Oeuvres originales de Land Art à vendre

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Nous avons créé une plate-forme permettant aux artistes de télécharger leurs œuvres directement sur notre site Web afin de vous aider à trouver la pièce parfaite. Parcourez des milliers d'estampes, de sculptures et de peintures des meilleurs artistes d'aujourd'hui. Les prix vont d'œuvres d'art très abordables à des pièces très précieuses dans lesquelles investir, en fonction du type et de la taille des œuvres d'art que vous recherchez et de vos besoins en espace. Il est étonnant de voir la variété d'œuvres d'art originales disponibles en ligne. Artmajeur a tout pour plaire, que vous recherchiez une peinture à l'huile belle et chère ou un meuble pour votre maison.

Le land art, également appelé art de la terre, est créé directement dans le paysage en le sculptant ou en y construisant des structures en matériaux naturels. Les débuts du mouvement écologiste et la généralisation de l'art américain à la fin des années 1960 ont eu un impact sur des idées et des œuvres qui étaient, à des degrés divers, éloignées du marché de l'art. Le mouvement était un développement du conceptualisme et du minimalisme.

Les principales préoccupations du mouvement artistique étaient son opposition à la commercialisation des arts et son enthousiasme pour le nouveau mouvement écologique émergent. La prévalence du sentiment anti-urbain et sa passion compensatoire pour la vie à la campagne ont coïncidé avec le mouvement artistique. Les aspirations spirituelles pour que la Terre serve de foyer à l'humanité faisaient partie de ces impulsions.

Une méthode de création artistique basée sur un processus où l'artiste faisait des excursions dans l'environnement environnant pour collecter des objets ou effectuer des interventions spécifiques au site a rapidement évolué à partir de ce qui avait initialement commencé comme une tendance de la sculpture à incorporer des matériaux naturels comme la terre, les roches. , et plantes. Alors que certains artistes ont créé des interventions temporaires et limitées dans le paysage, d'autres ont utilisé des équipements de terrassement mécaniques pour créer leurs travaux de terrassement. Pour la présentation dans les galeries, les artistes utilisaient fréquemment des photographies, des films et des cartes pour documenter leurs travaux de terrassement. De plus, en combinant des éléments organiques de l'environnement dans des sculptures et des installations, les artistes de la terre ont créé du land art dans les galeries.

Histoire du Land Art

Le land art était une protestation contre la "commercialisation impitoyable" de l'art en Amérique dans les années 1960 et 1970. Cependant, la documentation photographique était fréquemment exposée dans les espaces des galeries conventionnelles. Pendant ce temps, les partisans du land art ont rejeté le musée ou la galerie comme cadre de l'activité artistique et ont créé des projets de paysage monumentaux qui sortaient du cadre de la sculpture transportable traditionnelle et du marché de l'art commercial. L'art minimaliste et conceptuel, ainsi que les tendances contemporaines comme De Stijl, le cubisme, le minimalisme et les œuvres de Constantin Brâncuși et Joseph Beuys, ont inspiré le Land art.

Le premier Land art a été créé à la Skowhegan School of Painting and Sculpture par Douglas Leichter et Richard Saba en 1967, selon l'article de la critique d'art Grace Glueck dans le New York Times. L'émergence soudaine du Land art en 1968 peut être attribuée à une génération d'artistes, dont la plupart étaient dans la fin de la vingtaine, qui réagissaient à l'activisme politique accru de l'année ainsi qu'à la croissance rapide des mouvements environnementaux et de libération des femmes.

Un exemple de land art qui a servi de moyen d'identifier publiquement un groupe d'artistes pionniers était une exposition de groupe de 1968 intitulée "Earthworks" qui s'est tenue à la Dwan Gallery de New York. "Earthworks" présentait la documentation de projets spécifiques au site par des artistes tels que Sol LeWitt, Robert Morris, Claes Oldenburg, Dennis Oppenheim et Stephen Kaltenbach, car certains des artistes de l'exposition avaient du mal à trouver un terrain approprié pour leur travail spécifique au site. À travers des cartes, des photos, des transparents et des dessins, l'exposition a catalogué comment leur travail a été conceptualisé. Ironiquement, malgré les efforts de ces artistes pour rejeter les institutions conventionnelles, ils ont souvent dû accepter des financements de leur part pour développer leurs projets.

