Il Surrealismo Compie Cento Anni: Le opere dimenticate

E se vi dicessi che il 2024 segna il centenario del Surrealismo? Sì, cento anni di sogni visionari e mondi impossibili! Dalí stesso, per l'occasione, con uno dei suoi sguardi follemente geniali, avrebbe probabilmente ripetuto la sua iconica frase: "L'unica cosa di cui il mondo non avrà mai abbastanza è l'esagerazione." E quale occasione migliore per esagerare, se non questa? Le più prestigiose istituzioni culturali – dagli Stati Uniti all’Italia, passando per la Germania e la Francia – stanno preparando una serie di mostre mozzafiato. Non sarà solo un omaggio al passato, ma la prova che il Surrealismo non muore mai, perché l'eccentrico vive e respira più che mai nel linguaggio visivo contemporaneo, dove l'incredibile e l'inatteso fa ancora parte del immaginario quotidiano. 

C'è stato un evento in particolare però che ha ispirato Artmajeur a unirsi ai festeggiamenti per il centenario del Surrealismo. Siete curiosi di scoprire di cosa si tratta? Vi diamo un indizio: è al centro della terza edizione di Art Basel Paris e promette di trasformare l'esperienza artistica come non l'avete mai vista. Stiamo parlando di Oh La La!, una nuova iniziativa che invita i galleristi a riorganizzare le loro esposizioni, mettendo in mostra opere inedite o raramente viste, creando così un'esperienza completamente nuova per i visitatori. Al Grand Palais, Oh La La! offrirà un percorso giocoso e dinamico tra gli stand, dando ai partecipanti l'opportunità di riscoprire l'arte sotto una nuova luce: le opere presentate esploreranno temi come l'amore, l'erotismo e soprattutto il Surrealismo.

Sfruttando l’occasione del centenario, Artmajeur presenta una selezione di dieci opere meno note dei pittori più popolari del movimento surrealista, offrendo al pubblico l’opportunità di andare oltre i soliti capolavori di Dalí e Magritte. L’obiettivo non è appunto quello di celebrare le tele più iconiche, ma piuttosto di offrire una vera occasione di approfondimento, permettendo ai visitatori di scoprire aspetti inediti e poco esplorati del Surrealismo, superandone la percezione più comune e mainstream. Pronti per festeggiare?

Salvador Dalí, Cabaret Scene, 1922. Olio su tela, Private collection of Francois Petit, Paris.

1. Salvador Dalí, "Cabaret Scene", 1922

Abbiamo detto festa? Niente di meglio che immergersi in un cabaret affollato, dove figure e oggetti sembrano danzare tra loro in un incastro di forme e colori. Nel mondo parallelo e fittizio dell'arte, tutto ciò è semplicemente possibile contemplando l'opera di Salvador Dalí, "Cabaret Scene" del 1922, capolavoro che cattura l'atmosfera vivace e caotica di una serata mondana. In effetti, il maestro catalano ha reso sul supporto una scena piena di figure sedute attorno a tavoli, coinvolte in conversazioni e attività che sembrano fondersi tra di loro. I volti appaiono come maschere, "astratti", quasi privi di dettagli distintivi, mentre gli oggetti, come le bottiglie, sono sparsi tra le figure, creando una sovrapposizione tra elementi concreti e forme geometriche. In questo "caos" figurativo, ogni tavolo sembra una piccola isola di azione, racchiudendo porzioni di vita quotidiana, in cui la disposizione frammentata della scena richiama fortemente l’influenza cubista. Ciò nonostante, è comunque onnipresente quell’aura di mistero e imprevedibilità che anticipa il Surrealismo.

È chiaro come nel 1922 Dalí stesse cercando di esplorare nuovi linguaggi visivi, influenzato dall’opera di Pablo Picasso, con il quale condivideva l’interesse per il Cubismo. Inoltre, lo spagnolo, ancora alquanto giovane, era in quel periodo alla ricerca del suo stile personale, tanto che gli storici dell'arte collocano Cabaret Scene a metà strada tra influenze Impressioniste, e il successivo sviluppo del Surrealismo. Dove possiamo allora riconoscere i primi passi verso quest'ultimo movimento? Nel capolavoro di nostro interesse Dalí inizia ad allontanarsi dalla logica cubista, che si focalizza sulla rappresentazione della realtà attraverso la frammentazione e l'analisi geometrica delle forme. Le figure dello spagnolo non sono più raffigurazioni reali di persone, ma diventano simboli frammentati, inseriti in un contesto maggiormente mentale e immaginativo. Proprio questo distacco dal mondo concreto è uno degli indizi che segnala l'avvicinamento al Surrealismo, per iniziare a rappresentare una visione interiore, quasi inconscia, che prelude alle composizioni oniriche e agli scenari surreali, che domineranno la sua produzione artistica più tarda.

