표현주의의 다양한 역사

Viktor Sheleg, Choice , 2021. 캔버스에 유채, 98 x 88cm.

«우리는 더 이상 사는 것이 아니라 살아 있습니다. 우리는 더 이상 자유가 없고, 더 이상 결정하는 방법을 모릅니다. 인간은 영혼을 박탈당하고 자연은 인간을 박탈당합니다 [...]. 절망, 공포, 죽음으로 황폐해진 시대는 없었습니다. 이보다 더 무덤 같은 침묵이 세상을 지배한 적은 없었습니다. 사람이 작아진 적이 없습니다. 그는 결코 더 불안하지 않았습니다. 기쁨이 이보다 더 없었고 자유가 이보다 더 죽은 적은 없었습니다. 그리고 여기 울부짖는 절망이 있습니다. 인간은 자신의 영혼을 위해 부르짖고, 고뇌의 외침이 우리 시대부터 일어납니다. 예술도 어둠 속에서 비명을 지르고 구조를 요청하며 정신을 불러일으킨다. 이것이 바로 표현주의이다.».

오스트리아의 저명한 미술평론가 헤르만 바르(Hermann Bahr, 1863-1934)가 1916년 표현주의라는 에세이에서 인용한 말은 20세기 초 북유럽을 중심으로 발전하여 그 속에 집약된 예술적 흐름의 본질을 완벽하게 포착하고 있다. 몇 개의 코어는 단순히 실제 자료의 재현에 집중하기보다 주로 조형적 구성을 통해 작가의 내면 세계를 드러낼 필요성을 강하게 드러냈다. 사실, 표현주의라는 용어로 우리는 모든 예술가가 자신의 예술을 통해 자신을 드러낼 수 있다는 점에서 표현이라는 단어의 보다 일반적인 의미와 거리를 둡니다. 그에게 구체적이고 폭력적인 심리적 반응. 이러한 맥락에서 그러한 20세기 조형적 혁신이 어떻게 훨씬 더 먼 기원을 자랑하는지 주목할 가치가 있습니다. 이 기원은 빠르면 19세기 말에 이미 부분적으로 반 고흐의 소용돌이치는 붓놀림, 고갱의 본질, 뭉크의 드라마와 사회비판, 뭉크의 반자연주의적 언어와 원시미술의 변형. 대신 위의 운동을 미술사에 배치하면 20세기 말에 표현주의를 초기 인상주의와 대조한 미술사학자 줄리오 카를로 아르간(Giulio Carlo Argan)의 생각을 참조할 수 있습니다. 인상은 외부에서 내부로의 움직임입니다. 그것은 의식(주체)에 스스로를 인상짓는 현실(객체)입니다. 표현은 내부에서 외부로의 반대 운동입니다. 대상에 자신을 각인하는 주체입니다.».

Cécile Duchêne Malissin, The Infant , 2022. 리넨 캔버스에 아크릴/콜라주, 120 x 100cm.

루이스 하워드, 작은 짐승들 , 2022. 나무에 유채, 140 x 122 cm.

독일 표현주의

"하지만 이것이 여전히 인상파입니까?" "아니, 표현주의야!"

1911년 베를린 분리파 회의에서 배심원단은 나중에 예술 평론가이자 역사가인 Wilhelm Worringer가 만든 20세기 예술 운동의 이름을 예상하면서 이 예언적인 말을 했습니다. 독일 표현주의는 20세기 초 독일의 기후에 대한 예술가들의 반응을 나타냈으며, 단일 국가의 탄생을 목표로 하는 확장주의 정책으로 특징지어졌으며 강력한 민족주의, 반동 및 억압적 사고, 예술가들은 공식 예술과 모든 방식의 순응에 대한 반항적 태도를 노골적으로 드러낸다. 독일 표현주의의 첫 번째 그룹은 1905년 드레스덴에서 Hermann Obrist의 학생인 4명의 건축 학생, 즉 Ernst Ludwig Kirchner, Fritz Bleyl, Erich Heckel 및 Karl Schmidt-Rottluff가 수행한 예술적 조사에서 형성되었습니다. 니체의 차라투스트라는 이렇게 말했다의 한 구절을 언급하면서 그러한 그룹은 문자 그대로 "다리의 예술가"를 의미하는 디 브뤼케라는 이름을 갖게 되었습니다. 경직되고 늙어가는 도덕주의로 창조 정신을 죽이려고 합니다. Die Brücke의 문체적 특징과 관련하여 그들은 운동의 가장 확신에 차 있고 열정적인 발기인인 Kirchner의 작업에서 잘 예시됩니다. , 부르주아 사회의 거짓과 위선을 비난하는 것을 목표로합니다. 독일 표현주의의 두 번째 그룹은 1911년 뮌헨에서 태어나 푸른 기사(Der Blaue Reiter) 또는 청기사(Blue Rider)라는 별명을 얻었으며 그림의 색채학을 더욱 강조하여 색상이 강한 상징적 의미를 갖게 되었으며, 추출.

Yuliia Chaika, "Yoga time" , 2022. 종이에 아크릴/파스텔, 29 x 29 cm.

