바실리 칸딘스키는 누구였습니까?

바실리 칸딘스키 (1866-1944)는 러시아의 화가이자 미술 이론가로 추상 미술의 선구자로 널리 알려져 있습니다. 그는 모스크바에서 태어나 예술 분야에서 경력을 쌓기 전에 법학과 경제학을 공부했습니다. Kandinsky는 전통적인 예술 형식에서 벗어나 추상화를 포용하려는 Blue Rider 운동의 발전에 핵심적인 인물이었습니다.

Kandinsky의 초기 작품은 인상파와 야수파의 영향을 많이 받았지만 곧 자신만의 독특한 스타일을 개발하기 시작했습니다. 그는 예술이 영적 표현의 한 형태여야 하며 색상과 형태가 감정과 아이디어를 불러일으키는 데 사용될 수 있다고 믿었습니다.

1911년 칸딘스키는 예술과 영성의 관계에 대한 자신의 이론을 개괄한 중요한 작품인 "예술의 정신에 관하여"를 출판했습니다. 그는 예술이 물질세계를 초월하고 정신세계와 연결하는 힘이 있다고 믿었다.

바실리 칸딘스키

그의 경력 동안 Kandinsky는 유성 페인트, 수채화 및 판화를 포함한 다양한 매체를 실험했습니다. 그는 또한 숙련된 교사였으며 독일의 바우하우스 예술 및 디자인 학교에서 가르쳤습니다.

Kandinsky의 후기 작품은 대담한 색상과 역동적인 형태가 특징입니다. 그는 종종 기하학적 모양과 선을 사용하여 조화와 균형 감각을 불러일으키는 추상적인 구성을 만들었습니다. Kandinsky의 가장 유명한 작품으로는 "Composition VII", "Yellow-Red-Blue" 및 "Improvisation 28"이 있습니다.

Kandinsky도 음악에 관심이 있었고 그것이 시각 예술과 밀접한 관련이 있다고 믿었습니다. 그는 종종 자신의 그림을 "작곡"이라고 부르며 리듬, 하모니, 멜로디를 사용하는 점에서 음악 작품과 유사하다고 믿었습니다.

칸딘스키는 제2차 세계대전 중 독일을 떠나 프랑스에서 말년을 보냈습니다. 1944년 77세의 나이로 세상을 떠났다.

"구성" 그림

"구성"은 바실리 칸딘스키가 그의 경력 전반에 걸쳐 그린 일련의 그림 제목입니다. 작품은 색상, 형태 및 역동적인 구성을 사용하는 것이 특징이며 칸딘스키는 추상화를 통해 자신의 영적, 정서적 경험을 표현하고자 합니다.

칸딘스키는 1910년대 초에 구상적인 예술 형식을 실험한 후 작곡을 시작했습니다. 그의 첫 작곡은 만물의 통일성을 강조하고 우주에 대한 더 깊은 이해를 추구하는 영적 운동인 신지학에 대한 그의 관심에서 영감을 받았습니다. "구성 V"(1911)와 같은 그의 초기 작품은 자연 세계에서 영감을 받은 반면, "구성 VII"(1913)와 같은 후기 작품은 점점 더 추상적이고 비구상적이 되었습니다.

Kandinsky의 초기 구성은 대담한 색상과 단순한 모양이 특징이며 종종 움직임과 에너지를 암시하는 방식으로 배열됩니다. 그는 색과 감정의 관계를 탐구하는 데 관심이 있었고 예술에는 예술가의 가장 깊은 생각과 감정을 표현하는 힘이 있다고 믿었습니다.

바실리 칸딘스키 - 작곡 V, 1911. 캔버스에 유채. 190×275cm. 개인 소장

시간이 지남에 따라 Kandinsky의 구성은 추상화에 대한 다양한 기술과 접근 방식을 실험하면서 더욱 복잡하고 정교해졌습니다. 그의 후기 작곡은 종종 음악에 대한 그의 관심에서 영감을 얻었으며 "즉흥 연주"및 "작곡"과 같은 음악 용어를 사용하여 언급했습니다.

