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L'art oriental : un vaste éventail de créations issues de cultures diverses

Il existe une grande variété de traditions artistiques de toute l'Asie qui composent l'histoire de l'art asiatique. L'Asie centrale, l'Asie de l'Est, l'Asie du Sud, l'Asie du Sud-Est et l'Asie de l'Ouest sont les parties les plus importantes du continent asiatique.

L'art d'Asie orientale comprend les cultures de la Chine, du Japon et de la Corée, tandis que l'art d'Asie centrale est dominé par les créations des peuples turcs de la steppe eurasienne. L'art d'Asie du Sud-Est comprend les arts de Thaïlande, du Laos, du Vietnam, de Singapour, d'Indonésie et des Philippines, tandis que l'art d'Asie du Sud fait référence aux arts du sous-continent indien. L'art du Proche-Orient, ou d'Asie occidentale, comprend l'art mésopotamien de l'Antiquité et l'art islamique de l'ère moderne.

L'évolution de l'art asiatique est similaire à celle de l'art occidental à bien des égards. Les cultures se sont mélangées par des moyens tels que le transfert d'art de la route de la soie, les échanges culturels à l'ère de la découverte et de la colonisation, ainsi que par Internet et la mondialisation actuelle. Si l'on exclut l'art de l'âge de pierre, l'art de la Mésopotamie est l'art le plus ancien d'Asie.

Art d'Asie centrale

Le Kirghizistan contemporain, le Kazakhstan, l'Ouzbékistan, le Turkménistan, l'Azerbaïdjan, le Tadjikistan, l'Afghanistan, le Pakistan et certaines régions de la Mongolie, de la Chine et de la Russie modernes sont tous considérés comme faisant partie de la région d'Asie centrale, qui abrite une histoire riche et une grande variété de traditions artistiques. L'art d'Asie centrale de l'Antiquité au Moyen Âge illustre la diversité de la population et du patrimoine culturel de la région. Le patrimoine culturel de l'Asie centrale reflète la composition multiculturelle de la région de manière surprenante, comme en témoignent les artefacts artistiques de la région. L'art scythe, l'art gréco-bouddhique, l'art sérindien et même la culture persane moderne font tous partie de cette histoire alambiquée, qui comprend également la transmission de l'art sur la route de la soie.

Les éleveurs migrants qui pratiquaient des économies mixtes à la périphérie des communautés sédentaires ont élu domicile dans les prairies d'Asie centrale (de la mer Caspienne au centre de la Chine et du sud de la Russie au nord de l'Inde) depuis la fin du IIe millénaire avant notre ère jusqu'à relativement récemment. L'art préhistorique de « style animalier » de ces nomades pastoraux révèle non seulement leurs mythes zoomorphes et leurs rituels chamaniques, mais aussi leur ouverture à incorporer les symboles de la culture sédentaire dans leurs propres pratiques.

Des cultures du monde entier se sont rencontrées et fusionnées en Asie centrale, ce qui en fait le centre névralgique de l'ancienne route de la soie qui reliait la Chine à la Méditerranée. Les communautés croissantes des troisième et deuxième millénaires avant notre ère faisaient partie d'un vaste réseau commercial qui reliait l'Asie centrale à la vallée de l'Indus, à la Mésopotamie et à l'Égypte.

L'art islamique a eu une influence majeure sur l'art occidental au cours des derniers siècles, mais les cultures plus anciennes se sont inspirées d'un large éventail de sources, notamment les arts de la Chine, de la Perse et de la Grèce, ainsi que le style animalier, qui a émergé parmi les nomades de les steppes.

Art d'Asie de l'Est

Les pratiques culturelles d'Asie de l'Est comprennent les arts visuels, la littérature et les arts du spectacle de la Chine, de la Corée et du Japon. Étant donné qu'elles n'ont pas de but pratique et n'impliquent aucun travail manuel, seules la peinture et la calligraphie ont le statut de "vrais beaux-arts" en Chine. La sculpture, ainsi que la fonte et la sculpture du bronze, ainsi que la production de céramiques, de textiles, de métallurgie et de laque, sont toutes considérées comme de l'artisanat. Les bâtiments chinois traditionnels sont presque souvent faits de bois et ont une plate-forme, un cadre à poteaux et à linteaux, des supports de toit et un toit lourd et en pente.

Trois facteurs, dont l'iconographie bouddhiste, les thèmes et traditions japonais indigènes et les arts visuels chinois, ont eu des impacts significatifs sur la culture visuelle japonaise. Le temple Hry, construit au VIIe siècle, a été la première structure à utiliser les dispositions asymétriques qui caractériseront l'architecture japonaise. La gravure sur bois polychrome, qui est devenue l'estampe emblématique ukiyo-e, et les peintures sur écran et sur panneaux du XVIe au XVIIIe siècle sont de parfaits exemples de la préoccupation des peintres japonais pour l'abstraction de la nature. L'utilisation de la pierre dans la construction et la sculpture et le développement d'une glaçure céladon exquise sont deux des contributions les plus distinctives de la Corée aux arts.

Parmi les littératures du monde, celle de la Chine a la plus longue histoire ininterrompue (plus de 3 000 ans). Son histoire est intimement liée à celle de la langue écrite qu'elle partage avec la Corée et le Japon. Ballades, légendes, drames masqués, textes de marionnettes et textes p'ansori ("chant d'histoire") font tous partie de la riche histoire orale de la Corée, et le pays possède également une solide tradition écrite de poésie (notamment les formes hyangga et sijo) . Étant donné que ni le Japon ni la Corée n'avaient leur propre langue écrite, les traditions littéraires des deux pays ont beaucoup emprunté à la Chine (bien que les systèmes syllabaires japonais aient émergé vers 1000 et que le Hangul coréen ait été développé au XVe siècle). La poésie du Japon, en particulier sous la forme de haïku, est réputée dans le monde entier pour sa sensibilité délicate, et elle remonte au 7ème siècle avec les nombreux trésors littéraires du pays comme Le Conte de Genji.

