날아가는 꿈

Svetlana Melik-Nubarova, Birds , 2019. 디지털 사진 / 종이에 조작된 사진, 62 x 48.7 cm.

육지의 왕국과 지울 수 없는 관계에 있는 생물인 인간은 오랫동안 새가 날 수 있는 능력, 이 동물이 완전한 행동과 움직임의 자유를 누릴 수 있게 해주는 능력, 그리고 지구에 대한 새로운 관점의 관찰에 흥미를 느끼고 영감을 받아 왔습니다. 세계. 이러한 특성으로 인해 새들은 역사적 예술 분야에서도 매우 흥미로운 주제가 되었습니다. 사실, 새들은 많은 걸작의 주인공이 되었으며 어떤 경우에는 신들의 특징에 영감을 주기도 했습니다.

올레 라브리, 도시의 새들 , 2021. 캔버스에 유채, 70 x 70 cm.

Miloš Hronec, Desire , 2021. 캔버스에 오일 / 아크릴 / 스프레이 페인트, 150 x 200 cm.

예술의 역사 속의 새들

예술의 역사는 예를 들어 17,000년 전에 만들어진 라스코(Lascaux)의 동굴 벽화와 폼페이(Pompeii)에 있는 황금 팔찌의 집(House of the Golden Bracelet) 프레스코에 의해 입증된 것처럼 고대부터 불멸의 새를 가지고 있는 작품이 풍부합니다. , 서기 30년에서 35년 사이. 또한 르네상스 시대에 이 동물들은 많은 판화, 소묘, 수채화 및 회화에 등장하여 큰 성공을 거두었으며 그 중 1506년경에 Albrecht Dürer가 구현한 Little Owl 의 리얼리즘이 두드러집니다. 독일 주인의 수채화는 성격과 표현으로 가득 찬 작은 생물을 묘사하고 있으며, 이는 종의 아름다움으로 고양되어 있으며 주로 운명의 밤 사자의 포식자의 성격을 강조하기위한 이전의 새 묘사와 잘 구별됩니다. .

알브레히트 뒤러, 작은 올빼미, 1506년경. 수채화. 빈: 알베르티나 박물관

그러나 17세기는 또한 Frans Snyders의 Concert of Birds (1601), Jan Asselijn 의 The Threatened Swan (1650), Melchior de Hondecoeter 의 The Floating Feather (1680)에서 알 수 있듯이 새를 묘사한 예술 작품이 풍부했습니다. ). 그러나 상징적인 17세기 걸작은 새를 주제로 하는 가장 유명한 예술 작품으로 자주 인용되는 그림인 Carel Fabritius 의 The Goldfinch (1654)입니다. 이 패널은 그 당시에 건강과 행운의 상징이었던 동물인 금붕어를 횃대에 사슬로 묶은 모습을 묘사하고 있습니다. 또한 고대 로마 시대부터 길들여진 이 종의 인기는 Bronzino 의 Goldfinch와 함께 Giovanni I de' Medici의 초상화 (1544-1545)와 같은 다른 위대한 초기 걸작에서도 찾아볼 수 있습니다. 조반니 안토니오 볼트라피오(Giovanni Antonio Boltraffio) 의 어린아이 초상화 (1494), 애완용 금붕어를 주제로 삼고 있습니다.

Carel Fabritius , The Goldfinch , 1654. 패널에 유채, 33.5cm × 22.8cm. 헤이그: Mauritshuis.

19세기를 대표하는 것으로는 박물학자이자 화가인 John James Audubon의 책, 미국의 다양한 새의 삽화가 포함된 Birds of America, Claude Monet의 The Magpie(1869) 및 Bruno가 있습니다. Liljefors의 Common Swifts(1886). 야외에서 그린 모네의 그림은 새하얀 눈으로 뒤덮인 풍경으로 둘러싸인 울타리에 앉아 있는 까치가 묘사되어 있습니다. 불행하게도, 순수하게 인상파적인 스타일과 작품의 색채는 어두운 학문적 색조에 익숙해진 모네의 동시대 사람들에게 인정받지 못했으며 걸작을 폄하했습니다. 마지막으로 새를 주제로 한 20세기와 현대의 대표적인 작품으로는 Archibald Thorburn의 Peacock and Peacock Butterfly(1917), (1923), Jeff Koons의 Bluebird Planter(2010-2016)가 있습니다.

클로드 모네, 까치, 1868-1869. 캔버스에 유채, 89×130cm. 파리: 오르세 미술관.

Archibald Thorburn, 공작과 공작 나비 , 1917. 그림. 개인 소장품.

스코틀랜드에서 가장 유명한 야생 동물 화가 중 한 명인 Archibald Thorburn은 야생의 새를 묘사하는 데 집중한 것으로 유명합니다. 사실 왕립조류학회 부회장이기도 했던 그는 자신의 작품으로 포착할 새를 찾기 위해 종종 숲 속으로 들어갔다. 공작과 공작 나비 그림은 그의 가장 유명한 작품 중 하나로, 긴 꼬리를 가진 장엄한 공작이 무성한 나무, 꽃, 관목을 배경으로 설정되어 있습니다. 새에 대해 공작은 역사를 통틀어 여러 개념을 상징했으며, 종종 모순되지만 부활, 허영심, 행운, 임박한 운명, 불멸, 악과 선으로 요약될 수 있습니다. 따라서 Thorburn이 그의 그림에서 암시한 의미가 무엇인지 알기 어렵습니다. 현대적 맥락에서 보면 반사 금속으로 만들어진 참새를 형상화한 제프 쿤스의 조각 '블루버드 파종기'는 상당한 임팩트를 지닌다. 미국 작가는 바로 이 재료를 통해 관객 자신을 비롯한 주변 환경에 드러나는 것까지도 포착하거나 오히려 반영할 수 있는 작품을 만들고자 하는 의도를 추구해 왔다.

