미니멀리스트 사진: 풍경 장르

Carlos Canet Fortea, Approximate journey , 2022. Photography, Digital Photography / Manipulated Photography / Digital Collage on Paper, 100 x 80 cm.

사진 매체가 촉진하는 예술적 탐구에 앞서 수세기 동안 변함없는 풍경 테마를 포함하여 가장 잘 알려진 예술 장르의 탄생, 발전 및 확인을 후원해 온 회화적 전통을 언급하는 것이 분명해 보입니다. 따라서 후자를 주제로 하는 사진은 이전의 노력을 누렸고, 이는 역사상 특정 시간과 장소인 네덜란드에서 발생한 사건인 풍경화의 완전한 자율성을 공식적으로 인정하게 된 것으로 보입니다. 황금세기의. 사실 이 시기 이전에 풍경화는 성 정체성 없이 주로 종교적, 신화적 또는 역사적 성격의 사건이 발생한 장소를 장식하거나 설명하기 위한 단순한 그림 배경으로 인식되었습니다. 19세기 말에 사진이 등장하면서 위의 업적을 직접 물려받았고, 점진적이고 실험적이긴 하지만 풍경 장르에 대한 점진적인 관심을 촉진했으며, 수세기 동안 주요 작품 중 하나가 되었습니다. 또한, 사진 예술에 접근하는 과정에서 이 분야는 회화, 조각 등과 같이 다양한 움직임, 예술적 경향 및 경향에 직면해 왔으며, 그 안에서 미니멀리즘을 언급할 필요가 없습니다. 풍경화에도 문체적 특징을 부여했다. 간단하고 간결하게 설명하면: 미니멀리스트 관점은 풍경 장르에 극히 합성적이고 구체적인 렌더링을 통해 실제 데이터를 캡처하는 목표를 제공합니다. 더 큰 시각적 효과. 사실, 묘사된 "작은 것"에 주의를 집중시킬 수 있는 가능성은 보는 사람이 메시지를 전달하기 위해 생각한 것을 즉시 파악하고 여러 장식적인 "프릴"에 주의를 분산시키는 것을 방지합니다. 방금 설명한 내용을 독자의 상상 속에서 구체화하려면 스기모토 히로시, 야마모토 마사오, 마이클 케나와 같이 미니멀한 풍경의 비전을 포착하는 데 헌신한 몇몇 사진가의 작업을 참조하는 것이 중요합니다. 전자에 대해 말하자면, 1948년에 태어난 일본 예술가이자 사진가는 현대 사진의 가장 중요한 주창자 중 한 명으로 밝혀졌으며, 미니멀리즘과 개념 예술을 동양 관습의 동질적인 절제와 단순성과 결합하는 특이성을 가지고 있습니다. 이러한 스타일적 특징은 그의 1980년 바다 풍경 시리즈에서 결실을 맺었습니다. 프레임과 재료의 동일한 사용은 흑백의 변화를 강화하는 데 초점을 맞추고 뷰 내에서 배열하며 맑고 고요한 바다 위에 있는 비어 있고 잔잔한 바다를 포착하는 것을 목표로 합니다. 고요한 하늘. 물과 공기 사이의 경계가 종종 매우 흐려지고 추상주의에 접하는 이러한 맥락에서 그는 거침없는 시간의 흐름에도 불구하고 자연의 웅장함이 놀랍고 거의 신성하게 변하지 않는 방법을 명시하고자 합니다. 회화에서 1935년에 태어난 이탈리아 화가이자 조각가이자 일러스트레이터인 피에로 구치오네(Piero Guccione)의 작품에서도 비슷한 느낌을 전달할 수 있습니다. 명상을 중심으로 시청자를 자신의 내면과 연결시키는 것을 목표로 합니다. 반면에 야마모토 마사오(Yamamoto Masao)는 작은 형식의 이미지를 만드는 데 집중합니다. 손에 들고 있는 소중한 분재 나무처럼 보는 사람을 비슷한 추억으로 초대합니다. 이 명상적 차원에는 현재와 과거 모두를 위한 공간이 있기 때문에 작가는 수천 가지 버전의 우리의 기억, 파편 및 흔적을 암시하기 위해 "늙은" 흑백 이미지의 사용을 선호합니다. .

