피카소: 청색 시대와 장미 시대 비교

아마추어에게 소개 "금지"!

피카소는 세계에서 가장 유명한 예술가 중 한 명이라는 점은 의심의 여지가 없습니다. 그래서 나는 그를 소개하는 것조차 거부했습니다. 왜냐하면 뻔한 반복을 피하기 위해 가장 지식이 풍부한 미술 전문가의 코를 돌리게 할 것이기 때문입니다. 이런 식으로 가장 교양없는 아마추어와 같은 방식으로 대우받습니다! 아이러니한 점은 제쳐두고, 아마도 화가의 설명에 대해 덜 알려진 사실을 말씀드리고자 합니다. 화가는 주로 한 가지 스타일이나 관점에 실험을 집중한 다른 예술가들과 달리 그를 매우 유명하게 만들었다는 사실부터 시작합니다. (모네와 인상주의 사이의 의무적 연관을 생각해보세요) 또한 입체파는 제쳐두고, 추가적이고 잘 알려진 "관습"과 다양한 예술적 기법을 실험하면서 즐겼습니다. 사실, 화가의 블루 시대와 장미 시대 사이의 혁신적인 비교를 전개하는 것이 나의 관심 주제입니다. 화가의 풍부한 비유적 조사의 두 단계는 아프리카 시대와 분석적, 종합적 입체파 시대도 포함하는 것으로 알려져 있습니다. 이제 요점을 살펴보겠습니다! 이제 Blue 시대의 모든 역사적, 이론적 비밀을 밝혀내는 것이 시급하며, 이어서 Rose 시대에 대한 유사한 연구가 이어질 것입니다. 둘째, 이러한 모든 개념은 문제의 순간에서 나온 두 그림을 비교하기 위해 사용될 것입니다. 아마도 애니메이션을 적용할 수 있는 어떤 것이 있는지 누가 알겠습니까?

LATO II(2022)Michał Ostrogórski의 그림.

블루 시대

작품 간의 후속 비교에 더 많은 공간을 제공하는 것이 덜 명확하기 때문에 다소 간결하게 유지하면서 가장 초기의 청색 시대부터 시작하겠습니다...그러므로 피카소의 말을 인용하여 문제의 전체 비유적 맥락을 다시 가정해 보겠습니다. "나는 카사게마스가 죽었다고 생각하고 파란색을 그리기 시작했습니다." 사실, 예술가의 파리와 바르셀로나 이동 사이에 물리적으로 위치한 청색기(1901-1904)는 주로 불길한 사건, 즉 앞서 언급한 예술가의 가장 친한 친구 중 한 명인 카를로스 카사게마스의 자살의 실현에서 비롯되었습니다. 당시 화가가 겪은 사별과 경제적 어려움으로 인한 슬픔은 파란색에서 표현하기에 적합한 톤을 찾았고, 일반적으로 가난하고 고통받는 주제에 대한 분석을 통해 렌더링되었으며, 예술을 통해 자신의 감정을 표면화하여 그와 같이 많은 사람들이 삶의 악이라고 부르는 것을 자신 안에서 강하게 느끼는 사람들이 그것을 보편적으로 공유할 수 있도록 만드는 예술가의 마음에 자리 잡은 불행과 슬픔...

또 다른 언어(2022)박영의 그림.

장미시대

"폭풍우 뒤의 고요함"은 이탈리아 자코모 레오파르디(Giacomo Leopardi)의 유명한 시의 제목일 뿐만 아니라 그가 파란색을 보다 긍정적인 장미 시대(1904-1906)로 계승했을 때를 요약하는 것 같습니다. 안달루시아인의 새 거주지는 그때쯤 활기 넘치는 예술가들의 지구인 몽마르트르(파리)에 정착했는데, 이곳에서 그는 근본적으로 불안정하고 일시적인 인간 삶의 본질에 내재된 어려움을 뒤로하고 회화적 문체의 문체를 찾을 수 있었습니다. 종종 서커스의 세계에서 차용한 보다 쾌활한 주제에 초점을 맞추며, 빨간색, 주황색, 분홍색 및 흙의 생생한 색조를 능숙하게 병치하여 유사성을 나타냅니다.

