Opere concettuali in vendita

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Abbiamo creato una piattaforma per gli artisti per caricare le loro opere d'arte direttamente sul nostro sito web per aiutarti a trovare il pezzo perfetto. Sfoglia migliaia di stampe, sculture e dipinti dei migliori artisti di oggi. I prezzi vanno da opere d'arte molto convenienti, a pezzi di grande valore su cui investire, a seconda del tipo e delle dimensioni dell'opera d'arte che stai cercando e delle tue esigenze di spazio. È incredibile vedere la varietà di opere d'arte originali disponibili online. Artmajeur ha tutto, che tu stia cercando un dipinto ad olio bello e costoso o un mobile per la tua casa.

L'arte concettuale, spesso nota come concettualismo, è un'arte in cui l'idea o il concetto sottostante è più rilevante del prodotto finale. Gli artisti concettuali hanno creato opere e scritti tra la metà degli anni '60 e la metà degli anni '70 che rifiutavano fondamentalmente le nozioni convenzionali di arte.

Per trasmettere le loro idee, gli artisti concettuali hanno scelto i media e i formati che funzionavano meglio per loro. Ciò ha portato a un'ampia varietà di opere d'arte che potrebbero assomigliare a qualsiasi cosa, dalle performance alla scrittura agli oggetti di uso quotidiano. Gli artisti hanno utilizzato sistemi, strutture e processi invisibili, nonché elementi mentali linguistici, matematici e orientati al processo, per indagare le possibilità dell'arte come concetto e dell'arte come conoscenza. Alcune opere d'arte concettuale, note anche come installazioni, possono essere create da chiunque semplicemente seguendo una serie di istruzioni scritte.

La questione dell'abilità artistica è una distinzione fondamentale tra arte concettuale e tipi più "convenzionali" di produzione artistica. Sebbene l'esperienza nell'uso dei media tradizionali giochi spesso un piccolo ruolo nell'arte concettuale, è difficile affermare che le opere concettuali manchino sempre di talento o che l'abilità non sia necessaria per crearle.

Le origini dell'Arte Concettuale

È risaputo che Marcel Duchamp ha fondato l'arte concettuale. Sebbene il termine "arte concettuale" non sia stato coniato fino agli anni '60, le radici del movimento possono essere trovate nel 1917, quando Marcel Duchamp notoriamente acquistò un orinatoio da un negozio di idraulica e lo presentò come scultura in una mostra di sculture all'aperto a New York. La giuria ha squalificato il pezzo perché pensava che fosse immorale e non l'avrebbe accettato come arte. Duchamp ha creato il percorso per l'arte concettuale esplorando i limiti dell'arte e criticando il mondo dell'arte. Successivamente, l'artista americano Joseph Kosuth ha riconosciuto la rilevanza e il significato teorico di Duchamp per i futuri "concettualisti" nel suo saggio del 1969, Art after Philosophy, in cui affermava: "Tutta l'arte (dopo Duchamp) è concettuale (in natura) perché l'arte esiste solo concettualmente. "

I membri del movimento Fluxus usavano già il termine "concept art" dall'inizio degli anni '60. L'obiettivo principale del movimento era rompere con l'esclusività del modernismo e promuovere un atteggiamento aperto nei confronti dell'arte. Gli artisti coinvolti nel movimento Fluxus erano interessati ad espandere i punti di riferimento dell'estetica per includere qualsiasi cosa, da un oggetto a un suono o un'azione. Fluxus è senza dubbio una delle influenze dell'arte concettuale, anche se non è sempre considerato parte del movimento. Era una tendenza significativa alla pari del concettualismo e i suoi praticanti sono spesso indicati come artisti concettuali.

In parte come risposta al formalismo, come fu poi descritto dal famoso critico d'arte di New York Clement Greenberg, l'arte concettuale sorse come movimento negli anni '60. Secondo Greenberg, l'arte moderna persegue l'obiettivo di stabilire la natura fondamentale e formale di ogni media attraverso un processo di continua riduzione e raffinamento. Le componenti che si opponevano a questa natura dovevano essere ridotte al minimo. Ad esempio, il compito della pittura era descrivere correttamente che tipo di oggetto è un dipinto, e nient'altro: cosa lo rende un dipinto e nient'altro.

