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예술을 창작하고 예술가가 된 계기는 무엇이었나요? (사건, 감정, 경험...)

"저는 수년 동안 그래픽 디자이너로 일하면서 온라인으로 판매할 수 있는 제품을 만들고 싶다는 열망을 항상 품고 있었습니다. 저의 관심 분야는 가구와 액세서리부터 의류, 심지어 란제리 라인까지 다양했습니다. 하지만 시간이 지나면서 나는 그 잠재력을 인식하기 시작했습니다. 일부 사람들이 나를 미쳤다고 생각했음에도 불구하고, 나는 11년 전에 내 예술 작품을 온라인에서 독립적으로 판매하기로 결정했습니다. 우리 집에 방 하나를 스튜디오로 차리고 거기서부터 시작했어요.

자체 디자인한 가구, 의류, 심지어는 다른 유틸리티 오브제이든 내 자신의 제품을 실현하고 이를 시장에 출시하는 것은 항상 나의 꿈이었습니다. 결국 그림을 선택하게 되었는데, 인테리어 장식이나 의상 등 다른 것일 수도 있었죠.”

당신의 예술적 배경, 기법, 그리고 지금까지 실험해 본 주제는 무엇입니까?

"저는 미술 아카데미에서 교육을 마친 후 수년 동안 그래픽 디자이너로 일했습니다. 이 기간은 다양한 방식으로 제 예술성에 영향을 주고 풍부해졌습니다. 디자인은 종종 필요하기 때문에 그래픽 세계는 저에게 신속하고 유연하게 작업하는 법을 가르쳐 주었습니다. 고객의 희망에 신속하게 적응했습니다. 제가 자랑스러워했지만 고객의 기대에 부응하지 못한 디자인을 버릴 수 있는 능력이 제 접근 방식을 형성했습니다. 이를 통해 나 자신의 비전을 따르는 것뿐만 아니라 예술이 어떤 예술인지에 주의를 기울이는 법을 배웠습니다. 구매자가 끌립니다. 궁극적인 목표는 사람들이 내 작품을 벽에 즐겁게 걸어 두는 것입니다.

나의 예술적 스타일은 색의 사용과 레이어링에 있어 어느 정도 신선함이 특징이다. 나는 빠르게 건조되고 쉽게 레이어를 쌓을 수 있는 매체인 아크릴 페인트를 사용합니다. 이 기술을 사용하면 내 작품에 깊이와 복잡성을 더할 수 있습니다. 각 그림은 개인적인 예술적 표현뿐만 아니라 관람자와의 상호작용을 통해 이야기를 전달합니다. 내 예술은 단순한 미적 그 이상입니다. 이는 감정적인 연결을 만들고 그것이 생동감 있고 의미 있게 표시되는 공간을 풍부하게 하기 위한 것입니다."

당신의 작품을 독특하게 만드는, 다른 예술가들과 구별되는 3가지 측면은 무엇입니까?

내 작품의 다양성. 많은 예술가들이 특정 스타일을 선택하고 경력 전반에 걸쳐 그것에 집중합니다. 나에게는 다르다. 나는 내 그림에 대한 새로운 이미지와 디자인을 끊임없이 찾고 있습니다. 내 경력 전반에 걸쳐 한 가지 유형의 스타일을 수용하는 것은 제한적이라고 느낍니다. 나의 예술적 여정은 새로운 길을 탐구하고 혁신하려는 끊임없는 충동이 특징입니다.

나는 나 자신을 단순한 예술가라기보다는 발명가에 더 가깝다고 생각합니다. 각각의 새로운 창작물을 통해 나는 신선한 스타일을 발견하려고 노력합니다. 이는 내 작품이 다양한 예술적 표현의 팔레트를 포함한다는 것을 의미합니다. 나의 접근 방식은 발견되지 않은 가능성과 도전에 대한 지속적인 탐구입니다. 사실 정해진 패턴을 고집하기보다는 나만의 길을 개척해 나가고 있다고 할 수 있죠. 다양한 기술을 사용하면 예술계 내에서 끊임없이 혁신하고 새로운 지평을 탐구할 수 있는 자유를 얻을 수 있습니다.

당신의 영감은 어디서 오나요?

"주로 그림보다는 그래픽 디자인, 영화, 패션 분야에서요."

당신의 예술적 접근 방식은 무엇입니까? 시청자에게 어떤 비전, 감각, 감정을 불러일으키고자 하시나요?

