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Red Era (2024) 绘画 由 Houda Moustaide
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原创艺术品 (One Of A Kind)
绘画,
丙烯
在纸上
- 外形尺寸 高度 15.8in, 宽度 15.8in
- 艺术品状况 艺术品完好无损
- 是否含画框 此作品未装裱
- 分类 画作 低于US$1,000 局外人艺术 / Outsider Art 女性裸体
Le rouge omniprésent du fond n’est pas un simple décor : c’est une atmosphère, un climat. Il évoque une ère de bouleversement – émotionnel, historique ou intérieur. Rouge de la passion, rouge du sang, rouge de la révolte. Le titre "Red Era" peut se lire comme une déclaration : nous sommes entrés dans un temps où les émotions, les luttes et la féminité prennent le devant de la scène.
Les corps féminins, aux contours fragmentés et mouvants, fusionnent des couleurs presque antagonistes : le vert, le bleu, le jaune, le blanc. Cette pluralité chromatique souligne une identité en tension, en transformation, entre douceur et puissance, entre ancrage terrestre et élan spirituel.
Les visages, aux yeux rouges perçants, semblent habités. Ils ne regardent pas simplement : ils questionnent, percent, absorbent. Il y a quelque chose de chamanique dans cette façon qu’a la toile de parler sans mot, d'imposer le silence pour mieux résonner.
Interprétation
RED ERA peut être lu comme un manifeste pictural pour un féminin souverain, pluriel et insoumis.
Il s’agit peut-être aussi d’un autoportrait démultiplié, où l’artiste explore les visages qu’elle habite à différents moments de sa vie ou de son intimité.
L’ère rouge, enfin, peut évoquer une période de mutation intérieure, où la femme s’extrait des assignations classiques pour devenir pure énergie, libre et indomptée.
Conclusion
RED ERA est une œuvre dense, viscérale, exigeante. Elle ne cherche pas à plaire, mais à toucher, à brusquer même, en révélant la matière émotionnelle brute de la féminité contemporaine. C’est une peinture qui marque, qui reste.
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Mon travail de peinture naît d’un dialogue intime entre le corps et l’invisible, entre la forme et ce qu’elle contient de silence, d’émotion, de mémoire. En tant que gynécologue obstétricienne, j’ai appris à écouter les corps au-delà de leurs apparences. En tant qu’artiste, je les traduis avec des lignes, des courbes et des couleurs, pour en révéler la force, la fragilité, l’élan vital et la présence intérieure.
Je développe une approche de la figuration que je qualifierais de symbolique et organique. Mes toiles sont peuplées de silhouettes féminines épurées, souvent solitaires, parfois enchevêtrées dans un espace indéfini. Elles sont volontairement dépouillées de détails réalistes pour mieux laisser émerger une essence, un état d’âme, une tension ou une paix. Je travaille avec des lignes fluides et fermes, souvent inspirées par la nature, la gestuelle ou l’imagerie médicale, pour suggérer plutôt que représenter. Chaque trait est un souffle, un battement, une écoute.
La féminité que je peins n’est jamais décorative ni passive : elle est présence. Elle est expansion, intériorité, désir de lien, blessure parfois, mais aussi reconstruction. Mes figures incarnent des femmes réelles ou mythiques, visibles ou effacées, mais toujours vivantes. Elles interrogent les normes, la maternité, l'identité, le rapport au corps et à la sensualité — autant de dimensions que je vis, que je soigne et que je questionne.
Je travaille en séries, en laissant les toiles dialoguer entre elles, et avec moi. Mon processus est lent, intuitif, traversé par la méditation du geste. J’alterne entre abstraction douce et figuration stylisée, entre espace vide et saturation des formes. La couleur y joue un rôle émotionnel, souvent réduite à des palettes franches ou sourdes, au service de la ligne.
Peindre est pour moi une manière d’unifier mes multiples identités : femme, artiste, soignante. C’est une forme de soin, de rituel, de résistance douce. C’est aussi une manière de redonner au corps féminin sa complexité, sa densité symbolique, sa beauté brute et sacrée.