Altri, inclusi molti degli artisti stessi, vedevano l'arte concettuale come una rottura fondamentale rispetto al tipo di modernismo formalista di Greenberg. Alcuni hanno suggerito che l'arte concettuale abbia esteso questa "smaterializzazione" dell'arte eliminando completamente la necessità delle cose. Gli artisti successivi ebbero la stessa avversione per l'illusione e la preferenza per l'arte autocritica.

Alla fine degli anni '60, era evidente che le regole di Greenberg per mantenere l'arte entro i parametri di ogni mezzo ed escludere argomenti estranei non erano più valide. Nel tentativo di minare la galleria o il museo come luogo e arbitro dell'arte, così come il mercato dell'arte come proprietario e venditore d'arte, l'arte concettuale ha anche risposto contro la commercializzazione dell'arte.

Arte basata sul linguaggio

La preoccupazione principale della prima generazione di artisti concettuali negli anni '60 e all'inizio degli anni '70 era il linguaggio. Sebbene l'uso del testo nell'arte non fosse una novità, fu solo negli anni '60 che artisti come Lawrence Weiner, Edward Ruscha, Joseph Kosuth, Robert Barry e Art & Language iniziarono a fare arte esclusivamente attraverso il linguaggio. Gli artisti concettuali hanno impiegato il linguaggio al posto del pennello e della tela e gli hanno dato la libertà di significare da solo, in contrasto con il passato in cui il linguaggio era ritratto come un tipo di elemento visivo tra gli altri e subordinato a una composizione complessiva (come il Cubismo sintetico ).

Il passaggio alle teorie linguistiche del significato sia nella filosofia analitica anglo-americana che nella filosofia strutturalista e post strutturalista continentale durante la metà del XX secolo, secondo il filosofo britannico e teorico dell'arte concettuale Peter Osborne, è stato uno dei tanti fattori che hanno influenzato la gravitazione verso l'arte basata sul linguaggio. Questo spostamento linguistico "ha sostenuto e legittimato" la scelta del percorso degli artisti concettuali. I primi concettualisti furono la prima generazione di artisti a completare la formazione accademica in arte basata sulla laurea, secondo Osborne. In una successiva conferenza pubblica, Osborne ha affermato che l'arte contemporanea è post-concettuale. È un'affermazione fatta in relazione all'ontologia della produzione artistica (piuttosto che a livello descrittivo di stile o movimento).

Famosi artisti concettuali

Giuseppe Beuys

L'artista tedesco Joseph Beuys (1921-1986), attivo in Europa e negli Stati Uniti dagli anni '50 all'inizio degli anni '80, divenne noto per il suo lavoro nell'arte concettuale internazionale e nei movimenti Fluxus dell'epoca. L'ampio corpus di opere di Beuys comprende sia i media tradizionali come il disegno, la pittura e la scultura, sia l'arte "d'azione" orientata al processo o basata sul tempo, la cui performance ha suggerito come l'arte possa avere un effetto curativo quando si rivolge a problemi psicologici, sociali , o questioni politiche (sia sull'artista che sul pubblico).

Giuseppe Kosuth

Joseph Kosuth (nato nel 1945) è un artista concettuale e teorico americano. A metà degli anni '60, Joseph Kosuth fu uno dei fondatori dell'arte concettuale, che divenne un movimento significativo che fiorì negli anni '70 e continua ad avere un impatto oggi. Ha esaminato il rapporto tra le idee e le immagini e le parole utilizzate per trasmetterle ed è stato un pioniere nell'uso delle parole al posto delle immagini visive di qualsiasi tipo. Dagli anni '70 ha creato varie installazioni site-specific che continuano a indagare su come gli esseri umani sperimentano, comprendono e reagiscono alle parole.

Sol LeWitt

Sol LeWitt (1928 - 2007) è stato un artista e pittore concettuale americano. Grazie al suo ruolo di primo piano nel movimento concettuale, si è guadagnato un posto negli annali della storia dell'arte. La sua fiducia nel processo creativo dell'artista ha svolto un ruolo cruciale nel passaggio dal periodo moderno a quello postmoderno. La definizione di LeWitt di arte concettuale come atto intellettuale e pragmatico ha fornito un nuovo aspetto al lavoro dell'artista che era significativamente distinto dal romanticismo dell'espressionismo astratto. Le opere d'arte di LeWitt includevano scultura, pittura e disegno oltre a creazioni praticamente interamente concettuali che erano semplicemente concetti o componenti del processo creativo.

