L'art conceptuel, souvent appelé conceptualisme, est un art dans lequel l'idée ou le concept sous-jacent est plus pertinent que le produit final. Les artistes conceptuels ont créé des œuvres et des écrits entre le milieu des années 1960 et le milieu des années 1970 qui ont fondamentalement rejeté les notions conventionnelles de l'art.
Pour transmettre leurs idées, les artistes conceptuels ont choisi les médias et les formats qui leur convenaient le mieux. Cela a conduit à une grande variété d'œuvres d'art qui pourraient ressembler à n'importe quoi, des performances à l'écriture en passant par les objets du quotidien. Les artistes ont utilisé des systèmes, des structures et des processus invisibles, ainsi que des éléments de l'esprit linguistiques, mathématiques et axés sur les processus, pour étudier les possibilités de l'art en tant que concept et de l'art en tant que connaissance. Certaines œuvres d'art conceptuelles, également connues sous le nom d'installations, peuvent être créées par n'importe qui simplement selon un ensemble d'instructions écrites.
La question de la capacité artistique est une distinction clé entre l'art conceptuel et les types plus "conventionnels" de création artistique. Bien que l'expertise dans l'utilisation des médias traditionnels joue souvent un petit rôle dans l'art conceptuel, il est difficile d'affirmer que les œuvres conceptuelles manquent toujours de talent ou que la compétence n'est pas nécessaire pour les créer.
Il est bien connu que Marcel Duchamp a fondé l'art conceptuel. Bien que le terme "art conceptuel" n'ait été inventé que dans les années 1960, les racines du mouvement remontent à 1917, lorsque Marcel Duchamp a acheté un urinoir dans un magasin de plomberie et l'a présenté comme une sculpture dans une exposition de sculpture ouverte à New York. Le jury a disqualifié la pièce parce qu'il pensait qu'elle était immorale et ne l'accepterait pas comme de l'art. Duchamp a ouvert la voie à l'art conceptuel par l'exploration des limites de l'art et la critique du monde de l'art. Plus tard, l'artiste américain Joseph Kosuth a reconnu la pertinence et l'importance théorique de Duchamp pour les "conceptualistes" à venir dans son essai de 1969, Art after Philosophy, dans lequel il a déclaré : "Tout art (après Duchamp) est conceptuel (par nature) parce que l'art n'existe que conceptuellement. "
Les membres du mouvement Fluxus utilisaient déjà le terme « art conceptuel » dès le début des années 1960. L'objectif principal du mouvement était de rompre avec l'exclusivité du modernisme et de promouvoir une attitude ouverte envers l'art. Les artistes impliqués dans le mouvement Fluxus souhaitaient élargir les points de référence de l'esthétique pour inclure n'importe quoi, d'un objet à un son ou une action. Fluxus est incontestablement l'une des influences de l'art conceptuel, même s'il n'est pas toujours considéré comme faisant partie du mouvement. C'était une tendance significative à égalité avec le conceptualisme, et ses praticiens sont souvent appelés artistes conceptuels.
En partie en réponse au formalisme tel qu'il était alors décrit par le célèbre critique d'art new-yorkais Clement Greenberg, l'art conceptuel est apparu comme un mouvement dans les années 1960. Selon Greenberg, l'art moderne poursuivait l'objectif d'établir la nature fondamentale et formelle de chaque média par un processus de réduction et de raffinement continus. Les composants qui s'opposaient à cette nature devaient être minimisés. Par exemple, le travail de la peinture consistait à décrire correctement le type d'objet qu'est une peinture, et rien d'autre : ce qui en fait une peinture et rien d'autre.
D'autres, y compris de nombreux artistes eux-mêmes, considéraient l'art conceptuel comme une rupture fondamentale avec le type de modernisme formaliste de Greenberg. Certains ont suggéré que l'art conceptuel prolongeait cette « dématérialisation » de l'art en éliminant complètement la nécessité des choses. Les artistes ultérieurs avaient la même aversion pour l'illusion et la même préférence pour l'art autocritique.
