あなたがアートを創作し、アーティストになるきっかけとなったのは何ですか? (出来事、感情、経験...)
私は、芸術は絶対的な自由の領域を象徴的に表しており、人が活躍できる最も美しく興味深い分野の一つであり、自己の成長と肯定の可能性が無限に広がる分野であると信じています。
あなたの芸術的背景、これまでに実験してきたテクニックや主題は何ですか?
私はいつも芸術が大好きでした。幼少の頃から絵を描いたり写真に熱中したり、高校では「Dawn of Progress」というロックバンドに所属していましたが、確かにアーティストとしてのデビューはブカレスト芸術大学で絵画を学んだ学生時代でした。視覚芸術の修士号も取得しました。
私は自分自身を実験的な芸術家であり、芸術の概念と新しい意味の発見に関心を持っていると考えています。おそらくそのため、キャリアの初期には絵画と並行して、「ホーム・アローン」などの一連の社会プロジェクトを実現しました。恵まれない子供たちの教育を通じた救援プロジェクト「建設、解体」文化におけるルーマニアの政治の影響に関するプロジェクト、または音楽家、演劇芸術家、作家を巻き込んだ混合プロジェクトで、私たちが創作したプロジェクトアートを通じて認識を開くプロジェクト「Vizioniarum」など、一連のパフォーマンスやライブセッションを発表しました。
大学卒業後は、粘土造形、彫刻要素、陶芸も学び、装飾美術やデザインのイベントにも出展しましたが、近年はもっぱら絵画に専念しており、「初恋は忘れられない」ということわざを信じています。私は絵を描くのが大好きで、それを自分の魂の近くに感じているので、それは完全に真実です。
あなたを他のアーティストと区別し、あなたの作品をユニークなものにしている 3 つの側面は何ですか?
自分のアートについて話して、そのような資格を与えることができるかどうかはわかりませんが、私は間違いなく独自性というテーマに関心があり、私の観点から言えば、現代美術において、他のアーティストとの差別化を図り、創造することを目的としています。ユニークな作品を作るには、革新的で、本物で、創造的でなければなりません。革新的とは、新しい技術や表現言語の開発を意味するものです。アーティストの作品がどれほど個人的なものであるか、特に他のアーティストとどれほど似ていないかについて議論する場合は本物であり、選択したテーマや主題の深さを指す場合は創造的です。
あなたのインスピレーションはどこから来ますか？
私は作品やプロジェクトごとに異なる方法でインスピレーションを見つけます。たとえば、「名前のない色」という一連の作品は、私が書いた詩からインスピレーションを受けています。それぞれの絵について、最初に言葉でスケッチを思いつき、私の想像力を広げ、どういうわけか私の作品に鉛筆を加えた小さな詩を思いつきました。他の古いプロジェクトでは、私が開発したテーマはそれぞれの時代の社会政治的枠組みに関連しており、当時の社会のさまざまな出来事や問題への反応を表していました。たとえば、「フェアプレー」はルーマニアのサッカーファンの攻撃性を風刺した絵画プロジェクトでした。
あなたの芸術的なアプローチは何ですか？見る人にどのようなビジョン、感覚、感情を呼び起こしたいですか?