Roberto Smithson

Più giovani artisti sono stati influenzati da Robert Smithson (1938-1973) che forse da qualsiasi altro membro del gruppo che si è sviluppato negli anni '60. Era un artista e scrittore di talento i cui interessi includevano fantascienza, mineralogia e cattolicesimo. I suoi primi lavori includevano collage e dipinti, ma presto rivolse la sua attenzione alla scultura in risposta al minimalismo e al concettualismo dei primi anni '60. Iniziò anche a portare la sua arte fuori dalle gallerie e nel paesaggio.

Damien Hirst

Damien Hirst (nato nel 1965) è un artista inglese, l'icona dell'arte degli anni '90 e uno dei più grandi provocatori della fine del XX secolo, nonché una figura controversa nella storia dell'arte contemporanea. Charles Saatchi, un magnate della pubblicità che ha riconosciuto il potenziale nei cadaveri animali in decomposizione di Hirst e gli ha dato un denaro quasi illimitato per continuare, ha aiutato il giovane e sostanzialmente sconosciuto artista a crescere molto e rapidamente.

Il tema della morte domina molti dei pezzi di Hirst. È diventato famoso per un corpo di lavoro che presentava animali morti conservati, occasionalmente sezionati, in formaldeide, tra cui uno squalo, una pecora e una mucca. Il più noto di loro era uno squalo tigre lungo 4,3 m immerso nella formaldeide in una teca di vetro chiamata L'impossibilità fisica della morte nella mente di qualcuno che vive.

Per un artista vivente, Hirst ha creato la storia nel settembre 2008 quando ha scavalcato le sue gallerie di lunga data e ha venduto l'intera mostra, Beautiful Inside My Head Forever, a Sotheby's all'asta. L'asta ha battuto il record per un'asta per un solo artista raccogliendo 111 milioni di sterline (198 milioni di dollari).

Valter de Maria

Walter de Maria (1935 - 2013) è stato uno scultore e artista concettuale americano. Walter de Maria ha creato installazioni di sculture interattive e ha fornito supporto concettuale per opere scultoree su larga scala, unendo diversi gruppi di pratica artistica che sono cresciuti in popolarità negli anni '60. Nelle opere successive, ha anche creato connessioni tra gli spettatori e il mondo naturale incorporando aspetti visivi nell'ambiente stesso o integrando elementi naturali nelle ambientazioni della galleria. Le sue opere più ambiziose erano di grandi dimensioni non solo in termini di dimensioni fisiche ma anche in termini di durata della mostra, con alcuni decenni di durata sia all'interno che all'esterno.

Jenny Holzer

Jenny Holzer (nata nel 1950) è un'artista neo-concettuale americana. Il suo lavoro si concentra principalmente sulla comunicazione di idee e parole in ambienti pubblici e comprende installazioni su larga scala, cartelloni pubblicitari, proiezioni su edifici e altre strutture e display elettronici illuminati. L'opera d'arte testuale di Jenny Holzer può essere trovata in luoghi inaspettati: su magliette, cartelloni pubblicitari, parchimetri e insegne a LED (il mezzo distintivo di Holzer).

L'artista e attivista politico Holzer vuole impedire alle persone di consumare passivamente informazioni da fonti sfavorevoli. L'ambizione e la portata della sua arte, che è stata esposta in luoghi pubblici in gran parte del mondo, si sono espanse insieme alla sua reputazione. Holzer si unisce ai ranghi degli antiautoritari nell'arte dall'inizio del modernismo (che è essenzialmente una lotta contro la tradizione) fino al ventunesimo secolo nel suo forte cinismo del potere.

Lorenzo Weiner

Lawrence Weiner (1942 - 2001) è stato un artista concettuale americano e uno dei pionieri del testo come arte durante l'era del concettualismo. Il suo uso delle parole è notevole per la sua poesia, il suo curioso contatto con il mondo reale e le sue forme visive distintive, spesso vibranti e spesso umoristiche. L'artista della classe operaia Weiner considerava i suoi dipinti come inviti per gli spettatori a rivalutare le loro relazioni con il mondo che li circonda, in particolare con altre persone e sistemi di potere.