À la fin des années 1960, il était évident que les règles de Greenberg pour maintenir l'art dans les paramètres de chaque médium et exclure les sujets étrangers n'étaient plus valables. Dans un effort pour saper la galerie ou le musée en tant que cadre et arbitre de l'art ainsi que le marché de l'art en tant que propriétaire et vendeur d'art, l'art conceptuel a également répondu contre la commercialisation de l'art.
La principale préoccupation de la première génération d'artistes conceptuels dans les années 1960 et au début des années 1970 était le langage. Bien que l'utilisation du texte dans l'art n'ait rien de nouveau, ce n'est que dans les années 1960 que des artistes comme Lawrence Weiner, Edward Ruscha, Joseph Kosuth, Robert Barry et Art & Language ont commencé à faire de l'art uniquement à travers le langage. Les artistes conceptuels ont utilisé le langage à la place du pinceau et de la toile et lui ont donné la liberté de signifier par lui-même, par opposition au passé où le langage était dépeint comme un type d'élément visuel parmi d'autres et subordonné à une composition globale (comme le cubisme synthétique ).
Selon le philosophe britannique et théoricien de l'art conceptuel Peter Osborne, le recours aux théories linguistiques de la signification à la fois dans la philosophie analytique anglo-américaine et dans la philosophie continentale structuraliste et post-structuraliste au milieu du XXe siècle a été l'un des nombreux facteurs qui ont influencé la gravitation. vers l'art basé sur le langage. Ce glissement linguistique « a soutenu et légitimé » le choix de voie des artistes conceptuels. Les premiers conceptualistes étaient la première génération d'artistes à suivre une formation universitaire en art, selon Osborne. Dans une conférence publique ultérieure, Osborne a déclaré que l'art contemporain est post-conceptuel. C'est une revendication faite par rapport à l'ontologie de la production artistique (plutôt que de dire au niveau descriptif du style ou du mouvement).
L'artiste allemand Joseph Beuys (1921 -1986), actif en Europe et aux États-Unis des années 1950 au début des années 1980, s'est fait connaître pour son travail dans les mouvements internationaux d'art conceptuel et Fluxus de cette époque. Le vaste corpus d'œuvres de Beuys englobe à la fois les médias traditionnels comme le dessin, la peinture et la sculpture, ainsi que l'art "d'action" axé sur les processus ou basé sur le temps, dont la performance suggère comment l'art peut avoir un effet curatif lorsqu'il aborde les problèmes psychologiques, sociaux , ou des questions politiques (à la fois sur l'artiste et sur le public).
Joseph Kosuth (né en 1945) est un artiste conceptuel et théoricien américain. Au milieu des années 1960, Joseph Kosuth était l'un des fondateurs de l'art conceptuel, qui est devenu un mouvement important qui s'est épanoui dans les années 1970 et continue d'avoir un impact aujourd'hui. Il a examiné la relation entre les idées et les images et les mots utilisés pour les transmettre et a été un pionnier dans l'utilisation des mots à la place de l'imagerie visuelle de tout type. Il a créé diverses installations spécifiques au site depuis les années 1970 qui continuent d'enquêter sur la façon dont les humains expérimentent, comprennent et réagissent aux mots.
Sol LeWitt (1928 - 2007) était un artiste conceptuel et peintre américain. En raison de son rôle de premier plan dans le mouvement conceptuel, il a gagné une place dans les annales de l'histoire de l'art. Sa foi dans le processus créatif de l'artiste a joué un rôle crucial dans le passage de la période moderne à la période postmoderne. La définition de LeWitt de l'art conceptuel comme un acte intellectuel et pragmatique a fourni une nouvelle facette au travail de l'artiste qui était significativement distincte du romantisme de l'expressionnisme abstrait. Les œuvres de LeWitt comprenaient la sculpture, la peinture et le dessin en plus de créations pratiquement entièrement conceptuelles qui n'étaient que des concepts ou des composants du processus créatif.
Plus de jeunes artistes ont été influencés par Robert Smithson (1938-1973) que peut-être n'importe quel autre membre du groupe qui s'est développé dans les années 1960. Il était un artiste et écrivain talentueux dont les intérêts comprenaient la science-fiction, la minéralogie et le catholicisme. Ses premières œuvres comprenaient des collages et des peintures, mais il s'est rapidement tourné vers la sculpture en réponse au minimalisme et au conceptualisme du début des années 1960. Il a également commencé à emmener son art hors des galeries et dans le paysage.
