16세기 피렌체: 안드레아 델 사르토, 폰토르모, 로소 피오렌티노

1500년대의 피렌체(토스카나)를 거닐며 최근에 지은 두오모 건물, 인접하고 오래된 세례당뿐만 아니라 현재의 역사적 중심지에 위치한 상징적인 건물을 자세히 살펴볼 기회가 있다고 상상해 보십시오. , Santa Maria Novella 교회, Loggia dei Lanzi, Palazzo Vecchio 등. 이제 르네상스의 요람에 있으니 앞서 언급한 장소에서 현대 시대에 거의 변하지 않은 채 살았고 일했다고 생각할 수 있습니다. 예술사에서 가장 위대한 예술가들 중에는 마스터와 그의 제자 두 명인 Andrea del Sarto, Pontormo 및 Rosso Fiorentino가 있습니다. 위의 유명한 토스카나 지역에서 탄생하고 구상된 그들의 가장 잘 알려진 걸작을 설명하는 것보다 이 세 명의 위대한 창조적인 천재를 제시하는 동시에 그들의 작업 방식의 차이점을 강조하는 더 좋은 방법은 없다고 생각합니다. . 1486년에 태어난 피렌체 화가 안드레 델 사르토에 대해 말하자면 조르지오 바사리가 "오류가 없는" 화가로 정의한 화가는 평론가들로부터 "괴짜" 1세대, 즉 제자 개척가의 거장으로 공식 인정받고 있다. 완전히 비순응적이고 "표현주의적"이며 노골적이고 대담한 방식으로 자연의 아름다움을 능가할 수 있는 완벽한 예술의 모델을 열망했던 Pontormo와 Rosso Fiorentino와 같은 회화적 매너리즘의. Andrea del Sarto로 돌아온 그는 방금 언급한 다른 두 사람과 달리 전통적인 유형의 레퍼토리를 우아한 방식으로 "재제안"하기 위해 자신의 예술에서 부도덕함을 사용하지 않았습니다. 인물의 변화, 색상 및 기법의 변화, 사용 가능한 가장 현대적인 단서의 사용이 강조됩니다. 이러한 문체적 특징은 플로렌스의 우피치 갤러리에 보존된 1518년 작품 인 하피의 성모(The Madonna of the Harpies )와 같은 거장의 가장 유명한 걸작 중 하나에 구현되어 있습니다. 패널 중앙에 표시됩니다. 이러한 맥락에서 마돈나의 다리는 화려한 깃털을 가진 두 천사에 의해 지지되고 있으며, 그 옆에는 보다 전통적인 도상학과 유사한 방식으로 묘사된 성 요한 복음사가와 프란치스코의 인물을 수용하고 있습니다. 조르지오 바사리(Giorgio Vasari)에 의해 확인된 앞서 언급한 신화적 인물에서 정확하게 그 명칭을 취한 하피의 마돈나(Madonna of the Harpies )는 오늘날의 비평가들이 앞서 언급한 괴물에서 메뚜기의 가장 가능성 있는 묘사를 인식하기 때문에 이름을 변경할 수도 있습니다. , 정확하게 John은 Apocalypse에 설명 된 책과 함께 Virgin 옆에서 불멸화되었습니다. 사실, 요한계시록 9장에서 그는 여자의 머리와 배를 가진 쇠 흉갑과 같은 형상으로 묘사된 이 괴물 같은 존재의 도래를 알립니다. 이마(tau). 이러한 맥락에서, 요한의 예언에서 선택된 자의 얼굴을 표시하기 위해 타우를 가지고 다니는 여섯 번째 봉인의 천사 성 프란체스코를 묘사하는 선택도 정당할 것입니다.

Andrea del Sarto, 하피의 성모 , 1517. 패널에 유채, 207 x 178. Florence: Uffizi.

폰토르모, 죽은 그리스도 를 옮기다, 1526-28. 패널 위의 에그 템페라, 313 x 192 cm. 피렌체: 산타 펠리시타 교회.