Robert Smithson était peut-être l'artiste le plus connu qui travaille dans ce genre. En réponse au désengagement du modernisme des problèmes sociaux, son essai de 1968 "La sédimentation de l'esprit: projets terrestres" offrait un cadre critique pour le mouvement. La Spiral Jetty (1970), que Smithson a créée comme une longue jetée en forme de spirale (1500 pieds) qui s'avance dans le Grand Lac Salé dans le nord de l'Utah, aux États-Unis, est son œuvre d'art terrestre la plus connue et probablement la plus célèbre. La quantité de travail, le cas échéant, qui est visible dépend de l'évolution des niveaux d'eau.

Le premier musée américain à présenter une exposition d'art de la Terre, simplement intitulée Earth Art, fut le Herbert F. Johnson Museum of Art de l'Université Cornell en février 1969. Les œuvres d'art étaient exposées au musée ainsi que sur tout le campus d'Ithaca de l'Université Cornell. , offrant un lieu pour des pièces qui continueraient plus tard à remettre en question le statut de l'art en tant que marchandise, en particulier les installations qui brouillaient les frontières entre le contexte d'un objet et son environnement.

La récession a eu un impact significatif sur le financement de l'art de la Terre au milieu des années 1970. De nombreux artistes comptaient sur des sponsors pour payer des parcelles de terrain coûteuses afin de pouvoir terminer des œuvres à grande échelle. Le mouvement a perdu l'une de ses figures les plus importantes lorsque Robert Smithson est mort dans un accident d'avion en 1973, et il a fini. Ceux dont la réputation s'est bâtie sur l'art de la Terre, comme De Maria, Heizer, Morris et Andre, ont changé l'orientation de leur travail afin de s'adapter aux cadres institutionnels et des galeries. Bien que conceptuellement sans rapport avec les œuvres d'avant-garde des pionniers du land art, le mot "land art" est entré dans le courant dominant de l'art public et est parfois utilisé à mauvais escient pour décrire toute forme d'art dans la nature.

Artistes clés du Land Art

Robert Smithson (1938-1973)

Le travail de pionnier de Robert Smithson doit être inclus dans toute analyse du land art. Afin de créer des compositions sculpturales en trois dimensions, il a commencé à combiner divers matériaux. Cela a conduit à une série d'œuvres "hors sites", dans lesquelles des sculptures faites de terre et de roches rapportées d'expéditions ont été placées à l'intérieur de galeries. Ces sculptures comprenaient fréquemment des cartes, des poubelles, des miroirs, du verre et du néon. Les travaux de terrassement de Smithson Spiral Jetty (1970), Broken Circle/Spiral Hill (1971) et Amarillo Ramp (1973) sont ses créations les plus célèbres (1973). En retirant complètement l'art du contexte de la galerie et en l'intégrant au terrain naturel, il a modifié à jamais les concepts préconçus de la forme sculpturale dans l'art contemporain.

Andy Goldsworthy (né en 1956)

Andy Goldsworthy est un sculpteur et photographe de land art bien connu qui travaille dans et avec la nature. Sa production peut être classée en projets permanents et temporaires. Ces derniers sont conçus pour disparaître à la fin du cycle de vie et sont construits à partir de composants organiques et transitoires. Il crée un certain nombre de motifs répétitifs, notamment des spirales, des cercles et des lignes sinueuses, à partir de branches, de feuilles, de rochers et de glace. L'éphémère au centre de ces initiatives est le reflet d'une écologie fragile et d'un environnement naturel en constante évolution.

