ロリポップを持った子供に会って尋ねます。
「抽象芸術とは何か知っていますか？」
子どもは好奇心を持ってあなたを見て首を振ります。そこであなたは説明します。
「抽象芸術は、現実のものを描かずに、感じたり想像したりしたものを描くようなものです。認識できる家や人はいませんが、感情や考えを伝える形や色があります。それは、「木を見せているのではなく、木のアイデアが私に何を感じさせるかを見せているのです」と言っているようなものです。」
子どもの目は輝き、こう答えました。
「ああ、それは夢のように見える絵のようなもので、現実ではないけれど、何かを感じさせるものなんですね？」
"その通り！"
すると、好奇心から子供は尋ねました。
「そして、これが本当に重要だったのはどこですか？」
あなたは微笑んで答えます、
「西洋世界、特にドイツ、アメリカ、オランダ、フランスのような場所では。」
この記事の目的は、抽象芸術について、子供に話しかけるかのように、誰にでも伝わるシンプルで普遍的な言葉を使って、分かりやすい方法で話すことです。このアプローチは、過度に単純化することではなく、芸術を民主化し、年齢や知識に関係なく、芸術を理解したい人なら誰にでも身近なものにすることです。
抽象芸術には言語や伝統的な表現の壁を打ち破る力があり、私たちの目標も同じです。つまり、好奇心旺盛な人や情熱的な人の両方に届くような、明確で魅力的な物語を通じて、ドイツ、米国、オランダ、フランスからの貢献の物語を伝えることです。
これは色彩、形、アイデアを巡る旅であり、それぞれの国が特別な立ち寄り場所となります。子供らしく包括的な口調で、抽象の背後に隠された感情と魔法を発見しようとする道です。この素晴らしい世界を探検する準備はできていますか? さあ、始めましょう!
沸騰する真夜中（2023）ロナルド・ハンターによる絵画
ドイツ
ドイツでは、何人かの優れた芸術家が、単に見たものを描くのではなく、感じたものを描くというシンプルな考えから始めて、芸術界に変化をもたらしました。
昔々、1905 年にドレスデンにDie Brücke (橋) と呼ばれる芸術家のグループがありました。彼らは、古い芸術の作り方と新しいものの間に「橋を架ける」ことを望んでいました。彼らは、鮮やかで時には奇妙な色彩と太い線を使い、都市、サーカス、孤独そうな人々の情景を描きました。彼らは、絵画を通して、人間であることの意味を、美しくも困難な感情とともに表現しようとしました。
その後、1911 年にミュンヘンの別の芸術家グループ「青騎士」がさらに一歩先へ進みました。その中の 1 人、ワシリー カンディンスキーは、「なぜ目に見えるものだけを描くのか? 心や頭で感じるものを描こう!」と考えました。彼は、踊っているように見える色と形に満ちた絵画を制作し始め、実際の物体ではなく感情や考えを表現しました。これが抽象芸術の誕生でした。
第一次世界大戦後の1919年、バウハウスと呼ばれる専門学校が設立されました。ここで、芸術は実用的なものにもなりました。人々は、家具や建物などの日常の物の実用性と美しさを組み合わせることを学びました。椅子やカップでさえ、すべてが芸術作品になり得るという考えでした。
カンディンスキー、パウル・クレー、ヨーゼフ・アルバースなどの巨匠たちがバウハウスで教鞭をとりました。たとえばパウル・クレーは、色彩は音楽のようなもので、美しい旋律のように私たちの心に触れることができると言いました。バウハウスでは、芸術家たちは実験を恐れませんでした。彼らは、今日でも多くの人々にインスピレーションを与える新しいものを描き、作り、発明しました。
第一次世界大戦中、多くのドイツ人芸術家が戦い、戦争の悲惨さを間近で見ました。これが彼らの絵の描き方を変えました。オットー・ディックスやジョージ・グロスのような一部の芸術家は、人々の苦しみや戦争の恐ろしさを描いた非常にリアルで残酷な絵を描きました。それは、世界に対してすべてがいかに不公平であるかを伝える彼らなりのやり方でした。他の巨匠たちは、自分の感じたことを表現するために別の道を選びました。彼らは実際のイメージを見せるのではなく、形や色、線を使って自分の感情や心の中で感じた混乱について語ることを好みました。
