水彩技法: ターナーとサージェントがベニスについて説明

個人的には、水彩画を紹介するのに、この技法に関して、ウィリアムターナーとジョンシンガーサージェントの比喩的な研究を提示するよりも良い方法はないと信じています。これらの巨匠は、この絵画媒体を使った実験を通じて、象徴的な都市ベニスを垣間見ることを正確に不滅のものにしました。 .問題の芸術的調査は、この 2 人の画家が前述のイタリアの都市と密接な関係を持っていたことも明らかにします。この都市は、すでにジェンティーレベッリーニ、ヴィットーレカルパッチョ、カナレットなどによって美術史の有名な傑作の主題となっています。 1775 年生まれの英国の画家であり彫刻家であるウィリアムターナーといえば、ロマン主義の有名な提唱者であり、彼が個人的な視点で解釈した運動であり、印象派の文体的特徴を予測することを目的としており、場合によっては、抽象主義の彼は、ベネチアの首都に 2 回滞在しました。つまり、アーティストが 1819 年に行った旅行と、その後の 1828 年から 1929 年の間に旅行したときです。ラグーン生活の瞬間、英国の芸術家がイタリアの都市と築き上げた非常に緊密な絆の具体的なシンボルは、確かに典型的なベネチアの光の魅力によるものですが、有名な歴史的文学的言及や後者の世界的に有名な画家。このような比喩的な物語は、しばしば正確で後の油絵作品に変換され、ベニスの二元論が浮かび上がります。アーティストのより内省的な反省に声を与えます。まさにこの意味で、このような水彩画の制作は、新しいターナーを明らかにすることができます。ターナーは、宮廷画家として、また権威あるロイヤルアカデミーオブアートのメンバーとしての役割から解放され、好奇心旺盛で飽くなき旅人としての自分自身を表現し、追求することに熱心です。最もバラバラな自然の秘密と衝突する孤独な英雄のロマンチックな神話。

ウィリアム・ターナー、日没時のサン・ジョルジョ・マッジョーレ、1840年。水彩。ロンドン：テートギャラリー。

ジョン・シンガー・サージェント、ベネチアン運河、 1913年。水彩。ニューヨーク: MET.

これらのスケッチのシンプルさと自発性は、日没時のサンジョルジョマッジョーレ(1840 年) の特徴でもあります。これは、イギリス人がホテルの部屋から撮影した大聖堂の景色を描いた水彩画で、ホテルヨーロッパ (パラッツォジュスティニアン) にあり、彼は、夕暮れに包まれたその主題を垣間見ることができました。サージェントといえば、1856 年生まれのアメリカの印象派画家であるサージェントは、肖像画家としての輝かしいキャリアの最盛期に、自分自身を再発明することを決意し、彼の新しい「遊牧民」に一種の比喩的な物語を提供することを目的として、水彩画の作成を通じて彼の創造性を再発見しました。「ライフスタイル、つまり、主にヨーロッパと中東への発見の旅に焦点を当てていました.多くの目的地の中で、ヴェネツィアは確かにサージェントの最も愛した場所を表しています。彼は 1870 年の最初の旅行の後、40 年間にわたって 10 回以上そこに戻り、約 150 のヴェネツィアをテーマにした油絵と水彩画を制作しました。 1880 年代から 1913 年の間。このラグーンの物語の例は、運河のさざなみの水が日光と近くの建築物を反射する水彩画のベネチア運河(1913 年) で、教会の美しい 11 世紀の鐘楼が描かれています。聖バルナバも垣間見ることができます。ビューのパースペクティブを考慮すると、マスターはまるでゴンドラに快適に座っているかのようにシーンを描写したようであり、アーティストはその位置から一部の市民の動きも捉えました。同様の文体的特徴は、ヴェネツィアの有名な一角の小さな眺めを描いた、ヴェネツィアと題された以前の水彩画、監獄（1903）にも見られます。サンマルコ盆地を見下ろし、有名なため息橋でドゥカーレ宮殿とつながっているこの宮殿は、1589 年にアントニオダポンテによって設計されました。ヴェネツィア共和国最古の治安判事。しかし、作品の前景は多数のゴンドラで占められており、互いに接近して水上に静止しており、運河の表面に強烈な色の反射を生成し、背後の建物の「蒼白」が反射しています。強烈な日差し。

