Amaya F Fariza, un sentimento interiore

Cosa ti ha spinto a creare arte e diventare un artista (eventi, sentimenti, esperienze...)?

Non ricordo quando ho iniziato a disegnare, ma a scuola lo facevo quando mi annoiavo in classe a riempire fogli di carta con disegni. Conservo ancora alcuni disegni della mia infanzia perché mia madre si rese conto che mi piaceva così tanto che iniziò a comprarmi pastelli e acquerelli.

Mi è sempre stato chiaro che la mia strada sarebbe andata in quella direzione e ho iniziato a dipingere i miei primi quadri ad olio dal giorno in cui i Re Magi mi portarono una valigia piena di colori con un cavalletto e una tela quando ero bambina.

Ero così interessato che ricordo che fin da bambino passavo ore a sfogliare l'enciclopedia di storia dell'arte che avevo in casa. Fu allora che cominciai a stupirmi guardando le tavole a colori dei quadri dei grandi maestri del Rinascimento, del Barocco o degli Impressionisti. Non riuscivo ancora a capire la pittura "moderna", le avanguardie, Picasso, Tapies...

Qual è la tua formazione artistica, le tecniche e le tematiche con cui hai sperimentato finora?

Quando sono entrato all'Università di Belle Arti mi sono sentito completo. Per me è stata un'esperienza molto importante, nonostante l'opposizione di mio padre che era ingegnere e voleva che i suoi figli facessero carriera tecnica. Era molto turbato, sostenendo che non avrei avuto futuro.

Ho iniziato molto emozionato perché sapevo che il mondo della creazione artistica era quello che volevo e all'università ricordo che abbiamo fatto molta pratica disegnando da modelli naturali, lì ho iniziato a maneggiare carboncino, acquerelli, tempera, pittura a tempera, pittura a olio , ecc. Ma la maggior parte della produzione di tele in quel periodo le realizzavo con l'acrilico. Ha praticato tutto, volume con scultura, fotografia, collage, inchiostri,...,

La pittura è la specialità che scelgo perché mi permette di esprimere ciò che sento su una superficie bidimensionale in modo molto libero dove ricreare tutto ciò che voglio esprimendo realtà fittizie in cui prospettiva, atmosfera, tono o volume appaiono all'interno della tecnica più accademica , che sarà la base per la mia successiva evoluzione.

Mi esercito molto in grande formato sviluppando una pittura sciolta ed espressiva dando libero sfogo alle mie emozioni. Sono momenti di grande energia ed euforia in cui, osservando il lavoro dei miei compagni o le indicazioni dei miei insegnanti, ricevo molte informazioni e risorse che insieme alle visite a musei e mostre mi arricchiscono e comincio a fare i miei primi serie.

È un dipinto realistico con il quale mi trovo molto bene nonostante le influenze dell'espressionismo molto in voga tra i miei compagni di classe e insegnanti.

Era una raccolta di ritratti con molta freschezza e tratti sciolti. Ero molto interessato alla figura umana. Poi ho realizzato la serie Ambientes (Environments) dove ho lavorato gli interni, combinando mobili con vegetazione. Sono opere realistiche molto colorate che esprimono il mistero della solitudine, sono stanze vuote. A seguire, la serie Tropicalia, in cui compaiono mondi da giungla onirici, vegetazione, abbondanza di verde e pappagalli, tanti pappagalli. Di quelle serie non è rimasto quasi nulla, furono periodi molto prolifici e fortunatamente con successo di vendite.

Quali sono i 3 aspetti che ti differenziano dagli altri artisti, rendendo unico il tuo lavoro?

Il primo potrebbe essere la raccolta di dati e informazioni dal vedere così tanta pittura durante la mia vita in colleghi, mostre, musei, fiere e reti. Musei, fiere e network... mi fanno iniziare una chiara evoluzione nel modo in cui applico il colore e mi avvicino a nuovi soggetti. Questa evoluzione si può apprezzare dai miei primi lavori a quelli attuali. Per me è essenziale che ci sia un processo nel lavoro dell'artista, anche se ci sono artisti che dipingono allo stesso modo e persino lo stesso soggetto per tutta la vita.