"내 예술의 의미는 전적으로 관객에게 맡깁니다. 그들이 그 작품에서 무엇을 보고, 어떤 감정을 불러일으키는가가 핵심입니다. 나의 개인적인 비전은 전체의 한 단면일 뿐이며 종속적인 역할을 합니다. 작품을 보고 상호작용하는 관객.

나는 내 작업을 통해 긍정적인 느낌이나 에너지를 전달하는 것을 선호합니다. 나는 그림을 그릴 때 그것이 예술적 표현일 뿐만 아니라 기능적 요소도 될 수 있다는 점을 고려한다. 목표는 내 예술이 다양한 인테리어에 쉽게 통합되는 것입니다. 일부 작품은 눈에 띄게 디자인되어 시각적 초점을 형성하는 반면, 다른 작품은 환경과 조화롭게 조화를 이루어 공간을 미묘하게 향상시키도록 설계되었습니다.

이런 식으로 나는 내 예술이 미학적으로 자극할 뿐만 아니라 그것이 놓인 공간을 포용하는 다양한 경험을 제공하려고 노력합니다. 이는 관객이 자신의 개인적인 의미를 발견하고 내 예술이 불러일으킬 수 있는 다양한 감정을 즐기도록 초대하는 것입니다."

작품을 만드는 과정은 어떻게 되나요? 자발적인가요 아니면 오랜 준비 과정(기술적, 미술 고전에서 영감을 받거나 기타)이 필요합니까?

"저는 창작 과정에서 주로 전달하고 싶은 특정한 느낌을 염두에 둡니다. 때로는 좀 더 통제되고 그래픽적인 접근 방식을 선호하기도 하고, 때로는 좀 더 자유로운 표현을 선택하기도 합니다. 하지만 최종 결과는 어떻게 될까요? 종종 알려지지 않은 상태로 남아 있습니다. 전체 창작 과정은 관찰을 중심으로 이루어집니다. 무언가를 만들고, 조정하고, 그것이 전체에 미치는 영향을 관찰합니다. 따라서 예술성은 나타나는 것을 보고 관찰하는 지속적인 연습이며, 아마도 가장 중요한 것은 아마도 가장 중요할 것입니다. , 언제 멈춰야 하는지, 언제 작업이 완료된 것으로 간주될 수 있는지를 알 수 있습니다.

내 접근 방식은 직관적인 경우가 많지만 창작 과정에서 나침반 역할을 하는 특정 기본 원칙에 기반을 두고 있습니다. 이러한 원칙은 나에게 일종의 지침을 제공합니다. 저는 빛과 어둠이 어떻게 상호작용하는지, 선들이 어떻게 합쳐지는지에 대한 구체적인 아이디어를 가지고 있습니다. 이러한 원칙은 내 팝아트 초상화에서 분명하게 볼 수 있는데, 여기서 나는 선의 조작이 얼굴 이미지를 어떻게 변화시키는지에 매료되었습니다. 내 목표는 사람들이 이미지 전체를 경험할 뿐만 아니라 초상화의 색상, 모양, 특성의 상호작용을 감상하는 것입니다."

특별한 작업 기술을 사용하시나요? 그렇다면 설명해 주실 수 있나요?

"내가 만드는 모든 예술 스타일에는 고유한 기술이 있습니다. 때로는 텍스처, 스텐실, 롤러, 브러시 등을 사용하여 작업합니다. 최근에는 (스크린) 인쇄 기술도 실험하고 있습니다."

당신의 작업에는 혁신적인 측면이 있나요? 그들에 대해 말씀해주실 수 있나요?

"나의 창의적인 발전 과정에서 항상 이전 실험을 기반으로 새로운 스타일이 탄생합니다. 약 2년 전에 저는 '교통'이라고 부르는 스타일을 도입했습니다. 서로 지나가는 모양의 유쾌한 상호 작용입니다. 이 흥미로운 역동성은 지속적으로 새로운 구성을 낳고 또한 'Traffic'에 대한 탐구로 시작한 것이 'Circle in Circle', 'Traffic Full Color', 'Icon' 등 매력적인 시리즈로 이어졌습니다.

각각의 새로운 시리즈는 이전 시리즈의 발견과 도전을 바탕으로 유기적인 발전을 가져옵니다. 'Circle in Circle'은 원형 패턴의 조화와 상호작용을 탐구하고, 'Traffic Full Color'는 'Traffic'의 생생하고 풍부한 팔레트를 더욱 탐구하고 확장합니다. '아이콘' 시리즈는 기발한 미학을 지닌 상징적 이미지에 초점을 맞춰 독특한 방향으로 나아갑니다.

