Stephan Joachim, 내 천직은 사진

예술을 창조하고 예술가가 된 계기는 무엇입니까? (사건, 감정, 경험...)

저의 가장 큰 열정이자 직업은 사진, 라이트 페인팅, 시간의 흐름 속에서 순간을 관찰하고 포착하는 것입니다. 저는 여섯 살 때부터 사진을 찍었습니다. 믿을 수 없는. 체험한 이 시간! 첫 번째 학교 친구의 뒷마당 사진을 처음으로 찍었습니다. 오해하지 마세요. 정말 부모님 가게 뒷마당이었습니다. "모피 브라운"; 스윙으로. 그녀는 또한 나에게 가족 외의 첫 키스를 해주었습니다. 세면대에서 흔들릴 때였습니다. 플라스틱으로 만든 커다란 타원형. 70년대 블루. 우리는 번갈아 가며 스윙했습니다. 우리는 다른 것이 없었습니다. 우리는 초기에 창의적이었습니다. 나는 장인 정신과 훌륭한 일반 교육을 중시하는 예술가입니다. 나는 구식이고 엄격한 의미에서 자랐고 인간적 가치와 기본적인 윤리적, 도덕적 특성으로 가득 차서 정의, 인류애, 국제적 태도로 이끌었습니다.

당신의 예술적 배경은 무엇이며, 지금까지 어떤 기법과 주제를 실험했습니까?

8살에서 11살 사이에 나는 아이들을 위한 사진 연구소에 갔다. 평생 훌륭한 사진가였던 아버지가 시작했을 것입니다. 나는 그 과정에서 배운 모든 것을 잊어버렸다. 나중에 – 어머니는 저에게 첫 번째 SLR 카메라를 주셨습니다. "레뷰". 나는 그것을 좋아하고 나무 사진을 찍었습니다. 나도 그것들을 좋아했습니다. 난 여전히한다. 나중에 멘토가 와서 그의 작품을 촬영하라고 말했습니다. 그는 극장의 수석 감독이었습니다. 나는 그에게서 연극에 대해 많은 것을 배웠고 오늘날 거의 아무도 알지 못하는 다른 위대한 사람들에게서도 많은 것을 배웠습니다. 나는 가수, 감독 및 세트 디자이너가되었습니다. 나중에 - 첫 번째 안무를 촬영했습니다. 나 자신이 댄스 훈련을 받은 후, 이 분야, 그것을 연습하는 사람들의 마법을 금방 깨달았습니다. 그리고 마침내 뮌헨에서 바이에른 주립 발레단의 영구 게스트가 되었습니다. 한편, 지금은 댄스 사진 분야에서 경험이 있고, 인정받고, 칭찬을 받는 저는 이 위대하고 활기차고 인간을 존중하며 형용할 수 없을 정도로 멋진 세상과 함께할 수 있다는 것이 자랑스럽습니다. 극장 사진은 결국 사람들을 직접 촬영하는 것에 대한 관심으로 바뀌었습니다. 그러나 당신이 할 수 있는 일에는 제한이 없습니다.

당신을 다른 예술가들과 구별하고 당신의 작품을 독특하게 만드는 3가지 측면은 무엇입니까?

그림과 사진의 결합은 연극 제작자로서의 나의 작업에 의해 형성되었습니다. 예술적으로 다재다능하고 상상력이 풍부하기 때문에 폭넓게 포지셔닝할 수 있습니다. 나의 뮤즈와의 긴밀한 협업, 인생의 동반자.

당신의 영감은 어디에서 오는가?

의학-신학 가정에서 태어나 폭넓은 교육을 받았습니다. 그 과정에서 나는 우리가 항상 종교와 연극을 비교할 수 있다는 말을 자주 그리고 기꺼이 들었고, 교회는 기본적으로 또한 연극이라는 진술 앞에 항상 기꺼이 놓였습니다. 다른 한편으로 나는 항상 연극이 사람들의 종교적 필요를 충족시킬 수 있고, 그것의 의식과 유사하게 행동하며, 어쨌든 교회가 삶을 촉진해야 하는 곳에서 삶을 설명하고 그것에 대해 논평하며, 따라서 자체 방식으로 필연적으로 촉진에 기여합니다. 아마도 교회가 더 무뚝뚝하게 만드는 카타르시스의 길에 조금 더 있을 것입니다. 그러나 그것과 함께 그림 예술은 둘 사이에 걸려 있습니다.

