Sculture in metallo in vendita

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Qual è l'origine della tecnica Metalli

Il metallo è sempre stato il materiale d'elezione delle menti più creative della storia dell'arte. Che si tratti di metalli semplici (ferro, rame, stagno, zinco, piombo, alluminio, ecc.), metalli preziosi (oro, platino, argento, ecc.) o leghe (ghisa, acciaio, bronzo, ottone, ecc.), tutte queste materie prime sono state manipolate tanto dagli scienziati quanto dagli artisti di tutto il mondo. Utilizzato principalmente per la sua malleabilità e resistenza ai capricci del tempo, il metallo si è ritagliato un posto d'elezione tra i più rinomati scultori del nostro tempo. Nel 1912, Pablo Picasso sperimentò il metallo e il filo per creare la sua opera iconica, La chitarra. Jean Tinguely e Alexander Calder hanno utilizzato il metallo per creare sculture piene di movimento e colore. La compagna di Jean Tinguely, la famosa Nikki de Saint-Phalle, usava il metallo per consolidare e perpetuare le sue sculture di donne monumentali, Les Nanas. Altrove in Francia e in Europa, grandi artisti parteciperanno allo sviluppo di questo materiale, in particolare Alberto Giacometti e i suoi personaggi filiformi, César e le sue compressioni di oggetti, Louise Bourgeois e i suoi impressionanti ragni metallici, o ancora Jeff Koons e il suo iconico Balloon Cani.

Come definire stile Pop Art ?

La Pop Art è un movimento artistico che è apparso per la prima volta negli anni '50 e ha raggiunto il suo apice negli anni '60 sia in America che in Gran Bretagna, traendo ispirazione da fonti della cultura popolare e commerciale. È iniziato come una risposta contro le teorie prevalenti dell'arte, della cultura e di ciò che l'arte dovrebbe essere. I giovani artisti credevano che ciò che imparavano alla scuola d'arte e ciò che osservavano nei musei avesse poco a che fare con la loro vita quotidiana o con l'ambiente circostante. Invece, hanno utilizzato immagini di film di Hollywood, cultura popolare, inclusi fumetti, pubblicità, confezioni di prodotti e altri media commerciali, in una sorprendente rottura con la tecnica artistica convenzionale per produrre dipinti e sculture che abbracciassero la vita di tutti i giorni nel senso più letterale. La Pop Art si è evoluta in uno dei movimenti artistici contemporanei più influenti, forse come risultato dell'inclusione di immagini commerciali.

Utilizzando l'iconografia delle culture popolari e di massa, il movimento ha presentato una sfida alle alte tradizioni artistiche. Attraverso l'uso di immagini della cultura popolare nell'arte, il più delle volte attraverso il sarcasmo, enfatizza gli elementi banali o fondamentali di qualsiasi civiltà. Ha anche a che fare con i metodi che gli artisti impiegano per la duplicazione meccanica o la rappresentazione. Nella pop art, gli elementi sono occasionalmente chiaramente isolati, combinati o rimossi dal loro contesto abituale.

Nel corso del tempo si sono verificati numerosi cambiamenti nelle tendenze artistiche e ogni volta gli artisti hanno prodotto opere d'arte nuove e innovative. Ogni sforzo creativo rende omaggio al passato e allo stesso tempo traccia la strada per il futuro inventando nuove forme. Il movimento Pop Art ha aperto la strada alla fusione di cultura alta e bassa e ha creato alcune delle opere d'arte più memorabili del 20° secolo. La pittura e la scultura sono state rivoluzionate da artisti di tutta Europa, tra cui Francia, Inghilterra, Italia, Svezia e Stati Uniti, mostrando oggetti comuni prodotti in serie che non erano mai stati presi sul serio come oggetto o contenuto per l'arte.

Tra gli artisti più famosi della Pop Art ci sono Roy Lichtenstein, Keith Haring, Robert Rauschenberg, Richard Hamilton, Andy Warhol, David Hockney, Robert Indiana, James Rosenquist, Alex Katz e Takashi Murakami.

