Henri Émile Benoît Matisse, nato il 31 dicembre 1869 a Le Cateau-Cambrésis, in Francia, è stato un pioniere dell'arte visiva francese, la cui padronanza del colore e l'innovativa abilità nel disegno hanno lasciato un segno indelebile nell'arte moderna. Noto principalmente come pittore, Matisse eccelleva anche come disegnatore, incisore e scultore. Il suo lavoro, caratterizzato dal suo vibrante colorismo e dalle forme fluide, lo ha posizionato accanto a Pablo Picasso come una delle figure principali negli sviluppi rivoluzionari nelle arti visive all'inizio del ventesimo secolo. Dalla sua prima notorietà come fauve al suo stile successivo, più rilassato negli anni '20 e ai suoi audaci collage di carta tagliata negli ultimi anni, il viaggio artistico di Matisse ha attraversato oltre mezzo secolo, consolidando la sua eredità come figura centrale nell'evoluzione dell'arte moderna.
Biografia dell'artista: Henri Matisse
Henri Matisse nacque la notte di Capodanno del 1869 a Le Cateau-Cambrésis, una città nel nord della Francia. Essendo il figlio maggiore di un prospero commerciante di cereali, ci si aspettava che seguisse un percorso convenzionale, e inizialmente lo fece studiando legge a Parigi nel 1887. Dopo la laurea, tornò nella sua città natale per lavorare come amministratore di tribunale. Tuttavia, nel 1889, mentre si riprendeva da un'appendicite, la vita di Matisse prese una svolta drammatica. Sua madre gli fornì materiale artistico per passare il tempo durante la convalescenza, e fu allora che Matisse scoprì la sua vera passione. Descrisse l'esperienza come la scoperta di "una specie di paradiso", che lo portò a perseguire l'arte, con grande delusione di suo padre.
Nel 1891, Matisse tornò a Parigi per studiare arte, iscrivendosi all'Académie Julian e all'École Nationale des Beaux-Arts sotto la tutela di artisti rinomati come William-Adolphe Bouguereau e Gustave Moreau. Inizialmente, Matisse si concentrò su nature morte e paesaggi, traendo ispirazione da maestri come Jean-Baptiste-Siméon Chardin e Nicolas Poussin. Tuttavia, il suo incontro con il pittore australiano John Russell nel 1896 si rivelò un momento cruciale. Russell introdusse Matisse all'Impressionismo e alle opere vibranti di Vincent van Gogh, portando Matisse ad abbandonare la sua tavolozza smorzata per i colori vivaci ed espressivi che avrebbero definito il suo stile. I primi anni di Matisse come artista furono segnati da sfide personali e finanziarie. Sposò Amélie Noellie Parayre nel 1898 e insieme crebbero la loro figlia Marguerite, nata da una precedente relazione, e due figli, Jean e Pierre. L'inizio del secolo vide Matisse sperimentare varie tecniche, tra cui il divisionismo, che adottò dopo aver studiato l'opera di Paul Signac. Tuttavia, difficoltà finanziarie, in particolare le ricadute dell'affare Humbert che coinvolse i suoi suoceri, costrinsero Matisse a creare opere più vendibili nei primi anni del 1900.
Nonostante queste difficoltà, l'arte di Matisse continuò a evolversi. La sua amicizia e rivalità con Pablo Picasso, che incontrò intorno al 1906, spinse ulteriormente i confini della sua creatività. A differenza di Picasso, che spesso dipingeva d'immaginazione, Matisse rimase fedele al disegno della natura, raffigurando spesso donne e nature morte in interni riccamente dettagliati. I suoi legami con la famiglia Stein e le sorelle Cone a Parigi fornirono un supporto cruciale durante questo periodo, contribuendo a stabilire Matisse come una figura di spicco nel movimento artistico moderno. Il viaggio artistico di Matisse lo portò a nuove vette negli anni '10 e '20, in particolare durante il suo soggiorno in Marocco, dove realizzò una serie di dipinti ispirati ai colori vivaci e alla cultura che incontrò. I suoi ultimi anni furono segnati da un significativo cambiamento di mezzo a causa di problemi di salute, che lo portarono a creare i suoi famosi ritagli. Questi collage di carta colorati, nati per necessità dopo una diagnosi di cancro nel 1941, divennero una nuova forma di espressione rivoluzionaria, che mostrava l'inflessibile creatività di Matisse anche di fronte a limitazioni fisiche.
Breve storia del fauvismo
Il fauvismo emerse come movimento d'avanguardia intorno al 1900, raggiungendo il suo apice tra il 1904 e il 1908. Questo movimento breve ma di impatto fu caratterizzato da tre mostre e fu guidato principalmente da Henri Matisse e André Derain. Lo stile è caratterizzato dall'uso di colori vividi, spesso discordanti, che non venivano impiegati per replicare la natura ma per esprimere intensità emotiva. L'incontro di Matisse con i neoimpressionisti a St. Tropez nel 1904 approfondì la sua affinità per i colori vivaci ed espressivi, culminando in opere come Luxe, Calme et Volupté . Nel 1905, durante il suo soggiorno a Collioure con Derain, i dipinti di Matisse iniziarono a incarnare le forme piatte e le linee audaci che avrebbero definito il fauvismo. Quest'anno si tenne anche la famigerata mostra al Salon d'Automne, dove le opere di Matisse e di altri artisti, in seguito soprannominate "Fauves" (bestie selvagge), sconvolsero i critici con il loro audace uso del colore. Il termine "Fauvismo" stesso fu coniato dal critico Louis Vauxcelles, che, nella sua recensione, paragonò gli artisti a bestie selvagge nel loro approccio radicale al colore. Nonostante la sua breve durata, il Fauvismo influenzò profondamente l'arte moderna, aprendo la strada a movimenti futuri che avrebbero dato priorità all'espressione emotiva rispetto alla rappresentazione realistica. Matisse, sebbene inizialmente criticato, continuò a esplorare e perfezionare il suo uso del colore e della forma ben oltre il declino del Fauvismo, assicurandosi un posto come uno degli artisti più significativi del XX secolo.