Damien Hirst (né en 1965) est un artiste anglais, l'icône de l'art des années 1990 et l'un des plus grands provocateurs de la fin du XXe siècle ainsi qu'une figure de division dans l'histoire de l'art contemporain. Charles Saatchi, un magnat de la publicité qui a reconnu le potentiel des cadavres d'animaux en décomposition de Hirst et lui a donné un argent presque illimité pour continuer, a aidé le jeune artiste essentiellement inconnu à s'élever loin et rapidement.
Le thème de la mort domine de nombreuses pièces de Hirst. Il est devenu célèbre pour un ensemble d'œuvres mettant en vedette des animaux morts conservés, parfois disséqués, dans du formaldéhyde, notamment un requin, un mouton et une vache. Le plus connu d'entre eux était un requin tigre de 4,3 m de long immergé dans du formaldéhyde dans une vitrine d'exposition en verre intitulée L'impossibilité physique de la mort dans l'esprit de quelqu'un de vivant.
Pour un artiste vivant, Hirst a marqué l'histoire en septembre 2008 lorsqu'il a contourné ses galeries de longue date et a vendu l'intégralité de son exposition, Beautiful Inside My Head Forever, chez Sotheby's aux enchères. La vente aux enchères a battu le record d'une vente aux enchères à un seul artiste en levant 111 millions de livres sterling (198 millions de dollars).
Walter de Maria (1935 - 2013) était un sculpteur et artiste conceptuel américain. Walter de Maria a créé des installations de sculpture interactives et a fourni un soutien conceptuel pour des œuvres sculpturales à plus grande échelle, reliant plusieurs groupes de pratique artistique qui ont gagné en popularité dans les années 1960. Dans des œuvres ultérieures, il a également créé des liens entre les spectateurs et le monde naturel en incorporant des aspects visuels dans l'environnement lui-même ou en intégrant des éléments naturels dans les paramètres de la galerie. Ses œuvres les plus ambitieuses étaient de très grande envergure, non seulement en termes de taille physique, mais également en termes de durée d'exposition, certaines ayant duré des décennies à l'intérieur et à l'extérieur.
Jenny Holzer (née en 1950) est une artiste néo-conceptuelle américaine. Son travail se concentre principalement sur la communication d'idées et de mots dans les lieux publics et comprend des installations à grande échelle, des panneaux publicitaires, des projections sur des bâtiments et d'autres structures et des affichages électroniques éclairés. Les œuvres d'art textuelles de Jenny Holzer peuvent être trouvées dans des endroits inattendus : sur des t-shirts, des panneaux d'affichage, des parcomètres et des enseignes LED (le support de marque de Holzer).
L'artiste et militant politique Holzer veut empêcher les gens de consommer passivement des informations provenant de sources défavorables. L'ambition et l'ampleur de son art, qui a été exposé dans des lieux publics dans une grande partie du monde, se sont élargis avec sa réputation. Holzer rejoint les rangs des anti-autoritaires dans l'art depuis le début du modernisme (qui est essentiellement une lutte contre la tradition) jusqu'au XXIe siècle dans son fort cynisme du pouvoir.
Lawrence Weiner (1942 - 2001) était un artiste conceptuel américain et l'un des pionniers du texte comme art à l'ère du conceptualisme. Son utilisation des mots est remarquable par sa poésie, son curieux contact avec le monde réel et ses formes visuelles distinctives, souvent vibrantes et souvent humoristiques. L'artiste de la classe ouvrière Weiner considérait ses peintures comme des invitations pour les spectateurs à réévaluer leurs relations avec le monde qui les entoure, en particulier avec les autres personnes et les systèmes de pouvoir.
« Dans l'art conceptuel, l'idée ou le concept est l'aspect le plus important de l'œuvre. Lorsqu'un artiste utilise une forme d'art conceptuelle, cela signifie que toute la planification et les décisions sont prises à l'avance et que l'exécution est une affaire superficielle. L'idée devient une machine qui fait de l'art.