第二次世界大戦後、ゲルハルト・リヒターというドイツの芸術家が、新しい芸術作品の制作方法を試み始めました。彼は写真、色彩、そして絵の具の層を使って、まるで遠い記憶を見ているかのようにぼやけた絵画を制作しました。彼の抽象作品では、色彩と形を混ぜて、夢で見た風景のように混沌としながらも自然に見える作品を制作しました。
ドイツの抽象芸術は、世界を見る方法は一つだけではないということを教えてくれました。色彩、形、アイデアを通して、これらの芸術家たちは、言葉を使わずに誰もが理解できる普遍的な言語を創り出しました。それは心に語りかけ、考え、感じるように促す芸術形式です。
そして、彼らのおかげで、私たちは抽象画を見て自分自身にこう尋ねることができるのです。「それは私に何を感じさせるだろうか？」
ブラウントープ抽象画、心地よい会話（2024）レオン・グロスマンによる絵画
現代の例
レオン・グロスマンのこの絵画は、「ブラウントープ抽象画、心地よい会話」と呼ばれています。明るい色で満たされているのではなく、茶色や灰色などの暗い色調が使われており、下部に白い帯があります。これを見ると、この絵画は穏やかさと少しの神秘性を物語っているようです。混ざり合った色合いは暗闇から光へと移り変わり、明るい部分と暗い部分が静かに会話しているかのように見えます。この作品は、立ち止まって考えるように誘います。「白と黒の間で何が起こっているのだろう？」と疑問に思うでしょう。
レオン・グロスマンは、何か認識できるものを描くことを目指したのではなく、多くのドイツの抽象画家と同じように、私たちに感情を感じさせようとしました。彼の色は私たちに何かを見せてくれるのではなく、私たちに平穏や静かな会話などを感じさせてくれます。絵の色合いは、それぞれに小さな物語がある思考や記憶の層のように重なり合っているようです。それは心に直接語りかける言語であるため、理解するのに言葉は必要ありません。絵は静止しているように見えますが、色には微妙な動きがあり、思考が行き来しているようです。
この作品を見ると、立ち止まって自分自身に問いかけることができます。「これは私にどんな気持ちを与えるだろうか？何かを思い出させるだろうか？」この絵は特定の物語を語るのではなく、想像力を働かせる余地を残し、それが伝える感情に導かれてあなた自身の物語を創り出すように誘います。
アメリカ
1940 年代から 1950 年代にかけて、ニューヨークで一群の芸術家が新しい絵画技法の実験を始めました。彼らはもはや、人、木、家といった認識できるものを描くのではなく、色、形、身振りを使って深い感情や普遍的な考えを表現しようとしました。この運動は抽象表現主義と呼ばれ、アメリカの創造的自由の象徴となりました。
ジャクソン・ポロックもその一人です。彼は伝統的な筆を使う代わりに、床に敷いた巨大なキャンバスに絵の具を垂らしたり、はねかけたりしました。彼の絵はエネルギーに満ちていて、まるで絵の具自体が混沌と人生の物語を語っているかのようでした。もう一人の重要な芸術家は、大きな長方形を描いたマーク・ロスコです。ロスコは、色彩が私たちに静けさや神秘といった感情を感じさせることができると信じていました。
一方、ウィレム・デ・クーニングは、人物像と抽象表現を組み合わせました。彼の絵画では、形が動いているように見え、まるで筆遣い一つ一つが何か生きていて進化しているかのように感じられました。これらの芸術家には共通点が 1 つありました。それは、現実を模倣することなく、感情や思考を探求する芸術を望んでいたことです。
