조각가와 화가: 갈등과 협력

이 이야기는 다들 아시죠?

음각 또는 부조의 예술적 기술인 조각은 기원전 7세기로 거슬러 올라가 이집트와 중국, 그리고 나중에 그리스에서도 발견된 최초의 기록 사례 중 하나입니다. 목판화 기법은 14세기에 유럽에 전래되어 처음에는 카드 놀이 영역으로 확산되었고 나중에는 종교적인 이미지와 서적 제작으로 퍼졌습니다. 목판화 장르의 탁월한 거장은 알브레히트 뒤러(Albrecht Dürer)입니다. 반면에 조각의 전통은 가장 인정받는 발명가인 Maso Finiguerra의 사례에서 확산되면서 나중에 발생합니다. 에칭 판에 조각하는 이 방법은 16세기에서 17세기 사이에 큰 성공을 거두었지만, 이 후반기에는 렘브란트의 공헌으로 인해 간접적인 기법인 에칭도 마찬가지로 인기가 있었고 높은 수준의 실행과 예술적 세련미에 도달했습니다. . 19세기에는 주제를 실행하는 속도가 빨라지고 기술적, 표현적 잠재력이 뛰어난 석판 인쇄술이 등장하여 툴루즈 로트레크, 파블로 피카소, 폴과 같은 거장들이 실험한 탁월한 새로운 조각 시스템이 되었습니다. 클리. 마지막으로, 지금까지 간과되었던 기술, 즉 드라이포인트(drypoint), 메조틴트(mezzotint), 연삭 에칭 및 아쿠아틴트(aquatint)에 관한 추가 개념을 추가하는 것이 의무입니다.

드라이포인트(Drypoint): 처음에는 뷰린을 사용하여 다양한 조각 상태를 개선하는 데 사용되었으며 나중에 15세기부터 자율적으로 사용되었습니다.

메조틴트(Mezzotint): 17세기 독일에서 유래한 이 기술은 명암대비 통과를 허용하는 유일한 기술입니다. 접시의 표면이 검은색으로 준비되어 있어 긁을 때 모든 중간 값을 제공할 수 있습니다.

연삭 에칭: 에칭과 유사한 공정이지만 더 흐릿하고 불규칙한 표시가 생성되어 목탄이나 연필 그림으로 얻은 표시를 연상시킵니다.

아쿠아틴트(Aquatint): 18세기부터 다재다능함으로 인해 메조틴트처럼 주로 명암대비 가치를 모방하는 수단으로 사용되었습니다.

생식 조각

방금 말한 내용은 수많은 출처에서 다양한 방식으로 쓰여진 것을 볼 수 있는데, 이는 가장 유명한 조각가의 삶과 매우 인기 있는 화가의 삶을 연결하기 때문에 아마도 덜 알려졌을 수도 있지만 확실히 흥미로운 평행 서술을 간과하는 경우가 많습니다. 어떻게요? 16세기 전반에는 매우 유명한 예술가들이 있었지만 그들의 작품을 직접 감상하기 위해 여행을 떠나는 것이 어려웠기 때문에 그들은 재생산 조각으로 "대체"되었습니다. 이 용어는 예술 작품을 종이에 재현하는 것을 목표로 하는 인쇄물을 의미하며, 그 사본은 다른 예술가의 연구를 위해 구입했을 뿐만 아니라 더 순수하고 경제적인 소유 욕구를 위해 구입했습니다. 이 사업을 시작하기 위한 훌륭한 아이디어를 가진 사람은 누구였습니까? 마칸토니오 라이몬디! 실제로 그는 1470년경에 태어난 이탈리아 조각가였으며, 그가 경력의 대부분을 바쳤던 장르인 복제 인쇄의 부상에 핵심 인물로 알려진 것으로 알려져 있습니다. 이 기간 동안 Marcantonio는 다양한 이유로 Albrecht Dürer, Raphael 및 Giulio Romano와 직접 거래했습니다. 뉘른베르크의 거장부터 시작해 보겠습니다...