이러한 지속적인 탐구와 확장 과정을 통해 내 예술적 표현의 새로운 측면을 공개하고 각 시리즈가 과거의 영감을 바탕으로 새로운 장을 형성하면서 창의적인 여정을 계속할 수 있게 되었습니다."

선호하는 형식이나 가장 친숙한 매체가 있나요? 그렇다면 왜 그렇습니까?

"아니요, 저는 어떤 형식이든 괜찮습니다. 하지만 규모가 클수록 제 자신도 더 인상적이라고 생각합니다. 먼저 작은 형식으로 연구를 만드는 것을 선호하지만.

제 그림의 매체는 빨리 마르고 제 작업 방식에 직관적으로 부합하기 때문에 아크릴 물감만 사용합니다."

작품은 어디서 제작하시나요? 집에서, 공동 작업실에서, 아니면 자신의 스튜디오에서? 그리고 이 공간에서 창의적인 작업을 어떻게 구성하시나요?

"1층에 있는 내 스튜디오에서 내 아이디어를 실현합니다. 여기서는 내 예술적 비전을 자유롭게 탐색하고 발전시킬 수 있습니다. 내 스튜디오는 시간을 내어 내 창작 활동을 탐구하는 개인 작업 공간 역할을 합니다. 프로세스.

1층에는 제가 완성한 작품이 각자의 이야기를 전하는 소박한 갤러리가 있습니다. 방문객들이 나의 창작물을 경험할 수 있는 친밀한 공간입니다.

내 스튜디오에서 나는 각 항목이 고유한 위치를 갖는 정리를 좋아합니다. 이러한 질서 있는 측면은 구조와 효율성을 유지하는 데 도움이 됩니다. 그러나 실제 창작 과정에서 나는 '조직화된 혼돈'의 형태를 의식적으로 수용한다. 이는 나의 예술적 표현에 필수적인 질서와 창의적 자유 사이의 역동적인 균형을 형성합니다."

당신의 작업이 새로운 수집가를 만나기 위해, 박람회나 전시회를 위해 여행을 떠나게 합니까? 그렇다면 그것이 당신에게 무엇을 가져다 주나요?

"내 작품을 온라인으로 공유하는 것은 나에게 많은 만족을 가져다주는 측면입니다. 내 창작물을 세계와 공유할 수 있게 해주고, 사람들에게 차분하고 자신만의 속도로 내 작품을 탐색할 수 있는 기회를 제공합니다. 또한 저는 항상 최근에는 영감을 주는 전시회에 참가할 기회가 있었고, 현재는 기업가와 협력하여 더 많은 예술 활동을 기획하고 있습니다. 내 작업에 대한 새로운 관점.

특별한 경험은 로테르담 중앙역에서 팝업스토어를 열었다는 것이었습니다. 여기서 나의 기업가 정신이 실제로 결실을 맺었습니다. 그것은 나에게 내 예술을 대중에게 개인적이고 직접적인 방식으로 소개할 수 있는 기회를 주었습니다. 때로는 관객과의 거리가 더 멀어지는 박람회에 참가하는 것에 비해 이러한 직접적인 상호작용은 더욱 풍성한 경험처럼 느껴졌습니다. 이러한 계획을 수행하는 것은 내 예술적 비전에 더 잘 부합하며 내 예술을 접근 가능한 방식으로 공유하고 사람들과 대화에 참여할 수 있는 기회를 제공합니다."

앞으로 당신의 작품과 예술가로서의 경력이 어떻게 발전할 것이라고 생각하시나요?

"나의 예술 창작물은 광범위한 청중을 대상으로 하며, 다양한 그룹의 사람들이 접근할 수 있는 상태를 유지하는 것이 중요하다고 생각합니다. 다양한 배경과 관점에 공감하는 예술을 만드는 것이 나의 의도입니다. 이러한 접근성을 유지하는 것은 나에게 매우 중요합니다. 예술은 사람들을 연결하는 강력한 도구입니다.

나는 이미 새로운 작업에 대한 많은 아이디어를 가지고 있지만, 주로 이러한 아이디어를 본격적인 예술 작품으로 발전시킬 수 있는 시간이 부족합니다. 창작 과정에는 신중함과 헌신이 필요하며, 나의 예술적 열망과 시간과 헌신의 현실 사이의 균형을 찾는 것은 지속적인 도전입니다."