Rosso Fiorentino, Volterra 증착 , 1521. 패널에 유채, 375 x 186cm. 볼테라: Pinacoteca 및 Museo Civico.

"종말론적" 맥락은 뒤로하고, 1494년 오늘날 엠폴리(플로렌스)라는 도시의 한 지역에서 태어난 예술가 폰토르모에 대해 이야기하면서 세 명의 피렌체 재능에 관한 이야기를 계속합시다. 그는 Piero di Cosimo, Andrea del Sarto, Mariotto Albertinelli 및 Fra Bartolomeo의 워크샵을 자주 방문하고 Leonardo da Vinci와 산발적으로 접촉하기 위해 토스카나 수도로 이사했습니다. 이 풍부한 창작 환경에서 그는 라파엘로와 미켈란젤로와 같은 위대한 예술가들에게도 일종의 어린 시절의 회화 신동으로 인정받았습니다. 너무 많이 이해했기 때문에 Vasari는 그의 작업이 다소 기괴하고 무절제하며 과도하다고 판단했습니다. 이 관점은 이제 비평가들에 의해 크게 대체되었는데, 앞서 언급한 거장에게서 Deposition (c. 1526-1528)과 같은 예술 작품에서 발견되는 자신만의 반전통적이고 반고전적인 스타일의 그림을 고안할 수 있는 재능 있는 예술가를 인정합니다. ), 여기서 그의 독특한 문체적 특징은 모든 시대의 예술가들이 광범위하게 조사한 주제에 대한 특별한 해석을 제공했습니다. 그러나 사실 c의 걸작에 더 적합한 제목입니다. 1526년 은 그리스도의 운반 이 될 것입니다. 왜냐하면 다소 독창적인 방식으로 작업이 십자가를 묘사하지 않고 오히려 예수의 시체가 무덤으로 운반되는 에피소드와 애도하는 에피소드를 모두 암시하기 때문입니다. 마찬가지로 Raphael의 초기 작품인 1507년의 Borghese Deposition 도 구성 내에서 후자의 두 에피소드와 관련된 주제를 결합했습니다. 산타 펠리시타(피렌체) 교회의 카포니 예배당에 보존되어 있는 토스카나 걸작에 대한 설명으로 돌아가서, 이 장면을 지켜보고 있는 성모가 구조되는 동안 예수의 시신을 부양하려는 두 젊은이를 묘사합니다. 참석한 여성들에 의해. 니고데모와 성 요한의 인물도 포함된 이 구성은 감정적 반응이 풍부하고 세련되고 우아한 시각적 효과로 번역된 화려한 표현으로 생각되어 매우 환상적인 문체 선언으로 간주될 수 있습니다. 반면에 몇 년 전, 피나코테카 디 볼테라(토스카나)에 보존된 1521년 패널 그림인 로소 피오렌티노(Rosso Fiorentino)의 증착( Deposition )이 있습니다. , 나무 계단과 함께 강력한 경치 기계가 포함되어 있으며, 그 안에는 Nicodemus와 Joseph Arimathea를 알아볼 수있는 생명이없는 몸을 눕히려는 캐릭터와 두 여자, 무릎을 꿇고있는 막달레나, 사다리와 눈물을 흘리는 사도 요한. 작업의 혁신적인 측면은 여러 요소에 있습니다. 첫째, Rosso는 그리스도의 이야기에서 지금까지 제대로 표현되지 않은 한 순간, 즉 십자가에서 그분의 몸이 분리된 직후 사람의 손과 팔의 불확실한 지지를 통해 내려오신 정확한 순간을 그렸습니다. 그림의 강한 긴장과 정지. 둘째, 마태의 기록(27:45; 57)에 묘사된 황혼 무렵의 장면은 십자가와 사다리의 정적인 배치와 위에 있는 사람들의 역동성 사이의 대조에 의해 부여된 문자 그대로 감정의 폭발로 표시됩니다. 더 아래로 반복되는 십자가는 덜 문제가 되는 막달레나의 움직임에서 나타납니다. 마지막으로 Pontormo와 Rosso를 간단히 비교하면 전자의 작품을 극적으로 만드는 특징은 원근법 공간의 부족, 캐릭터에게 큰 불안정감을 주려는 특성으로 인해 불안과 고뇌로 변합니다. 두 번째 걸작은 주로 움직이는 "변형된" 몸체의 각진 부피와 붉은 색조의 우세 때문입니다. 마지막으로 이러한 맥락에서 이 이야기는 Giotto, Michelangelo, Leonardo da Vinci, Cimabue와 같은 거장들의 고향이었던 토스카나 예술의 거대한 역사의 작은 부분에 불과하다는 점을 지적하는 것이 좋습니다. , Piero della Francesca, Amedeo Modigliani 등은 물론 Artmajeur의 독창적이고 혁신적인 예술가인 Karim Carella, Francioni Mastromarino 및 Simone Parri와 같은 현대 재능의 요람입니다.

