Cosa ti ha ispirato a creare arte e a diventare un artista? (eventi, sentimenti, esperienze...)
Quando ho iniziato a sperimentare con l'autoritratto, lo facevo puramente per introspezione. Lo vedevo come un modo per guardarmi dall'esterno per capirmi dall'interno e, in alcune occasioni, oserei persino dire che serviva come terapia. A poco a poco, ho iniziato a condividere queste immagini e a usarle per condividere le mie esperienze personali. Ho capito che molte persone le trovavano utili per riflettere ed elaborare le proprie emozioni, ed è stato in quel momento che ho capito che il mio lavoro aveva uno scopo nella società. Oggi, vedo la mia arte come, da un lato, uno strumento essenziale per parlare delle mie preoccupazioni, dei miei apprendimenti e delle mie esperienze e, dall'altro, come un modo per capire da dove veniamo e dove stiamo andando. Amo creare connessioni tra narrazioni passate e presenti e pensare a come saremo visti tra 1000 anni. Voglio che quando le generazioni future ci studieranno, sappiano che eravamo anche una civiltà con una grande sensibilità per l'arte e che la tecnologia aveva anche uno scopo pacificatore e creatore di bellezza.
Qual è il tuo background artistico, le tecniche e i temi che hai sperimentato finora?
Quando avevo solo 16 anni, sono andato a studiare fotografia a Malaga. Ho iniziato a studiare fotografia analogica, trascorrendo un anno intero concentrato sullo scatto e lo sviluppo di fotografie con la pellicola. Durante questo periodo, ho capito la fotografia dalle sue radici, dai suoi fondamenti. Ho scoperto una tecnica così meravigliosa che ho deciso di continuare a studiarla e, non appena ho finito, ho conseguito una laurea superiore molto più focalizzata sull'imaging digitale. Durante questi tre anni, ho sperimentato tutti i tipi di fotocamere e formati, da una scatola da scarpe con carta fotosensibile a fotocamere di grande formato. A 19 anni, ho avuto l'opportunità di fare il mio tirocinio a Roma, dove ho trascorso tre mesi con il team Parioli Fotografia, uno studio molto attivo che organizza corsi e mostre in città. Durante questa esperienza, ho scoperto la mia passione per l'arte e ho iniziato a sperimentare con l'autoritratto. Nel corso degli anni, ho provato tutti i tipi di generi fotografici, ma non ne ho trovato uno che mi emozionasse tanto quanto la fotografia in scena.
Quali sono i tre aspetti che ti differenziano dagli altri artisti, rendendo unico il tuo lavoro?
Non credo di fare nulla di tecnicamente unico o diverso dagli altri artisti. Chiunque può imparare a illuminare una scena o a modificarla con Photoshop e ottenere effetti spettacolari. Per me, ciò che rende ogni artista diverso è il carico emotivo portato da ciascuna delle sue opere. La storia dietro di essa, tutte le emozioni coinvolte nel processo creativo: la rabbia, la frustrazione o persino la tristezza, il fascino o la felicità. L'esperienza di ogni individuo e la sua anima sono cose che non possono essere replicate, ed è questo che rende unico il lavoro di ogni artista.
Da dove trai la tua ispirazione?
Tendo a essere molto curioso e a prestare attenzione a tutto ciò che accade intorno a me. L'ispirazione può arrivare attraverso storie di famiglia, durante i miei momenti di studio, visite al museo o anche in una conversazione con gli amici. Quando trovo un argomento che cattura la mia attenzione, tendo a ossessionarmi e a cercare molte informazioni al riguardo. Leggo articoli, cerco immagini o dipinti correlati e cerco eventi storici da confrontare con il modo in cui vediamo le cose ora. Durante questo processo, emergono molte delle idee che in seguito appariranno nel mio lavoro finale.
Qual è il tuo approccio artistico? Quali visioni, sensazioni o sentimenti vuoi evocare nello spettatore?
