Arturo Herrera: padroneggiare l'arte del collage visivo ritmico

Punti chiave

• Arturo Herrera è un artista venezuelano noto per i suoi collage contemporanei .
• Il suo lavoro combina riferimenti alla cultura pop, segni gestuali e forme astratte per creare un linguaggio visivo unico.
• La tecnica del collage di Herrera è caratterizzata dalla frammentazione, dalla ripetizione e dalla dislocazione delle immagini.
• La sua arte oscilla tra astrazione e figurazione, invitando l'osservatore a esplorare immagini familiari ma distaccate.
• L'opera di Herrera ha ottenuto il plauso della critica, consolidando la sua posizione di figura di spicco nel panorama dell'arte contemporanea.

Arturo Herrera, artista venezuelano residente a Berlino (n. 1959), è noto per le sue opere basate sul collage che fondono iconografia pop, astrazione e figurazione. La sua arte esplora l'ambiguità attraverso frammentazione, ripetizione e dislocazione, coinvolgendo memoria e fantasia. Herrera ha esposto al MoMA, al Whitney Museum e al Castello di Rivoli, tra gli altri, e ha ricevuto borse di studio Guggenheim e DAAD. Le sue opere sono presenti in collezioni come il MoMA, la Tate e il Museo Reina Sofia.

Un maestro del collage e dell'ambiguità

Arturo Herrera, nato a Caracas, Venezuela, nel 1959, è un artista visivo di base a Berlino, celebrato per il suo lavoro rivoluzionario nel collage. La sua arte fonde perfettamente frammenti di cultura pop, gesti espressivi e forme astratte, creando composizioni ritmiche che sfidano la narrazione convenzionale. Il processo creativo di Herrera coinvolge frammentazione, ripetizione e dislocazione, dando vita a immagini che si bilanciano sul bordo tra astrazione e figurazione, familiari ma sfuggenti.

I critici elogiano l'ambiguità del suo lavoro, che invita gli spettatori a esplorare temi di memoria, fantasia e interpretazione subconscia. Nel 2020, Ara H. Merjian ha descritto la sua pratica come "camaleontica ma coerente", dando nuova vita al collage modernista esplorando le tensioni tra precisione e spontaneità, così come posizionamento e spostamento.

La variegata pratica artistica di Herrera comprende opere su carta, rilievi, sculture, arte pubblica e libri, tutti elementi che riflettono il suo uso innovativo di materiali e idee.

I contributi artistici di Arturo Herrera sono stati celebrati in tutto il mondo, con mostre in prestigiose istituzioni come il Museum of Modern Art (MoMA), il Whitney Museum, il Castello di Rivoli e l'Hammer Museum. Il suo lavoro gli ha fatto guadagnare premi e borse di studio stimati, tra cui la Guggenheim Fellowship e la borsa di studio DAAD. L'arte di Herrera fa parte delle collezioni permanenti di importanti musei come la Tate, il Museo Reina Sofia e il MoMA, consolidando la sua influenza nell'arte contemporanea.

Nato a Caracas nel 1959, Arturo Herrera si trasferì negli Stati Uniti nel 1978 per studiare arte. Ottenne un BFA presso l'Università di Tulsa nel 1982 e in seguito completò un MFA presso l'Università dell'Illinois a Chicago nel 1992. Durante questo periodo, Herrera perfezionò la sua tecnica distintiva di ritaglio e collage di immagini tratte da libri da colorare, fumetti e racconti illustrati, trasformandoli in forme biomorfe e astratte.

La carriera di Herrera ha preso slancio negli anni '90 con mostre personali a Chicago e New York. Entro il 2000, è stato esposto in luoghi rinomati come il MoMA PS1, la Whitney Biennial e l'Hammer Museum. La sua carriera successiva ha incluso mostre alla Tate Modern, all'Albright-Knox Art Museum e al Ruby City.

Attualmente residente a Berlino, dove vive dal 2003, Arturo Herrera continua a spingere i confini dell'arte contemporanea. Ha esposto i suoi lavori in gallerie di spicco come Sikkema Jenkins & Co (New York), Thomas Dane (Londra) e Franco Noero (Torino). Il suo approccio multidisciplinare, che abbraccia pittura, scultura e installazioni pubbliche, riflette la sua capacità di adattarsi e innovare, pur rimanendo radicato nella sua pratica del collage.