私にとってとても大切な人が、短いプレゼンテーション資料の中で、私の絵にはロックンロールと詩の両方を提供していると紹介してくれました。私は目を大きく見開いて夢を見ており、視聴者と共有したい経験、考え、感情をできるだけ正直に表現しようとするアーティストであると言えます。それが私の作品のほとんどがアイデアと感情を持っている理由です。ポジティブなエネルギーを持ち、美学に焦点を当てています。
私は特に比喩的な言語に関心があり、絵画では、特定の微妙な詳細、特定の動き、非常に重要と思われる特定の瞬間を通して鉛筆で書かれたキャラクターを捉えて再現しようとしています。そのため、作品全体が時間が「止まっている」ように見えます。
作品はどのようなプロセスで作られているのでしょうか？自発的ですか、それとも長い準備プロセス（技術的、古典芸術からのインスピレーションなど）を経てですか？
私はコンセプチュアル アーティストであると言えます。なぜなら、私はまず自分の作品に意味を持たせることを追求しているからです。アイデアからスケッチ、そして最終作品に至るまで、創造的なプロセスは非常に複雑で、私がたどる多くのステップがあります。おそらくこれが、私が年間およそ 20 ～ 30 点の絵画作品を制作し、それ以上は制作しない理由なのかもしれません。
特定の仕事テクニックを使用していますか?もしそうなら、説明してもらえますか？
私は長年アクリル絵の具でキャンバスに絵を描いていましたが、近年油絵の色の美しさと正確さを再発見しました。言語や作品のテーマに応じて、どのような作品をやりたいかに応じて、使用する素材と制作手法を選択または開発する必要があると思います。
あなたの作品に革新的な点はありますか？どちらか教えていただけますか？
定期的に実験して自分の仕事技術を向上させようと試み、さらには特定の作品を「犠牲」にして、新しい技術を使用し、自発的に「間違いを犯す」ことを試み、このようにして新しいことを学びます。セラミック素材と磁器にそれぞれ施された絵付けにおいて、私は非常に興味深い技法を開発することができました。それは、オブジェクトの表面に置かれた最終釉薬の下に、1250℃で焼成された油彩技法で顔料を使用して絵を描くというものでした。
最も使いやすい形式または媒体はありますか? 「はい」の場合、なぜですか?
私は大きなサイズの作品が好きで、学生時代、特に学部を卒業してからは「少し記念碑的な」サイズの作品に取り組みました。 「レンブラント400年」プロジェクトでは6m×2mの絵画を街頭展示したのですが、とても小さく見えました…今は1m×1mや1.5m×1mの中型サイズを中心に制作しています。構図のバランスを重視したい場合はスクエアフォーマット、躍動感を増幅させたい場合は16枚のパノラマフォーマットなど、作品のテーマに応じて作品のフォーマットを選択します。 :9 またはそれ以上の幅。
どこで作品を制作していますか？自宅でしょうか、共有ワークショップでしょうか、それとも自分自身のワークショップでしょうか?この分野では、クリエイティブな作品をどのように整理していますか?
私は長年、クリエイティブ スタジオ用のスペースを借りてきましたが、最後に選んだのは、120 平方メートルを超えるスペースのあるかつての産業ホールだったという非常に寛大なスペースでした。しかし、ここ数年、自宅にかなり広いスペースを備えた非常にシックなスタジオを組織しており、この選択に非常に満足しています。近い将来、私は海沿いに小さな別荘を建てる予定で、黒海沿岸の非常にボヘミアンな環境に寛大な絵画スタジオを設計するつもりです。
あなたの仕事は、フェアや展示会のために新しいコレクターに会うために旅行することにつながりますか?もしそうなら、それはあなたに何をもたらしますか？
国際的な見本市や展示会に参加し、できる限り自分をアピールし、いわゆるイメージブランドを構築するように努めています。このようなイベントは私に精力的かつ感情的な刺激を与え、イベント中の情報交換は素晴らしく、新しいアーティストやコレクターと出会い、私にとって各イベントは時空を超えた感覚の旅のように思えます。私が参加した最近のイベントは昨年パリでしたが、その経験は素晴らしいものでした。
将来、あなたの作品とアーティストとしてのキャリアはどのように進化すると思いますか?
私は、いつかヴェネツィア・ビエンナーレやドクメンタ国際展、あるいは世界有数の現代美術館などのイベントに出品することを夢見ています。
あなたの最新の芸術作品のテーマ、スタイル、テクニックは何ですか?
「魔法の太陽」は、ポップアートのアクセントを加えた私の新しい比喩的な作品で、油絵の技法で作られ、暖かい夏の太陽の熱気を前面に押し出そうとした構図です。主要な主題は、モデルの形を様式化して描く光の遊びの中で薄められており、太陽の魔法の光に魅惑され、滑らかな水に浮かぶ美しい女性です。
あなたの最も重要な展示体験について教えていただけますか?
