줄무늬 예술: Barnett Newman, Sean Scully 및 Agnes Martin의 설명

Mimi Eres, Stripes 22/27 , 2022. 캔버스에 아크릴, 98 x 113 cm.

Oxford Languages에서 제공한 Google 사전 정의를 참조하면 스트라이프라는 용어는 "두 평행선 사이의 평면 영역", 즉 길쭉한 주제를 나타내며, 추상 또는 미니멀리즘 작품 내에서 주로 주연을 차지하는 경우가 많습니다. 사실, 가장 고대 문명의 건축과 장식 모티브에서 이미 그 존재를 찾을 수 있는 줄무늬의 인기는 그리드의 묘사가 등장한 20세기까지 작곡의 자율적인 주제로 확산되지 않았습니다. 모노크롬도 큰 성공을 거두었습니다. 이러한 반복은 실제로 Barnett Newman, Sean Scully 및 Agnes Martin과 같이 20세기와 현재 사이에 실행했거나 계속 실행하고 있는 추상주의 및 미니멀리즘의 대표자인 여러 대가의 작업에서 찾을 수 있습니다. , 이 선형 요소의 사용에 대한 개인적인 해석이 나올 것입니다. Barnett Newman이라고 하면 1905년에 태어난 미국의 조각가이자 화가는 추상표현주의의 흐름 중 하나인 Color Field Painting의 주요 대표자 중 한 명으로, 이를 통해 그는 조화의 기원을 목표로 수직선으로 구분된 다양한 색상 영역을 주로 조사했습니다. 공간을 확장시키는 경향이 있는 미묘한 균형의 관계. 위의 내용은 1967년의 걸작, 즉 캔버스에 아크릴로 만든 보이스 오브 파이어( Voice of Fire )라는 추상 작품으로 잘 예시되어 있는데, 미국인이 같은 크기의 세로 줄무늬 3개를 만들어 바깥쪽 2개는 파란색으로, 가운데 1개는 빨간색으로 칠한 것입니다. 그러한 유형의 예술적 탐구는 잭슨 폴록, 마크 로스코 및 다른 많은 사람들처럼 추상 표현주의의 가장 유명한 거장들의 문체적 틀 안에 완전히 들어맞으며, 그는 그림이 실제로 무엇인지에 대해 의문을 제기했으며, 색채, 붓놀림, 질감만으로 일어나는 반응을 촉진하기 위해 예술적 매체의 전형적인 3차원적 표현. 반면 숀 스컬리는 1945년에 태어난 아일랜드 태생의 미국 화가로 줄무늬나 체크 무늬 장식이 가미된 색 직사각형의 리드미컬한 구조가 특징인 추상 회화로 유명합니다. 추상화에 대한 이러한 접근의 예는 Wall of Light 시리즈의 일부로 Scully가 선택한 목적지인 네바다 사막에서 발생한 야간 여행에서 영감을 얻은 Wall of Light Desert Night 라는 1999 유화입니다. 그가 머물고 있는 인근 라스베가스의 혼란에서 탈출하기 위해. 해질녘에 관찰된 이 건조한 생태계에서 감탄한 색상은 앞서 언급한 그림에서 선택한 색채의 바탕이 됩니다. 파란색, 회색 및 검은색 줄무늬 직사각형은 세 개의 "벽돌"로 미세하게 표현되는 모래 표면의 밤의 어둠이 깊어지는 것을 암시합니다. 부드러운 라이트 핑크. 이러한 맥락에서 관객은 작가와 함께 알 수 없는 것의 가장 깊숙한 신비로 이해되는 어둠을 감싸는 파토스를 숙고하여 빛에 대한 모호함이 점차적으로 승리하는 것을 잘 상상할 수 있습니다. 너무 멀리. 결론적으로 세 번째 "줄무늬의 대가"는 미국의 미니멀리스트 화가인 Agnes Martin으로 1974년부터 그녀가 죽을 때까지 예술적 실험을 주로 한 형태의 창조적 잠재력에 대한 조사에 중점을 두었습니다. 그녀는 항상 같은 크기의 정사각형 캔버스 안에 수평선을 삽입했습니다. 방금 설명한 내용은 1999년 ' 해피 홀리데이 '라는 제목의 그림에서 볼 수 있습니다. 정사각형 그림 필드는 동일한 너비의 가로 줄무늬 14개로 구분되며 흰색과 복숭아색 분홍색이 번갈아 가며 띠 패턴으로 구분되는 추상 작업입니다. 흑연 연필로 만든 물결 모양의 선. 이 그림은 같은 시기의 다른 그림들과 마찬가지로 캔버스 전체를 흰색 아크릴 젯소 층으로 칠하는 것으로 시작되었으며, 연속적인 색 상태로 완전히 덮이지 않아 작품에 넓은 시각적 공간성과 독특한 , 생생한 광도. 또한, 물감의 사용과 연필 선의 부정확한 경계가 결합된 바로 그 조합은 보는 사람뿐만 아니라 작가 자신도 자연에 기하학적 완벽함이 존재할 수 없다는 사실을 상기시켜 결혼에 대한 긴 반성을 열어주는 것 같습니다. 예술과 우리 주변에 대한 인식.