Andrea Pisano, Cardinal #01 , 2020. 디지털 아트, 디지털 페인팅 / 포토몽타주 / 종이에 2D 디지털 작업, 100 x 70cm.

Paolo Rizzi, Deviless I, 2021. 판지에 유채, 106 x 65cm.

Karim Carella, 일출의 사이프러스 나무 , 2017. 종이에 디지털 사진, 80 x 80cm.

Karim Carella: 일출의 사이프러스 나무

탁월한 예술가와 시인의 고향인 토스카나의 풍경을 한 단어로 자기 설명할 수 있다면 그는 분명히 CIPRESSI를 선택할 것입니다! 사실, 오늘날까지 유통되고 있는 대부분의 토스카나 엽서는 위에서 언급한 나무의 존재로 표시되는 Val d'Orcia의 풍경을 불멸화시켰습니다. Carella 사진의 특징이기도 한 좁은 방위를 가진 특징. 그럼에도 불구하고 사이프러스는 실제로 페니키아인, 그리스인, 에트루리아인이 이탈리아로 수입한 동부 지중해 분지가 원산지라는 사실을 알리는 것이 좋습니다. 사실, 토스카나 땅의 고대 존재는 예술사의 고전 걸작에서도 찾을 수 있으며, 그중에서도 Beato Angelico, Paolo Uccello 및 Leonardo da Vinci의 작품이 확실히 두드러집니다. 후자의 거장이라고 하면 1472년 수태고지( Annunciation of 1472)를 언급하지 않을 수 없습니다. 우피치 미술관에 보존되어 있는 패널 그림으로, 무성한 정원이 있는 르네상스 궁전 앞에서 대천사 가브리엘이 성모 마리아 앞에 무릎을 꿇고 있습니다. , 그녀에게 순결의 상징인 백합을 건네며 인사합니다. 앞서 언급한 자연주의적 위치에 세워진 바로 그러한 비전은 황혼의 빛 아래에서 다른 풍부하고 번성하는 식물들과 번갈아 가며 자라는 4그루의 키 큰 사이프러스 나무의 존재로 둘러싸여 있습니다. 결과적으로 Tuscan Carella의 사진은 끊임없이 진화하는 위대한 역사와 예술적 전통 안에 그것을 배치하는 것을 목표로 추가적인 의미를 얻습니다.

Francioni Mastromarino, Leonardo da Vinci , 2021. 테라코타 조각 및 기타 기판, 40 x 35 x 32cm / 15.00kg.