세상을 비추는 거울로서의 극장은 내가 찍는 사물의 공간이다. 나에게 무대는 가장 아름답고 끔찍한 이야기가 움직이고 움직이지 않고 들려지는 액자 공간이다. 대부분 움직입니다. 나는 평생 동안 이곳의 법을 이해하고, 다루고, 배우고, 적용하려고 노력했습니다. 나는 가수, 감독, 세트 디자이너가 되었고, 이 삶을 프레임에 반영할 수 있는 예술을 통해 내 삶을 이해합니다. 이런 점에서 나는 가능한 한 연극, 무대(공연 장소로 이해됨), 재현이라는 수단을 사용합니다. 내 이미지를 위한 공간을 만들거나, 내가 디자인한 공간과 닮은 공간을 찾거나, 그 안에 내 이미지가 담긴 공간(이미지의 장소로서의 공간)을 찾는다. 나는 내 이미지의 내용을 미리 파악하려고 노력하므로 나중에 만들 필요가 없습니다. 무대 위에서처럼 내가 기획하고 리허설하고 관찰하는 사람이다. 즉흥 연주는 그것의 일부이지만 구원의 수단입니다.

당신의 예술적 접근 방식은 무엇입니까? 시청자에게 어떤 비전, 감각 또는 느낌을 불러일으키고 싶습니까?

행복한 슬픔.

나는 내 사진에서 비둘기집 영역을 구분하지 않습니다. "너도 할 수 있니...? 예술만 하는 줄 알았어!" 장기적으로 매우 지치고 지적 예술적 성취에 대한 점점 더 위축된 인식을 반영합니다. 나는 다시 한 번 명백히 지적하고 불평하고 싶다: 내 사진을 보는 사람, 또는 어떤 사진을 보는 사람이 이것들을 범주로 분류하려고 한다면, 그럼에도 불구하고 무엇보다도 그것으로부터 어떤 것을 얻고자 하는 욕망을 말한다. 자신의 의견으로 보안. 범주적 사고는 행동 패턴을 단순화합니다. 사진이 초상 사진에 속하고 사람의 머리가 우세하게 인식되고, 그의 성격까지 재현 가능했던 것 같다면 그것은 초상이다. 초상화가 이 정해진 틀을 벗어나면 즉시 다른 체계로, 인물 사진으로, 패션 사진으로, 사진 속의 인물이 벌거벗은 경우, 심지어 누드 사진으로 분류하려고 합니다. 그림, 사진 등과 같은 순수 예술 작품을 재현적 예술 상황을 평가하는 시간의 흐름 없이 관객과 대화하는 것은 전혀 불가능합니다. 마찬가지로 관객의 역할을 해야 하는 관객의 동요는 정지된 것으로 묘사하기 어렵다. 그리고 이미 작품은 반응, 더 나아가 반성을 일으킬 뿐만 아니라 어떤 형태로든 그것을 유발해야 하기 때문에 공연 예술의 개념적 설명에 내재된 상황이 불가피하게 발생한다. 그런 의미에서 나의 작업 역시 이러한 상황을 해명하는 것을 목표로 한다. 위에서 언급한 바와 같이 연극과 그 형식은 그 구현을 위해 항상 시각예술을 필요로 할 뿐만 아니라, 반대로 시각예술은 공연예술의 방식으로 항상 재현의 측면을 내포하고 있다.

작품 제작 과정은 어떻게 되나요? 즉흥적이거나 긴 준비 과정(기술적, 미술 고전에서 영감 또는 기타)이 있습니까?

나에게 사진에서 특히 중요한 것은 좋은 사진은 내가 그 순간에 내가 사진을 찍고 있는 것을 "사랑"하거나 그것을 사랑하는 법을 배울 수 있을 때만 만들어진다는 사실을 깨닫는 것입니다. 그렇다면 장치는 촬영된 주체나 대상과의 정신적 연결을 묘사하는 매개체일 뿐이다. 사진에서 중요한 것은 이미지가 항상 뷰파인더를 통해 생성되고 처리되지 않거나 현상만 된 상태로 유지된다는 것입니다. 청소와 매우 드물게 조심스럽게 자르기를 허용했습니다. 나의 회화적 언어에서 나는 지금 시간적 현재로서 사진을 통해 주제를 연극적으로 사실적으로 묘사하고, 그런 다음 무대 디자인과 의상 디자인의 수단이기도 한 회화의 수단으로 미학적으로 설명하려고 한다. 감독으로서의 나의 경험은 연기자들의 내적 태도를 외부로 돌리고 작업에 필요한 정도로 그들을 통제하는 데 도움이 된다. 또 다른 차원은 회화적 처리를 통해 연극 공연의 독특함을 닮은 독특한 작업 상황을 구성하려는 끊임없는 욕구인데, 이는 미리 결정되어 있지만 그 실행에서 항상 예측할 수 없는 상태로 남아 있습니다.

특정 작업 기술을 사용합니까? 그렇다면 설명할 수 있습니까?