Philippe Berthier, Phoetry , 2023. 사진, 디지털 사진 / 종이에 조작된 사진, 47 x 67cm.

풍경에 대해 말하자면, 이 주제에 관한 마사오의 사진은 자연의 변화를 관찰하는 데 관심이 있음을 증명하며, 그 이야기는 우리 자신의 인생 과정의 진화를 암시하는 것 같습니다. 일본 작가의 미니멀리스트 샷의 예로 Kawa=Flow #1652가 있는데, 가을 풍경을 암시하기 위해 신성한 나뭇가지에 앉은 새 무리의 모습만 언급했습니다. 유사하게, 유명한 탄자니아 화가 에드워드 사이드 팅가팅가(Edward Said Tingatinga)가 나무에 앉아 있는 흰 새의 더 넓고 더 다채로운 관점에서 보여지는 것처럼 그림도 비슷한 주제를 묘사했습니다. 마지막으로 1953년생인 영국의 유명한 사진작가 마이클 케나(Michael Kenna)는 미니멀한 흑백 풍경 사진으로 잘 알려져 있습니다. 대기 조건과 불멸의 대상 사이의 상호 작용에 초점을 맞추려는 의도를 추구합니다. 종종 정확히 이 관계를 강조하기 위해 그는 흰색 또는 어둠에 잠긴 고독한 나무를 불멸화하여 예를 들어 몬드리안의 붉은 나무와 푸른 나무, 반 고흐의 잊을 수 없는 가을의 뽕나무(1889), 네덜란드 거장이 죽기 1년도 채 안 되어, 즉 혼란스럽고 균형이 맞지 않았지만 상당히 "깨달은" 것으로 판명된 시기에 그린 작품입니다. Vincent의 새로운 인식은 아마도 그가 "머물고 있던" 장소, 즉 유명한 귀 사건 이후 입원한 병원인 Saint-Remy의 Saint Paul 망명에서 영감을 받았을 것입니다. 그가 자신의 격동의 과거를 알게 된 것은 바로 정신 병원에서였으며, 자신의 새로운 예술 작품에 대한 관심과 병원의 불운을 겪는 동료들이 그에게 제공한 행복한 동반자에 안도감을 느꼈습니다. 따라서 미니멀리스트 사진과 후기표현주의 회화 사이의 이 마지막 비교는 한 가지 더 많은 세부 사항을 보여줍니다. 두 번째 운동을 선호하는 사람들은 대체로 예술을 보다 고요한 명상과 존재의 합성의 수단이 아니라 일종의 치료로 활용했습니다. .

Tomáš Tisoň, The Guardian , 2021. 사진, 종이에 디지털 사진, 50 x 50cm.

지오 몬델리, 뜨거운 여름 , 2018. 회화, 캔버스에 아크릴, 45 x 45 cm.

지오 몬델리: 뜨거운 여름

1953년에 태어난 이탈리아 예술가 Gio Mondelli의 캔버스에 아크릴로 묘사된 몇 가지 풍경 요소와 결합된 매우 밝은 색상은 회화 예술에 대한 사진의 사이비 "의존"에 대해 위에서 언급한 "논쟁"을 다시 엽니다. 많은 주제와 문체 접근 방식을 "차용"하는 수준에서 발견됩니다. 오히려 미니멀리즘적 풍경으로 유명한 1933년생 모데니스인 프랑코 폰타나(Franco Fontana)의 사진적 탐구에 대한 일종의 회화적 해석자에 가까운 것처럼 보이는 <아르마주르(Artmajeur)> 작가의 풍경화를 바라보는 관점을 정확히 살펴보면 이러한 상황은 역전된다. 의심의 여지가 없는 주인공은 들판, 나무, 능숙하게 배치된 구름, 색상 및 기하학의 이탈리아 특성 외에도 있습니다. "단순한"농촌 풍경뿐만 아니라 산업 및 도시 풍경을 일종의 추상화로 변형시킬 수있는 그의 주제 선택의 진정한 동기로 밝혀진 것은 바로이 마지막 두 구성 요소입니다. 과장된 반음계의 울부짖음, 날카롭고 뚜렷한 인조 선으로 표현됨. 이러한 맥락에서 Mondelli의 Calda 부동산은 특히 1980년대 후반부터 시작된 Fontana의 Apulian 사진 시리즈로 추적할 수 있는 것으로 보입니다. 이 사진 시리즈는 질서의 측면에서 나타나는 자연 내에서 노란색, 파란색 및 녹색의 가장 진정한 승리를 보여줍니다. 사람과 그의 악행에 대해 더 호의적이고 호의적입니다.