Nancy Holt (1938-2014)

Bien qu'elle ait été éclipsée par son célèbre mari, Robert Smithson, Holt a créé un ensemble d'œuvres qui était unique à lui et avait des connotations plus futuristes. Certains des meilleurs travaux de Holt sont à peine là lors de l'utilisation d'une stratégie sans trace. Holt a reconnu le lien entre l'art et l'éco-activisme plus tôt et plus clairement que les autres Land Artists.

Maya Lin (née en 1959)

L'un des sites les plus reconnaissables est le mémorial des anciens combattants du Vietnam conçu par Maya Lin à Washington, DC. Sa signature était l'utilisation d'un mur simple et bas pour suivre les contours du terrain environnant. Son approche minimaliste de l'art public consiste à ajouter quelque chose qui semble avoir été ajouté par la suite mais qui s'intègre néanmoins.

Ses installations extérieures présentent de petites bosses de terre à peine perceptibles qui pourraient passer inaperçues si on ne les regarde pas de très haut ou de très loin. Sa dernière attention a été portée sur les sculptures d'intérieur, qui évoquent intellectuellement et visuellement le terrain vallonné de zones géographiques lointaines et préservent une préoccupation environnementale implicite.

Ana Mendieta (1948-1985)

L'artiste féministe cubaine Ana Mendieta est une figure influente dans le développement du Land Art, en particulier dans la façon dont le corps humain interagit et revient à la nature. Mendieta a produit plus de 200 pièces en utilisant son corps et la terre comme support pour ses sculptures provocantes. Son travail est multicouche, profondément philosophique et lié à diverses traditions artistiques, notamment le conceptualisme, le land art, la performance et l'art corporel. Mendieta s'est imposée comme une pionnière de l'art de la terre grâce à sa série de photos et de vidéos Silueta (1973-1980). Afin de démontrer le lien indéfectible entre la planète et la nature humaine, l'artiste a sculpté son corps dans plusieurs paysages pour son projet.

Walter De Maria (1935-2013)

Dans ses sculptures, installations et œuvres terrestres, Walter de Maria utilise des formes géométriques pour produire une succession de répétitions qui explorent le lien entre le relatif et l'absolu. Lighting Field (1977), son œuvre d'art terrestre la plus connue, est une grille de carrés d'un mile sur un kilomètre qui a été placée dans une partie reculée du désert du Nouveau-Mexique. Quatre cents poteaux en acier inoxydable poli de plus de vingt pieds de haut et dont les extrémités pointues définissent un plan horizontal - le point d'attraction des éclairs - composent la grille. Le visiteur peut entrer physiquement dans la grille ou l'observer à distance, dans une série d'illusions d'optique puissantes qui varient avec le temps et l'espace, l'art, le paysage et la nature se heurtent.

Michel Heizer (né en 1944)

Michael Heizer a été une figure importante du mouvement land art. Il est réputé pour sa capacité à construire des œuvres à grande échelle et à explorer l'interaction entre l'espace positif et négatif. Commençant sa carrière artistique avec une série de toiles courbes qu'il a appelées "peinture négative". À la fin des années 1960, il a créé sa première pièce de terre négative, qui était « Nord, Est, Sud et Ouest ». Ce projet était sa première tentative de terrassement à grande échelle, et il était composé d'un ensemble de trous aux formes géométriques creusés dans le désert de la Sierra Nevada.

Richard Long (né en 1945)

À la fin des années 1960, l'artiste entame son interaction directe avec la nature en utilisant sa déambulation comme médium, motivé par une volonté d'utiliser le paysage de manière nouvelle. Long a tenté de subvertir le langage et les aspirations de l'art et de l'amener à un niveau plus basique, intime et fondamental à travers une séquence de gestes répétitifs ou de marches solitaires prolongées. Son but était d'illustrer en lui-même les possibilités d'une conversation sans mélange entre l'homme et l'environnement. Le temps, l'espace et la distance sont les sujets de ce projet de land art conceptuel révolutionnaire, et ils sont étendus à grande échelle.