作品やプロジェクトを比較するのは難しいですが、2006年にブカレストで実現した「レンブラント400年、普遍文化400年」は、複雑さ、作品量だけでなく、国際性という点でも素晴らしい経験でした。視認性。このプロジェクトには、特別に作られた支持体を使って路上で展示された40点の大規模な作品による展覧会、アートギャラリーでの一連の屋内展示、ジャズ音楽によるライブペインティングの創造的なワークショップ、ルーマニアのテレビ、印刷メディア、ラジオでのインタビュー、ルーマニア国営テレビによるビデオドキュメンタリーの制作、そして最後にブリュッセルの国際会議で、ルーマニアのオランダ大使館によるプロジェクトのプレゼンテーションが行われました。とんでもない企画ですね…
美術史に残る有名な作品を作れるとしたらどれを選びますか?なぜ ？
モナ・リザの微笑みからミケランジェロの彫刻、レンブラントの「夜の円形」や「ラ・グランド島の日曜日の午後」まで、子供の頃から私を魅了し、画家としての修行中に勉強した有名な作品がたくさんあります。スーラの「ジャット」、ゴッホの「星月夜」、サンドロ・ボッティチェリの「ヴィーナスの誕生」、ピカソの「アヴィニョンの娘たち」からジャクソン・ポロックの記念碑的な絵画まで、私はすべてを見てきました。博物館でそれらを詳しく調べ、賞賛しました。歴史が許してくれるなら、私はグスタフ・クリムトの「接吻」という絵画の作者になることを選ぶでしょう。この芸術作品は、100年以上前に作られたものであっても、その表現力と新鮮さを保っており、私たちを感動させます。それが発する感性とその美的言語は、私たちを直接同時代性へと導きます。
有名なアーティスト (生死を問わず) を 1 人ディナーに招待できるとしたら、誰を招待しますか?彼に夜をどのように過ごすことを提案しますか?
私が愛するアーティストはおそらく何百人もいます。自発的か否かにかかわらず、私の作品や芸術全般に対する私の認識に間違いなく影響を与えたアーティストがいます。
私ならおそらく、芸術に命を捧げた芸術家の象徴であるロバート・ラウシェンバーグを選び、芸術家たちが頻繁に訪れた50年代の有名なニューヨークのパブのひとつであるシダー・タバーに彼を招待し、ネオ・ダダについて尋ねるだろう。 、ポップアートと抽象表現主義について。私はルーマニアの彫刻家コンスタンティン・ブランクーシを招待することにし、1940年代頃にパリにあった彼の有名な工房に自分も招待し、当然彼に料理をさせようと思いました。なぜなら彼の友人で画家のアメデオ・モディリアーニが有名な彫刻家についてのインタビューで言及していたからです。巨匠ブランクーシだけがその作り方を知っていた子羊のパストラミのグリル。彼がどのようにしてルーマニアの羊飼いの子供から世界の近代彫刻のシンボルに成長したのか、あるいはどのようにして芸術家を説得できたのかを教えてもらいます。芸術家の心の中で抽象芸術が何を意味するかについてのアメリカの法廷。おそらく私は、学生時代からその動的な彫刻に魅了されてきたテオ・ヤンセンを招待するでしょう。テオ・ヤンセンは、感性とエネルギーに満ちた芸術家であり、現代美術の意味のモデルであり、より現実的で可能性のある方法で、エイドリアンを招待するでしょう。ゲーニーは、現代のネオリアリズムを再び前面に押し出し、芸術の歴史の小さな断片を書き換えることに成功したルーマニアの画家で、ベルリンに定住しており、自宅のディナーに招待する私と同世代の芸術家です。ブカレストにある私のささやかな絵画スタジオで、アート、時代、アーティストについて、たくさんのことについて話し合うことになると確信しています。
Olimpia Gaia Martinelli
| ArtMajeur Magazine