Les Nudes: Nu Bleu II (2007) di Henri Matisse
Henri Matisse, Nu Bleu II , 2007. Incisione, litografia su carta, 76 cm x 62 cm.
Nella serenità del blu, Henri Matisse ha catturato un mondo sia tangibile che etereo, dove forma e colore danzano in fluidità armoniosa. Nu Bleu II non è semplicemente una litografia; è un sussurro dell'oceano, un cielo intriso di crepuscolo, un corpo plasmato dai sogni. Matisse, con mani costrette dall'età e dalla malattia, ha trasformato la limitazione in liberazione, brandendo le forbici come un pennello, tagliando la carta con la precisione di uno scultore. La litografia, parte della sua iconica serie Blue Nudes , è una testimonianza della semplicità e della profondità della sua visione. Ogni curva, ogni linea, è una sinfonia in blu, una tonalità che Matisse venerava per la sua capacità di trasmettere sia distanza che volume. La figura è reclinata in un eterno abbraccio di se stessa, i suoi arti si intrecciano in una posa che ricorda il morbido riposo delle opere precedenti, ma qui è distillata in pura forma e colore. Realizzata con cura, la litografia è nata nel cuore della Francia, dove la carta è stata amorevolmente prodotta negli Arches of Vosges e ogni colore è stato pressato con meticolosa attenzione all'intento originale di Matisse. Sebbene piatta, l'opera respira con la dimensionalità della scultura, i ritagli sovrapposti creano una texture simile a un rilievo che invita l'occhio a tracciarne i contorni ancora e ancora. Nu Bleu II è più di un'opera d'arte; è un dialogo tra il fisico e l'effimero, una celebrazione della vibrante semplicità della vita e un promemoria che anche nei nostri momenti più limitati, la creatività può prosperare in modi sconfinati.
Opere d'arte iconiche
Le sue prime esplorazioni nella pittura, influenzate dal periodo trascorso nello studio di Gustave Moreau, produssero delicate nature morte come Blue Pot and Lemon (1897) e Le Mur Rose (1898), che mostrano il suo crescente interesse per il colore e la forma. Con l'avvicinarsi dei primi anni del 1900, il lavoro di Matisse divenne sempre più audace, con pezzi come Woman with a Hat (1905) che catturavano gli audaci contrasti di colore che avrebbero definito il Fauvismo. Il periodo dal 1905 al 1910 vide la creazione di alcune delle sue opere più celebri, tra cui The Green Line (1905), dove l'uso di un singolo colore sorprendente accentuava la profondità emotiva del ritratto. Il fascino di Matisse per l'interazione tra colore e spazio raggiunse il culmine in capolavori come Le bonheur de vivre (1905-06) e La Danse (1910), dove esplorò temi di gioia e movimento attraverso forme fluide e ondulate. Le sue opere successive, come L'Atelier Rouge (1911) e Goldfish (1912), continuarono a spingere i confini del colore, della forma e della prospettiva, culminando in un'eredità che ridefinì le possibilità di espressione visiva nel XX secolo. Attraverso le sue sculture, come The Back Series e Nu couché I (1906-07), Matisse dimostrò anche la sua padronanza della forma tridimensionale, consolidando ulteriormente il suo posto come figura fondamentale nell'evoluzione dell'arte moderna.
L'eredità di Henri Matisse è preservata attraverso vari successi e istituzioni degni di nota. La prima acquisizione pubblica della sua opera è stata Natura morta con gerani (1910), ora esposta nella Pinakothek der Moderne. Il suo dipinto The Plum Blossoms (1948) è stato acquistato dal Museum of Modern Art nel 2005 per una cifra stimata di 25 milioni di dollari, segnando un momento significativo nel mercato dell'arte. Inoltre, nel 2002, la sua scultura Reclining Nude I (Dawn) ha stabilito un record vendendo per 9,2 milioni di dollari. La famiglia di Matisse ha svolto un ruolo cruciale nel promuovere e preservare la sua eredità; sua figlia Marguerite, scomparsa nel 1982, ha fornito preziose informazioni sulla sua opera, mentre suo figlio Pierre ha fondato una galleria d'arte moderna di spicco a New York, esponendo importanti artisti europei, tra cui Matisse. L'eredità continua con suo nipote Paul Matisse, artista e inventore, e la sua pronipote Sophie Matisse, che è anche un'artista attiva. Il Musée Matisse di Nizza, uno dei più grandi depositi al mondo delle sue opere, racconta il suo percorso artistico e si trova nella storica Villa des Arènes a Cimiez. Oltre alla Terra, l'influenza di Matisse si estende allo spazio, con un cratere su Mercurio che porta il suo nome.
Selena Mattei
| Rivista di ArtMajeur
