조각 시리즈 "Eggs"(2019)의 Egg #1, Tanya Klyat의 조각품
4가지 중립색의 표현
흰색, 회색, 갈색, 검은색과 같은 중립적인 색상은 회화와 조각 모두에서 예술에서 오랜 역사를 가지고 있습니다. 순수함, 빛, 완벽함과 관련된 흰색은 고대부터, 특히 조각에서 중심적인 색조였습니다. 예를 들어, 흰색 대리석으로 만든 작품은 아름다움의 미적 개념에 영향을 미쳤을 뿐만 아니라 고전 문명에서 르네상스 시대를 거쳐 그 이후까지 서양 예술의 흐름을 지울 수 없이 형성했습니다.
이것의 가장 상징적인 예는 카라라 대리석으로 조각된 미켈란젤로의 "다비드"로, 미적 완벽함과 영웅심의 최고 상징입니다. 토스카나 예술가는 재료의 품질을 능숙하게 활용하여 신체의 해부학적 형태를 강조하여 돌의 단단함과 살의 겉보기 부드러움 사이에 눈에 띄는 대조를 만들었습니다. 이러한 이중성은 신성과 인간의 우수성 사이에 매달린 비전을 생생하게 보여줍니다.
그러나 현대 회화에서 흰색은 종종 공간을 강조하거나 대조를 만드는 데 사용되며, 예를 들어 미니멀리즘 예술에서 볼 수 있습니다. 실내 디자인 측면에서 공간에 흰색 예술 작품을 통합하면 의심할 여지 없이 환경을 더 밝고 질서 있게 만드는 데 도움이 될 수 있으며, 이러한 특성은 현대적이거나 고전적이거나 미니멀리즘적인 설정에 모두 이상적입니다.
"회색 1월"(2024) 블라디슬라프 즈도르의 그림
"추상적, 흰색과 갈색"(2018) Alessio Marioto의 그림
회색과 관련하여, 이 다소 세련된 중립적 색상은 게르하르트 리히터의 걸작 중 일부에서 핵심적인 역할을 한 것으로 알려져 있습니다. 주제가 없는 그림은 매체로서의 그림에 대한 궁극적인 탐구를 나타냅니다. 실제로, 정의된 모티프가 없는 것처럼 보이는 이러한 작품은 그림과 사진의 관계에 의문을 제기하기 위해 표현 매체의 실험에 초점을 맞춥니다. 목표는 전자가 전통적인 색상이나 명확한 비유적 내용에 의존하지 않고도 어떻게 계속 존재할 수 있는지 이해하는 것입니다.
갈색은 흙과 자연을 연상시키는 색조로, 수세기 동안 예술에서 중심적인 역할을 해왔습니다. 르네상스 시대를 예로 들면, 렘브란트를 즉시 떠올리면, 이 색조가 깊이와 감정적 강렬함을 불러일으키는 데 훌륭하게 사용되어 빛과 그림자의 극적인 대비를 만들어냈음을 알 수 있습니다. 더욱이, 이 색은 일상 생활과 풍경을 묘사하는 데 기본이 되었는데, 장 프랑수아 밀레의 작품에서 갈색이 자연과 시골 생활과의 깊은 연결을 표현한 것을 보면 알 수 있습니다. 따라서 이러한 톤의 예술 작품을 가정 환경에 통합하면 따뜻함과 환영의 느낌을 더하는 동시에 뿌리와 웰빙의 느낌을 증진시키는 친밀한 분위기를 조성하여 환경을 향상시킬 수 있다는 것이 분명해집니다.
Farbaufrag Nr.10 (2024) Christoph Oberenzer의 그림
마지막으로, 신비와 깊이의 색인 검은색은 종종 그림, 조각품 등에 드라마틱하고 대조적인 느낌을 더하는 데 사용됩니다. 이는 카라바조와 같이 미술사에서 상징적인 인물의 작품에서 분명하게 드러납니다. 그는 이 색을 능숙하게 사용하여 빛과 그림자 사이에 강한 대조를 만들어 감정적이고 입체적인 명암 대비를 구현했습니다. 낭만주의 시대에 프란시스코 고야는 또한 불안한 힘을 가진 검은색을 채택하여 그의 작품에 전에 본 적이 없는 비극적이고 상징적인 의미를 부여했습니다. "아들을 삼키는 사투르누스"를 기억하십니까? 마지막으로, 실내 디자인의 맥락에서 이러한 톤의 그림과 조각품을 사용하면 공간을 어떻게 변화시킬 수 있는지 잘 알려져 있습니다. 검은색은 주의를 끌 뿐만 아니라 다른 색상으로는 달성하기 어려운 깊이감과 세련미를 만드는 데 기여합니다.
아르마쥬르의 현대 미술에서 이러한 색상이 사용된 사례를 보려면 흰색을 사용한 안드레아 조르지와 나탈리아 시도로바의 작품, 회색을 사용한 올라밀레칸 오쿠나데와 로저 케스넬의 작품, 갈색을 사용한 알렉산드르 일리체프와 리퀘트-고르바흐의 작품, 마지막으로 검은색을 사용한 알렉상드르 조프루아와 로베르토 바르부티의 작품을 예로 들 수 있습니다.