마르칸토니오 라이몬디와 알브레히트 뒤러

문제의 두 인격이 결합된 이야기를 자세히 설명하기 전에 몇 가지 근본적인 전제를 세워야 합니다. 뒤러의 판화는 같은 사람이 구상하고 제작한 독창적인 작품인 반면, 마르칸토니오의 활동은 다른 예술가가 만든 그래픽 또는 회화 모델을 재현하는 것으로 구성됩니다. . 독일 예술가는 자신의 저자임을 명확하고 명시적으로 나타내기 위해 자신의 목판화에 자신의 모노그램을 부착하여 이러한 차이를 강조했습니다. 바사리의 설명은 바로 이 마지막 지점에 초점을 맞추고 있으며, 마르칸토니오가 베니스에 도착하여 독일 예술가의 섬세한 손길을 발견하고 그의 뛰어난 스타일을 이탈리아에도 전파할 의도로 어떻게 베네치아의 판 일부를 복사했는지 설명하는 것을 목표로 합니다. 뉘른베르크 거장 위에 그는 앞서 언급한 모노그램 "AD"도 추가했습니다. 그리하여 이탈리아인은 원본인 것처럼 판화를 팔기 시작했고, 이 사실이 플랑드르에서 베니스로 여행한 뒤러의 귀에 들어갔고, 그곳 시뇨리아에서 그는 마칸토니오를 고소하고 행렬의 압수와 제외를 요구했다. 문제의 인쇄물 거래. 그럼에도 불구하고 독일인은 앞서 언급한 알베르트의 이름을 더 이상 언급하거나 서명하지 않기로 합의한 Marcantonio 외에는 아무것도 얻지 못했습니다. 이제 Raphael과 Giulio Romano로 넘어가겠습니다!

마르칸토니오 라이몬디, 라파엘로, 줄리오 로마노

Raphael은 또한 Raimondi와 접촉하기를 원했지만 보다 성숙한 인식에 따라 다른 의도로 인도되었습니다. 조각에 전념한 적이 없음에도 불구하고 Urbinate는 그것을 높이 평가하여 그것이 유럽 전역에 더 쉽게 퍼질 수 있는 그의 예술을 홍보하는 도구가 될 수 있다는 많은 직관을 키웠습니다. 그래서 그는 앞서 언급한 뒤러의 사본을 통해 그의 작품을 알게 된 마르칸토니오에게 연락하여 이러한 의도를 구체화하기로 결정했습니다. 이번 기회에 화가는 조각가에게 그의 웅장한 태피스트리를 위한 준비 작업을 포함하여 그의 그림과 드로잉을 대량으로 시리즈로 높은 판으로 복제해 줄 것을 요청했습니다. 결과적으로 라이몬디는 라파엘 작품의 첫 번째 조각가였으며, 그의 작품은 인쇄물의 유통을 통해 단순한 학자보다 훨씬 더 많은 청중에게 아이디어의 전파와 즐거움을 배가시킬 수 있다는 가시적인 증거를 나타냅니다. Marcantonio는 이 작업을 어떻게 구성했습니까? 그는 특히 이러한 목적을 위해 고안된 Raphael의 디자인을 기반으로 한 판화 제작을 목표로 조각 제작 및 출판 시장을 위해 조직된 워크샵을 설립했습니다. Raphael이 죽은 후에도 Raimondi는 에로틱한 책 "I Modi"의 16개 판화의 저자인 Giulio Romano와 협력하여 작업장에서 계속 작업했습니다. 상업을 목적으로 한 이탈리아 최초의 노골적인 성행위 장면을 대표하는 이 르네상스 작품은 줄리오가 페데리코 2세 곤차가를 위해 만든 관능적인 그림을 모델로 삼은 Marcantonio에 의해 원본 버전으로 제작되었습니다. 그러나 1524년 로마에서 출판된 판화는 교황 클레멘스 7세에 의해 불태워졌고, 라이몬디는 투옥되었다. 1527년의 두 번째 판도 비슷한 사건과 검열로 이어졌습니다. 이제 라파엘로의 뒤를 이어 "파리의 심판"을 조각하여 종합한 라이몬디의 작품의 예를 보여줄 차례입니다.