L'opera di Herrera rimane una pietra miliare dell'arte moderna, celebrata per la sua audace sperimentazione e la sua capacità di evocare un profondo coinvolgimento emotivo e intellettuale.

Collage, contesto e interpretazione

Il lavoro di Arturo Herrera abbraccia una varietà di media e materiali, ma è maggiormente riconosciuto per i suoi collage di tecniche miste , opere su carta, sculture in feltro e dipinti murali di grandi dimensioni. La sua arte spesso si sviluppa in serie, enfatizzando l'interazione di continuità, interruzione e relazioni associative tra diversi materiali, corpi di opere e mostre. La storica dell'arte Carolyn Christov-Bakargiev colloca la pratica di Herrera all'interno di una discendenza che va dall'arte di appropriazione degli anni '80 e dalla Pop art degli anni '50-'60, fino alle fondamenta del XX secolo del surrealismo, dell'astrazione lirica e del collage cubista.

I critici hanno notato come Herrera estenda queste tradizioni artistiche in territorio concettuale, impiegando omissioni, spunti minimi e assenza per sfidare le aspettative di mezzi come pittura, scultura e collage. Pablo Helguera ha paragonato le opere di Herrera ai test di Rorschach, oscillando tra l'esplicito e l'implicito, il familiare e lo strano, riformulando i riferimenti pop-culturali da narrazioni personali in regni aperti e interpretativi. Allo stesso modo, Jessica Morgan ha descritto le prime creazioni di Herrera come "spazi infantili di immaginazione" che sovvertono la narrazione tradizionale. Queste opere incoraggiano letture impulsive e associative, esplorando al contempo strati psicologici e culturali più profondi. Le sue opere successive abbracciano un linguaggio visivo più frammentato e non lineare che riflette la complessità e la molteplicità dell'esperienza postmoderna.

Collages: dalla sovversione all'esplorazione

I primi lavori di Herrera presentavano collage meticolosamente realizzati che univano frammenti di libri da colorare, cartoni animati, pubblicità e fiabe con segni gestuali e forme astratte. Queste composizioni spesso giustapponevano elementi incongrui, come il torso di Paperino che si trasformava in una gelateria o fumetti scarabocchiati che interagivano con oggetti di uso quotidiano, creando bizzarri ibridi che sovvertivano l'innocenza delle loro immagini originali. I critici, come Holland Cotter del New York Times , descrissero la sua serie "Desire" del 1994 come "polimorficamente perversa e dolce", evocando temi più oscuri e inconsci di violenza e sessualità sotto una superficie giocosa.

Nel suo progetto web interattivo Almost Home (Dia Center, 1998), Herrera ha permesso agli spettatori di interagire direttamente con la sua arte, abbinando collage animati e statici in combinazioni imprevedibili e giocose.

Serie successive ed evoluzione artistica

Le opere successive di Herrera hanno ampliato il suo vocabolario visivo, incorporando influenze provenienti dall'astrazione, dalla danza moderna e dalla pittura gestuale. Serie come Keep in Touch (2004), Boy and Dwarf (2006-7) e Trigger (2009) hanno sovrapposto forme colorate, dense texture e scarabocchi fluidi su immagini basate sui cartoni animati. La serie "Boy and Dwarf", ad esempio, presentava 75 collage appesi uno vicino all'altro che suggerivano una foresta labirintica di colori, astrazione e immagini nascoste. In queste opere, i personaggi principali dei cartoni animati erano spesso oscurati da strati di carta da parati, serigrafia e pittura gestuale, trasformando i loro contesti originali in intricate esplorazioni visive.

Herrera si è anche avventurato in opere di immagini in movimento, come Les Noces (The Wedding) (2011), un montaggio statico ma ritmico di immagini astratte sincronizzate con il balletto-cantata di Igor Stravinsky. Utilizzando ritagli di ritaglio dal suo studio, Herrera ha trasformato il suo linguaggio visivo in forma cinematografica, riecheggiando l'approccio stratificato dei suoi collage.

L'arte di Arturo Herrera continua a sfidare le narrazioni tradizionali ed esplorare i confini dell'interpretazione, creando spazi in cui astrazione, cultura pop e risonanza emotiva si scontrano in modi dinamici e stimolanti.

