Cosa ti ha fatto avvicinare all'arte e diventare un artista? (eventi, sensazioni, esperienze...)
Poiché diverse generazioni della mia famiglia si erano dedicate all'arte, assolutamente tutto nel mio ambiente domestico ha contribuito al mio sviluppo creativo fin dalla prima infanzia.
Qual è il tuo percorso artistico, le tecniche e le materie che hai sperimentato fino ad oggi?
Come la maggior parte degli artisti, ho cercato la mia strada nell'arte. Prima di tutto, per me, si trattava di trovare un argomento che mi interessasse a livello personale. Tra i miei temi preferiti c'è la psicologia delle interrelazioni umane, rappresentata attraverso un prisma di ingenue percezioni infantili del mondo, che, credo, persistono in ognuno di noi fino al giorno in cui moriamo. Per quanto riguarda la tecnica, ovviamente, mentre studiavo arte usavo una varietà di metodi e materiali diversi. Tuttavia, ormai da diversi anni, preferisco lavorare con colori acrilici e utilizzare anche matite acriliche e acquerellabili nei miei lavori grafici.
Quali sono 3 aspetti che ti differenziano dagli altri artisti, rendendo unico il tuo lavoro?
Posso sottolineare due aspetti: il primo è l'immagine dell'eroe primario dei miei quadri, che ho creato e che amo molto. Il secondo è il mio stile personale, che combina elementi del surrealismo con il primo Rinascimento settentrionale, insieme al suo intrinseco misticismo e simbolismo.
Ogni generazione di artisti si basa sui risultati di quelli che l'hanno preceduta, spesso combinando diverse tendenze stilistiche o prendendo in prestito alcune caratteristiche di questo o quello stile come mezzo per ottenere un particolare risultato. Certo, alcuni artisti hanno cercato di negare o ignorare completamente i risultati artistici del passato, ma questi tentativi generalmente si traducono in dipinti come il "Quadrato nero".
A mio avviso, è importante per ogni artista creare il proprio linguaggio nell'arte sintetizzando elementi di vari stili preesistenti. Una sintesi stilistica unica è ciò che rende un artista riconoscibile e allo stesso tempo diverso da tutti gli altri.
Questo è un compito difficile, ottenuto per tentativi ed errori e onestà con se stessi.
da dove viene la tua ispirazione?
La necessità di disegnare è uno stato naturale per me.
Inizia con qualsiasi cosa mi ecciti o mi preoccupi al momento, una sorta di risposta alle mie emozioni interiori. Lo stato designato dalla parola “ispirato”, sorge nel momento in cui il desiderio di lavorare ti attira sulla tela come una calamita.
Qual è l'intento della tua arte? Quali visioni, sensazioni o sentimenti vuoi evocare nello spettatore?
L'intento della mia arte è comunicare con le persone, con il pubblico.
L'arte per me è un mezzo per interagire. È un linguaggio in cui posso trasmettere nel modo più accurato la mia visione del mondo.
Un modo per scuotere qualcuno dalla banale routine, e fargli riflettere sulla sua esistenza attraverso la percezione sensoriale. Per dargli l'opportunità di provare un sentimento o un senso che potrebbe non aver mai incontrato nella sua vita. È un tentativo di aiutare qualcuno a vedere la bellezza, la luce e la speranza nel nostro mondo non semplice.
Qual è il processo di creazione delle tue opere? Spontaneo o con un lungo processo preparatorio (tecnica, ispirazione dai classici dell'arte o altro)?
L'idea reale del dipinto può nascere spontaneamente, ma dopo ha bisogno di "maturare" e prendere forma e forma nella mia mente. Poi viene la ricerca e la selezione dei materiali per la visualizzazione esterna dell'idea spontanea.
Quali tecniche preferisci? Se sì, puoi spiegarmelo?
Se la parola tecnica si riferisce a un insieme di mezzi e metodi professionali, allora per me tutto è abbastanza tradizionale, dalla preparazione della tela alla verniciatura del dipinto.
Se, tuttavia, la "tecnica" può essere intesa come un modo per raggiungere il proprio obiettivo, allora la mia tecnica è quella di dedicare a ciascun dipinto tutto il tempo necessario. Per resistere alla tentazione di finirlo il prima possibile.
Ci sono aspetti innovativi nel tuo lavoro? Puoi dirci quali?
Non mi considero tra gli innovatori. Piuttosto, sono una specie di conservatore, nel senso che cerco di aderire alle tecniche pittoriche degli antichi maestri.
Hai un formato o un mezzo con cui ti senti più a tuo agio? Se sì, perché?
Il formato e le dimensioni del dipinto dipendono dal concetto del pezzo.
Di norma, il supporto è solitamente tela.
Dove produci i tuoi lavori? A casa, in uno studio condiviso o privato? E all'interno di questo spazio come è organizzata la tua produzione?
Adoro la mia casa con la sua vista aperta su un bellissimo paesaggio lacustre, e il mio spazio di lavoro non richiede una grande area poiché include solo un cavalletto, una rastrelliera con colori e pennelli e un computer. Quindi non ho mai avuto bisogno di uno studio separato.
Il tuo lavoro ti porta a viaggiare per incontrare nuovi collezionisti, per mostre o mostre? Se sì, cosa ci guadagni?
