Storia dell'arte e della pubblicità
A sinistra : Roy Lichtenstein, Roto Broil , 1961. Museo di arte contemporanea di Teheran.
A destra : Roy Lichtenstein, Cucina , 1961-62. Museo Nazionale dell'Australia, Canberra.
Alcuni artisti sono una meravigliosa illustrazione dei ponti esistenti tra arte, pubblicità e consumo. Dalla fine del XIX secolo i gestori di cabaret erano soliti sollecitare gli artisti parigini a creare manifesti che pubblicizzassero le lodi e gli eccessi dei loro balli. Questo è stato in particolare il caso dell'emblematico Toulouse-Lautrec , e il suo manifesto pubblicitario non meno famoso prodotto per La Goulue : serate in maschera organizzate dal Moulin Rouge e ospitate da un eccentrico ballerino con lo stesso nome.
A sinistra : Henri de Toulouse-Lautrec, Manifesto promozionale per il Moulin Rouge - La Goulue , 1891. Museo della pubblicità, Parigi.
A destra : Henri de Toulouse-Lautrec, Poster promozionale per Les Ambassadeurs ( Aristide Bruant nel suo cabaret ), 1892. Museo Toulouse-Lautrec, Albi, Francia.
Questi due manifesti sono stati esposti contemporaneamente durante la mostra Arte e pubblicità organizzata dal Centre Pompidou nel 1990.
Più tardi, a metà degli anni '50, fu l'emergere della Pop Art attraverso l'Atlantico che travolse il mondo dell'arte con intrusioni pubblicitarie. Zuppa di pomodoro in scatola diAndy Warhol e le istruzioni stilizzate del prodotto di Roy Lichtenstein simboleggiano questa nuova tendenza: l'interferenza reciproca delle Belle Arti nella cultura pubblicitaria . L'uso di prodotti di consumo quotidiano da parte di artisti timbrati Pop Art dimostrerà rapidamente il suo valore nel mondo degli affari. La Campbell Soup Company (azienda americana che commercializza i famosi prodotti in scatola) non poteva immaginare una strategia di marketing migliore di quella offerta dal genio creativo di Andy Warhol. Oggi queste scatole Pop Art sono diventate iconiche in tutto il mondo , anche se sono disponibili solo nei supermercati americani. Per un industriale, questo è un modo efficace di fare la storia grazie all'arte: l'esposizione dell'opera aumenta meccanicamente l'esposizione del prodotto .
A poco a poco, i confini tra arte , intrattenimento e prodotti di consumo diventeranno sempre più porosi. Andy Warhol va anche oltre, dicendo questa famosa frase: " Se ci pensi, i grandi magazzini sono un po' come i musei ".
Andy Warhol, Campbell's Soup Cans , 1962. New York Museum of Modern Art.
(Se sei un fan della Pop Art, non esitare a scoprire il nostro articolo sulle 5 opere emblematiche del movimento )
Altrove, per tutto il XX secolo, molti artisti leggendari prestano i loro marchi di pennelli per promuovere i loro prodotti: ad esempio, l'americano Edward Hopper e il belga René Magritte hanno entrambi partecipato a queste mascherate commerciali per finanziare i loro giovani anni di creazione.
Dagli anni '80 l'arte non è mai stata così presente nelle strategie di marketing e nelle campagne pubblicitarie delle aziende. Le prime collaborazioni tra Keith Haring e alcuni marchi emblematici ( Lucky Strike , Absolut Vodka , Quick ) hanno segnato l'avvento di una cooperazione a lungo termine tra designer e marchi che desiderano (ri)promuovere la propria immagine a un determinato pubblico. Queste partnership finanziano l'artista tanto quanto partecipano alla massiccia diffusione della sua arte : una proposta che i creatori contemporanei difficilmente possono rifiutare. Anche in Francia, negli scaffali dei nostri supermercati, queste collaborazioni sono innumerevoli : cancelleria Ben Vautier e Quo Vadis , Bebar e bottiglie di Havana Club Rum…
A sinistra : Keith Haring, Manifesto pubblicitario per Lucky Strike , 1987.
A destra : Keith Haring, Manifesto pubblicitario per Absolut Vodka , 1986.
Anche altri marchi utilizzano opere da tempo divenute di pubblico dominio per servire a una strategia di marketing : è il caso in particolare del marchio La Laitière , che utilizza l'omonimo capolavoro prodotto nel 1660 da Johannes Vermeer . Possiamo anche citare Van Gogh , la cui traiettoria di vita turbolenta ora consente a diverse migliaia di litri di assenzio di scorrere ogni anno, poiché uno dei suoi autoritratti adorna le bottiglie del marchio Absente. Allo stesso modo, l'Uomo Vitruviano di Leonardo da Vinci ha illustrato perfettamente le intenzioni del logo Man Power (servizio ad interim e di reclutamento) per molti anni.