Citazioni di artisti concettuali

Sol LeWitt

“Nell'arte concettuale l'idea o il concetto è l'aspetto più importante del lavoro. Quando un artista utilizza una forma d'arte concettuale, significa che tutta la pianificazione e le decisioni vengono prese in anticipo e l'esecuzione è un affare superficiale. L'idea diventa una macchina che fa l'arte.

“I nuovi materiali sono una delle grandi afflizioni dell'arte contemporanea. Alcuni artisti confondono nuovi materiali con nuove idee”.

“Gli artisti insegnano ai critici cosa pensare. I critici ripetono ciò che gli artisti insegnano loro”.

“Nell'arte concettuale l'idea o il concetto è l'aspetto più importante dell'opera”

Giuseppe Kosuth

“Tutto può essere arte. L'arte è relazioni tra relazioni, non relazioni tra oggetti.

"Tutta l'arte (dopo Duchamp) è concettuale (in natura) perché l'arte esiste solo concettualmente."

Damien Hirst

"Hai bisogno di un grande ego per essere un artista."

“I musei sono per gli artisti morti. Non mostrerei mai il mio lavoro alla Tate. Non mi porteresti mai in quel posto.

Valter de Maria

"Penso che per essere un vero minimalista dovresti essere quasi invisibile tu stesso."

"Ogni buona opera dovrebbe avere almeno dieci significati."

Jenny Holzer

"La mancanza di carisma può essere fatale."

“Essere felici è più importante di qualsiasi altra cosa.”

"Tutte le cose sono delicatamente interconnesse."

"Sei una vittima delle regole in base alle quali vivi."

Lorenzo Weiner

“L'unica arte che mi interessa è l'arte che non capisco subito. Se lo capisci subito, in realtà non serve a niente se non come nostalgia.

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La nostra galleria d'arte online presenta la più grande collezione di opere d'arte originali online, inclusa una selezione esclusiva di opere d'arte stampa a mano di artisti emergenti e famosi di tutto il mondo. Artmajeur offre infatti milioni di opere d'arte come dipinti, sculture e foto dei più grandi artisti contemporanei di oggi!

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Un modo perfetto per rendere la tua casa il più personalizzata possibile è con una selezione personalizzata di opere d'arte. Le opere d'arte sono messe a disposizione nella vostra scelta di soggetti, dimensioni, generi, forme, stili, temi, colori e soggetti. Se possiedi una collezione d'arte composta da centinaia di quadri, dipinti a mano o altro, puoi scegliere quelli che meglio esprimono i tuoi interessi.

Per selezionare i dipinti per la tua collezione che si adattano ai tuoi gusti e al tuo stile, puoi utilizzare le opzioni del menu laterale. Selezionando semplicemente opzioni come colore, tema, prezzo, soggetto, la tua selezione verrà aggiornata automaticamente. Puoi anche salvare qualsiasi opera d'arte che ti piace come preferita: questo ti consentirà di conservare i tuoi preferiti personali per un uso futuro. Se hai bisogno di condividere le tue opere con altri, puoi anche rendere pubbliche le tue collezioni, è un modo creativo per condividere la tua arte preferita con altri amanti dell'arte, amici o persino clienti.

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Potrebbe esserci un gran numero di opere d'arte relative a stampa a mano : sia che tu stia acquistando online per la prima volta, sia che tu sia già un acquirente abituale, può essere sia intimidatorio che dispendioso in termini di tempo per trovare l'opera d'arte giusta online:

• Come fare la scelta giusta e acquistare l'opera d'arte giusta?
• Come pagare il miglior prezzo per un'opera d'arte originale?
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L'arte concettuale, spesso nota come concettualismo, è un'arte in cui l'idea o il concetto sottostante è più rilevante del prodotto finale. Gli artisti concettuali hanno creato opere e scritti tra la metà degli anni '60 e la metà degli anni '70 che rifiutavano fondamentalmente le nozioni convenzionali di arte.

Per trasmettere le loro idee, gli artisti concettuali hanno scelto i media e i formati che funzionavano meglio per loro. Ciò ha portato a un'ampia varietà di opere d'arte che potrebbero assomigliare a qualsiasi cosa, dalle performance alla scrittura agli oggetti di uso quotidiano. Gli artisti hanno utilizzato sistemi, strutture e processi invisibili, nonché elementi mentali linguistici, matematici e orientati al processo, per indagare le possibilità dell'arte come concetto e dell'arte come conoscenza. Alcune opere d'arte concettuale, note anche come installazioni, possono essere create da chiunque semplicemente seguendo una serie di istruzioni scritte.