Joan Miró, Head of a Catalan Peasant, 1925. Tecnica di pittura a olio e matite colorate. Galleria Nazionale di Scozia, Edimburgo.

2. Joan Miró, "Head of a Catalan Peasant", 1925. 

Joan Miró una volta dichiarò: “Ho difficoltà a parlare della mia pittura, poiché nasce sempre in uno stato allucinatorio, suscitato da un contraccolpo qualsiasi, oggettivo o soggettivo che sia, e di cui non sono in nessun modo artefice. Quanto ai miei mezzi d’espressione, sempre più mi sforzo di giungere al massimo grado di chiarezza, di potenza e di aggressività plastica, ossia di risvegliare dapprima una sensazione fisica, per poi arrivare all’anima.” 

In effetti, l'artista spagnolo è noto per il suo stile unico a cavallo tra surrealismo e astrazione, in cui si palesano forme biomorfe, segni geometrici e oggetti astratti o semi-astratti, concepiti per riflettere una continua sperimentazione e una spiccata propensione al non figurativo. Inoltre, Miró esplorava il subconscio come un "campo di gioco" per l'immaginazione, dove la sua identità catalana e il suo desiderio di libertà trovavano spesso espressione. 

Quanto preannunciato si palesa in "Head of a Catalan Peasant" (1925), opera conservata nella National Gallery of Scotland, che presenta una composizione simbolica e astratta avente per soggetto un contadino catalano. Il quadro è appunto dominato da un grande cappello rosso, noto come barretina, tradizionalmente associato alla cultura agricola spagnola. Sotto di esso, elementi stilizzati come una barba serpentina e due occhi circolari emergono in uno sfondo celeste delicatamente sfumato. La figura, nonostante quest'ultima semplicità formale, porta con sé un forte senso di identità e di appartenenza alla terra natia del pittore. "Head of a Catalan Peasant" è allora chiaro esempio del passaggio di Miró verso una crescente astrazione, abbandonando il cubismo e avvicinandosi a un linguaggio surrealista, che presenta una tavolozza limitata ma potente, dove il blu del cielo fa risaltare le forme stilizzate trasmettendo un senso di vuoto e mistero. Infine, appare evidente come il dipinto anticipi i temi dell'automatismo e della sintesi che caratterizzeranno gran parte del lavoro successivo del maestro. 

Curiosità: 

• Sebbene fosse associato al Surrealismo, Miró non ha mai abbracciato completamente la non-oggettività, mantenendo sempre un legame con forme riconoscibili che combinava con un linguaggio visivo profondamente personale. 
• "Head of a Catalan Peasant" fa parte di una serie di quattro dipinti realizzati tra il 1924 e il 1925, in cui Miró esplora la figura del contadino catalano come simbolo della sua identità e delle sue radici culturali.

Max Ernst, Aquis Submersus, 1919. Olio su tela. Städelsches Kunstinstitut und Städtische Galerie, Frankfurt.

3. Max Ernst, "Aquis Submersus", 1919

“La pittura per me non è né divertimento decorativo, né invenzione plastica di una realtà sentita; deve essere ogni volta: invenzione, scoperta, rivelazione.” Proprio quest'ultima frase di Max Ernst introduce perfettamente l’opera "Aquis Submersus", un dipinto del 1919 in cui la pittura diventa un mezzo per l'esplorazione interiore e la sfida alle convenzioni artistiche tradizionali.

In "Aquis Submersus", appunto, il pittore ci porta in uno spazio sospeso tra realtà e sogno, ambientato in una piscina circondata da edifici disegnati a mano, i cui contorni sfumati proiettano ombre ambigue contro un cielo solido come un muro. Un orologio fluttua in quest'ultimo, riflettendosi sull’acqua come se fosse una luna, rompendo con le regole della fisica, oltre che della logica visiva. Al centro della piscina, invece, si scorge il corpo capovolto di una figura femminile, le cui gambe emergono dall'acqua, evocando un’immagine di immersione o annegamento.

In primo piano si posiziona una figura senza braccia, che, simile a una statua di argilla, getta un’ombra in direzione della piscina. Il personaggio, contraddistinto da baffi che richiamano le fattezze del padre di Ernst, pare essere preso dal guardare lontano dall'acqua, dettaglio che aggiunge ulteriore mistero alla composizione. Effetivamente, il maestro si è prodigato per far trattenere il respiro all'osservatore, che rimane in uno stato di sospensione tra la vita e la morte, tra il reale e l’onirico.