Oggi esamineremo 3 casi curiosi in cui il processo creativo di un artista ha avuto un'enorme influenza sulla notorietà di un marchio o di un prodotto, con gli esempi diSalvador Dalì e il marchio Chupa Chups. , Victor Vasarely e la Renault gruppo, e noi finalmente tornare al (molto) particolare influenza di René Magritte, il cui lavoro ha ispirato e ispira ancora un gran numero di inserzionisti a 21 ° secolo.
Queste analisi precise ci permetteranno di rispondere con eleganza e sostanza alle seguenti domande: In che modo l'arte influenza la pubblicità? E perché gli inserzionisti hanno bisogno dell'arte per migliorare i loro prodotti?
1. Salvador Dalì e Chupa Chups
Il marchio di lecca lecca dolci che tutti conoscono oggi è stato fondato nel 1958 dall'imprenditore spagnolo Enric Bernat . Il nome deriva dalla contrazione del verbo " chupar " (succhiare in spagnolo) e dell'onomatopea " chups" che evoca il sibilo delle labbra quando dalla bocca esce il ciuccio. Durante i primi anni di industrializzazione le vendite di lecca lecca andavano bene, ma purtroppo erano solo una caramella tra tante.
Questa gamma di caramelle non avrebbe mai raggiunto il successo che riconosciamo oggi senza il suo famoso logo grassoccio . Il fondatore dell'azienda si rese subito conto che un buon marchio non è nulla senza un buon logo : fortunatamente aveva tra i suoi amici una leggenda baffuta di nome Salvador Dalì . Il leader del movimento surrealista ha accettato senza batter ciglio di scendere a una reinterpretazione del logo iniziale. Ha modificato il dettaglio del logo e ha così conferito a questi lecca-lecca un'identità visiva tanto semplice quanto iconica: una forma a margherita e un codice cromatico - giallo e rosso - che ricorda i colori della bandiera spagnola. Il marchio beneficia anche di una tipografia rotonda e delicata , impreziosita da curve vivaci e accattivanti: qui la gola è all'ordine del giorno.
Immagini : Evoluzione del logo del marchio Chupa Chups. Intervento di Salvador Dalì nel 1969.
Una scelta di comunicazione di cui l'azienda non si pentirà mai: oggi si stima che Chupa Chups venda più di quattro miliardi di lecca lecca all'anno: metà della popolazione mondiale ha già assaggiato uno di questi dolci profumati.
2. Victor Vasarely e il logo Renault
Se esci di casa regolarmente (e si spera) , ci sono buone probabilità che ti imbatterai in questo iconico logo almeno una volta al giorno. Ma lo sapevi che dietro questo piccolo diamante grigio si nasconde una vera e propria storia artistica?
La società Renault è stata creata nel 1898. Da quella data, vari loghi hanno adornato i veicoli del marchio: inizialmente erano due "R " intrecciate che rappresentavano i creatori dell'emblema: i fratelli Renault. Successivamente diversi loghi sono riusciti ad includere attraverso la rappresentazione di un carro armato durante la 1 ^ Guerra Mondiale. Dal 1925, il marchio ha adottato il motivo a rombi a rete , perché si adattava meglio alle linee dei cappucci dei propri prodotti. Rimarrà comunque molto rustico per diversi decenni.
Immagini . Evoluzione del logo del gruppo Renault dal 1900 al 1925.
Fu nel 1972 , dopo aver attraversato due guerre mondiali e innumerevoli nazionalizzazioni, che il gruppo decise di offrirsi una nuova immagine , più in sintonia con l'evoluzione della società e l'emergente globalizzazione. Decidono quindi di chiamare Victor Vasarely e suo figlio, Yvaral , per progettare un logo pulito, liscio e bello. Un nuovo emblema per nuove ambizioni.
Immagini . Evoluzione del logo del gruppo Renault dal 1946 ad oggi.
All'epoca, questa coppia di famiglia aveva già collaborato per la realizzazione della facciata degli RTL Studios di Parigi (oggi distrutti). Victor Vasarely è un artista franco-ungherese nato nel 1906, e soprattutto è il fondatore dell'Op Art ( " Optical Art " ), un movimento artistico che si traduce in un insieme di pratiche e ricerche basate sui concetti del tronco. - l'occhio e le illusioni ottiche .
Victor Vasarely, OND-LZ , 1971. Quest'opera è un perfetto simbolo dell'arte ottica .
Tra pochi giorni il duo disegnerà un logo che farà colpo. Graficamente raffinato, simbolo di modernità, sarà ovviamente validato dall'azienda, che lo integrerà immediatamente in tutta la sua strategia di comunicazione: campagne di marketing, affissioni, spot televisivi, ecc.
Le linee e i dettagli leggeri presenti agli angoli del diamante suggeriscono così il dinamismo del costruttore grazie ad un delicato effetto 3D che gli conferisce consistenza e carattere.