La questione dell'abilità artistica è una distinzione fondamentale tra arte concettuale e tipi più "convenzionali" di produzione artistica. Sebbene l'esperienza nell'uso dei media tradizionali giochi spesso un piccolo ruolo nell'arte concettuale, è difficile affermare che le opere concettuali manchino sempre di talento o che l'abilità non sia necessaria per crearle.

Le origini dell'Arte Concettuale

È risaputo che Marcel Duchamp ha fondato l'arte concettuale. Sebbene il termine "arte concettuale" non sia stato coniato fino agli anni '60, le radici del movimento possono essere trovate nel 1917, quando Marcel Duchamp notoriamente acquistò un orinatoio da un negozio di idraulica e lo presentò come scultura in una mostra di sculture all'aperto a New York. La giuria ha squalificato il pezzo perché pensava che fosse immorale e non l'avrebbe accettato come arte. Duchamp ha creato il percorso per l'arte concettuale esplorando i limiti dell'arte e criticando il mondo dell'arte. Successivamente, l'artista americano Joseph Kosuth ha riconosciuto la rilevanza e il significato teorico di Duchamp per i futuri "concettualisti" nel suo saggio del 1969, Art after Philosophy, in cui affermava: "Tutta l'arte (dopo Duchamp) è concettuale (in natura) perché l'arte esiste solo concettualmente. "

I membri del movimento Fluxus usavano già il termine "concept art" dall'inizio degli anni '60. L'obiettivo principale del movimento era rompere con l'esclusività del modernismo e promuovere un atteggiamento aperto nei confronti dell'arte. Gli artisti coinvolti nel movimento Fluxus erano interessati ad espandere i punti di riferimento dell'estetica per includere qualsiasi cosa, da un oggetto a un suono o un'azione. Fluxus è senza dubbio una delle influenze dell'arte concettuale, anche se non è sempre considerato parte del movimento. Era una tendenza significativa alla pari del concettualismo e i suoi praticanti sono spesso indicati come artisti concettuali.

In parte come risposta al formalismo, come fu poi descritto dal famoso critico d'arte di New York Clement Greenberg, l'arte concettuale sorse come movimento negli anni '60. Secondo Greenberg, l'arte moderna persegue l'obiettivo di stabilire la natura fondamentale e formale di ogni media attraverso un processo di continua riduzione e raffinamento. Le componenti che si opponevano a questa natura dovevano essere ridotte al minimo. Ad esempio, il compito della pittura era descrivere correttamente che tipo di oggetto è un dipinto, e nient'altro: cosa lo rende un dipinto e nient'altro.

Altri, inclusi molti degli artisti stessi, vedevano l'arte concettuale come una rottura fondamentale rispetto al tipo di modernismo formalista di Greenberg. Alcuni hanno suggerito che l'arte concettuale abbia esteso questa "smaterializzazione" dell'arte eliminando completamente la necessità delle cose. Gli artisti successivi ebbero la stessa avversione per l'illusione e la preferenza per l'arte autocritica.

Alla fine degli anni '60, era evidente che le regole di Greenberg per mantenere l'arte entro i parametri di ogni mezzo ed escludere argomenti estranei non erano più valide. Nel tentativo di minare la galleria o il museo come luogo e arbitro dell'arte, così come il mercato dell'arte come proprietario e venditore d'arte, l'arte concettuale ha anche risposto contro la commercializzazione dell'arte.

Arte basata sul linguaggio

La preoccupazione principale della prima generazione di artisti concettuali negli anni '60 e all'inizio degli anni '70 era il linguaggio. Sebbene l'uso del testo nell'arte non fosse una novità, fu solo negli anni '60 che artisti come Lawrence Weiner, Edward Ruscha, Joseph Kosuth, Robert Barry e Art & Language iniziarono a fare arte esclusivamente attraverso il linguaggio. Gli artisti concettuali hanno impiegato il linguaggio al posto del pennello e della tela e gli hanno dato la libertà di significare da solo, in contrasto con il passato in cui il linguaggio era ritratto come un tipo di elemento visivo tra gli altri e subordinato a una composizione complessiva (come il Cubismo sintetico ).