Credo che ci sia uno stile di pennellata e temi sempre più personali.

La seconda può essere che rimango fedele alle mie idee realizzando una figurazione molto personale con la natura come base di ispirazione e la combinazione di elementi inerti con elementi viventi. I miei modelli sono persone del mio ambiente che fotografo. C'è un'idea molto chiara del colore, catturandolo nella sua pienezza, luminoso, saturo e molto espressivo. Devo anche evidenziare il contrasto, fonti di luce che possono provenire da qualsiasi angolazione ma sono sempre presenti.

E terzo, il modo in cui mi avvicino alle mie composizioni. Parto sempre con tante idee, e poi le filtro. Quando costruisco una scena provo gli elementi che incorporerò o quelli che eliminerò, prima facevo i miei schizzi sulla tela stessa (lo faceva anche Velázquez), ora uso anche un programma per visualizzare le mie idee. Ma ci saranno altri cambiamenti perché l'inquietudine della ricerca costante, mi fa propendere per tante idee, posso toccare la figura umana, la vegetazione, il paesaggio. Elementi quotidiani, qualsiasi cosa.

da dove viene la tua ispirazione?

È una sensazione interiore. Ogni giorno guardo le cose che mi circondano, le cose che fanno gli artisti contemporanei, il paesaggio della mia città, le persone, la luce... La grandiosità che offre la Natura, che i classici hanno tanto ammirato.

Rousseau diceva "C'è un libro aperto a tutti gli occhi: la Natura".

Qual è il tuo approccio artistico? Quali visioni, sensazioni o sentimenti vuoi evocare nello spettatore?

L'istante in cui sono immerso ora conserva l'essenza del mio solito modo di dipingere. Ma c'è stato un processo che considero importante perché se non evolvi non vivi l'esperienza creativa né le scoperte di altre verità che sono dentro di te.

Il modo di produrre e creare si basa sulla raccolta di molte informazioni sulle cose che mi interessano. Con il materiale grafico compreso il mio lavoro fotografico, realizzo composizioni in cui introduco elementi vivi o inerti, ma ogni serie o progetto si concentra su un tema specifico. Questo è focalizzato a seconda dello stato d'animo, le avversità mi fanno affinare il mio ingegno e ho passato momenti belli e momenti meno belli.

Quando faccio un lavoro sono tormentato dal pensiero di non raggiungere le aspettative che ho in mente, oppure quando vedo che le cose vanno male, è una grande delusione. Non è sempre piacevole.

Vorrei che chi visualizza i miei quadri si fermasse ad osservare. Il quadro, per avere successo, deve guardare lo spettatore e non viceversa. Il lavoro che sto facendo in questi anni evoca nostalgia, freschezza e una certa aria di romanticismo, questo è molto chiaro nella mia serie: Solitudes.

Qual è il processo di creazione delle tue opere? Spontaneo o con un lungo iter preparatorio (tecnico, ispirato ai classici dell'arte o altro)?

Partendo dalla raccolta di immagini che conservo nelle mie cartelle tematiche, preparo il processo. Di solito prendo fotocopie a colori e le incollo sul muro, e le provo. Sulla tela realizzo gli schizzi, così come le modifiche e costruisco la mia composizione. Disegno con grafite o carboncino le figure o gli elementi e inizio la prima macchia, che di solito è molto diluita per favorire i cambiamenti che possono nascere. C'è anche spontaneità, soprattutto nei dettagli.

Usi qualche tecnica di lavoro particolare? Se sì, puoi spiegarlo?

Per prima cosa do uno strato diluito sulla superficie della tela con del colore brillante, quasi sempre rosso. Lo faccio con vernice acrilica. Può andare sopra o sotto il disegno.

Quindi aggiungo strati e copro gli spazi. A volte la vernice cola per dare freschezza ea volte c'è più impasto. Applico anche smalti nelle aree in cui voglio cambiare un po' il cromatismo.