Da allora, sebbene il logo abbia subito sottili variazioni, conserva il DNA iniettato dal genio Vasarely. Nel 2021, Renault rispolvera' ancora una volta il suo fedele emblema. Cosa rara nelle strategie di marketing, il brand ha deciso di resuscitare il design originale proposto da Vasarely. Un riciclo sobrio ed elegante, manufatto superstite di un artista ante litteram.
3. René Magritte: il surrealismo al servizio dell'immaginario pubblicitario
René Magritte, Il figlio dell'uomo , 1964. Particolare. Collezione privata.
Bambino o adulto, conscio o inconscio: tutti conoscono e riconoscono l'opera di René Magritte. Con la sua immaginazione scaltra, luminosa e profondamente originale, riuscì a sedurre l'opinione pubblica ea far aderire le masse all'ardore del movimento surrealista. Dove, a un pubblico laico, il dadaismo di Duchamp o Man Ray sembrava spesso assurdo o addirittura irritante, e dove il surrealismo di Dalì sembrava spesso troppo onirico e fantasioso, René Magritte riusciva a convincere i più restii con opere pacate, geometriche, simboliche, agli antipodi del sovraccarico sistematico dei suoi omologhi parigini . L'artista belga ha prodotto più di 1.500 opere curiose ed esplosive, in cui sono presenti elementi ricorrenti ed emblematici: oggetti che partecipano al mito di Magritte , ormai quasi inseparabili dalla sua pennellata. Mele verdi, cielo azzurro, nuvole, porte, bombette, uomini in giacca e cravatta, ombrelli, uccelli e lampioni sono tutti strumenti utilizzati per sviluppare una mitologia surrealista maledettamente ben congegnata .
René Magritte, La Trahison des Images , 1928. Dipinto esposto al Museo d'Arte Moderna di Bruxelles.
Lo stile di Magritte ha avuto un impatto sull'immaginazione pubblicitaria e sulla società dei consumi in modi completamente nuovi. Ed è certamente perché si è formato come comunicatore nei suoi anni più giovani che le sue opere sono diventate così importanti nella cultura popolare. Nel 2021, pochi sono quelli che non conoscono il famoso dipinto " Questa non è una pipa " , il suo vero nome La Trahison des Images . Ovviamente, però, questo lavoro riunisce tutti gli elementi di una pubblicità efficace : un messaggio leggibile che interroga e un'immagine potente. Al di fuori di queste due componenti, non c'è nulla: il vuoto, il nulla. Questa assenza di connessione tra i due elementi permette allo spettatore di pensarci, di cercare una correlazione, di riflettere e di dedicare tempo all'analisi del dipinto. Questo è esattamente ciò che un inserzionista cerca quando concettualizza una strategia di marketing : vuole che l'osservatore si fermi, rifletta e dedichi la sua attenzione al beneficio di uno slogan o di un messaggio, perché è il primo, non al consumo di un prodotto .
Non stupisce quindi che ritroviamo questa particolare sobrietà nelle campagne pubblicitarie del nostro tempo, da Apple a Netflix a McDonald's . Non c'è da stupirsi nemmeno che scopriamo regolarmente questo tavolo reinterpretato in modo eccessivo da inserzionisti privi di ispirazione, anche se ciò significa distruggere il suo significato primario con distrazioni sconsiderate.
Manifesto pubblicitario Allianz. Un bell'esempio di un'interpretazione errata del messaggio iniziale difeso nella pittura di René Magritte. Dettaglio: 'Questo è un comune schiacciadita' .
Anche se René Magritte padroneggiava meravigliosamente i codici della comunicazione, odiava la pubblicità. Considerava persino la pubblicità come "un'arte applicata che uccide l'arte pura" . Questo spiega perché la sua pittura a volte poteva sembrare scherzosamente sarcastica . Tuttavia, ha dovuto partecipare a queste mascherate per soddisfare le sue esigenze alimentari. Per questo ha lavorato per molti sponsor di Bruxelles, principalmente gioiellieri e sarti, ma anche con una compagnia aerea belga, Sabena (ora defunta).
Poster di una campagna di marketing per il marchio Absolut Vodka nello stile delle opere di Magritte.
Come hai visto, arte e pubblicità condividono collegamenti molto più complessi di quanto appaiano. Dalla Citroën Picasso alle caffettiere Keith Haring, passando per le collaborazioni tra Louis Vuitton e Takashi Murakami , avremmo potuto evocare tante altre eloquenti situazioni in cui l'arte abbraccia la pubblicità, nel bene e talvolta (spesso) nel male. .
“L' arte è già pubblicità. La Gioconda avrebbe potuto fungere da supporto per una marca di cioccolato, Coca-Cola o altro ». (Andy Warhol, 1981).
Bastien Alleaume