마젠타 사우나(2023)Shulman의 그림.

PASSAGE PROTEGÉ RÉF. 1396 (2023) Christian Raffin의 그림.

그림 비교: 장미와 파란색의 모성

우리는 마침내 내 연구에서 가장 혁신적이고 흥미롭고 덜 분명한 부분에 이르렀습니다. 문제의 기간 사이에 제시된 명확하고 앞서 언급한 차이점에도 불구하고 저는 각각 파란색과 장미색의 두 걸작을 발견했습니다. , 관련된 주제를 가지고 있는 이 그림은 상징적으로 뚜렷한 색채적 특성에도 불구하고 비슷한 애정, 보호, 부드러움을 느끼게 하며, 이는 우리 삶의 가장 어려운 단계에서도 거대하고 흔들리지 않는 관계에서 발견할 수 있습니다. 엄마와 아이 사이에 존재하는 사랑. 말한 내용은 장미 시대의 곡예사 가족(Family of Acrobats, 1905)이라는 작품에서 잘 드러납니다. 여기서 실제 주인공은 바로 아기와 서로 스치듯 사랑스럽게 얼굴이 가까워지는 여성입니다. 남자의 모습과 거의 인간화된 중매인의 부드러운 눈. 이러한 친밀감, 즉 그러한 달콤함의 "부끄럽지 않은" 외부화는 예술 역사상 가장 오래된 "십자군 전쟁" 중 하나에서 유래합니다. 탁월한 어머니의 본보기인 동정녀의 모습은 비잔틴 양식에서 벗어나 그녀의 아이에게 부드럽게 다가가기 시작했다는 점에서 더욱 열정적인 헌신이다. 이러한 이탤릭체 파생 모델은 1901년 《Mother and Child》에서 보여지듯이 여자가 심지어 아이에게 키스하기까지 하는 더욱 슬픈 청색 시대에도 무시될 수 없었다. 문제의 인물은 특히 그녀의 예복 때문에 많은 사람들에게 일종의 "마돈나"로 인식되었습니다. 이는 예술가가 종종 종교와 빈곤이라는 주제를 결합하기를 원했던 일련의 유사한 청색 시대 주제의 일부입니다. 마지막으로, Blue 시대와 Rose 시대에 관한 추가 소식은 Katerina Braiko, Adalberto Miguez 및 Dmitriy Trubin과 같은 Artmajeur 예술가들의 일부 작품 분석을 통해 발견할 수 있습니다.

'S'(2023) 카테리나 브라이코(Katerina Braiko)의 그림.

카테리나 브라이코: 'S'

세 명의 곡예사는 일종의 인간 피라미드를 만들고 있는데, 이는 "서커스"라는 주제와 신체뿐만 아니라 캔버스 전체에 생기를 불어넣는 밝은 색상의 톤 측면에서 피카소의 핑크색 시대를 즉시 떠올리게 합니다. 어두운 배경, 땅은 회색, "하늘"은 검은색을 생생하게 표현할 수 있습니다. 특히, 작품으로 불멸의 소녀들이 된 이들의 관상학적 유사성을 고려하여, 피카소의 걸작 '곡예사 가족'(1905)의 유명한 이미지를 떠올리며 그들이 같은 '혈통'의 일원일지도 모른다는 가설도 떠올렸습니다. 문제의 캔버스에 그려진 유화는 시대를 초월한 초목이 없는 환경에서 맑은 구름이 가득한 푸른 하늘 위에 서커스 공연자들을 묘사하고 있으며, 코메디아 델라르테에서 영감을 받은 인물들의 존재를 조명할 준비가 되어 있습니다. 부르주아 소외의 아이콘으로서의 예술가. 피카소의 청색 시대에 비해 핑크색은 인간의 고통을 확실히 더 부드러운 방식으로 암시하며, 우울한 거지라는 무거운 주제를 뒤로하고 오히려 사회적 소외로 인해 삶의 비참함을 겪는 인물을 지칭합니다. 이러한 분명한 암시에도 불구하고, 서커스 공연자들은 슬픈 표정으로 불멸의 존재가 되는 것이 아니라, 아마도 그들의 형태가 렌더링된 색상에 의해 부여되는 어떤 평온함을 표현합니다. 그러나 그것은 냉혹하게 외로움을 나타내는 빈 맥락에 설정되어 있습니다.