Tony Rubino, White peacock , 2022. 캔버스에 아크릴/석판화, 61 x 61 cm.

아라 가스파리얀, 새와 주전자가 있는 정물 , 2021. 회화, 캔버스에 유채, 35 x 24 cm.

Artmajeur의 작품 속 새들

새의 역사적, 예술적 인기는 이 주제에 대해 Artmajeur의 예술가들이 만든 많은 작품에서 알 수 있듯이 현대의 구상 연구에도 강한 영향을 미쳤습니다. 이러한 관심을 예시하기 위해 우리는 백조를 불멸화하는 Lukas Pavlisin의 그림, 여러 새 표본을 주제로 하는 Wilhem Von Kalisz의 혼합 매체와 까마귀를 묘사한 Gonul Nuhoglu의 조각품을 찾습니다.

Lukas Pavlisin, 나일론 , 2017. 캔버스에 유채, 90 x 90 cm.

Lukas Pavlisin: 나일론

Pavlisin의 그림은 완전히 혁신적인 방식으로 백조의 모습을 목과 주둥이의 단순한 묘사로 축소합니다. 이 초점은 동물과 나란히 놓일 때 그 형태를 최대한으로 합성하는 기하학적 모양으로 복제됩니다. 백조는 예술사, 특히 레다(Leda)와 백조의 신화와 관련되어 자주 묘사되어 왔기 때문에 작가가 이 새에 쏟는 관심은 전혀 의미가 없다. 이 전설과 관련하여 성적 결합을 달성하기 위해 속임수를 허용하는 남성의 성적 수완을 설명하는 것을 목표로 한 여러 걸작이 만들어졌습니다. 언급된 내용의 예는 Jacopo Tintoretto(1570-1575)의 백조 와 함께한 Leda , Leonardo da Vinci(1505-1510년) 의 백조와 함께한 Leda 및 François Boucher(1742)의 보다 노골적인 Leda와 백조 입니다. 반면에 동물에만 초점을 맞춘 걸작에 관해서는 Jan Asselijn의 상징적 인 Threatened Swan (1650)을 다시 한 번 언급하는 것이 중요합니다. 여기에서 새는 당시 네덜란드의 정치 지도자였던 Johan de Witt를 나타냅니다. , 다양한 적들로부터 나라를 지키려는 의도. 따라서 Artmajeur 작가의 작업은 새롭고 독창적이며 보다 현대적인 관점으로 풍요로운 위대한 전통의 연속을 나타냅니다.

Wilhem Von Kalisz, 감히 넘어지는 새, 나는 법을 배우는 새 , 2017. 캔버스에 회화, 아크릴/오일/디지털 판화, 110 x 100 cm.

Wilhem Von Kalisz: 감히 넘어지는 새와 나는 법을 배우는 새

Von Kalisz의 혼합 미디어 그림은 Melchior de Hondecoeter의 걸작인 The Floating Feather (1680)를 현대적 맥락에서 재해석하여 작업을 매우 적절하게 만듭니다. 이 유명한 그림은 전경의 수면에 떠 있는 작은 솜털 같은 깃털의 디테일에서 이름을 따왔습니다. 황금 시대의 네덜란드 주인은 종종 새를 그리는 것을 좋아하고 이국적인 종에 특별한 관심을 가지고 매우 사실적인 세부 사항으로 묘사했습니다. 마지막으로 Artmajeur 예술가의 작업은 매우 중요합니다. 과거의 걸작을 현실화함으로써 현대 대중을 최고의 전통에 더 가깝게 만드는 것이 종종 가능하기 때문입니다.

고눌 누호글루, 아마겟돈, 까마귀 5 , 2019. 조각, 청동/다른 기판에 주조, 14 x 35 x 14 cm / 4.00 kg.

고눌 누호글루: 아마겟돈, 까마귀 5

Nuhoglu의 사실적인 청동 조각의 주제는 까마귀, 예술사에서 종종 부당하게 악마화되는 상징적인 동물입니다. 사실, 이 오해되고 신비로운 새는 앤드류 와이어스의 까마귀 연구(1944), 빈센트 반 고흐의 까마귀가 있는 밀밭 (1890), 파블로 피카소의 까마귀와 여자 (1904), 카스파 데이비드 프리드리히의 까마귀 나무 (1904)와 같은 걸작에 나타납니다. 1822). 누호글루의 조각으로 돌아가서 작가는 까마귀를 묘사함으로써 무엇을 암시했을까? 비록 이 동물이 상반되는 무한한 의미를 내포하고 있지만, 문화와 시대를 초월하여 모든 해석에서 발견되는 한 가지 측면, 그것이 바로 통과입니다. 사실 까마귀는 항상 무지에서 지식으로, 삶에서 죽음으로, 선에서 악으로 또는 밤에서 낮으로, 한 상태에서 다른 상태로의 이동과 관련이 있습니다. 따라서 Artmajeur의 예술가 조각은 아마도 항상 부정적이지는 않지만 종종 우리 존재의 유익한 진화에 필요한 개인적인 변화로 우리를 변화하도록 초대합니다.