Esplorazione dell'arte murale e delle forme scultoree

A metà degli anni Novanta, Arturo Herrera espanse la sua pratica basata sul collage in nuovi territori, creando pitture murali site-specific , sculture in feltro e altri oggetti tridimensionali. Queste opere spesso propendevano verso l'astrazione e il minimalismo, mantenendo il suo lato giocoso e concettuale. Durante questo periodo, le mostre di Herrera combinavano queste opere in modi dinamici, sfidando le norme convenzionali con umorismo, forme biomorfiche e un senso di sperimentazione fuori asse.

Un esempio notevole è la sua mostra del 1998 alla Renaissance Society, che presentava vivaci dipinti murali, una lastra bianca curva di truciolato, sculture da pavimento fatte di fili intrecciati e rilievi in gesso di personaggi come Jiminy Cricket e Pluto. Questi rilievi, montati su pareti per rivelare sia le loro strutture interne che esterne, incarnavano l'esplorazione di Herrera di immagini frammentate e stratificate.

Dipinti murali: danze astratte di forma e colore

I dipinti murali di Herrera debuttarono nel 1994 con un audace cartellone pubblicitario all'aperto a Chicago, segnando l'inizio dei suoi esperimenti con forme astratte ritmiche e colori vivaci. I suoi primi lavori spaziavano da figurativi e apertamente provocatori, come Out of Twenty-Four (MCA Chicago, 1995), a composizioni astratte come Tale (Randolph Street Gallery, 1995), una cascata fluente di forme arancioni da cartone animato.

I dipinti murali successivi, come All I Ask (Walker Art Center, 1999), presentavano forme dense e semi-referenziali, mentre When Alone Again (Hammer Museum, 2001) offriva un'opera gestuale in rosso su bianco. Nel tempo, i dipinti murali di Herrera si sono spostati verso uno stile lirico e astratto, fondendo spazi positivi e negativi in composizioni armoniose. Tra le opere degne di nota figurano Adam (Linda Pace Foundation, 2013), Come Again (Gladstone Gallery, 2015) e l'ampio Wall Painting for Austin (2022), un murale all'aperto di 6.500 piedi quadrati.

Sculture in feltro: tra eleganza e decadenza

Nel 1998, Herrera presentò sculture in feltro di grandi dimensioni, evocando una reinterpretazione tattile dell'espressionismo astratto. Queste opere presentavano forme ritagliate che ricordavano gocce e schizzi, ma apparivano appuntate e leggermente cadenti, criticando sottilmente l'ethos "eroico" del movimento. La critica del New York Times Roberta Smith descrisse queste opere come "astrazioni che si sciolgono, simili a ragnatele... infestate da fantasmi familiari che rimangono sfuggenti".

Alcune sculture in feltro, come At Your Side (2001), si concentravano sui temi dell'occultamento e dell'assenza attraverso forme solide e gestuali. Successivamente, pezzi in feltro adottarono una qualità più figurativa, facendo riferimento a forme biomorfe surrealiste ( Orfeo , 2007) o strutture simili a indumenti drappeggiati dalle pareti o accartocciati sul pavimento ( Felt #19 , 2009).

Attraverso i suoi dipinti murali e le sculture in feltro, Arturo Herrera continua a superare i confini, fondendo l'astrazione con il concettualismo giocoso e sfidando al contempo le aspettative tradizionali di medium e forma.

Mostre successive: esplorare nuove dimensioni

Nelle sue mostre più recenti, Arturo Herrera si è immerso in opere sempre più intricate, spesso dando priorità alla forma e al movimento, sia fisici che concettuali, traendo ispirazione dalla danza e dalla musica. Nella sua mostra del 2014 presso Sikkema Jenkins & Co., ha presentato composizioni astratte multistrato che combinavano pittura, collage e assemblaggio. Queste opere includevano libri di seconda mano trasformati con superfici dipinte e macchiate, sezioni ritagliate stratificate con alluminio serigrafato e materiali trovati come borse di canapa. Roberta Smith ha descritto queste opere come altamente personali e sperimentali, spingendo i confini con il loro uso di materiali e metodi non convenzionali e bilanciando la tensione tra fisicità e impatto visivo.