Curiosità:

• L’opera riflette l’influenza dell’arte metafisica italiana, in particolare di Giorgio de Chirico, con la sua capacità di evocare un senso di estraniamento attraverso scene statiche e innaturali. Tuttavia, già in questa fase iniziale, si notano i primi accenti surreali nell’opera di Ernst, che ben presto lo porteranno a diventare uno dei pionieri di questo movimento. 
• Ernst era profondamente influenzato dalle teorie di Sigmund Freud, la figura nel dipinto, che potrebbe essere annegata o immersa, rimanda alle sue esplorazioni psicologiche, dove l'acqua spesso simboleggia il subconscio e l'immersione nella mente profonda.

René Magritte, Il tempo pugnalato, 1938. Olio su tela. Art Institute of Chicago, Chicago.

4. René Magritte, "Il tempo pugnalato", 1938.

“Se il sogno è una traduzione della vita di veglia, anche la vita di veglia è una traduzione del sogno.” Questa frase di René Magritte incarna perfettamente la visione onirica e paradossale che permea la sua opera "Il tempo pugnalato", dipinta nel 1938. Il pittore, altrettanto celebre per la sua esplorazione del mistero nella quotidianità, ci introduce appunto in un mondo dove sogno e realtà si fondono, sfidando la percezione dello spettatore.

Il capolavoro rappresenta una locomotiva che esce da un caminetto in una tranquilla sala da pranzo borghese: il treno, in miniatura rispetto al camino, è colto mentre sfreccia con velocità impossibile attraverso il focolare, proprio come se stesse emergendo da un tunnel ferroviario. Il contrasto tra l’energia dinamica della locomotiva e l'immobilità della stanza è accentuato dalla presenza elementi statici come l’orologio e i candelabri che adornano il caminetto. Il pavimento è invece rivestito in parquet, mentre un grande specchio sopra riflette solo parzialmente gli oggetti presenti nella stanza.

Lo stile di Magritte è generalmente caratterizzato da un realismo estremamente dettagliato, dove ogni elemento è rappresentato con precisione quasi fotografica. Tuttavia, il mistero dell'opera risiede proprio nel paradosso: la locomotiva, normalmente associata all'esterno e alla velocità, appare all'interno di una stanza, in uno spazio chiuso, rompendo le leggi della fisica e della logica. Magritte usa questa "crisi dell'oggetto", dove cose comuni e familiari vengono sradicati dal loro contesto usuale e inseriti in situazioni estranee, al fine di creare uno scenario misterioso e inesplicabile. Allora, "Il tempo pugnalato" rappresenta proprio l'essenza della poetica surrealista di René Magritte: rivelare il mistero che si cela nelle cose familiari, creando una nuova realtà in cui il sogno e la veglia si fondono, e dove gli oggetti comuni diventano portatori di significati nascosti.

Yves Tanguy, Mamma, papà è ferito!, 1927. Olio su tela. Museum of Modern Art, New York.

5. Yves Tanguy, "Les Amoureux", 1929

“Il dipinto si sviluppa davanti ai miei occhi, dispiegando le sue sorprese man mano che procede. È questo che mi dà il senso di completa libertà, e per questo non sono in grado di formulare un piano o di fare uno schizzo in anticipo.” Queste parole di Yves Tanguy descrivono perfettamente la sua visione creativa, un processo spontaneo che riflette il flusso libero e imprevedibile dell'inconscio, un principio cardine del Surrealismo. 

Mediante lo stesso procedimento è nata "Les Amoureux" (1929), opera che presenta una scena onirica, dominata da un fondale sfumato di verdi, che ricordano un paesaggio sottomarino. Proprio in questo contesto, le figure principali, amorfe e astratte, sembrano fluttuare in una dimensione sospesa, come se appartenessero a un mondo acquatico alieno o a una landa deserta e immobile. Tali personaggi, collocati più o meno in prossimità di un piano quasi piatto, sono distribuiti in modo casuale, isolati oppure raggruppati, evocando un'atmosfera che oscilla tra il sogno e l'incubo. Nel primo piano, emerge però una struttura slanciata, simile a un tronco o a una figura umanoide, mentre in lontananza, elementi non meglio identificati paiono galleggiare o arrampicarsi verso un cielo indefinito.

Allora, è bene mettere in evidenza come il dipinto rifletta lo stile più tipico di Tanguy, noto per la sua abilità nel creare paesaggi surreali e al tempo stesso incredibilmente realistici, poichè dalle forme precise e definite, spesso ispirate ai paesaggi rocciosi della Bretagna. 