Nataliia Sydorova, 두 개의 빨간 스트립 , 2019. 캔버스에 유채, 100 x 80 cm.

Thomas Kausel, 기하학 추상화 파란색과 파란색 , 2022. 나무에 유채/아크릴, 40 x 40 cm.

스트립: 추상화와 미니멀리즘의 선

앞서 언급한 스트라이프의 정의를 두 번째로 참조하면 직선이라는 단어가 포함되어 있음을 알 수 있습니다. 이는 방향이 절대 변하지 않는다는 특성으로 구별되는 특정 라인을 나타내는 용어입니다. 따라서 예술에서 줄무늬의 역사는 20세기 이후로 창조적 세계에서 상당한 성공을 누렸던 선의 구성 요소인 탁월한 선의 역사를 예시로 명시적으로 언급함으로써 추적될 수도 있습니다. 서정적 추상화, 기하학적 추상화, 미니멀리즘을 보여줍니다. 첫 번째 악장과 관련하여 러시아 화가이자 음악가인 Vasily Kandinsky와 스위스 Paul Klee를 비롯한 다른 예술가들이 개발한 이 추상 언어는 선을 형태의 필수 요소 중 하나일 뿐만 아니라 다음과 같은 표면을 생성할 수 있는 유일한 개체로 식별합니다. 두껍게 하는 기능. 위의 내용을 보여주는 작품이 바실리 칸딘스키의 횡선 인데, 바로 그 선의 방향이 걸작의 제목을 결정짓는데, 형태와 색상의 배치가 낙관과 행복의 감정을 불러일으킨다. 반면 기하학적 추상주의의 예는 수직선과 수평선이 직교하는 등 시각적 언어의 몇 가지 단순한 요소를 사용하는 양식적 특징을 지닌 Piet Mondrian의 작업을 언급하지 않을 수 없습니다. , 노란색, 빨간색 및 파란색의 기본 색상을 사용하여 표시된 흰색 배경에 배치됩니다. 마지막으로 미니멀리즘과 관련하여 선은 가장 기본적인 기하학적 구조로의 축소에 기반한 현실의 단순화 과정을 특징으로 하는 예술적 풍토의 급진적 변화를 표현하는 것을 목표로 하는 언어의 주인공이 됩니다. 순전히 20세기 선의 해석 방식에 줄무늬의 "어머니"가 추가되어 예를 들어 Carla Sá Fernandes, Robert Van Den Herik 및 Natalie Levkovska와 같은 Artmajeur 예술가의 줄무늬 관점이 추가되었습니다.

Tehos, Tehos - automn leaves , 2021. 캔버스에 콜라주, 100 x 100 cm.

Ronald Hunter, 노란색 패널 , 2022. 캔버스에 아크릴, 60 x 150 cm.

Carla Sá Fernandes, The Emotional Creation #364 , 2022. 캔버스에 아크릴, 90 x 180 cm.