A prima vista, voglio che l'osservatore si senta a disagio. Riempio le mie opere di un'aura di mistero e di un'atmosfera oscura che fa sì che l'osservatore ne voglia di più, che voglia sapere cosa si nasconde dietro tutta quell'oscurità. È nella seconda impressione che avviene la connessione con l'opera, quando l'osservatore cerca esperienze simili e somiglianze con la propria realtà personale. Per alcuni, potrebbe rimanere solo un'opera estetica e bella, mentre per altri potrebbe aprire un'intera montagna di emozioni. Questa è la parte meravigliosa del portare le opere fuori dallo studio: vedere come appaiono in modo diverso agli occhi di ogni individuo nella società.
Come funziona il tuo processo creativo? Spontaneo o con un lungo processo preparatorio (tecnico, ispirazione da classici dell'arte o altro)?
Dico sempre che il mio processo creativo inizia con uno schizzo, ma in realtà inizia con la ricerca. Come ho detto prima, durante la fase di ricerca, trovo molti degli elementi che voglio che appaiano nel lavoro e li scrivo per poi realizzare lo schizzo con uno schema di illuminazione e la scenografia. Con questo piano, inizio a cercare tutti gli oggetti di scena di cui ho bisogno: sfondi, pavimenti, costumi e tutti gli oggetti che supportano il messaggio che voglio trasmettere. Una volta che ho la scenografia pronta, faccio il primo test di illuminazione e lascio tutto pronto per la sessione. Durante la sessione, scatto le foto previste nello schizzo ma mi lascio anche spazio per sperimentare e seguire il mio intuito. A volte, con la scena davanti a me, preferisco cambiare la posizione di alcuni oggetti o persino la posa dei personaggi. Una volta che ho tutte le fotografie necessarie, inizio la post-produzione. Questa è la parte in cui mi lascio andare di più; direi addirittura che a volte entro in una sorta di trance. Alla fine, il movimento delle mie mani mentre ritocco le fotografie con uno stile pittorico non è molto diverso dall'atto di dipingere o disegnare, e credo che questo mi riporti alla mia infanzia ed evochi sensazioni molto positive. Il passaggio finale è la stampa dell'opera: per me, il processo non è completo finché non ho l'opera fisica davanti a me.
Utilizzi una tecnica di lavoro particolare? Se sì, puoi spiegarla?
Una delle tecniche presenti in tutto il mio lavoro è l'effetto pittorico. Creo questo effetto sia con il trucco che in seguito in post-produzione. Nel trucco, uso ombre e luci per enfatizzare i punti luce su volti e corpi, creando un senso di tridimensionalità fin dall'inizio, che in seguito miglioro con Photoshop. Attraverso Dodge & Burn e la separazione di frequenza, nascondo ciò che non voglio ed evidenzio ciò che voglio. L'uso di ombre e luci mi aiuta a creare una texture che ricorda la pittura classica, oltre ad aggiungere più drammaticità ed enfasi alle luci e alle ombre nell'immagine.
C'è un formato o un mezzo con cui ti senti più a tuo agio? Se sì, perché?
Lavorare in digitale mi dà assoluta libertà nel creare. Sento di avere meno limiti e la possibilità di tornare indietro e apportare modifiche durante il processo stimola la mia creatività e mi incoraggia a sperimentare e continuare a imparare.
Dove crei le tue opere? A casa, in uno studio condiviso o nel tuo laboratorio? E in questo spazio, come organizzi il tuo lavoro creativo?
Ho creato opere in spazi piccoli come una stanza di 3x3 metri, usando la porta per appendere lo sfondo, e grandi come le stanze di un castello del XIII secolo nel nord Italia. È divertente perché l'opera creata nello spazio più piccolo (Censored Art - 160x110cm) è finita per essere la più grande che ho nel mio studio oggi.
Negli ultimi anni ho viaggiato e traslocato diverse volte, quindi lo spazio non è mai stato un limite per me. Ecco cosa amo dell'arte digitale: ti consente di creare interi universi con solo un computer e una tavoletta grafica.