DISJONCTION XV(2023)아달베르토 미게스의 그림.

아달베르토 미게스: 분리 XV

Miguez가 캔버스 지지대 위에 표현한 것은 나로 하여금 영화의 한 장면을 상상하게 만들었습니다. 벌거벗고 편안하게 침대에 누워 있는 두 연인이 갑자기 재난에 휘말리게 되고, 그로 인해 그들의 집 바닥이 무너지게 됩니다. 예술가는 그것들이 공중에 매달려 있고 아마도 떨어지는 콘크리트 조각들과 함께 있는 순간을 불멸화시키고 있습니다. 나의 이러한 상상적 해석은 조사된 주제의 객관성, 즉 연한 파란색으로 포착된 누드의 주제를 이해하지 못할 수 없습니다. 이는 회화적 장르와 색도의 친화성에 의해 즉시 더 슬픈 것을 생각하게 만들었습니다. 확실히 덜 역동적인 오일 제목의 Blue 누드(1902)는 피카소의 작품으로, 앉아 있는 모델이 관객에게 등을 돌리고 수집되고 확실히 성찰적인 자세를 취하는 모습을 담고 있습니다. 몸은 알 수 없는 공간에 배치되어 위에서 혁신적으로 묘사되는데, 이는 그 인물이 자신이 살고 있는, 어쩌면 분리되고, 근본적으로 거부당하는 소외된 상태를 암시하는 것처럼 보입니다. 마지막으로, 문제의 걸작은 스페인 거장이 어떻게 자신의 나쁜 생활을 숭고한 창의성으로 능숙하게 변화시킬 수 있었는지, 그리고 슬픔을 자신의 장점으로 활용하여 청색 시대의 가장 상징적인 작품 중 하나를 만들 수 있었는지 분명하게 보여줍니다.

늙은이 거지와 소년. Dmitriy Trubin의 POE PICASSO 그림.

드미트리 트루빈: 거지 노인과 소년

이 연구는 트루빈(Trubin)이 만든 작품의 예에서 발견된 피카소 그림의 원본 리메이크에 대한 분석을 절대 놓칠 수 없었습니다. 두 개의 인간화된 못은 안달루시아 거장의 주인공인 늙은 맹인과 소년의 형상을 용도 변경했습니다. 1903년 파란색 배경에 걸작. 캔버스에 그린 후자의 유채는 앞서 언급한 소외된 인물들을 묘사한 것으로 알려져 있는데, 이들은 벽에 기대어 앉아 수평선으로만 표현된 배경에 눈에 띄고, 벽의 모서리에 구체적인 형태를 부여하려고 합니다. 거리와 만나는 벽. 그러한 배경을 생기있게 하는 대상들은 슬프고 눈에 띄게 가난하지만, 그 외양에 더해 그들의 슬프고, 애절하고, 쓸쓸하고, 우울한 공기에 더 큰 힘을 주는 것은 푸른 색조의 확장이다. 문제의 등장인물로 돌아가서, 그것은 아마도 그 기간 동안 예술가가 바르셀로나에서, 특히 그 당시 거지들이 모여들곤 했던 바르셀로네타 지구의 비참한 거리를 헤매며 관찰할 수 있었던 주제에서 차용되었을 것입니다. . 사실 작은 역사적 괄호를 열면 20세기 초의 바르셀로나는 확실히 강한 대조로 활기를 띠는 도시, 즉 섬유 공장으로 가득 차 있었지만 노동자와 궁핍한 노동자는 기본적으로 잊혀진 도시였습니다.