Scultura Pop Art

Il movimento Pop Art ha tentato di offuscare la distinzione tra arte "alta" e cultura "bassa" producendo dipinti e sculture di icone della cultura pop. Uno degli aspetti più influenti della Pop Art è l'idea che non esiste una gerarchia di culture e che l'arte può prendere in prestito da qualsiasi fonte. Chi voleva acquistare la Pop Art sapeva che i materiali meno apprezzati avevano preso il posto di "materiali nobili" come il legno o il bronzo e si erano mescolati con oggetti di uso quotidiano. Ciò aveva aperto nuove possibilità per la scultura pop art e portato allo sviluppo di ciò che conosciamo oggi.

La scultura LOVE di Robert Indiana è senza dubbio l'opera d'arte più riconoscibile del movimento, così come le scultoree Brillo di Andy Warhol e le scatole di succo di pomodoro di Campbell che hanno scosso così potentemente il mondo dell'arte e hanno spinto i limiti di ciò che costituiva l'arte, ma altre realizzazioni come le sculture morbide di Claes Oldenburg che rappresenta oggetti di uso quotidiano dalle dimensioni monumentali, partecipò molto allo sviluppo del movimento. Altri scultori come George Segal, Jeff Koons o persino Richard Orlinski segneranno anche la storia della scultura Pop Art.

Scultori della Pop Art

Edoardo Paolozzi (1924 - 2005)

Una figura significativa nell'avanguardia britannica del dopoguerra fu lo scultore e artista scozzese Eduardo Paolozzi. È considerato uno dei primi pionieri della pop art. Il suo collage "I Was a Rich Man's Plaything", che combinava elementi della cultura popolare tra cui la copertina di un libro di pulp fiction, una pubblicità della Coca-Cola e un poster di reclutamento militare, è servito come pezzo fondamentale del movimento Pop Art. L'opera è un eccellente esempio del lato più oscuro della pop art britannica, che si concentrava maggiormente sul contrasto tra lo splendore e la ricchezza della cultura popolare americana e la miseria economica e politica della realtà britannica. L'influenza della tecnologia e della cultura di massa sull'alta arte è stata evidenziata da Paolozzi, un membro dell'Independent Group, vagamente affiliato. Sebbene abbia lavorato in molti altri media durante la sua carriera e abbia sempre definito il suo lavoro arte surrealista, è diventato più fortemente legato alla scultura.

Claës Oldenburg (1929 - 2022)

Lo scultore americano Claes Oldenburg è ben noto per le sue repliche su larga scala di oggetti di uso quotidiano che ha utilizzato nelle sue installazioni di arte pubblica. Le versioni di sculture morbide di oggetti di uso quotidiano sono un altro tema importante nel suo lavoro. Oldenburg è rinomato per la creazione di sculture umoristicamente ridicole di cibo e oggetti inanimati. La sua famosa collezione di tali pezzi è stata mostrata per la prima volta nell'installazione dell'artista nel Lower East Side del 1961, New York, chiamata "The Store". Oldenburg ha prodotto torta di fragole e mele candite come sculture in gesso per il progetto. L'installazione di Oldenburg, che è stata allestita come un negozio di varietà convenzionale e ha venduto i suoi prodotti a basso costo oltre a copiare beni di consumo, ha fatto una dichiarazione sul rapporto tra oggetti d'arte e merci. Le sculture in "The Store" sono state accuratamente costruite a mano, nonostante siano presentate come se fossero prodotte in serie, e le pennellate lussureggianti ed espressive che ricoprono gli oggetti in Pastry Case sembrano una parodia della gravità dell'espressionismo astratto, un argomento prevalente in Pop Art. In un'ambientazione molto ironica, Oldenburg fonde l'oggetto di consumo con un gesto espressionista emotivo.

