는 환경이 마련됩니다. 이 세 사람은 전설적인 예술가일 뿐만 아니라, 강력한 카리스마와 비전을 가진 인물들입니다. 그들의 강한 개성이 저녁을 더욱 특별하게 만들 것입니다.
Olimpia Gaia Martinelli
| ArtMajeur 매거진