Denis Oppenheim (1938-2011)

Avec Michael Heizer, Nancy Holt, Walter De Maria, Robert Smithson et Oppenheim, la première génération d'artistes Land comprenait Oppenheim. Dans les années 1960, ils ont créé ce tout nouveau genre d'art en utilisant la terre elle-même comme médium. Les premières interventions d'Oppenheim dans le monde naturel, contrairement à celles de nombre de ses contemporains, ont pris la forme d'un retrait, revenant au principe sculptural traditionnel de la sculpture en, selon les propres mots de l'artiste, « en enlevant plutôt qu'en ajoutant ». Les frontières géopolitiques, les fuseaux horaires et la dégradation naturelle ne sont que quelques exemples des systèmes sociaux et naturels qui sont référencés et mis en évidence dans Annual Rings (1968), un ouvrage spécifique au site. La reproduction de la carte permet de montrer comment la cartographie participe à la création de frontières non naturelles et souvent violentes entre les États et le fleuve, frontière naturelle, sert d'outil à ces frontières internationales.

Oppenheim a remis en question "les valeurs relatives des systèmes d'ordonnancement par lesquels nous vivons" en juxtaposant des éléments naturels avec des idées artificielles telles que la nationalité et les fuseaux horaires. Dans le même temps, des artistes de la terre comme Robert Smithson et Walter de Maria produisaient également des Earthworks spécifiques au site où les environnements naturels étaient mis en conflit avec des interventions artificielles.

Citations d'artistes terrestres

Robert Smithson

"Les noms des minéraux et les minéraux eux-mêmes ne diffèrent pas les uns des autres, car au fond de la matière et de l'impression se trouve le début d'un nombre abyssal de fissures. Les mots et les roches contiennent un langage qui suit une syntaxe de fissures et Regardez n'importe quel mot assez longtemps et vous le verrez s'ouvrir en une série de failles, en un terrain de particules contenant chacune son propre vide.

Andy Goldsworthy

« Je ne suis pas interprète, mais occasionnellement, je travaille délibérément dans un contexte public. Certaines sculptures ont besoin du mouvement des personnes autour d'elles pour fonctionner.

"Même en hiver, une plaque de neige isolée a une qualité particulière."

Nancy Holt

"Vous n'êtes qu'un petit point dans ce vaste espace."

Maya Lin

« L'art est très délicat parce que c'est ce que vous faites pour vous-même. Il m'est beaucoup plus difficile de faire ces œuvres que les monuments ou l'architecture. ”

Ana Mendieta

"Mon art est fondé sur la croyance en une seule énergie universelle, qui traverse tout : de l'insecte à l'homme, de l'homme au spectre, du spectre à la plante, de la plante à la galaxie. Mes œuvres sont les veines d'irrigation de ce fluide universel. elles remontent la sève ancestrale, les croyances originelles, les accumulations primordiales, les pensées inconscientes qui animent le monde.

Walter De Maria

"J'aime les catastrophes naturelles et je pense qu'elles peuvent être la plus haute forme d'art possible à vivre."

"Toute bonne œuvre devrait avoir au moins dix significations."

Michel Heizer

« Une œuvre d'art forte laisse vraiment les gens sans voix. Ils se sentent un peu en colère parce qu'ils ne le comprennent pas.

Richard Long

« Une sculpture, une carte, une photographie ; toutes les formes de mon travail sont égales et complémentaires. La connaissance de mes actions, sous quelque forme que ce soit, est l'art. Mon art est l'essence de mon expérience, pas une représentation de celle-ci.

Denis Oppenheim

« La plupart de mon travail vient d'idées. Je ne peux généralement faire que quelques versions de chaque idée. Le Land Art et le Body Art étaient des concepts particulièrement forts qui permettaient de nombreuses permutations. Mais néanmoins, je me suis retrouvé à vouloir passer à autre chose.