Sì, naturalmente. Questa è una parte del mio lavoro.
Mostre, incontrare nuove persone, impressioni da viaggi in diversi paesi, tutto questo crea un'enorme carica di energia ed è una parte importante della professione di un artista.
Come immagini l'evoluzione del tuo lavoro e della tua figura di artista nel futuro?
Il vero lavoro di ogni creativo, secondo me, consiste nel continuo perfezionamento della propria tecnica. Non per amore della tecnica, ma piuttosto per migliorare la possibilità di una più chiara e accurata visualizzazione dell'intento artistico.
L'unicità di una specifica opera d'arte risiede nella sua originalità e insostituibilità.
Se non fosse stata scoperta da Newton, la legge di gravitazione universale sarebbe stata scoperta prima o poi da un altro scienziato.
Invece, una determinata opera pittorica, scultorea, musicale o letteraria, se non fosse stata creata dal suo autore, non sarebbe mai stata creata da nessun altro!
Poiché il filo conduttore del mio lavoro non è di natura transitoria, spero che in futuro possa ancora risuonare nel cuore delle persone.
Qual è il tema, lo stile o la tecnica della tua ultima produzione artistica?
Il mio ultimo dipinto, "Vesper", è la continuazione di una serie del mio lavoro precedente.
Preferirei non verbalizzare l'argomento per non imporre allo spettatore il significato che intendevo dare all'opera.
Per me, lo spettatore è come un musicista che interpreta l'opera di un compositore. Ognuno scelga la propria interpretazione.
Ci racconti la tua esperienza espositiva più importante?
Come ho già detto, le mostre sono una parte importante della vita di un artista.
In base alla mia esperienza, una caratteristica essenziale di qualsiasi mostra è l'opportunità di un feedback. La possibilità di interagire direttamente con gli spettatori. A mio parere, è un peccato che molti artisti trascurino di utilizzare questa opportunità molto significativa.
Se potessi realizzare un'opera famosa nella storia dell'arte, quale sceglieresti? E perché lo sceglieresti?
Avrei scelto il Dittico di Memling con l'Allegoria del Vero Amore.
Principalmente perché Memling è il mio artista preferito. È riuscito a raggiungere ciò per cui mi sforzo sempre. E il motivo per cui sceglierei questo particolare pezzo è perché ci vedo una sorta di magia, un mistero che mi affascina.
Se potessi invitare a cena un artista famoso (vivo o morto), chi sarebbe? Come gli/le proporresti di trascorrere la serata?
Memling, ovviamente. Cercherei di tenere sempre pieno il suo bicchiere di vino in modo che mi rivelasse ubriaco i suoi segreti professionali.
E, se potessi convincerlo a lasciarmi sedere in silenzio dietro di lui mentre dipinge, sarei felicissimo.
Puoi provare a spiegare cosa si cela dietro la tua indagine figurativa?
Per me, in quanto artista che lavora in uno stile realistico, la rappresentazione di una persona è legata alle specificità del suo sesso, età, tempo e posizione del personaggio nel dipinto. Queste condizioni, tuttavia, ostacolavano il mio desiderio di rappresentare la psiche, o lo stato psicologico, di una persona attraverso l'uso di immagini simboliche intese a influenzare lo spettatore a livello subconscio.
La contraddizione tra il desiderio di realismo, da un lato, e la trasmissione di tratti psicologici universali insiti in una persona durante tutto il suo sviluppo, dall'altro, mi ha fatto cercare un personaggio che mi permettesse di aggirare i limiti associati a realismo, senza staccarsi dallo stile stesso. Le immagini dell'antico Egitto di mezzo uomo e mezzo animale mi hanno ispirato a cercare l'immagine di cui avevo bisogno in quella direzione. Durante la ricerca sul ruolo degli animali nella cultura umana, ho scoperto che la lepre appare spesso come un personaggio nelle fiabe e nei miti di molte culture e persone diverse, dall'America all'Estremo Oriente, dall'Africa all'Europa. Nella mitologia, la lepre è collegata alla luna, al cielo e al sole. La sua immagine può essere trovata su antiche ceramiche, monete, geroglifici e nei poemi epici popolari. Quello che mi ha attratto di più è stato che in queste fiabe e miti la lepre spesso incarna sia il maschile che il femminile, personificando anche tutte le qualità e i difetti della natura umana.
Mi piace chiamare i miei quadri “Fiabe filosofiche per adulti”.
Uso immagini di animali per descrivere le persone e, naturalmente, il rapporto tra uomini e donne.
Dopotutto, abbiamo tutti un po' dell'animale in noi...
La mia serie “Pyramid” è l'espressione di un concetto filosofico e spirituale che riflette l'equilibrio delle forze opposte nella vita di una persona. Ogni elemento in ogni dipinto è sia un simbolo che un suggerimento. Ad esempio, un uccello simboleggia la spiritualità, mentre una chiave è una risposta a una domanda.
I miei dipinti sottolineano il desiderio umano di uno sviluppo armonioso. Tutti gli elementi del dipinto sono interconnessi dal concetto generale dell'autore. Tuttavia, ogni spettatore può trovare la propria versione di come questi elementi si relazionano tra loro.
Olimpia Gaia Martinelli
| Rivista di ArtMajeur