Carla Sá Fernandes: 감정적 창조 #364

칼라 사 페르난데스(Carla Sá Fernandes)가 캔버스에 아크릴로 만든 유색 줄무늬는 제목과 같이 감정적 영역을 암시하는 의도를 추구하여 우리가 종종 감춰야 하는 직관적이고 본능적이며 자발적이고 강렬하고 폭발적인 감각을 모두 드러냅니다. 보다 실용적이고 합리적인 의무감 뒤에 있습니다. 또한, 작품에 대한 그러한 해석은 미술사에 대한 주의 깊은 연구에 의해 풍부해질 수 있으며, 이는 감정적 창조 #364 와 1981년 브리짓 루이스 라일리의 걸작인 Achæan 의 연관성을 가능하게 합니다. Artmajeur의 예술가 아크릴처럼 그림의 구조를 정의하는 데 도움이 되는 줄무늬의 구성을 나타내는 옵 아트의 주요 지수 중 하나인 화가입니다. 그러나 1981년의 경우 Riley는 1979년 여행에서 방문한 고대 이집트 무덤 그림의 색상에서 완전히 영감을 받은 자신의 색상 팔레트를 개발했습니다. 마지막으로 영국 예술가의 작업에서 줄무늬의 관련성을 다시 한 번 보여줍니다. , David Zwirner 갤러리(런던)에서 열리는 이벤트인 Bridget Riley: Stripe Paintings라는 제목의 2014 전시회를 언급하는 것이 중요합니다. , 정확히 기본 라인의 사용을 통해.

로버트 반 덴 헤릭, 집으로 가는 길 , 2022. 나무에 유채, 80 x 80 cm.

로버트 반 덴 헤릭: 집으로 가는 길

검은색과 흰색 줄무늬로 장식된 다양한 높이의 기둥은 태양계의 신비한 행성의 사막 풍경에 순전히 장식적인 목적으로 배열되어 인간 생명체가 없다는 것과 함께 최초로 식민화된 세계의 상징을 나타냅니다. 1938년에 태어난 프랑스의 개념 예술가이자 화가이자 조각가인 Daniel Buren의 작품으로 분명히 추적할 수 있는 문체의 특징을 우주로 가져온 사람이 버린 사람입니다. 나는 특히 후자의 작품 The Two Plateaus 를 언급하고 있습니다. 뷰렌의 기둥(Columns of Buren )으로 알려진 1985-1986년의 설치 미술 작품으로 프랑스 파리의 팔레 루아얄(Palais Royal) 내부 안뜰에 배치되었습니다. 리슐리외 추기경의 요청으로 1624년에 지어진 후자의 건물에 대한 이 "추가"는 이전에 궁전으로 사용되었던 궁전 안뜰을 아름답게 하기로 결정한 전 프랑스 문화부 장관 Jack Lang의 바람 때문이었습니다. Buren의 의뢰로 작업한 주차장. 고대 예술과 현대 예술의 통합에 대한 열띤 토론을 촉발한 것은 바로 후자의 실현이었습니다. 이는 Robert Van Den Herik의 작품의 경우 고대 예술과 현대 예술의 "융합"까지 확장될 수 있었던 반성입니다. 예술과 풍경, 창조적인 감각과 새로운 세계 사이의 관계가 "식민지화"될 것이라고 상상하도록 초대합니다.

Natalie Levkovska, 춤을 추자! , 2022. 종이에 드로잉 / 구아슈 / 연필, 72 x 52 cm.

Natalie Levkovska: 춤추자!

Levkovska의 작품에는 조형 언어로 줄무늬 드레스와 같은 패션계의 머스트 해브가 포함됩니다! 그러한 유형의 옷은 줄무늬가 긍정적인 역할과 부정적인 역할을 모두 가정하는 대조로 가득 찬 풍부한 이야기를 말할 수 있습니다. 실제로 중세 시대에는 죄수복의 특징과 순전히 연관되어 여론에 의해 명백한 위반 징후로 인식되었습니다. 나중에, 특히 프랑스 혁명 기간 동안 Sanculots가 입는 줄무늬 드레스는 정치적 격변의 가장 순수한 상징이되었습니다. "유사한" 방식으로, 줄무늬와 정치적 메시지의 연관성은 새로 만들어진 성조기의 줄무늬가 자유의 개념을 상징했던 1777년에 반복되었습니다. 그러나 1858년경부터 줄무늬는 같은 해에 프랑스 선원의 공식 제복의 패턴으로 선택되면서 해군에서도 매우 인기를 얻었습니다. 그러나 Coco Chanel, Adidas, Sonia Rykiel, Tommy Hilfiger, Jean Paul Gaultier 및 기타 많은 사람들의 작업 덕분에 줄무늬가 순전히 장식적이고 덜 "상징적"이 된 것은 20세기에 이르러서였습니다. 어떤 종류의 경우에도 적용할 수 있는 클래식 의류로.