ナタリア・ヴェイナー、夏の朝、2022年。紙に水彩、51.5 x 63 cm。

ケイト・マトベーヴァ、光に向かって走る、2022年。紙に水彩、50 x 40 cm。

水彩画の技法：古代ギリシャから現代まで

最もアクセスしやすい定義を参照すると、ウィキペディアは水彩画を、バインダーと混合された細かく粉砕された顔料の使用によって特徴付けられる絵画技法として説明しています。柔らかく繊細な色の特徴から構成を作成します。ターナーとサージェントの例に見られるように、そのような芸術的調査のツールは、その素材で素早く簡単に持ち運びできると考えられており、旅行中や屋外で絵を描く人にとって完璧であることが判明しました.これらの強みにもかかわらず、水彩画の使用は 17 世紀まで広く普及しませんでしたが、今日知られている正確な形式ではありませんが、古代エジプト人の時代から存在し、中国の文化にも存在していました。世紀初頭の CE と、その後、現代のガッシュ技法に似た効果で使用されたミニチュアリストの中世の世界で使用されました。一方、ウィリアム・ターナー、ウィリアム・ブレイク、シャルル・ジョセフ・ナトワール、ルイ・ジャン・デプレなどのアーティストは、色が単純な水で薄められ、非常に滑らかに広がる現代的な水彩画に近い「バージョン」の水彩画を使用しました。紙の特徴的な白地に釉薬を重ねたもの。 18 世紀後半から 19 世紀にかけて、水彩画は最終的に油絵と同等の芸術的技法であると見なされたのは、まさに後者の巨匠の作品によるものでした。、アルブレヒト・デューラーやピサネッロなどの偉大な巨匠が時折行ったように。水彩画の偉大な伝統は現代美術に引き継がれ、インガシデ、イリーナプロニナ、カリンマルティナウォチクの作品に代表されるアートマジュールアーティストの豊かで多様な作品を通じて、現在確立されているメディウムの芸術的尊厳が表現されています。

Ingaside、ひげを生やしたとても幸せなウサギ、2022年。紙に水彩、38 x 56 cm。

Ingaside:ひげを生やしたとても幸せなノウサギ

Artmajeur アーティストの水彩画は、誕生日パーティーに招待されたと思われる 3 匹の陽気でうさぎを描いており、かわいい紙の口ひげを生やし、長くて固く伸ばした耳で、三角形と自転車の装飾、存在感のある花綱を支えてイベントに参加しています。明確で、楽しく、のんきなお祝いの雰囲気をほのめかすために、厳密に研究されています。しかし、純粋に美術史の観点から見ると、前述の動物は、アルブレヒト・デューラーによる1502年の水彩画のような、明らかにより深刻な傑作の主人公であり、その特徴を研究するために芸術家によって作られました。おそらくその時のために、彼はそれを捕らえ、彼のアトリエに配置した.動物が恐怖を感じていたのはまさにそのような状況であり、神経質にしっかりと上向きに配置された耳の姿勢によって正確に明らかにできる感情でした.細部へのこれらすべての注意は、動物に対するドイツのマスターによって育まれた愛を証明しています。彼は、この特定のケースでは、ウサギの毛皮の方向の正確なレンダリングに見られる顕著なリアリズムを通してしばしば描写しました。体の部位。

Irina Pronina、 Lush Petunia 、2022年。紙に水彩、78 x 56 cm。

イリーナ・プロニナ：緑豊かなペチュニア

水彩で探求されたテーマに関する美術史の物語は、都市や動物の描写に限定されず、色とりどりの花の世界も含まれます。実際、Irina Pronina のLush Petuniaは、花の水彩画と油絵で最もよく知られているアメリカの画家であるジョージア・オキーフの芸術的調査に続いているようです。 1920年代半ばから1950年代の間。彼女のキャリアのこの段階で、幼い頃から花の世界に影響を受けたそのようなアーティストは、静物画のスタイルを持つ「古典的な」構図の中で前述の主題を発展させました。抽象主義に向かって。プロニナのペチュニアの写実的な描写が明確に逸脱しているのはまさに後者の観点からであり、「ミニマリスト」のクローズアップよりも風通しの良いフレーミングを好むため、同じ花の複数の標本を観察することができます。アートマジュールの芸術家の個人的な芸術観の象徴であり、主に最も異なる種の植物を調査することを目的としています。

Karin Martina Wloczyk, Kenn dein limit!, 2021. 紙に水彩 / チョーク、50 x 50 cm.

Karin Martina Wloczyk: Kenn dein limit!

ケン・ディーン限界！抽象的な水彩画であり、派手な幾何学的図形が含まれていますが、前述の動きの叙情的な流れに属しており、幾何学的抽象主義の厳密さと合理的な制御に支配される代わりに、想像力のための十分な余地を残しています。また、芸術家の個人的な宇宙についても同様に、作品の中で四角形と長方形を本能的に自由に重ね合わせることができました。同様の原則は、1914 年にパウルクレーによって作成され、スイスのベルンにある美術館に保存されている「ケルアンのスタイル」など、美術史でよく知られている水彩画にも見られます。傑作のタイトルは、アーティストが同じ年にルイ・モイエとアウグスト・マッケと一緒に訪れたチュニジアの都市ケルアンに明確に言及しています。この引用にもかかわらず、絵は現実の写実的な表現を放棄し、長方形、多角形、抽象的な色付きの円を重ね合わせたものに置き換えました。しかし、技法に関しては、クレーは実験的な方法で水彩画を調査しました。彼はグレースケールで自分自身を表現することから始め、時間の経過と媒体のより優れた習得により、鮮やかな色の作品の実現に至りました。