Alla fine risolvo con colori forti, potenti, ea volte le figure si fondono con gli sfondi, dando plasticità all'insieme. La luce c'è sempre, è importante per dare vivacità ed efficacia alla composizione.

Ci sono aspetti innovativi nel tuo lavoro? Puoi dirci quali?

Tutto è stato inventato. Nei trentamila anni che l'uomo ha dipinto dalla scoperta delle creazioni preistoriche, ha avuto il tempo di fare tutto, non vedo grandi cambiamenti dall'inizio dell'era digitale. C'è stata molta più rottura e innovazione alla fine del IX e XX secolo con le avanguardie ei diversi stili che sono trascesi nella storia per essere innovativi e mutevoli.

Ora utilizzo un programma, come accennavo prima, molto utile per creare delle composizioni comprendenti gli elementi o le immagini che seleziono dalle mie cartelle. Non eseguo pittura digitale, ma posso visualizzare con il programma alcune prove colore.

Mi piace fare tutto manualmente, da estimatore dell'Arte non mi piace la pittura che viene applicata su una foto tracciata su tela e nemmeno i lavori realizzati con l'Intelligenza Artificiale che iniziano a intrufolarsi nei concorsi. Più che artisti in quel campo, ci sono ingegneri. Né l'Arte che si fa "in serie", opere ripetitive e anodine con poca tecnica. L'Arte che trascende non credo sia quella, anche se al giorno d'oggi il mercato favorisce quelle cose.

Né mi piace un tipo di corrente che osservo che è in piena espansione, ed è il modo "facile" per creare, come lanciare flussi di vernice sulla tela e fare movimenti su di essa per espandere la vernice o usare lastre e stampini e applicare colore. Mi piace disegnare e dipingere, e anche le opere di altri artisti preferisco che siano realizzate con una certa maestria, il talento si apprezza solo in quello che ha un'elaborazione con una tecnica e un'estetica creativa un po' lavorata a prescindere dal stile dell'artista.

Rothko, quando realizza i suoi quadri multiformi, grandi campiture di colore, dà la sensazione di essere qualcosa di troppo semplice. Sono affascinato da questa serie perché ha un'elaborazione molto elaborata, sono composizioni in cui esprime le sue emozioni, non dipinge semplici rettangoli. Ora se ci sono artisti che lo fanno coprendo campi di colore senza altro, è una pittura semplicistica. Ma gli stili sono ciclici nel tempo.

Penso che sia più difficile lavorare bene con l'astrazione che con la figurazione o il realismo.

La mia pittura potrebbe essere inquadrata nella Nuova Figurazione.

Hai qualche formato o mezzo con cui ti senti più a tuo agio? Se è così, perché?

Mi sento più a mio agio lavorando in grande formato. Realizzo quadri di grandi dimensioni da molti anni, mi organizzo meglio con lo spazio e penso che il mio messaggio venga trasmesso meglio. Ma lavoro in tutti i formati.

E il mio mezzo preferito è senza dubbio l'olio perché mi permette di apportare correzioni e sfocature, ha più plasticità e mi dà l'opportunità di creare un linguaggio espressivo.

Dove produci i tuoi lavori? A casa, in uno studio condiviso o nel tuo studio? E in questo spazio, come organizzi il tuo lavoro creativo?

A casa. La mia casa è grande e ho uno spazio allestito per dipingere.

Dove mi diverto a dipingere è nella mia casa estiva, c'è una luce naturale che mi piace più di quella artificiale.

Uso pannelli MDF di grandi dimensioni come tavolozze perché con i colori ad olio la tavolozza impiega molto tempo ad asciugarsi.

Il tuo lavoro ti porta a viaggiare per incontrare nuovi collezionisti, per fiere o mostre? Se sì, cosa ti porta?

Ho sempre viaggiato molto, ma da anni mi sposto solo in Spagna.

Nella mia città (Bilbao) c'è una buona offerta espositiva, abbiamo il Guggenheim con buone mostre temporanee contemporanee e il Museum of Fine Arts, che ha anche molte mostre di artisti di tutti i tempi.