Francioni Mastromarino: 레오나르도 다 빈치

우리는 단순히 레오나르도 다빈치 조각을 구/슬로건으로 해석하는 것으로 제한할 수 있습니다. 토스카나, 경의를 표하고 또 다른 토스카나를 해석합니다! 사실, 안토니오 마스트로마리노와 함께 현재 피에트라산타(토스카나)에서 활동하고 있는 예술 듀오 프란치오니 마스트로마리노를 구성하고 있는 플로렌스인 엘레오노라 프란치오니는 앞서 언급한 협회를 통해 의심할 여지 없는 천재적인 레오나르도 다빈치를 기념하려는 의도를 가진 작품을 만들었습니다. 1452년 Vinci(토스카나)에서 탄생한 모든 시대의 예술 세계. 특히 Francioni Mastromarino의 조각은 토스카나 예술가가 1517년에 제작한 자화상에서 영감을 받은 것으로 보이며 현재 토리노 왕립 도서관에 보존되어 있습니다. . 종이에 그린 이 낙관적인 그림은 말년의 스승을 묘사하고 있습니다. 그 당시에는 길고 숱 많은 수염과 찡그린 표정으로 노년이 되었을 때, 그는 자신이 살았던 나라인 프랑스에서 인생의 황혼기를 보내고 있었습니다. 예술사에서 아이콘으로 간주될 뿐만 아니라 오늘날 우리가 참조하려고 할 때 여전히 참조하는 예술가의 유일한 진정한 초상화로 간주되는 것은 앞서 언급한 묘사입니다. 이탈리아 천재의 특징을 상상해보십시오. 그럼에도 불구하고 많은 학자들은 그림이 그려질 당시 긴 수염과 머리가 유행하지 않았기 때문에 레오나르도가 다혈질적인 사람이 아니라고 생각합니다. 게다가 작업이 시작된 63세의 선장은 병에 걸려 오른손을 발음할 수 있는 능력이 감소했으며, 그 사실로 인해 세부 사항을 그림에 표시할 수 없었을 것입니다. 자화상. 인형의 연대와 정체성에 대한 이러한 의심에도 불구하고 한 가지 확실성이 남아 있습니다. Leonardo 작품의 불멸성은 Artmajeur 듀오의 작품에서 계속 살아 있다는 것입니다.

시몬 파리, 왜 다른가요? , 2016. 나무와 플라스틱 조각, 107 x 76 x 5 cm / 2.00 kg.

Simone Parri: 왜 다른가요?

Simone Parri의 작업을 통해 우리는 예술가가 작업하는 도시인 Florence로 다시 한 번 돌아갑니다. 그러나 때때로 확실히 더 국제적인 맥락에서 영감을 받아 그의 Why Different? 차이의 수용을 촉진하는 것을 목표로 하는 , 아마도 1960년대 이후 활동한 가장 중요한 동유럽 예술가 중 한 명인 Július Koller(1939-2007)의 작업을 반영할 것입니다. 특히 Artmajeur 작가의 조각은 물음표 b에 비유할 수 있다. , Koller가 흰색 페인트로 덮은 후 큰 물음표가 새겨진 두 개의 화려한 손잡이가 있는 나무 쟁반을 사용하여 만든 1969년 작품입니다. 슬로바키아인 자신이 "회화 방지"라고 묘사한 이러한 물체는 콜러가 살고 일했던 당시 체코슬로바키아의 사회정치적 맥락의 불확실성을 상징합니다. 사실 후자의 경우 1968년 이후 정치적 상황이 더욱 억압적이 되어 아방가르드 예술 생산이 주로 사적인 활동이 되었다. 그럼에도 불구하고 Koller는 전통적인 학술 예술을 거부하고 Dada, Nouveau Réalisme, Situationist International 및 Fluxus와 같은 보다 "파괴적인" 운동을 따르기로 선택했습니다. 마지막으로 개념적 집단인 UFO 의 작품에 대해서도 그러한 작가가 혹독한 정치적 상황에서 벗어나 외계인과 같은 평행 현실에서 피난처를 찾기 위해 어떻게 물음표를 사용했는지를 알리는 것이 좋다. 생명체.