当時、アメリカの芸術はヨーロッパの影響から遠く離れた、まだ独自の地位を見つけている段階でした。しかし、抽象表現主義によって、ニューヨークは現代美術の新たな中心地となりました。アメリカの芸術家たちは、巨大なキャンバスと独特のスタイルで、エネルギーと自由に満ちた芸術を世界に示しました。この成功には、リー・クラスナーやヘレン・フランケンサーラーのような偉大な女性芸術家も含まれており、彼女たちは運動に多大な貢献をしました。
1960 年代、新しいグループのアーティストが抽象表現主義から離れ、何か違うものを作ろうと決意しました。これが、シンプルな形と工業素材を特徴とする芸術運動であるミニマリズムの誕生につながりました。たとえば、ドナルド・ジャッドは工場から出てきたような幾何学的な彫刻を制作し、フランク・ステラは色と空間のシンプルさと力強さを強調した線と形で作品を描きました。
セルドゥルの記憶 1 (2022) フィリップ・ハラブルダによる絵画
現代の例
フィリップ・ハラブルダの作品「セルドゥルの記憶 1」は、色と形が爆発的に混ざり合ったような作品です。ピンクが支配的な色で、黄色、黒、そして赤とオレンジの色合いの中で明るく輝いています。一見無秩序に絡み合った長方形や線がたくさんありますが、実際にはすべてに意味があります。この絵を見ると、私たちの心の中で動く考えや感情を表現しているように感じられます。
フィリップ・ハラブルダは、脳が記憶に関連する変化にどのように対処するかを示すためにこの作品を制作しました。ピンクは思考と学習、黄色は迷っている感覚、黒は混乱を表しています。それぞれの色には独自の意味があり、アメリカの抽象表現主義のアーティストが行ったように、それらが一緒になって対話を生み出します。
エネルギーと自由をもって絵を描いたジャクソン・ポロックのように、ハラブルダは幾何学的な形を自発的かつダイナミックに使用しています。線と色は浮遊しているように見え、混沌と秩序のバランスを生み出しています。まるで絵が言葉を使わずに物語を語っているかのようです。
フランス
100年以上前、フランスで何人かの芸術家がまったく新しい方法で絵を描き始めました。彼らは、家や人など現実世界のものを描くのではなく、色と形だけを使って感情を呼び起こす芸術を作りたかったのです。ソニアとロベール・ドローネーは、このタイプの芸術を最初に作った人の一人です。たとえば、ソニアは色と抽象的な形でいっぱいの毛布をデザインし、ロベールは踊っているように見える円と線を描きました。この新しいスタイルは、魔法の音楽で有名なギリシャ神話のキャラクター、オルフェウスにちなんでオルフィズムと呼ばれました。
オルフィズムの芸術家たちは、動きを感じさせる鮮やかな色と線を使いました。彼らは、色は音楽のようなものだと信じていました。色は、細かい絵を描かなくても、私たちに幸せや悲しみ、活力を与えてくれるのです。ソニア・ドローネーは、この芸術をファッションにまで取り入れ、カラフルな服や室内装飾をデザインしました。オルフィズムは、1914 年に第一次世界大戦が勃発し、芸術家たちが活動を中断せざるを得なくなったため、わずか数年しか続きませんでした。
第二次世界大戦後、フランスは起こったすべての出来事から悲しみと恐怖に満たされました。芸術家たちはこれらの感情を表現する方法を見つけたいと思い、ルールのない芸術を創作することにしました。このスタイルはアンフォルメルと呼ばれ、正確な図形の代わりに自由な筆使い、色の飛沫、そして「珍しい」素材を使って、痛み、混沌、そして希望を語る作品を創作しました。
多くのフランス人アーティストがこの新しい芸術アプローチを採用しました。たとえば、ジョルジュ・マチューは、筆を大きく力強く動かして鮮やかな絵を描きました。また、砂や布などさまざまな素材を使って、作品にざらざらとした写実的な印象を与えるアーティストもいました。それぞれの傑作は独特で、戦後の世界をどのように見ていたかを示しています。
145d (2024) ファリド・ベラルの絵画
現代の例