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Pour sélectionner des peintures pour votre collection qui correspondent à vos goûts et à votre style, vous pouvez utiliser les options du menu latéral. En sélectionnant simplement des options comme la couleur, le thème, le prix, le sujet, votre sélection sera mise à jour automatiquement. Vous pouvez également enregistrer toutes les œuvres que vous aimez en tant que favoris : cela vous permettra de conserver vos favoris personnels pour une utilisation future. Si vous avez besoin de partager vos œuvres avec d'autres, vous pouvez également rendre vos collections publiques, c'est un moyen créatif de partager votre art préféré avec d'autres amateurs d'art, amis ou même clients.

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Le land art, également appelé art de la terre, est créé directement dans le paysage en le sculptant ou en y construisant des structures en matériaux naturels. Les débuts du mouvement écologiste et la généralisation de l'art américain à la fin des années 1960 ont eu un impact sur des idées et des œuvres qui étaient, à des degrés divers, éloignées du marché de l'art. Le mouvement était un développement du conceptualisme et du minimalisme.

Les principales préoccupations du mouvement artistique étaient son opposition à la commercialisation des arts et son enthousiasme pour le nouveau mouvement écologique émergent. La prévalence du sentiment anti-urbain et sa passion compensatoire pour la vie à la campagne ont coïncidé avec le mouvement artistique. Les aspirations spirituelles pour que la Terre serve de foyer à l'humanité faisaient partie de ces impulsions.

Une méthode de création artistique basée sur un processus où l'artiste faisait des excursions dans l'environnement environnant pour collecter des objets ou effectuer des interventions spécifiques au site a rapidement évolué à partir de ce qui avait initialement commencé comme une tendance de la sculpture à incorporer des matériaux naturels comme la terre, les roches. , et plantes. Alors que certains artistes ont créé des interventions temporaires et limitées dans le paysage, d'autres ont utilisé des équipements de terrassement mécaniques pour créer leurs travaux de terrassement. Pour la présentation dans les galeries, les artistes utilisaient fréquemment des photographies, des films et des cartes pour documenter leurs travaux de terrassement. De plus, en combinant des éléments organiques de l'environnement dans des sculptures et des installations, les artistes de la terre ont créé du land art dans les galeries.

Histoire du Land Art

Le land art était une protestation contre la "commercialisation impitoyable" de l'art en Amérique dans les années 1960 et 1970. Cependant, la documentation photographique était fréquemment exposée dans les espaces des galeries conventionnelles. Pendant ce temps, les partisans du land art ont rejeté le musée ou la galerie comme cadre de l'activité artistique et ont créé des projets de paysage monumentaux qui sortaient du cadre de la sculpture transportable traditionnelle et du marché de l'art commercial. L'art minimaliste et conceptuel, ainsi que les tendances contemporaines comme De Stijl, le cubisme, le minimalisme et les œuvres de Constantin Brâncuși et Joseph Beuys, ont inspiré le Land art.

Le premier Land art a été créé à la Skowhegan School of Painting and Sculpture par Douglas Leichter et Richard Saba en 1967, selon l'article de la critique d'art Grace Glueck dans le New York Times. L'émergence soudaine du Land art en 1968 peut être attribuée à une génération d'artistes, dont la plupart étaient dans la fin de la vingtaine, qui réagissaient à l'activisme politique accru de l'année ainsi qu'à la croissance rapide des mouvements environnementaux et de libération des femmes.

Un exemple de land art qui a servi de moyen d'identifier publiquement un groupe d'artistes pionniers était une exposition de groupe de 1968 intitulée "Earthworks" qui s'est tenue à la Dwan Gallery de New York. "Earthworks" présentait la documentation de projets spécifiques au site par des artistes tels que Sol LeWitt, Robert Morris, Claes Oldenburg, Dennis Oppenheim et Stephen Kaltenbach, car certains des artistes de l'exposition avaient du mal à trouver un terrain approprié pour leur travail spécifique au site. À travers des cartes, des photos, des transparents et des dessins, l'exposition a catalogué comment leur travail a été conceptualisé. Ironiquement, malgré les efforts de ces artistes pour rejeter les institutions conventionnelles, ils ont souvent dû accepter des financements de leur part pour développer leurs projets.