바실리 칸딘스키는 그의 작곡과 추상 미술 이론에 대해 광범위하게 글을 썼습니다. 칸딘스키는 그의 저서 "예술의 정신에 관하여"에서 예술은 인간 경험의 영적, 정서적 측면을 표현하는 수단이어야 한다는 자신의 믿음을 설명했습니다.

그는 자신의 작곡을 음악과 시각적으로 동등하다고 설명했으며 보는 사람에게 깊은 감정과 영적 감정을 불러일으킬 수 있다고 믿었습니다. 그는 자신의 그림에서 색, 선, 형태의 중요성에 대해 썼고, 그것들이 재현적 형태가 없을 때 의미와 감정을 전달하는 데 사용될 수 있다고 주장했습니다.

Kandinsky는 또한 자신의 창작 과정에서 직감과 자발성의 중요성에 대해 썼습니다. 그는 종종 그림에 대한 자신의 접근 방식을 음악가의 주제에 대한 즉흥 연주에 비유했으며, 최고의 예술 작품은 예술가가 선입견에서 벗어나 내면의 비전이 그들을 인도하도록 허용할 때 만들어졌다고 믿었습니다.

Kandinsky는 그의 경력 전반에 걸쳐 작곡을 계속했으며 그의 가장 중요하고 영향력 있는 작품으로 남아 있으며 추상 미술의 발전에 중요한 역할을 했습니다.

"구성 VII"

"구성 VII"는 1913년에 완성된 바실리 칸딘스키의 그림입니다. 그의 가장 유명한 작품 중 하나이며 추상 미술의 걸작으로 평가됩니다.

이 그림은 200 x 300cm로 크며 선, 모양 및 색상의 혼란스러운 배열이 특징입니다. 구성은 뚜렷한 영역으로 나뉘며 일부 섹션은 소용돌이치는 선이 있고 다른 섹션은 더 기하학적인 형태로 구성됩니다. 그림에 사용된 색상은 대담하고 밝으며 대조되는 색상은 긴장감과 움직임을 만듭니다.

그림에는 원, 삼각형, 직사각형뿐만 아니라 보다 추상적인 형태를 포함하여 다양한 모양이 있습니다. 그림의 선은 종종 들쭉날쭉하고 고르지 않아 에너지와 역동성을 만들어냅니다. 구성의 명백한 혼돈에도 불구하고 다양한 요소의 상호 작용에서 나오는 균형감과 조화가 있습니다.

Kandinsky는 그의 그림이 색상과 형태를 통해 감정과 아이디어를 전달할 수 있다고 믿었으며 "구성 VII"는 종종 당시의 격동적인 정치적, 사회적 분위기를 반영하는 것으로 해석됩니다.

이 그림은 강력한 시각적 효과를 만드는 방식으로 서로 다른 색조와 톤이 혼합되고 충돌하는 "색상 교향곡"으로 묘사되었습니다. 이 그림은 완전히 추상적이지만 일부 비평가들은 구성 내에서 보트나 교회의 제안과 같은 인식 가능한 형태를 식별했습니다.

이 그림은 내러티브 감각을 만드는 방식으로 구도의 한 부분에서 다른 부분으로 눈을 끌어당기는 리듬과 움직임의 사용으로 찬사를 받았습니다.

"Composition VII"는 수년 동안 수많은 해석과 분석의 대상이었으며 일부 비평가는 그것을 영적 또는 종교적 주제의 표현으로 보고 다른 비평가는 형식적 특성에 초점을 맞춥니다.

이 그림은 칸딘스키 작품의 주요 회고전에서 전시되었으며 추상 미술의 발전에 대한 예술가의 공헌을 보여주는 주요 사례 중 하나로 간주됩니다. 그 명성에도 불구하고 이 그림은 제작 당시 보편적으로 칭찬받지 못했으며 일부 비평가들은 모양과 색상의 무의미한 뒤죽박죽이라고 일축했습니다.