« Les nouveaux matériaux sont l'un des grands fléaux de l'art contemporain. Certains artistes confondent de nouveaux matériaux avec de nouvelles idées.
« Les artistes enseignent aux critiques ce qu'ils doivent penser. Les critiques répètent ce que les artistes leur enseignent.
"Dans l'art conceptuel, l'idée ou le concept est l'aspect le plus important de l'œuvre"
« Tout peut être de l'art. L'art est les relations entre les relations, pas les relations entre les objets.
"Tout art (après Duchamp) est conceptuel (par nature) parce que l'art n'existe que conceptuellement."
"Vous avez besoin d'un gros ego pour être un artiste."
« Les musées sont pour les artistes morts. Je ne montrerais jamais mon travail à la Tate. Tu ne m'amènerais jamais dans cet endroit.
"Je pense que pour être un vrai minimaliste, vous devriez presque être vous-même presque invisible."
"Tout bon travail devrait avoir au moins dix significations."
"Le manque de charisme peut être fatal."
"Être heureux est plus important que toute autre chose."
"Toutes les choses sont délicatement interconnectées."
"Vous êtes victime des règles que vous respectez."
« Le seul art qui m'intéresse est celui que je ne comprends pas tout de suite. Si vous le comprenez tout de suite, il n'a vraiment aucune utilité, sauf comme nostalgie.
L’Art conceptuel contemporain est une forme d’art innovante et stimulante qui est apparue dans les années 1960. Ce type d’œuvre d’art se caractérise par sa focalisation sur le concept ou l’idée derrière l’œuvre d’art, plutôt que sur ses qualités esthétiques. Les artistes conceptuels utilisent une large gamme de supports et de matériaux pour transmettre leurs idées, y compris la photographie, la vidéo, le texte et les objets trouvés. Ce qui rend l’Art conceptuel unique, c’est son accent mis sur les concepts intellectuels et philosophiques, remettant souvent en question les notions traditionnelles de l’art.
Les artistes conceptuels, menés par le critique américain Clement Greenberg, ont créé de l’art qui était moins formel que l’art de l’Expressionnisme Abstrait qui était populaire à l’époque. Les artistes conceptuels ne se souciaient pas des couleurs, des lignes, des techniques, ni de l’apparence ou de la façon dont le médium était fabriqué.
L’art conceptuel est apparu au milieu des années 1960 comme un départ radical des formes d’art traditionnelles, et ses origines sont profondément ancrées dans le climat culturel et politique de l’époque. Rejetant l’idée que l’art devrait être uniquement un objet à admirer ou à apprécier pour ses qualités esthétiques, les artistes conceptuels ont cherché à déplacer le focus de l’art de l’objet matériel à l’idée ou au concept qui s’y trouve derrière.
Un des premiers pionniers de l’art conceptuel était l’artiste américain Sol LeWitt, qui a déclaré dans son essai de 1967 "Paragraphs on Conceptual Art" que "l’idée devient une machine qui fait l’art". LeWitt et d’autres artistes conceptuels de l’époque croyaient que l’idée derrière l’œuvre était l’aspect le plus important et que l’exécution de l’idée était secondaire.
Cette approche de la création artistique était une réponse aux bouleversements culturels et politiques des années 1960, marquées par l’avènement du mouvement des droits civiques, des manifestations anti-guerre et la remise en question des structures de pouvoir traditionnelles. Les artistes conceptuels cherchaient à remettre en cause l’establishment artistique et la marchandisation de l’art, et à créer des œuvres plus accessibles au grand public.
Un des exemples les plus célèbres d’art conceptuel est la "Fontaine" (1917) de Marcel Duchamp, qui était constituée d’un urinoir signé d’un pseudonyme et soumis à une exposition d’art. L’œuvre de Duchamp a remis en question la notion de ce qui pouvait être considéré comme de l’art et a ouvert la voie aux générations futures d’artistes conceptuels pour explorer de nouvelles formes et idées.