회화와 연극의 전통 속에서 나의 사진 예술을 반성적으로 탐색한다. 나에게 흥미로운 것은 사진에 대한 시각을 잃지 않으면서 여전히 회피적이고 가능한 대체 기법을 사용하여 오래된 전통 기법을 재구성하려고 노력하면서 적절한 수단을 찾는 것입니다. 목표가 아닌 방법으로 남아 있습니다. 목표와 함께 개발의 끝과 창조적 인 언어가 도달 할 것이기 때문에 예술의 고착화, 예술가의 무의미 함을 초래할 것입니다. 그리고 나는 스케치와 공연 아이디어의 얽힘을 관찰하고 설명하려고 노력하고, 내 무대가 올바른지, 그것이 그 자체로 일관성이 있는지 확인하고 확인하려고 노력합니다. 이 모든 것이 성공한다면, 그것은 인간을 자기 자신 위로 끌어올리고 내면에서 아주 조용히 미소를 지으며 두려움 없이 자기 자신을 보게 됩니다. 그리고 관찰합니다. 특별한 기교 없이도 할 수 있는 이야기를 포착한 누스에서 본다. 그러나 그것은 리허설 순간과 완성된 프로덕션의 상호 작용입니다. 나는 극장에서 관객과 연기자 사이의 보이지 않는 경계가 강조되는 현상을 관찰합니다. 나는 항상 이 경계를 사랑했는데, 이 경계는 오프닝 커튼의 연극적인 냄새, 즉 화장 냄새, 필터 타는 냄새, 먼지 낀 소파, 땀에 젖은 의상 냄새로만 교차되었습니다. 그리고 마지막으로, 창작 과정과의 직접적인 접촉을 갈망하는 시도를 항상 내 안에 지니고 있다는 점에서 예술 작품의 전통에 대한 호소를 실천합니다. 가능할 때마다 아날로그 방식으로 작업합니다. 그러나 또한 시간의 연극적 반영과 같은 아날로그 활동을 시뮬레이트하기 위해, 특정 활동만이 오래된 생산 기술과 유사합니다. 그러나 균일하게 페인팅뿐만 아니라 예를 들어 물 속에서 유리판이 흔들리거나 유리 표면에 흐르는 움직임(안무)에 의한 화학 물질의 분포와 같은 오래된 개발 프로세스의 모방, 응고가 나타납니다. 셸락의 수지 후속 층으로서; 또한 레코드에 의한 전통 음악 재생산의 표시이기도 합니다. 순수예술이 공연예술과 구별되는 방식으로 정의된다는 점에서 근본적으로 정의되는 특징은 시간의 흐름에 따른 차이인 것 같다는 점에서 나는 이에 상당히 강하게 반박한다.

작업에 혁신적인 측면이 있습니까? 어느 것을 말씀해 주시겠습니까?

나는 예술에 대한 향수를 불러일으키는 시각을 가지고 있고 나의 주제를 옛 거장들의 느낌과 현대적인 느낌으로 재해석하고 싶습니다. 이를 위해 페인트, 금박 및 셸락으로 추가 처리를 위한 기초로 특별히 제작된 사진을 찍습니다. 나는 당신에게 부과되어야 할 모든 것, 즉 내가 어떻게 사진을 찍고 무대에 올려야 하는지에 대한 반성을 연습합니다. 나는 여전히 알고 있다: 그림은 관객 없이 존재하지만 상대적으로 무의미하다. 예술은 관객 없이 존재하지만 얼마나 의미가 있을까? 그것은 국경 이주, 항상 갱신, 특히 호기심, 행동과 표현 대상에 대한 사랑으로 남아 있습니다.

가장 편안하게 느끼는 형식이나 매체가 있습니까? 그렇다면 왜?

내 그림에서 나는 거울, 유리, 필터, 거즈, 투명한 직물의 중간 재료인 블러(blurs)와 같이 눈에 보이지 않는 도구를 사용하여 보는 사람과 창작자 사이의 경계를 만듭니다. 그리고 더 자주, 연극 세계에 대한 갈망이 커짐에 따라 페인트, 바니시, 아날로그 재료(셸락과 같은) 레이어 또는 영화(특히 즉석 영화)를 통한 실시간 상황으로 인한 성능 변경으로 수정을 다시 디자인합니다. 나무에 있는 내 아이콘의 경우 일반적으로 Din A4 크기의 휴대용 형식으로 유지됩니다. 캔버스의 모티프는 현재 최대 80x120cm로 더 큽니다. Angepeilt 뿐만 아니라 더 큰 형식도 모티브에 따라 다릅니다.

어디에서 작품을 제작하시나요? 집에서, 공유 작업장에서, 아니면 자신의 작업실에서? 그리고 이 공간에서 창의적인 작업을 어떻게 구성합니까?