In una mostra del 2017 presso la stessa galleria, Herrera ha applicato per la prima volta tecniche simili alle tele dipinte, eliminando gli elementi del collage per concentrarsi esclusivamente sulla superficie dipinta.

Herrera ha anche ancorato diversi progetti alla danza moderna, usandola come base per la sperimentazione concettuale e formale. La mostra del 2016 "Soave sia il vento" alla Galleria Franco Noero ha preso il nome dall'opera di Mozart Così fan tutte . Ha mescolato figurazione, ripetizione e cultura pop attraverso installazioni murali e progetti collaborativi con gli inquilini di un condominio vicino. Questi inquilini hanno partecipato appendendo tende monocromatiche raffiguranti ballerini, riflettendo le immagini della carta da parati della galleria. Allo stesso modo, la mostra del 2019 di Herrera alla Corbett vs. Dempsey ha incorporato opere in vetro che ricordavano movimenti di danza e collage caotici realizzati con tele dipinte, fotografie di ballerini e feltro, creando una connessione lirica tra la fisicità della danza e l'interazione delle forme artistiche.

Nella sua mostra del 2021 From This Day Forward presso Thomas Dane, Herrera ha spinto il suo linguaggio visivo oltre con vasti dipinti murali, collage dinamici e un esclusivo libro d'artista di 208 pagine. Questo libro ha reinventato pagine trovate da varie pubblicazioni sovrastampando forme e contorni neri per oscurare e reinterpretare le immagini originali. Jasper Spires ha descritto la mostra come un "blitz di immagini e colori sovrapposti", che fa crollare le distinzioni tra interno ed esterno, piattezza e profondità e promuove un'esperienza visiva aperta e immersiva.

Collezioni e Riconoscimento

Le opere di Herrera fanno parte di numerose prestigiose collezioni museali, tra cui:

• Museo d'Arte Moderna
• Museo d'arte metropolitana
• Tata
• Museo Reina Sofia
• Museo d'arte contemporanea (Chicago e Los Angeles)
• Museo d'arte moderna di San Francisco
• Centro d'arte Walker
• Museo Whitney
• Museo d'arte Carnegie
• Galleria nazionale del Canada
• Museo del martello
• Museo d'arte Albright-Knox
• Dallas Museum of Art e molto altro.

Herrera ha ricevuto numerosi riconoscimenti, tra cui borse di studio dalla Guggenheim Foundation (2005), DAAD (2003) e Yaddo (2002). È stato inoltre riconosciuto da istituzioni come la Pollock-Krasner Foundation, la Louis Comfort Tiffany Foundation e la Foundation for Contemporary Arts. Le sue prime sovvenzioni, tra cui quelle di Artpace e Art Matters, riflettono il suo impatto duraturo sull'arte contemporanea.

Il percorso di Arturo Herrera dimostra un impegno incrollabile verso l'innovazione, ridefinendo continuamente i confini della forma, del materiale e dell'espressione artistica.

Link di origine

1. http://www.newartexaminer.org/assets/vol-34-no-3-inside-final-electronic-version.pdf
2. https://www.artwithross.com/breadth.html
3. https://www.maxhetzler-publications.com/publications/works-paper-1
4. http://kellhighschoolart.weebly.com/ap-studio-art/category/constraint
5. https://www.omnihotels.com/-/media/images/hotels/bossea/hotel/bossea-2306-01-art-booklet-5-5x8-5-m.pdf
6. http://atleearts.weebly.com/themes-artists.html
7. https://tableau.uchicago.edu/sites/default/files/archived_pdfs/tableau_summer_2008.pdf
8. https://www.artburstmiami.com/visual_arts
9. https://www.museocjv.com/Arte latinoamericana e latina.pdf
10. https://floridayimby.com/2024/03/crescent-heights-announces-commencement-of-track-field-mural-at-forma-miami.html
11. https://theartifactoid.com/tag/artist-interview/
12. https://bentleygallery.com/exhibitions/past-exhibitions/
13. https://clevecarney-gallery.squarespace.com/s/lvlg.pdf
14. https://www.drawingsandnotes.com/mixed_media/
15. https://nsuartmuseum.org/wp-content/uploads/2020/04/Textlabels-bc-revised-4-8-CR8.pdf