L’art conceptuel a continué à évoluer et à influencer les pratiques artistiques contemporaines, avec des artistes tels que Damien Hirst, Jenny Holzer et Ai Weiwei repoussant les limites de ce qui peut être considéré comme de l’art et incitant les spectateurs à remettre en question leurs préconceptions sur la nature même de l’art.
L’art conceptuel contemporain connaît une évolution remarquable ces dernières années. Les artistes repoussent les limites, remettent en question les normes et créent des œuvres innovantes à la fois stimulantes intellectuellement et visuellement époustouflantes. Ces œuvres d’art prennent une importance significative sur le marché de l’art contemporain, les collectionneurs et les amateurs d’art étant tous désireux de les acquérir.
L’art conceptuel contemporain est un genre qui remet en question les conventions artistiques traditionnelles en priorisant les idées plutôt que l’esthétique. Plusieurs artistes connus ont apporté des contributions significatives à ce domaine, comme Jenny Holzer, célèbre pour utiliser des lumières LED pour afficher des messages provocateurs dans des espaces publics. Un autre artiste, Ai Weiwei, est connu pour son commentaire social et politique, utilisant souvent des matériaux tels que la porcelaine et le bois pour créer des installations stimulant la réflexion. Yoko Ono, une pionnière de l’art conceptuel dans les années 1960, continue de créer des œuvres qui remettent en question les normes sociales et encouragent la participation du public. Damien Hirst, une figure controversée dans le monde de l’art, a fait les gros titres avec ses animaux empaillés et ses crânes incrustés de diamants, soulevant des questions sur la marchandisation de l’art. Tracey Emin, une artiste féministe éminente, est connue pour ses œuvres confessionnelles et autobiographiques, utilisant souvent des lumières au néon et de la broderie pour exprimer des émotions brutes. Ces artistes ne sont que quelques exemples de ceux qui ont repoussé les limites de l’art conceptuel, créant des œuvres qui défient et provoquent le spectateur.
L’art conceptuel contemporain a produit plusieurs œuvres révolutionnaires qui remettent en question les notions traditionnelles de l’art. L’une de ces œuvres est "Fountain" de Marcel Duchamp, créée en 1917. L’œuvre de Duchamp est un urinoir en porcelaine retourné et signé du pseudonyme "R. Mutt". L’œuvre remet en question la valeur et le but de l’art en présentant un objet du quotidien comme une œuvre d’art.
Une autre œuvre d’art célèbre est "One and Three Chairs" de Joseph Kosuth, créée en 1965. L’œuvre se compose d’une chaise physique, d’une photographie de la chaise et d’une définition du mot "chaise". L’œuvre remet en question la perception de la réalité du spectateur et la relation entre le langage, l’image et l’objet.
Les "Instruction Paintings" (1961-62) de Yoko Ono sont également des pièces importantes de l’Art Conceptuel. L’œuvre se compose d’une série d’instructions écrites pour le spectateur à exécuter, telles que "Imaginez que le ciel est juste devant vous. Sautez et essayez de le toucher." L’œuvre brouille la frontière entre l’artiste et le spectateur, faisant du spectateur un participant actif dans la création de l’œuvre.
Les "Wall Drawings" (1968-2007) de Sol LeWitt sont un autre exemple bien connu de l’Art Conceptuel. L’œuvre d’art consiste en un ensemble d’instructions pour créer un dessin sur un mur, qui est ensuite réalisé par l’artiste ou d’autres personnes. L’œuvre d’art met l’accent sur l’idée ou le concept derrière l’œuvre plutôt que sur l’objet physique lui-même.
« Everyone I Have Ever Slept With 1963-1995 » (1995) de Tracey Emin est une œuvre hautement personnelle qui reflète les relations passées de l’artiste. L’œuvre consiste en une tente brodée avec les noms de tous ceux avec qui l’artiste a dormi, y compris des membres de sa famille. L’œuvre remet en question les normes sociales et les conventions entourant la sexualité et l’intimité.
Ces œuvres d’art et bien d’autres continuent d’inspirer et de défier le monde de l’art, repoussant les limites de ce que l’art peut être et du rôle de l’artiste dans la société.