Il passaggio alle teorie linguistiche del significato sia nella filosofia analitica anglo-americana che nella filosofia strutturalista e post strutturalista continentale durante la metà del XX secolo, secondo il filosofo britannico e teorico dell'arte concettuale Peter Osborne, è stato uno dei tanti fattori che hanno influenzato la gravitazione verso l'arte basata sul linguaggio. Questo spostamento linguistico "ha sostenuto e legittimato" la scelta del percorso degli artisti concettuali. I primi concettualisti furono la prima generazione di artisti a completare la formazione accademica in arte basata sulla laurea, secondo Osborne. In una successiva conferenza pubblica, Osborne ha affermato che l'arte contemporanea è post-concettuale. È un'affermazione fatta in relazione all'ontologia della produzione artistica (piuttosto che a livello descrittivo di stile o movimento).

Famosi artisti concettuali

Giuseppe Beuys

L'artista tedesco Joseph Beuys (1921-1986), attivo in Europa e negli Stati Uniti dagli anni '50 all'inizio degli anni '80, divenne noto per il suo lavoro nell'arte concettuale internazionale e nei movimenti Fluxus dell'epoca. L'ampio corpus di opere di Beuys comprende sia i media tradizionali come il disegno, la pittura e la scultura, sia l'arte "d'azione" orientata al processo o basata sul tempo, la cui performance ha suggerito come l'arte possa avere un effetto curativo quando si rivolge a problemi psicologici, sociali , o questioni politiche (sia sull'artista che sul pubblico).

Giuseppe Kosuth

Joseph Kosuth (nato nel 1945) è un artista concettuale e teorico americano. A metà degli anni '60, Joseph Kosuth fu uno dei fondatori dell'arte concettuale, che divenne un movimento significativo che fiorì negli anni '70 e continua ad avere un impatto oggi. Ha esaminato il rapporto tra le idee e le immagini e le parole utilizzate per trasmetterle ed è stato un pioniere nell'uso delle parole al posto delle immagini visive di qualsiasi tipo. Dagli anni '70 ha creato varie installazioni site-specific che continuano a indagare su come gli esseri umani sperimentano, comprendono e reagiscono alle parole.

Sol LeWitt

Sol LeWitt (1928 - 2007) è stato un artista e pittore concettuale americano. Grazie al suo ruolo di primo piano nel movimento concettuale, si è guadagnato un posto negli annali della storia dell'arte. La sua fiducia nel processo creativo dell'artista ha svolto un ruolo cruciale nel passaggio dal periodo moderno a quello postmoderno. La definizione di LeWitt di arte concettuale come atto intellettuale e pragmatico ha fornito un nuovo aspetto al lavoro dell'artista che era significativamente distinto dal romanticismo dell'espressionismo astratto. Le opere d'arte di LeWitt includevano scultura, pittura e disegno oltre a creazioni praticamente interamente concettuali che erano semplicemente concetti o componenti del processo creativo.

Roberto Smithson

Più giovani artisti sono stati influenzati da Robert Smithson (1938-1973) che forse da qualsiasi altro membro del gruppo che si è sviluppato negli anni '60. Era un artista e scrittore di talento i cui interessi includevano fantascienza, mineralogia e cattolicesimo. I suoi primi lavori includevano collage e dipinti, ma presto rivolse la sua attenzione alla scultura in risposta al minimalismo e al concettualismo dei primi anni '60. Iniziò anche a portare la sua arte fuori dalle gallerie e nel paesaggio.

Damien Hirst

Damien Hirst (nato nel 1965) è un artista inglese, l'icona dell'arte degli anni '90 e uno dei più grandi provocatori della fine del XX secolo, nonché una figura controversa nella storia dell'arte contemporanea. Charles Saatchi, un magnate della pubblicità che ha riconosciuto il potenziale nei cadaveri animali in decomposizione di Hirst e gli ha dato un denaro quasi illimitato per continuare, ha aiutato il giovane e sostanzialmente sconosciuto artista a crescere molto e rapidamente.

Il tema della morte domina molti dei pezzi di Hirst. È diventato famoso per un corpo di lavoro che presentava animali morti conservati, occasionalmente sezionati, in formaldeide, tra cui uno squalo, una pecora e una mucca. Il più noto di loro era uno squalo tigre lungo 4,3 m immerso nella formaldeide in una teca di vetro chiamata L'impossibilità fisica della morte nella mente di qualcuno che vive.