나는 대부분의 사진 아이디어를 구현하고 예비 토론과 중립적인 창작 공간을 만들기 위한 스튜디오를 가지고 있습니다. 서재에서 집에서 사진 작업을 보고 준비한 다음, 아날로그 미디어를 사용한 예술적 처리는 집과 필요한 모든 곳에서 이루어집니다. 내 창작 과정을 설명하기 위해 - 내가 단어에서 용해되어야 하는지, 이미지, 냄새, 기억에 용해되어야 하는지 - 나는 영원함을 쓸 것입니다. 나는 음악, 파르지팔 전주곡, 브루크너 8번 2악장, 막스 리히터의 영화 반주, 땅에 내리는 비, 가을바람 부는 소리를 듣는다.

그런 다음 나는 그 사람이나 그림의 아이디어를 보고 그 또는 그녀에게 적합한 요소에 그를 포함시키고 싶은 충동이 일어나는 것을 보고 이 한 사람을 위해, 이 아이디어를 위해, 그것을 구축하기 위해 내 머릿속에서 무대를 디자인하기 시작합니다. , 그것을 빛으로 애니메이션화하기 위해 나는 그를 위해 쓰여진 작품을 내 마음 속에서 리허설하고 내 자신의 환상적인 감각의 자유 속에서 리허설합니다. 그런 다음 그를 만났을 때, 인간, 그리고 그들은: 사람들, 그리고 이것은 깊은 의미를 가지고 있습니다. 우주가 완성된 작업을 반복하기를 바랍니다. 결국 그는 그 일부가 아니 었습니다.

당신의 작업은 박람회나 전시회를 위해 새로운 수집가를 만나기 위해 당신을 여행하게 합니까? 그렇다면 무엇을 가져옵니까?

얼마 전부터 우리는 아트페어에 전시를 하고 그곳에서 맺은 인연을 유지하고 있습니다. 계속해서 관심 있는 사람들, 잠재 구매자가 있으며, 전시회 기간 동안 풍부한 대화가 이루어집니다. 영감은 대화에서 비롯되지만 이러한 행사에 와서 교류를 모색하는 다른 예술가들의 홍수 같은 이미지에서도 발생합니다.

앞으로 어떻게 발전할 아티스트로서의 작업과 커리어를 구상하시나요?

물론 우리의 예술이 우리 시대의 "신경"을 강타하고 그 과정에서 영적 필요를 충족한다면 감사할 것입니다. 그리고 물론 우리는 우리의 예술 작품을 더 많이 전시하여 아이디어, 재료 또는 형식 측면에서 더 발전할 수 있기를 바랍니다.

최근 예술 작품의 주제, 스타일 또는 기법은 무엇입니까?

자신을 유지하십시오. 당신의 스타일을 고수하십시오. 그밖에 누가? 다른 어디? 우리의 문명화되고 고도로 발달된 두뇌는 상호 구조적으로 그리고 상호 존재적으로 생각할 수 없는 것 같습니다. 하지만 그곳에서 예술적 작업, 즉 사고력에 의존하는 작업이 시작됩니다. 그곳에서 나는 평소의 확실성에서 자유로워지고 불가해해 보이는 존재의 상태를 융합할 수 있습니다.

가장 중요한 무역 박람회 경험에 대해 말씀해 주시겠습니까?

매우 감동적인 순간은 동아시아의 한 사업가가 Wiesbaden의 ARTe에서 우리 그림 중 하나를 보고 너무 감사해서 얼마 후 다음 출장에서 그 그림을 다시 보기 위해 Sindelfingen의 ARTe를 방문했을 때였습니다. 그는 아마도 언젠가 그것을 감당할 수 있는 꿈을 꾸고 있을 것입니다.

미술사에 남을 유명한 작품을 만들 수 있다면 어떤 작품을 선택하시겠습니까? 그리고 왜?

많은 사람들, 특히 Pre-Raphaelites의 사람들. 아마도 Gustav Klimt의 Danaë 일 것입니다. 그것은 내 평생 동안 나와 함께 있었고 어떤 이유로 그것은 나에게 매우 깊은 충격을 불러일으킨다.

유명한 예술가(죽은 사람이든 살아 있는 사람이든)를 저녁 식사에 초대할 수 있다면 누구를 초대하겠습니까? 그가 저녁을 어떻게 보낼 것을 제안하겠습니까?

하나? 너무 어렵다, 결정. Paolo Roversi, Peter Lindbergh 또는 Marc Lagrange와 같은 사진가와 Gerhard Richter와 같은 화가 또는 Jean-Pierre Ponnelle, John Neumeier, Pina Bausch 또는 Angelin Preljocaj 또는, 또는, 또는와 같은 연극 제작자가 있습니다. 우리는 흥미롭고 전 세계를 아우르는 회담을 가질 것입니다. 또는 개인적으로 교환하는 것이 일반적으로 더 유익하기 때문에 차례로 초대합니다.