この絵では、上部中央付近に明るい青色の長方形があり、その周囲をベージュと茶色の明るい背景が囲んでいます。背景は穏やかで静かな感じがしますが、空のような青色は、広大な空間に浮かんでいるかのように目立ちます。
色彩は私たちに語りかけます。青は私たちに穏やかさや静けさを感じさせ、ベージュや茶色はシンプルで自然なものを思い出させます。アーティストは物や人を見せるのではなく、色が伝えたいことを感じてもらうようにしています。
ファリド・ベラルは、長方形のような単純な形を使って、深い考えを表現しています。彼は、何を見るべきかを指示するのではなく、私たちに自由に想像させ、個人的な感情を感じさせます。中央の青は、長方形の中に小さな海が閉じ込められているかのように、まるで生きているように感じられます。それを見ると、私たちは引き寄せられ、想像力をかき立てられ、中に何があるのか、魚、船、あるいはまったく別の何かがあるのかを探ります。
オランダ
昔、第一次世界大戦の頃、世界は混沌と不幸に陥っていました。オランダの芸術家たちは、生活をより良く、より調和のとれたものにするために何かをしたいと考えていました。彼らは、芸術が秩序と希望をもたらすと信じていました。
1917 年、テオ・ファン・ドゥースブルフとピエト・モンドリアンという 2 人の偉大な芸術家が、「スタイル」を意味するデ・ステイルと呼ばれるグループを結成しました。彼らは、より美しい世界を表現するには、正方形や長方形などの幾何学的形状、直線、赤、青、黄、白、黒などの基本色など、最もシンプルな要素だけが必要であると考えました。この傾向は、秩序と調和を表現するために考案された特別な言語のようでした。
モンドリアンはまた、自分の作品が世界の力を表現できると信じていました。彼は垂直線と水平線を使って、動きと静止、男性らしさと女性らしさなどを表現しました。彼の傑作は非常にシンプルに見えますが、実際にはバランスと調和がとれ、誰にとっても理解しやすいように注意深く計画されていました。
一方、ファン・ドゥースブルフは絵画にはもう少し動きが必要だと考えていました。彼は対角線や傾いた形を使い、作品をよりダイナミックで生き生きとしたものにしました。このアプローチの違いが彼とモンドリアンの間に意見の相違を生み、結局二人は一緒に仕事をしなくなりました。
デ・ステイルの芸術家たちは、そのスタイルを絵画だけにとどめませんでした。彼らは、そのスタイルをあらゆるところに持ち込みたいと考えていました。家、家具、本、さらには建物にまで！ たとえば、建築家のヘリット・リートフェルトは、有名な椅子「赤と青の椅子」や、シュレーダーハウスと呼ばれる特別な家を設計しました。こうして、人々は調和に満ちた空間で暮らすことができました。
1920 年代後半になると、グループのアーティストたちは自分たちのビジョンを現実世界に持ち込むのは簡単ではないことに気づきました。彼らは異なる考えを持つようになり、デ・ステイルは最終的に解散しました。しかし、彼らの作品は決して忘れ去られることはありませんでした。
赤い風景 2. (2015) レオ・ボスによる絵画
現代の例
「Red Landscape 2」は、風景を表現した絵画ですが、まったく異なる方法で表現されています。木や家はなく、想像力をかき立てる色と形だけです。アーティストのレオ・ボスは、赤を主役に使い、中央に白い線を、その周りに茶色を配しています。筆遣いは太く荒く、絵画に動きを感じさせ、まるで生きているかのような印象を与えます。
深紅は、力強さや情熱といった感情を呼び起こす、強烈で強烈な色です。一方、白い線は、赤の中に一息ついたような、落ち着きと静けさをもたらしているようです。水平の色の帯は、陸地や地平線を連想させ、安定感を与えてくれます。抽象画ですが、すべてが正しい場所に配置されているように感じられます。太く荒い筆使いが、作品にさらなる面白さを加え、まるで私たちが感じ取れるほどのエネルギーが込められているかのようです。
Olimpia Gaia Martinelli