Omnia vincit amor (흰색) (2019) Andrea Giorgi의 조각품
화이트 그레이(2023) di Nataliia Sydorova의 그림
화이트: 회화와 조각의 비교
아르마쥬르의 두 현대 예술가, 안드레아 조르지와 나탈리아 시도로바는 각자의 작품에서 흰색의 힘을 탐구하지만, 완전히 다른 방식으로 그 과정을 거치며, 각자의 예술적 언어로 이 중립적인 색상을 더욱 풍부하게 표현합니다.
이탈리아 조각가는 그의 플라스틱 작품 "Omnia vincit amor " 에서 흰색을 사용하는데, 제목에서 알 수 있듯이 영원한 사랑의 개념을 강조하기 위해 고안되었습니다. 시간의 마모를 연상시키는 균열과 사라진 부분이 특징인 남성의 모습은 사랑의 취약성과 회복력을 암시합니다. 따라서 흰색은 단순한 색상이 아니라 주인공의 가슴 안에 작은 여성상이 조각되어 있는 인간 마음의 순수함과 연약함을 은유적으로 표현한 것입니다. 이 디테일은 사랑이 영혼을 조용히 채우고 형성하지만 영원함을 시사합니다.
반면 우크라이나 예술가 시도로바는 게르하르트 리히터의 다층 언어에서 "상속"된 것으로 보이는 추상적 접근 방식을 통해 흰색을 탐구합니다. 게다가 회색과 흰색 음영의 풍부한 질감을 지닌 이 작품은 거의 단색 효과를 만들어 비전의 깊이와 움직임을 향상시키고 증가시키도록 의도되었습니다. 이러한 특성은 시청자에게 평온함과 성찰의 감각을 키우도록 설계되었으며, 흰색은 캔버스 표면을 강조하여 개방적이고 사색적인 시각적 공간을 만듭니다.
그러므로 Giorgi가 이 색상을 비유적 감정을 전달하고 인간 관계를 표현하는 데 사용하는 반면, Sydorova는 공간적 지각과 표면적 역동성을 강화하기 위해 추상적인 방식으로 사용합니다. 두 경우 모두 예술가는 흰색을 중심적이고 상징적인 역할로 삼았지만, 스타일적 결과는 완전히 달랐습니다.
The bloom (2024) Olamilekan Okunade의 그림
Windblown (2023) Roger Quesnel의 그림
회색의 상징성
Olamilekan Okunade와 Roger Quesnel은 회색을 통해 각기 다른 스타일과 주제를 해석하고 있지만, 둘 다 이 색을 통해 깊고 복잡한 성찰을 이끌어냅니다. 나이지리아 화가인 Okunade는 "The Bloom"에서 이 색을 사용하여 주로 결혼 제도에서 드러나는 문화적 융합 과정을 암시하는 작품을 만들었습니다. 회색은 전통과 현대성, 그리고 서구 가치의 강요와 아프리카 문화적 뿌리의 보존 사이의 결합을 상징합니다.
서구의 전형적인 신부 드레스와 꽃다발은 아프리카 문화적 맥락에서 서구 관습과 이상이 널리 퍼져 있는 것을 상징하는 역할을 합니다. 이러한 옷을 입은 신부는 두 세계 간의 갈등과 융합의 상징이 되어, 결혼이 전통적인 요소를 유지하고 있지만, 글로벌화에 깊이 영향을 받는다는 것을 암시합니다. 요약하면, 회색은 아프리카 전통과 백인 서구 문화의 결혼 상징을 잇는 색으로, 적응뿐만 아니라 문화적 회복력을 표현하는 색으로 볼 수 있습니다.
반면, 캐나다 화가는 회색을 더 '고전적인' 방식으로 사용하여 그 음영을 활용해 더욱 현실적이고 극적이며 성찰적인 분위기를 연출합니다. "Windblown"에서, 바람에 날아가는 비구름에서 영감을 받은 이 색상은 우울하고 명상적인 분위기를 표현하는 수단이 됩니다. 또한 이 캔버스는 단색 시리즈의 일부로, 회색이 장면과 관객 사이의 감정적 연결을 만드는 데 중요한 역할을 합니다.
따라서 Olamilekan Okunade의 "The Bloom"에서 회색은 외부 규범의 강요로 인한 타협을 암시하는 문화적 전환의 상징이 되는 반면, Roger Quesnel의 작품에서는 자유에 초점을 맞춥니다. 이 감정들은 바람에 날리는 구름의 움직임에 거주하며, 감정과 기억의 자율적이고 변덕스러운 본성을 표현합니다.
갈색 초상화(2022) Aleksandr Ilichev의 그림
Liquette-Gorbach의 Voyage (2015) 조각품
브라운: 심리학과 자연적 균형 사이
알렉산드르 일리체프와 예술가 듀오 리퀘트-고르바흐는 각자의 분야에서 갈색을 비유적으로 해석했습니다. 전통적으로 땅, 안정, 자연과의 연결과 관련된 색상인 갈색은 작품에서 독특한 의미를 갖습니다. 캔버스에 아크릴을 사용하여 내면의 삶과 인간 심리를 탐구한 것으로 유명한 화가 일리체프는 "갈색 초상화"를 만들었는데, 이는 선, 색상, 질감의 층을 통해 대상의 본질과 감정을 포착한 거의 "분열주의적" 그림입니다.