작품 분석: 라파엘로 이후의 라이몬디의 "파리의 심판"

원래 이탈리아 화가 라파엘로가 그린 "파리의 심판"으로 알려진 작품은 원본 그림이 유실되면서 현재는 마르칸토니오 라이몬디의 판화로만 존재합니다. 이 주제는 르네상스, 바로크, 심지어 20세기까지 다양한 시대에 걸쳐 미술사에서 가장 자주 묘사되는 주제 중 하나입니다. 같은 주제의 로마 석관에서 부분적으로 영감을 받은 이 구성은 초목이 가득한 그림 같은 풍경에 잠겨 있는 수많은 인물 그룹을 묘사하며, 중앙 그룹에는 파리와 세 여신이 눈에 띕니다. 날개 달린 승리의 왕관을 쓰고 있는 비너스에게 불화의 사과를 바치는 파리의 모습이 그려져 있고, 발치에 있는 공작으로 식별 가능한 주노는 트로이 왕자를 위협하는 것처럼 보입니다. 반면에 미네르바는 메두사의 머리가 새겨진 헬멧과 방패를 버리고 자신이 벗은 옷을 조이는 모습을 보여줍니다. 지지대 오른쪽에는 강의 신 그룹이 그려져 있는데, 그 중 한 명은 관객과 직접 소통하고, 다른 한 명은 위쪽을 응시하며 구름 사이에서 왕좌에 앉아 있는 목성을 엿볼 수 있습니다. Raimondi의 판화는 미술사에 여전히 깊은 영향을 미치는 작품인 문제의 구성에 대한 지식은 물론 보급 및 재해석을 가능하게 했습니다. 강의 신들에서 우리는 프랑스 화가 에두아르 마네의 "풀밭 위의 점심"에 영감을 준 몇몇 인물들을 알아볼 수 있습니다. 마지막으로, 역사적-예술적 내러티브 내에서 조각가와 예술가 사이에 확립된 다른 유명한 협력을 강조하는 것이 가능합니다.

기타 유명 콜라보레이션

화가일 뿐만 아니라 이탈리아의 세밀화가이자 조각가이기도 한 안드레아 만테냐(Andrea Mantegna)는 <와인통을 들고 있는 바카날(Bacchanal with a Wine Vat)>에서 볼 수 있듯이 매우 정확한 원근법과 가소성으로 표현된 풍경적 자극이 풍부한 판화로 유명합니다. 문제의 뷰린과 드라이포인트는 포도나무 그늘에서 바카날에 참여하는 사티로스, 케루빔, 남자 등 일련의 인물을 묘사합니다. 이 열광적인 장면에서 만테냐는 악덕에 빠져 행복한 순간을 묘사했으며, 가장 기본적인 본능이 지배하는 세계를 효과적으로 표현했습니다. 이를 통해 작가는 고전적인 모델을 재구성하고 자신의 감성과 스타일에 따라 업데이트하여 조각 부조와 같은 밝은 형상을 강조하려는 어두운 배경에 대비하여 돋보일 준비를 했습니다. 이 작품은 만테냐의 작품으로 추정되는 약 10점의 판화 중 가장 잘 알려진 작품 중 하나이지만, 잃어버린 그림이나 프레스코화에서 유래했을 가능성이 있어 연대 측정이 어렵습니다. 더욱이, 우리는 만테냐가 왜 이 판화를 만들었는지는 모르지만, 후자를 능숙하게 재현한 사람은 15세기에서 16세기 사이에 살았던 이탈리아 조각가인 조안 안드레아(Zoan Andrea)였다고 확신합니다. 화가 조르조네와 관련하여, 그의 추종자이자 조각가인 줄리오 캄파뇰라는 그의 작품에서 특별한 영감을 얻었는데, 이는 "자유와 기계 예술의 프리즈"(조르조네)와 "점성가"( 캄파뇰라). 우리는 아고스티노 카라치(Agostino Carracci), 베로네세(Veronese), 틴토레토(Tintoretto)를 논의함으로써 예술적 "소달리티"의 비포괄적 섹션을 마무리합니다. 실제로 이탈리아의 화가이자 판화가인 첫 번째 사람은 1587년에서 1589년 사이에 베니스에 도착하여 어떤 의미에서 베로네세의 공식 판화가이자 Tintoretto의 가장 유명한 작품 중 하나의 유명한 그래픽 해석가가 되었습니다. 십자가형(1565). 그리하여 이야기는 시작된 곳, 즉 베니스에서 마무리됩니다!