Vado a Madrid ogni anno a febbraio per vedere le fiere d'arte.

Vedere l'arte porta molto, a volte noti un dettaglio in un dipinto e lo conservi, è arricchente.

Come immagini l'evoluzione del tuo lavoro e della tua carriera di artista in futuro?

Penso che mi piaccia dipingere sempre di più. Ma pretendo sempre di più da me stesso e questo comporta uno sforzo mentale e penso di lasciarmi coinvolgere troppo.

Ho dei progetti per il futuro. Penso che farò cose nuove e nuovi processi. Mi piacerebbe avere accesso a mostre interessanti. Non ho mai pagato per affittare spazi. Ma non critico questa pratica, bisogna dare delle opzioni a chi dipinge ed è difficile trovare spazi perché ormai ci sono pochissime Gallerie e hanno tante spese oltre alla spada di internet. Le mostre online o le piattaforme artistiche tolgono molto spazio alle vendite.

Qual è il tema, lo stile o la tecnica della tua ultima produzione artistica?

Attualmente sto lavorando alla serie Paraísos. Sono universi idilliaci dove regna la pace e i sogni possono diffondersi. C'è molto colore, vegetazione, paesaggi inventati e molti uccelli.

Per ora non uscirà né in vendita, ma più avanti ne parlerò o lo porterò alla luce.

Allo stesso tempo sto ancora lavorando alla serie Anónimas, che è una delle raccolte più estese che sto realizzando. In questa serie parlo di una femminilità trattata dalla semplicità, sono eroine della quotidianità, metto in luce situazioni in cui la trascendenza è proprio la funzione dell'essere o dell'essere. È importante il messaggio che queste ragazze-donne si distinguono in situazioni irrilevanti e brillano da sole.

Ci racconti la tua esperienza espositiva più importante?

L'esperienza espositiva più importante credo debba ancora venire.

Ero entusiasta di ricevere un invito da una galleria d'arte di Dubai per esporre il mio lavoro.

Sempre più persone sono incoraggiate ad acquistare opere d'arte su Internet. Ci sono gioielli veri, quadri di cui ti innamori. Il mercato è più globale.

Ma non dimenticherò mai la mia prima mostra negli anni '90 nella sala espositiva del villaggio dove andavo ogni estate. Era una serie di paesaggi realizzati da una serie di fotografie che ho scattato nella zona.

È stata un'esperienza accattivante.

Se potessi realizzare un'opera famosa nella storia dell'arte, quale sceglieresti? E perché?

I pannelli di ninfee di Monet nella sua casa a Giberny.

Ricreano il suo particolare universo in modo delicato con un cromatismo molto armonioso senza prospettiva e vaporizzazione dei contorni. Riflettono l'esperienza di Monet con la natura. C'è una linea sottile tra realismo e astrazione in queste opere che penso il pittore risolva con grande maestria.

David Hockney mi ha segnato molto e mi ha ispirato quando ho realizzato la mia prima serie di ritratti con gli acrilici. I suoi dipinti di piscine e giardini che ha realizzato in California mi hanno affascinato e i suoi ultimi ritratti che ho potuto vedere al Guggenheim di Bilbao mi sono sembrati molto colorati ed espressivi. Sicuramente amo il suo stile e la sua evoluzione.

Ho anche visto molti lavori di Sorolla. Il maestro della luce.

Se potessi invitare a cena un artista famoso (vivo o morto), chi sarebbe? Come suggeriresti loro di trascorrere la serata?

Sarei molto felice di parlare con Antonio López. Il pittore spagnolo dei paesaggi madrileni. Mi piacciono i suoi primi e ultimi lavori. Ha un incredibile senso dello spazio e un'ottima capacità di lavorare. È logico che sia così ricercato perché il suo lavoro creativo è stato ed è molto prezioso.

Vorrei invitare anche il pittore cileno Guillermo Lorca. Realizza composizioni molto barocche con un'incredibile abilità tecnica e un potenziale creativo molto potente.