Robert Smithson était peut-être l'artiste le plus connu qui travaille dans ce genre. En réponse au désengagement du modernisme des problèmes sociaux, son essai de 1968 "La sédimentation de l'esprit: projets terrestres" offrait un cadre critique pour le mouvement. La Spiral Jetty (1970), que Smithson a créée comme une longue jetée en forme de spirale (1500 pieds) qui s'avance dans le Grand Lac Salé dans le nord de l'Utah, aux États-Unis, est son œuvre d'art terrestre la plus connue et probablement la plus célèbre. La quantité de travail, le cas échéant, qui est visible dépend de l'évolution des niveaux d'eau.

Le premier musée américain à présenter une exposition d'art de la Terre, simplement intitulée Earth Art, fut le Herbert F. Johnson Museum of Art de l'Université Cornell en février 1969. Les œuvres d'art étaient exposées au musée ainsi que sur tout le campus d'Ithaca de l'Université Cornell. , offrant un lieu pour des pièces qui continueraient plus tard à remettre en question le statut de l'art en tant que marchandise, en particulier les installations qui brouillaient les frontières entre le contexte d'un objet et son environnement.

La récession a eu un impact significatif sur le financement de l'art de la Terre au milieu des années 1970. De nombreux artistes comptaient sur des sponsors pour payer des parcelles de terrain coûteuses afin de pouvoir terminer des œuvres à grande échelle. Le mouvement a perdu l'une de ses figures les plus importantes lorsque Robert Smithson est mort dans un accident d'avion en 1973, et il a fini. Ceux dont la réputation s'est bâtie sur l'art de la Terre, comme De Maria, Heizer, Morris et Andre, ont changé l'orientation de leur travail afin de s'adapter aux cadres institutionnels et des galeries. Bien que conceptuellement sans rapport avec les œuvres d'avant-garde des pionniers du land art, le mot "land art" est entré dans le courant dominant de l'art public et est parfois utilisé à mauvais escient pour décrire toute forme d'art dans la nature.

Artistes clés du Land Art

Robert Smithson (1938-1973)

Le travail de pionnier de Robert Smithson doit être inclus dans toute analyse du land art. Afin de créer des compositions sculpturales en trois dimensions, il a commencé à combiner divers matériaux. Cela a conduit à une série d'œuvres "hors sites", dans lesquelles des sculptures faites de terre et de roches rapportées d'expéditions ont été placées à l'intérieur de galeries. Ces sculptures comprenaient fréquemment des cartes, des poubelles, des miroirs, du verre et du néon. Les travaux de terrassement de Smithson Spiral Jetty (1970), Broken Circle/Spiral Hill (1971) et Amarillo Ramp (1973) sont ses créations les plus célèbres (1973). En retirant complètement l'art du contexte de la galerie et en l'intégrant au terrain naturel, il a modifié à jamais les concepts préconçus de la forme sculpturale dans l'art contemporain.

Andy Goldsworthy (né en 1956)

Andy Goldsworthy est un sculpteur et photographe de land art bien connu qui travaille dans et avec la nature. Sa production peut être classée en projets permanents et temporaires. Ces derniers sont conçus pour disparaître à la fin du cycle de vie et sont construits à partir de composants organiques et transitoires. Il crée un certain nombre de motifs répétitifs, notamment des spirales, des cercles et des lignes sinueuses, à partir de branches, de feuilles, de rochers et de glace. L'éphémère au centre de ces initiatives est le reflet d'une écologie fragile et d'un environnement naturel en constante évolution.