Roberto Indiana (1928 - 2018)

L'artista americano Robert Indiana faceva parte del movimento della pop art. Nella forma di un biglietto che consegnò a vari amici e conoscenti nel mondo dell'arte, sviluppò inizialmente la sua iconica immagine LOVE nel 1964. A Robert Indiana fu chiesto di creare un'opera d'arte per la cartolina di Natale annuale del Museum of Modern Art nel 1965. sulla sua foto LOVE, Indiana ha presentato tre varianti di olio su tela da 12 pollici quadrati. Rosso, blu e verde sono stati scelti dal museo come le combinazioni di colori più potenti. È rapidamente salito in cima alle carte più popolari che il museo abbia mai venduto. Nel 1966, Indiana ha collaborato con Marian Goodman di Multiples, Inc. per creare la sua prima scultura LOVE in alluminio mentre continuava a costruire la sua serie LOVE. Indiana ha terminato la sua prima enorme scultura LOVE in acciaio Cor-Ten nel 1970.

George Segal (1924 - 2000)

Il pittore e scultore americano George Segal faceva parte del movimento della pop art. Nonostante abbia iniziato la sua carriera artistica come pittore, Segal è meglio conosciuto per le sue figure a grandezza naturale e per i tableaux in cui apparivano. Segal ha inventato l'uso di bende di gesso (strisce di garza impregnate di gesso destinate alla produzione di calchi ortopedici) come mezzo scultoreo al posto dei tradizionali metodi di fusione.

Marisol (1930 - 2016)

Mentre gli uomini dominavano la Pop Art americana, alcune donne, tra cui Marisol, partecipavano a mostre al loro fianco. Tuttavia, le sue creazioni non sempre aderiscono alla rigida iconografia del Pop. Le sue sculture inerti e squadrate che fanno riferimento argutamente alla moda, alla famiglia e alle star del cinema sono più riconosciute per la fusione di arte popolare e assemblaggio.

Jasper Johns (nato nel 1930)

Uno degli artisti viventi più famosi al mondo è Jasper Johns. Quasi tutti i movimenti artistici dagli anni '50 ad oggi sono stati influenzati dal suo lavoro in pittura, scultura e incisione, tra cui l'espressionismo astratto, il neo dada e il movimento della pop art. Johns è stato uno degli artisti che ha aiutato il movimento della Pop Art ad abbracciare la società dei consumi. I suoi pezzi di Pop Art presentano principalmente segni come bandiere, bersagli e mappe. In realtà, il dipinto Flag, uno dei pezzi più riconosciuti del movimento Pop Art, è la sua creazione più nota. Si ritiene che ce l'abbia fatta dopo aver visto la bandiera americana in sogno. Le sue creazioni ricevono costantemente milioni di dollari all'asta e alla vendita e spesso stabiliscono record per la somma più alta mai pagata per un'opera da un artista vivente.

Jeff Koons (nato nel 1955)

L'artista americano Jeff Koons è famoso per le sue opere che trattano di cultura popolare e le sue sculture che rappresentano oggetti di uso quotidiano, come animali a palloncino realizzati in acciaio inossidabile con superfici con finitura a specchio. Le sue sculture hanno ottenuto prezzi elevati, con almeno due di esse che hanno stabilito record d'asta per opere di artisti viventi: Balloon Dog (Orange) nel 2013 venduto per 58,4 milioni di dollari e Rabbit nel 2019 per 91,1 milioni di dollari.

Keith Haring (1958 - 1990)

La pop art dell'artista americano Keith Haring è emersa dalla scena dei graffiti di New York City degli anni '80. La sua estetica animata si è sviluppata in un noto linguaggio visivo. Gran parte della sua arte contiene allusioni sessuali che sono state trasformate in azione sociale utilizzando le immagini per promuovere la consapevolezza dell'AIDS e il sesso sicuro. La reputazione di Haring è aumentata grazie ai suoi disegni spontanei con il gesso di persone, cani e altri motivi stilizzati su spot pubblicitari neri nudi nelle metropolitane di New York City. Dopo essere diventato famoso, ha prodotto murales vibranti e su larga scala, molti dei quali sono stati commissionati. Tra il 1982 e il 1989 ha realizzato più di 50 opere d'arte pubbliche, molte delle quali gratuite per ospedali, asili nido e scuole. Ha ampliato la sua pratica aprendo il Pop Shop nel 1986. Attraverso la sua iconografia, il suo lavoro successivo ha spesso espresso temi politici e sociologici: anti-crack, anti-apartheid, sesso sicuro, omosessualità e AIDS.

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