이 맥락에서 색상은 생생하고 역동적인 방식으로 사용됩니다. 갈색과 황금색 붓질로 덮인 소녀의 얼굴은 복잡한 내면의 삶과 깊은 감정을 암시하며, 피사체와 시청자 사이의 장벽을 깨기 위해 고안된 날카로운 시선으로 강조됩니다. Ilichev가 갈색의 질감과 음영을 사용하여 초상화에 드라마와 내성을 부여하고 피사체의 취약성과 강점을 끌어내는 반면, 예술가 듀오 Liquette-Gorbach는 대신 가벼움과 마음의 평화를 불러일으키는 미니멀리스트 조각품을 만들었습니다. 이국적인 나무로 만든 그들의 작품 " Voyage " 는 단순함과 재료의 자연스러운 표현에 대한 매혹을 반영합니다. 또한 갈색 색조와 함께 나무를 사용하면 지구와의 추가 연결이 제공됩니다. 재료의 혈관과 광택이 나는 표면은 거의 유기적인 것처럼 보이는 조각 형태를 만들어냅니다.
그러면 갈색이 감정 표현의 매개체 역할을 하는 일리체프의 접근 방식과 달리, 리퀘트-고르바흐는 이 색상을 사용하여 단순함과 평온함을 강조하고, 숙고와 균형을 불러일으키는 물체를 만든다는 것이 분명해진다. 실제로 둥글고 자연스러운 모양의 이 조각품은 평온함을 전달하며, 갈색은 안정성과 연속성의 상징으로 작용한다.
Black Broken Mirror (2024) Alexandre Geoffroy의 그림
Rhino (2015) Roberto Barbuti의 조각품
추상과 비유 사이의 검정색
알렉상드르 조프루아와 로베르토 바르부티는 작품에서 검은색을 사용하는 방식을 근본적으로 다른 방식으로 탐구하는 두 현대 예술가입니다. 프랑스 화가는 추상 작품에서 광택이 나는 검은색과 돋을새김 소재를 사용하여 빛과 깊이에 중점을 두지만, 로베르토 바르부티는 선사시대 동굴 벽화에서 영감을 받아 그려진 테라코타에 동일한 색상을 사용하여 동물의 강인함과 활력을 불러일으킵니다.
자세히 설명하면, "Black Broken Mirror"에서 Alexandre Geoffroy는 검은색을 사용하여 "Pigments"라는 단색 시리즈에서 빛과 그림자를 탐구합니다. 이 작품은 캔버스에 스프레이와 석고를 결합하여 수천 개의 작은 사각형으로 구성된 릴리프 표면을 만드는 혁신적인 기술을 기반으로 합니다. 이 사각형은 빛을 반사하고 그림자와 반사의 역동적인 효과를 만들어 검은색에 깊이와 움직임을 부여하는데, 각도와 빛에 따라 무광택과 광채가 모두 나타날 수 있습니다. Geoffroy에게 이 그늘은 어둠과 광채를 함께 탐구하고 재료와 빛 사이의 상호 작용을 포착하는 수단이라는 것이 분명해집니다.
이와 대조적으로, 로베르토 바르부티의 "코뿔소"는 검은색을 원초적인 힘과 동물의 활력의 상징으로 해석합니다. 동굴 벽화에서 영감을 받은 이 이탈리아 예술가는 "콜롬비노" 기법을 사용하여 테라코타를 조각하여 그들이 대표하는 종의 영적 본질을 유지하는 인물을 만듭니다. 양식화되고 비현실적인 형태를 사용했음에도 불구하고, 그의 동물 조각품은 완벽하게 알아볼 수 있고, 힘과 물리적 존재감을 발산한다는 점에 유의하는 것이 중요합니다. 오일 페인트로 구운 후 적용된 검은색은 대상의 근육질과 강력한 구조를 강조하여 위엄의 분위기를 줍니다.
"Black Broken Mirror"에서 Geoffroy는 추상적인 방식으로 검정색을 사용하여 빛과 그림자를 이용해 깊이와 3차원성을 만들고, 시각적 상호 작용을 통해 색상을 역동적이고 변화하는 경험으로 바꾼다는 것이 분명합니다. 반면, "Rhino" 에서 Barbuti는 같은 색조를 사용하여 동물의 육체적이고 원초적인 힘을 강조하여 색상을 구체적이고 실체적인 힘의 상징으로 만듭니다. 두 경우 모두 검정색은 강렬함과 깊이를 전달하는 데 필수적이지만, 반대의 스타일적 접근 방식을 사용합니다. 하나는 추상적이고 시각적으로 변화하는 반면, 다른 하나는 신체성과 힘에 기반을 둡니다.
Olimpia Gaia Martinelli