Nancy Holt (1938-2014)

Bien qu'elle ait été éclipsée par son célèbre mari, Robert Smithson, Holt a créé un ensemble d'œuvres qui était unique à lui et avait des connotations plus futuristes. Certains des meilleurs travaux de Holt sont à peine là lors de l'utilisation d'une stratégie sans trace. Holt a reconnu le lien entre l'art et l'éco-activisme plus tôt et plus clairement que les autres Land Artists.

Maya Lin (née en 1959)

L'un des sites les plus reconnaissables est le mémorial des anciens combattants du Vietnam conçu par Maya Lin à Washington, DC. Sa signature était l'utilisation d'un mur simple et bas pour suivre les contours du terrain environnant. Son approche minimaliste de l'art public consiste à ajouter quelque chose qui semble avoir été ajouté par la suite mais qui s'intègre néanmoins.

Ses installations extérieures présentent de petites bosses de terre à peine perceptibles qui pourraient passer inaperçues si on ne les regarde pas de très haut ou de très loin. Sa dernière attention a été portée sur les sculptures d'intérieur, qui évoquent intellectuellement et visuellement le terrain vallonné de zones géographiques lointaines et préservent une préoccupation environnementale implicite.

Ana Mendieta (1948-1985)

L'artiste féministe cubaine Ana Mendieta est une figure influente dans le développement du Land Art, en particulier dans la façon dont le corps humain interagit et revient à la nature. Mendieta a produit plus de 200 pièces en utilisant son corps et la terre comme support pour ses sculptures provocantes. Son travail est multicouche, profondément philosophique et lié à diverses traditions artistiques, notamment le conceptualisme, le land art, la performance et l'art corporel. Mendieta s'est imposée comme une pionnière de l'art de la terre grâce à sa série de photos et de vidéos Silueta (1973-1980). Afin de démontrer le lien indéfectible entre la planète et la nature humaine, l'artiste a sculpté son corps dans plusieurs paysages pour son projet.

Walter De Maria (1935-2013)

Dans ses sculptures, installations et œuvres terrestres, Walter de Maria utilise des formes géométriques pour produire une succession de répétitions qui explorent le lien entre le relatif et l'absolu. Lighting Field (1977), son œuvre d'art terrestre la plus connue, est une grille de carrés d'un mile sur un kilomètre qui a été placée dans une partie reculée du désert du Nouveau-Mexique. Quatre cents poteaux en acier inoxydable poli de plus de vingt pieds de haut et dont les extrémités pointues définissent un plan horizontal - le point d'attraction des éclairs - composent la grille. Le visiteur peut entrer physiquement dans la grille ou l'observer à distance, dans une série d'illusions d'optique puissantes qui varient avec le temps et l'espace, l'art, le paysage et la nature se heurtent.

Michel Heizer (né en 1944)

Michael Heizer a été une figure importante du mouvement land art. Il est réputé pour sa capacité à construire des œuvres à grande échelle et à explorer l'interaction entre l'espace positif et négatif. Commençant sa carrière artistique avec une série de toiles courbes qu'il a appelées "peinture négative". À la fin des années 1960, il a créé sa première pièce de terre négative, qui était « Nord, Est, Sud et Ouest ». Ce projet était sa première tentative de terrassement à grande échelle, et il était composé d'un ensemble de trous aux formes géométriques creusés dans le désert de la Sierra Nevada.

Richard Long (né en 1945)

À la fin des années 1960, l'artiste entame son interaction directe avec la nature en utilisant sa déambulation comme médium, motivé par une volonté d'utiliser le paysage de manière nouvelle. Long a tenté de subvertir le langage et les aspirations de l'art et de l'amener à un niveau plus basique, intime et fondamental à travers une séquence de gestes répétitifs ou de marches solitaires prolongées. Son but était d'illustrer en lui-même les possibilités d'une conversation sans mélange entre l'homme et l'environnement. Le temps, l'espace et la distance sont les sujets de ce projet de land art conceptuel révolutionnaire, et ils sont étendus à grande échelle.