오늘날 "Composition VII"는 당시 예술에서 허용되는 것으로 간주되었던 것의 경계를 넓히는 데 도움이 된 획기적인 작품으로 인식되고 있습니다. 이 그림은 복잡한 생각과 감정을 전달하는 추상화의 힘에 대한 칸딘스키의 믿음의 한 예입니다.

"Composition VII"는 모스크바의 Tretyakov Gallery 컬렉션에서 개최되며 20 세기 러시아 예술의 가장 중요한 사례 중 하나로 간주됩니다.

“무제(작곡 VII를 위한 연구, 프리미어 추상화)”

Kandinsky는 종종 최종 작업을 시작하기 전에 다양한 색상과 모양 조합을 실험하면서 그의 작곡에 대한 예비 스케치와 연구를 수행했습니다. 그는 창조적인 과정이 직관적이고 자발적이어야 한다고 믿었고, 작업할 때 종종 내면의 비전이 그를 인도하도록 했습니다. 그러나 그는 또한 자신의 구성을 반영하고 아이디어를 다듬는 데 많은 시간을 보냈으며 최종 그림을 시작하기 전에 "구성 VII"를 계획하고 개념화하는 데 상당한 시간을 보냈을 것입니다.

“Untitled (Study for Composition VII, Première abstraction)” 1913은 Kandinsky의 “Composition VII”에 대한 예비 연구이자 그의 첫 번째 추상 수채화입니다. 큰 작품을 준비하면서 만든 작은 그림이다. 이 연구는 높이가 1피트가 조금 넘고 최종 그림의 특징인 연동 모양과 색상의 단순화된 버전을 특징으로 합니다.

Wassily Kandinsky - "Untitled (Study for Composition VII, Première abstraction)", 1913. Musée National d'Art Moderne, Paris

이 연구는 칸딘스키가 더 큰 작품을 위한 구성과 색 구성표를 작업하면서 실험하고 계획하는 과정을 보여줍니다. 그것은 또한 그가 구상적인 형식에서 벗어나 순수한 추상화로 이동함에 따라 그의 스타일의 진화를 보여줍니다.

더 작은 크기와 단순화된 형태에도 불구하고 연구는 최종 그림의 에너지와 움직임을 많이 유지합니다. Kandinsky의 색상 사용은 특히 눈에 띄는데, 빨간색과 주황색의 따뜻한 색상이 파란색과 녹색의 차가운 색조로 상쇄됩니다.

이 연구는 파리의 Centre Georges Pompidou 컬렉션에서 개최되며 Kandinsky의 작업 과정과 추상 예술가로서의 그의 발전에 대한 귀중한 예입니다.

"구성 VII"의 역사적 맥락

"Composition VII"는 유럽에서 중요한 예술적 혁신 기간 동안 만들어졌습니다. 칸딘스키는 순수한 색상, 모양 및 질감을 선호하여 전통적인 표현 형식을 거부한 추상 미술 발전의 선도적인 인물이었습니다.

20세기 초반은 산업화와 도시화의 대두로 분열과 탈구를 초래하는 상당한 사회적, 정치적 변화로 특징지어졌습니다. 칸딘스키를 비롯한 많은 예술가들은 개인의 경험과 감정을 강조하는 새로운 형태의 예술적 표현을 통해 이러한 변화를 표현하고자 했습니다.

"컴포지션 VII"는 강렬한 정치적, 사회적 격변의 시기인 제1차 세계 대전 발발 직전에 만들어졌습니다. 이 그림은 움직임과 변화의 감각을 암시하는 형태와 색상의 복잡한 배열로 인해 이 격동의 시대를 반영한 것으로 볼 수 있습니다.

이 그림은 또한 예술가들이 새로운 표현 형식을 탐구하고 다양한 예술 형식 사이의 전통적인 경계를 허무는 예술의 위대한 실험 기간 동안 만들어졌습니다. Kandinsky 자신은 다양한 국적과 예술적 스타일의 예술가를 모으려는 Blue Rider 그룹을 포함하여 여러 아방가르드 운동에 참여했습니다.

전반적으로 "Composition VII"는 20세기 초 유럽에서 일어난 예술적, 사회적 변화를 반영한 것으로 볼 수 있습니다.