Per un artista vivente, Hirst ha creato la storia nel settembre 2008 quando ha scavalcato le sue gallerie di lunga data e ha venduto l'intera mostra, Beautiful Inside My Head Forever, a Sotheby's all'asta. L'asta ha battuto il record per un'asta per un solo artista raccogliendo 111 milioni di sterline (198 milioni di dollari).

Valter de Maria

Walter de Maria (1935 - 2013) è stato uno scultore e artista concettuale americano. Walter de Maria ha creato installazioni di sculture interattive e ha fornito supporto concettuale per opere scultoree su larga scala, unendo diversi gruppi di pratica artistica che sono cresciuti in popolarità negli anni '60. Nelle opere successive, ha anche creato connessioni tra gli spettatori e il mondo naturale incorporando aspetti visivi nell'ambiente stesso o integrando elementi naturali nelle ambientazioni della galleria. Le sue opere più ambiziose erano di grandi dimensioni non solo in termini di dimensioni fisiche ma anche in termini di durata della mostra, con alcuni decenni di durata sia all'interno che all'esterno.

Jenny Holzer

Jenny Holzer (nata nel 1950) è un'artista neo-concettuale americana. Il suo lavoro si concentra principalmente sulla comunicazione di idee e parole in ambienti pubblici e comprende installazioni su larga scala, cartelloni pubblicitari, proiezioni su edifici e altre strutture e display elettronici illuminati. L'opera d'arte testuale di Jenny Holzer può essere trovata in luoghi inaspettati: su magliette, cartelloni pubblicitari, parchimetri e insegne a LED (il mezzo distintivo di Holzer).

L'artista e attivista politico Holzer vuole impedire alle persone di consumare passivamente informazioni da fonti sfavorevoli. L'ambizione e la portata della sua arte, che è stata esposta in luoghi pubblici in gran parte del mondo, si sono espanse insieme alla sua reputazione. Holzer si unisce ai ranghi degli antiautoritari nell'arte dall'inizio del modernismo (che è essenzialmente una lotta contro la tradizione) fino al ventunesimo secolo nel suo forte cinismo del potere.

Lorenzo Weiner

Lawrence Weiner (1942 - 2001) è stato un artista concettuale americano e uno dei pionieri del testo come arte durante l'era del concettualismo. Il suo uso delle parole è notevole per la sua poesia, il suo curioso contatto con il mondo reale e le sue forme visive distintive, spesso vibranti e spesso umoristiche. L'artista della classe operaia Weiner considerava i suoi dipinti come inviti per gli spettatori a rivalutare le loro relazioni con il mondo che li circonda, in particolare con altre persone e sistemi di potere.

Citazioni di artisti concettuali

Sol LeWitt

“Nell'arte concettuale l'idea o il concetto è l'aspetto più importante del lavoro. Quando un artista utilizza una forma d'arte concettuale, significa che tutta la pianificazione e le decisioni vengono prese in anticipo e l'esecuzione è un affare superficiale. L'idea diventa una macchina che fa l'arte.

“I nuovi materiali sono una delle grandi afflizioni dell'arte contemporanea. Alcuni artisti confondono nuovi materiali con nuove idee”.

“Gli artisti insegnano ai critici cosa pensare. I critici ripetono ciò che gli artisti insegnano loro”.

“Nell'arte concettuale l'idea o il concetto è l'aspetto più importante dell'opera”

Giuseppe Kosuth

“Tutto può essere arte. L'arte è relazioni tra relazioni, non relazioni tra oggetti.

"Tutta l'arte (dopo Duchamp) è concettuale (in natura) perché l'arte esiste solo concettualmente."

Damien Hirst

"Hai bisogno di un grande ego per essere un artista."

“I musei sono per gli artisti morti. Non mostrerei mai il mio lavoro alla Tate. Non mi porteresti mai in quel posto.

Valter de Maria

"Penso che per essere un vero minimalista dovresti essere quasi invisibile tu stesso."

"Ogni buona opera dovrebbe avere almeno dieci significati."

Jenny Holzer

"La mancanza di carisma può essere fatale."

“Essere felici è più importante di qualsiasi altra cosa.”

"Tutte le cose sono delicatamente interconnesse."

"Sei una vittima delle regole in base alle quali vivi."

Lorenzo Weiner

“L'unica arte che mi interessa è l'arte che non capisco subito. Se lo capisci subito, in realtà non serve a niente se non come nostalgia.

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