박영애 우리사랑. 말하지 않아도. #1 , 2022. 캔버스에 아크릴, 91 x 72.5 cm.

프랑스 표현주의와 그 너머...

표현주의라는 단어는 "Die Brucke"와 "Der Blau Reiter"에 관한 Paul Fechter의 논문에서 처음 사용되었습니다. 나중에 앞서 언급한 명칭은 야수파(1905-1910), 말 그대로 "짐승" 또는 "야만인"을 가리키는 데 사용되기도 했습니다. 색상의 강렬한 사용은 문자 그대로 예술가의 감정 상태를 전달하는 수단으로 변형되었습니다. 마지막으로 1970년대와 1980년대에 장 미셸 바스키아(Jean-Michel Basquiat)와 같은 위대한 예술가들의 작품을 통해 표현주의 운동이 국제적 부흥의 주역이었기 때문에 표현주의에 대한 이야기가 앞서 언급한 경향만으로 끝나지 않는다는 점을 강조할 가치가 있습니다. , Anselm Kiefer와 Julian Schnabel. 마지막으로 표현주의의 성공은 Erick Seror 및 Taco Eisma와 같은 일부 Artmajeur 예술가의 작품에서 입증된 것처럼 현대 미술에서도 눈에 띕니다.

Erick Seror, Dark Black , 2022. 캔버스에 유채, 81 x 65 cm.

에릭 세로: 다크 블랙

Dark Black의 두 주인공, 즉 여성과 군인을 구별하는 기괴하고 통회하는 얼굴은 아마도 강한 불안감으로 가득 차 있으며 고통받는 초상화에서 거의 끝없이 훨씬 더 극적인 방식으로 반복되는 것 같습니다. Emil Nolde의 Still Life with Masks III 와 James Ensor의 The Intrigue 에 의해 불멸의 주제의 불안한 표현을 상기시키는 슬픈 세부 사항이 바닥에 균질하게 배열되어 있습니다. Artmajeur의 예술가는 앞서 언급한 표현주의의 거장들과 함께 제시된 이러한 부분적 친화력 외에도 유명한 독일 예술가가 전역한 Kirchner의 그림 군인으로서의 자화상 (Self-Portrait as a Soldier) 의 상징적인 주인공인 제복을 입은 남자의 주제를 용도 변경합니다. 정신적 균형이 깨지기 때문에 전쟁에서 벗어나 오른손이 잘린 채 상징적으로 불멸의 존재가 되어 자신의 쓰라린 패배를 자명하게 깨닫게 됩니다.

Picrate, 신성한 우정 ,   2022. 리넨 캔버스에 아크릴, 80 x 80cm.

Picrate: 신성한 우정

Picrate의 작품은 표현주의에 의해 촉진된 성찰이 어떻게 긍정적인 메시지를 발사하는 작업, 즉 더 건강하고 균형 잡힌 내면의 삶을 구별하는 평온함을 그림으로 번역할 수 있는지를 보여줍니다. 말한 내용은 위험의 경우 반드시 도망쳤을 동물인 작은 새의 호기심까지 끌 수 있는 편안한 얼굴에 놓인 캔버스 주인공의 차분한 시선으로 잘 예시됩니다. 이 "정숙에 대한 찬가"에 강력하게 반대되는 것은 Arnold Schoenberg의 유명한 그림 The Red Gaze 로 대표되는 남성 인물의 또 다른 강렬한 클로즈업입니다. 아마도 작가의 자화상으로 추정되는 이 마지막 걸작에는 본질적인 삼각형의 형태로 축소되고 기본적인 붓놀림으로 만들어진 위계적이고 엄격한 남성의 얼굴이 제시되며, 큰 빨간 눈으로 구별됩니다. 시청자에게는 고뇌로 가득 찬 으스스하고 불 같은 빛이납니다.

Taco Eisma, Her words , 2022. 캔버스에 유채, 60 x 50 cm.

Taco Eisma: 그녀의 말

Taco Eisma가 만든 인물이 있는 인테리어는 무엇보다 생생하고 강렬한 반음계로 구별되며, 시청자의 관심을 끌어 특별하고 논란이 많은 러브 스토리에 참여시키는 것을 목표로 합니다. 벽에 배치된 스크린에서 그와 이야기하고 있다. 그러나 그는 정말로 듣고 있습니까? 바로 이 Hamletic 의심이 가장 부조리한 분위기 속에서 물질화되는 것을 목표로 하는 색채의 힘으로 두드러진 작업을 하는 작가 자신에 의해 우리에게 제안되었습니다. 미술사에 대해 말하자면, 색채주의가 돋보이는 또 다른 인테리어는 야수파 거장 앙리 마티스의 핑크색 스튜디오 로, 핑크색이 거의 모든 공간을 차지하는 환경으로 예술가의 아틀리에를 일종의 황금 감옥으로 만들어 놓았다. 실제로 Matisse는 1941년 10월에 Marcelle Marquet에게 이렇게 썼습니다. 나는 그것에서 벗어날 수 없습니다. 나에게는 다른 것이 없습니다».