Frida Kahlo, I miei nonni, i miei genitori e io, 1936.

6. Frida Kahlo, "I miei nonni, i miei genitori e io", 1936

“Non so se i miei dipinti siano surreali o meno, ma so che rappresentano l'espressione più sincera di me stesso.” Con queste parole, Frida Kahlo descrive il cuore pulsante del suo lavoro: la pura manifestazione della propria identità, dolore e storia personale. Nel dipinto "My Grandparents, My Parents, and Me", la pittrice si rappresenta come una bambina nuda, che tiene in mano un nastro rosso a forma di anello, volto a simboleggiare la sua linea di sangue e la sua discendenza. Il suddetto nastro sostiene appunto l’albero genealogico della sua famiglia, che si libra sopra di lei come una serie di "palloncini sospesi". 

In questa complessa composizione, l'artista posiziona se stessa al centro di un intreccio simbolico di famiglia e identità: sopra di lei, su soffici nuvole, ci sono i suoi nonni: messicani da un lato e tedeschi dall'altro, ciascuno collocato in modo che rifletta le proprie radici geografiche e culturali. La madre, che porta in grembo Frida neonata, e il padre della pittrice sono ritratti invece al centro del quadro, mentre i loro corpi si sovrappongono leggermente. Sotto il feto, è bene far notare come un grappolo di spermatozoi nuota verso un ovulo, alludendo, come anticipato, alla futura nascita dell'artista. Infine, il cactus fiorito sotto l'uovo fertilizzato è un ulteriore simbolo di nascita, tema ricorrente nel lavoro di Kahlo.

Lo stile di "I miei nonni, i miei genitori e io" riflette chiaramente l'approccio di Kahlo all'arte come strumento per esplorare la propria identità e le proprie radici. Per far ciò, Frida fonde elementi di arte popolare messicana, simbolismo cattolico e realismo magico, creando un'opera che è allo stesso tempo una cronaca familiare e una riflessione sull'identità e la condizione femminile.  Infine, è bene rendere noto come, nonostante l'artista sia stata spesso associata al Surrealismo, ella non si è mai dichiarata ufficialmente parte del movimento, anche se di sovente ha usato immagini tratte dal sogno e dall'immaginazione.

AndréMasson, L'Enfantement, 1955.

7. André Masson, "L'Enfantement", 1955.

In questo dipinto, André Masson costruisce una scena surreale e onirica, popolata da forme semi astratte, che sembrano muoversi liberamente su uno sfondo blu-verde intenso. Le linee sinuose e fluide che disegnano le figure suggeriscono un'energia quasi cosmica, come se l'intera composizione fosse immersa in un movimento continuo e senza confini. Sopra queste figure biomorfe, delle stelle e linee curve tracciano una connessione tra il cielo e la terra, evocando una narrativa mitologica o astrale.

Masson è effettivamente uno dei pionieri del Surrealismo e delle tecniche automatiche, noto per combinare la sua capacità di attingere all'inconscio con la sua sperimentazione formale. Le figure sintetiche presenti nel dipinto riflettono appunto il suo interesse per l'astrazione organica e la metamorfosi, temi centrali della sua produzione artistica. In aggiunta, la sua tecnica di disegno automatico, qui evidente, permette di esplorare la spontaneità del gesto e del segno, creando immagini che sembrano nascere direttamente dal subconscio.

Dall'analisi dell'Enfantement emerge anche come il maestro non si sia limitato solo a creare semplici rappresentazioni visive, ma attraverso un flusso di forme astratte e contorte, ha anche voluto affrontare temi universali come la vita, la sessualità, la violenza e la morte. Sicuramente, l'influenza della filosofia di Friedrich Nietzsche e la sua esperienza diretta della violenza della Prima Guerra Mondiale sono evidenti nelle sue creazioni, che spesso riflettono un senso di caos e distruzione, ma anche una ricerca di significato esistenziale.

Giorgio de Chirico, La torre rossa, 1913. Peggy Guggenheim collection.

8. Giorgio de Chirico, "La torre rossa", 1913

“Un'opera d'arte per divenire immortale deve sempre superare i limiti dell'umano senza preoccuparsi né del buon senso né della logica.” Con queste parole, Giorgio de Chirico esprime la sua visione artistica, caratterizzata da una rottura con la realtà tangibile e da una tensione verso il mistero e l'enigma. Questa filosofia è perfettamente incarnata in "La Torre Rossa" (1913), uno dei suoi capolavori della Metafisica, dove la logica e il buon senso vengono messi da parte per lasciare spazio a un'atmosfera surreale e sognante.