Denis Oppenheim (1938-2011)

Avec Michael Heizer, Nancy Holt, Walter De Maria, Robert Smithson et Oppenheim, la première génération d'artistes Land comprenait Oppenheim. Dans les années 1960, ils ont créé ce tout nouveau genre d'art en utilisant la terre elle-même comme médium. Les premières interventions d'Oppenheim dans le monde naturel, contrairement à celles de nombre de ses contemporains, ont pris la forme d'un retrait, revenant au principe sculptural traditionnel de la sculpture en, selon les propres mots de l'artiste, « en enlevant plutôt qu'en ajoutant ». Les frontières géopolitiques, les fuseaux horaires et la dégradation naturelle ne sont que quelques exemples des systèmes sociaux et naturels qui sont référencés et mis en évidence dans Annual Rings (1968), un ouvrage spécifique au site. La reproduction de la carte permet de montrer comment la cartographie participe à la création de frontières non naturelles et souvent violentes entre les États et le fleuve, frontière naturelle, sert d'outil à ces frontières internationales.

Oppenheim a remis en question "les valeurs relatives des systèmes d'ordonnancement par lesquels nous vivons" en juxtaposant des éléments naturels avec des idées artificielles telles que la nationalité et les fuseaux horaires. Dans le même temps, des artistes de la terre comme Robert Smithson et Walter de Maria produisaient également des Earthworks spécifiques au site où les environnements naturels étaient mis en conflit avec des interventions artificielles.

Citations d'artistes terrestres

Robert Smithson

"Les noms des minéraux et les minéraux eux-mêmes ne diffèrent pas les uns des autres, car au fond de la matière et de l'impression se trouve le début d'un nombre abyssal de fissures. Les mots et les roches contiennent un langage qui suit une syntaxe de fissures et Regardez n'importe quel mot assez longtemps et vous le verrez s'ouvrir en une série de failles, en un terrain de particules contenant chacune son propre vide.

Andy Goldsworthy

« Je ne suis pas interprète, mais occasionnellement, je travaille délibérément dans un contexte public. Certaines sculptures ont besoin du mouvement des personnes autour d'elles pour fonctionner.

"Même en hiver, une plaque de neige isolée a une qualité particulière."

Nancy Holt

"Vous n'êtes qu'un petit point dans ce vaste espace."

Maya Lin

« L'art est très délicat parce que c'est ce que vous faites pour vous-même. Il m'est beaucoup plus difficile de faire ces œuvres que les monuments ou l'architecture. ”

Ana Mendieta

"Mon art est fondé sur la croyance en une seule énergie universelle, qui traverse tout : de l'insecte à l'homme, de l'homme au spectre, du spectre à la plante, de la plante à la galaxie. Mes œuvres sont les veines d'irrigation de ce fluide universel. elles remontent la sève ancestrale, les croyances originelles, les accumulations primordiales, les pensées inconscientes qui animent le monde.

Walter De Maria

"J'aime les catastrophes naturelles et je pense qu'elles peuvent être la plus haute forme d'art possible à vivre."

"Toute bonne œuvre devrait avoir au moins dix significations."

Michel Heizer

« Une œuvre d'art forte laisse vraiment les gens sans voix. Ils se sentent un peu en colère parce qu'ils ne le comprennent pas.

Richard Long

« Une sculpture, une carte, une photographie ; toutes les formes de mon travail sont égales et complémentaires. La connaissance de mes actions, sous quelque forme que ce soit, est l'art. Mon art est l'essence de mon expérience, pas une représentation de celle-ci.

Denis Oppenheim

« La plupart de mon travail vient d'idées. Je ne peux généralement faire que quelques versions de chaque idée. Le Land Art et le Body Art étaient des concepts particulièrement forts qui permettaient de nombreuses permutations. Mais néanmoins, je me suis retrouvé à vouloir passer à autre chose.

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