Attualmente vivo tra la Spagna e l'Italia, quindi ho un piccolo studio nella mia città natale in Spagna e, quando sono in Italia, di solito creo a casa o nel Castello di Monesiglio, quando è disponibile.
Il tuo lavoro ti porta a viaggiare per incontrare nuovi collezionisti, per fiere o mostre? Se sì, cosa ti porta?
Avere l'opportunità di viaggiare con il mio lavoro è molto gratificante. Esporre in città fuori dalla Spagna, come Roma o Rivoli, mi ha dato nuove prospettive sul mondo dell'arte. Credo che ogni cultura e paese abbia i suoi "filtri" quando si tratta di valutare l'arte, e per me è molto interessante vedere come l'opinione dello spettatore cambia da un paese all'altro.
Rimanere nel proprio Paese significa chiudere i confini a un pubblico che potrebbe innamorarsi a prima vista del tuo lavoro.
Come immagini l'evoluzione futura del tuo lavoro e della tua carriera di artista?
Immagino opere più complesse in termini di ambientazione e personaggi. In futuro, vorrei che fosse necessario tornare due o tre volte per vedere l'opera e trovare ancora dettagli che prima non erano stati notati. Voglio che il formato delle fotografie sia così grande da dare all'osservatore la sensazione di essere dentro la scena.
Inoltre, il mio obiettivo è continuare a lavorare sulla mia presenza nel mercato dell'arte internazionale, viaggiando, partecipando a mostre collettive e personali, fiere d'arte e collaborando con gallerie e collezionisti.
Qual è il tema, lo stile o la tecnica della tua ultima produzione artistica?
Il mio ultimo lavoro è "The Judgment", una fotografia 60x90cm realizzata su carta baritata Hahnemühle, che parla dell'autogiudizio e di come gli esseri umani siano capaci di autolimitarsi per paura del giudizio esterno, ma in realtà è l'autocritica a paralizzarli.
Si tratta di un'opera in stile neobarocco che crea un senso di disagio dovuto alla continua osservazione delle figure senza volto che circondano il personaggio centrale.
L'immagine è un autoritratto creato tramite fotomontaggio digitale, composto da un massimo di 6 immagini scattate nella stessa ambientazione e nelle stesse condizioni di illuminazione, che sono state poi unite in Photoshop per creare una stanza piena di persone.
Puoi raccontarci qual è stata la tua esperienza espositiva più importante?
L'estate scorsa ho avuto "Oscura Luce", la mia prima mostra personale in Italia, al Museo Casa del Conte Verde di Rivoli, un edificio del XV secolo situato nel centro storico della città. La mostra ha segnato il mio ingresso nel mercato internazionale, generando una notevole attenzione mediatica in Italia.
Se avessi potuto creare un'opera famosa nella storia dell'arte, quale avresti scelto? E perché?
La Vocazione di San Matteo di Caravaggio, che si trova nella Chiesa di San Luigi dei Francesi. Credo che quest'opera abbia due elementi che sono incredibilmente stimolanti per me: il numero di persone congelate in un momento preciso all'interno della scena e il grande uso del chiaroscuro da parte di Michelangelo Merisi. Penso che sia un'opera in cui puoi perderti nell'osservare tutti i dettagli e cercare di capire cosa provava ogni personaggio al momento dell'evento. Mi piace che nella scena ci sia una separazione tra i personaggi e lo spettatore, come se non si rendessero conto che li stiamo osservando.
Se potessi invitare a cena un artista famoso (vivo o morto), chi sarebbe? Come gli suggeriresti di trascorrere la serata?
Ci sono molti artisti con cui mi piacerebbe sedermi e fare numerose domande per imparare da loro, ma poiché posso sceglierne solo uno, sceglierei Eugenio Recuenco, un fotografo e artista spagnolo che lavora sia con la fotografia cinematografica che pittorica. Gli chiederei di spiegare la sua esperienza nel corso della sua carriera di fotografo creativo in Spagna.
Olimpia Gaia Martinelli
| Rivista di ArtMajeur