Emmanuel Passeleu, The blue , 2021. 사진, 디지털 사진 / 종이에 조작된 사진, 50 x 50cm.

Emmanuel Passeleu: 더 블루

고전적인 장르 외에도 사진의 세계가 어떻게 패션, 트렌드 및 최신 혁신으로 구성되어 있는지 강조하는 것이 중요합니다. 더 오래된 아카데미와 박물관 기관을 제외합니다. 이 말은 스웨덴 태생의 미니멀리스트 사진작가 Marcus Cederberg의 삶의 경험을 요약한 것 같습니다. 2014년. 오늘날 그의 프로필은 호기심 많은 사람들, 사진 애호가, 일반 예술 애호가, 사진가들 사이에서 큰 주목을 받고 있습니다. 이러한 "정돈된" 시각은 우리 사회의 혼돈에 반대해야 한다고 느끼는 예술가의 특별한 요구에서 비롯됩니다. 그의 투쟁은 주로 색상, 대비 및 부정적인 공간의 신중한 선택으로 인해 다작의 평온함을 퍼뜨릴 수 있는 경향인 미니멀리스트 시학과 싸웁니다. 구체적인 행동에 대해 말하면서 나는 사진 작가의 Instagram 프로필을 열어 그가 가장 좋아하는 주제 중 하나가 개별적으로, 쌍으로, 때로는 거의 "무한한"곱셈을 통해 분석되는 창이라는 점을 언급했습니다. 이러한 피사체는 단순한 색상의 벽에 윤곽이 그려져 있으며 때때로 정적이고 역동적인 사실적인 세부 사항을 제공합니다. Windows는 또한 Artmajeur 아티스트의 디지털 사진의 주요 주제이기도 합니다. Artmajeur는 근본적으로 상반되는 두 가지 경향을 참신하고 혁신적인 방식으로 혼합하는 것을 목표로 숙련된 초현실적 터치를 추가하여 미니멀리즘을 개인화했습니다.

엘리자베스 라플란트, 네온 누에, 2018. 사진, 종이에 디지털 사진, 30 x 45cm.

엘리자베스 라플란트: 네온 누에

짙은 아마란스, 장밋빛, 바닷물 색의 벽에는 네온 불빛 한 가닥이 흐르고 있는데, 우리는 그 경로의 실제 범위를 알 수 없는 채 사진의 직사각형 형식에 갇혀 있는 것을 봅니다. 이것은 아마도 앞서 언급한 형광 물체를 일종의 디테일로 활용하여 보는 사람의 시선을 확실히 사로잡는 것을 목표로 하는 라플란트의 미니멀리즘에서 암시하는 수수께끼일 것입니다. 실제로 네온은 나중 단계에서도 눈에 띌 수 있지만, 시선이 그것에 고정되면 이것이 아마도 당신이 그렇게 정확하게 관찰하게 될 마지막 것이 될 것입니다. 왜냐하면 누가 빛을 발견한 후에 다시 어둠으로 돌아가고 싶어하겠습니까? 실제로 빛은 공간을 정의할 수 있기 때문에 매우 매력적입니다. 공간을 생기 있고 역동적으로 만들고 모양과 색상을 구별하여 인식하는 대로 세상을 볼 수 있는 능력을 제공합니다. 이러한 개념은 아마도 주로 빛과 공간의 인식을 다루는 미국 예술가 James Turrell의 예술적 조사의 가정에 의존했을 것입니다. 사실, 작가는 1960년대 미국에서 탄생한 운동인 빛과 공간(Light and Space)의 선도적인 주창자 중 한 명으로 간주되며, 빛을 예술 작품으로 변형시켜 사람의 마음과 몸 모두에 전달하는 것을 목표로 합니다. 시청자.