La musique d'Asie de l'Est, comme la musique occidentale, a créé une gamme pentatonique basée sur un vocabulaire à 12 tons, mais sa base est distincte. Les ensembles d'Asie de l'Est ont tendance à être relativement petits et les compositeurs de la région privilégient généralement la mélodie et le rythme au-dessus de la complexité harmonique. Il convient de noter que dans les pays d'Asie de l'Est, la musique, la danse et le théâtre sont souvent liés, et il n'y a aucune preuve d'évolution distincte de la forme dans les catégories associées de la danse et du théâtre d'Asie de l'Est. Les processions dansées, l'opéra de danse (jingxi, ou « Pékin » et d'autres types d'opéra chinois), le théâtre d'ombres, le théâtre de marionnettes et les pièces dialoguées avec musique et danse ne sont que quelques-unes des nombreuses variétés d'arts du spectacle d'Asie de l'Est (par exemple, le japonais Kabuki). Les œuvres de Bash, Bo Juyi, Du Fu, Hiroshige Ando, Lu Xun et Murasaki Shikibu valent également la peine d'être étudiées, tout comme l'ikebana, le pliage de papier de style Jgan, la peinture sur rouleau, le shinden-zukuri, le shoin-zukuri, le style sukiya, Architecture de style Tempyu et de style Tori.

Art d'Asie du Sud

Les arts de l'Inde, du Pakistan, du Bangladesh et du Sri Lanka sont souvent connus sous le nom d'Asie du Sud. Une pléthore de littérature textuelle ancienne en sanskrit, en prkrit et dans les langues régionales a contribué à rapprocher les peuples du sous-continent indien, tout comme une perspective culturelle et éthique partagée. Malgré la division de la région en un kaléidoscope de schémas politiques au fil des siècles, le sous-continent dans son ensemble a des traditions musicales et de danse, des rituels rituels, des pratiques religieuses et des idées littéraires communs.

Les épopées de l'Asie du Sud, telles que les Rmyaa et les Mahbhrata, donnent un aperçu du réseau complexe de relations entre les nombreux peuples de la région. Il existe des preuves évidentes d'une relation familiale entre les dieux et les héros de lieux très éloignés, et de nombreux noms de lieux eux-mêmes font allusion à des antécédents communs. Des efforts persistants ont également été déployés pour établir un ordre politique unifié dans la région. Au troisième siècle avant JC, par exemple, l'empereur Aoka contrôlait la majeure partie de cette zone; au XIe siècle après JC, Rajendra I de Chai a capturé une grande partie de l'Inde et de l'Asie du Sud-Est; et au seizième siècle de notre ère, le grand moghol Akbar fit de même. Les frontières ont grandi et rétréci tout au long de l'histoire de l'Asie du Sud, se joignant et se séparant officiellement en tant que régions complètes, mais la culture est restée cohérente tout au long.

Il y avait une appréciation répandue pour la beauté des montagnes et des rivières de la région en raison de son cadre physique commun. L'Himalaya, qui longe la frontière nord, est la plus haute montagne du monde et représente un idéal culturel de grandeur, de pureté et de neige immaculée. Des fleuves comme le Brahmapoutre et l'Indus sont honorés en tant que "mères" dans leurs régions respectives en raison de l'abondance de l'eau qu'ils fournissent.

Il existe une croyance répandue selon laquelle les esprits aquatiques et les fées sylvestres, respectivement appelés ngas et yakas, habitent les lacs et les sources de la région. Le nom d'une ancienne dynastie du Cachemire, Karkoa, est lui-même symbolique du culte nga. Des artefacts religieux anciens tels que des statues de ngas et de yakas qui ont été déterrés à divers endroits suggèrent une philosophie de dévotion partagée, tout comme les textes religieux qui ont été transmis oralement pendant des siècles sans perdre leur intonation primitive. Des sculptures représentant une danse classique similaire peuvent être trouvées dans les villes pakistanaises de Gandhra, Bhrhut et Amarvat.

En Asie du Sud, il est indispensable de bien connaître plusieurs arts avant de pouvoir se spécialiser dans un seul. Puisque la sculpture, comme la peinture et la danse, représente le monde entier, il va de soi qu'on ne peut maîtriser chaque forme d'art sans d'abord maîtriser l'autre. La danse est une forme d'expression par le mouvement et le rythme ; par conséquent, une compréhension du rythme musical est cruciale. La connaissance de la littérature et de la rhétorique est considérée comme importante pour susciter l'émotion dans la musique et la danse ; la saveur (rasa) à exprimer dans la musique, la danse, la sculpture ou la peinture nécessite une certaine familiarité avec l'écrit. Les arts sont ainsi interconnectés à plusieurs niveaux.

Les arts en Asie du Sud n'étaient pas seulement pratiqués pour eux-mêmes comme un loisir respectable, mais aussi comme un acte de dévotion et de culte à une puissance supérieure. Il existe des références littéraires à des princes inspectant des œuvres d'art à la recherche de défauts. Les réalisations et les ambitions, tant théoriques que pratiques, de l'artiste sont illustrées par une seule inscription qui mentionne le nom du stra-dhra ("architecte") du temple Mallikrjuna à Pattadakal, construit au VIIIe siècle.

Les cultures sud-asiatiques accordent depuis longtemps aux artistes un statut privilégié. La cour était remplie de poètes, de musiciens et de danseurs. Un danseur brillant a reçu les éloges de Rjendra Ca, et l'architecte du temple de Tiruvoiyr, également soutenu par Rjendra, a été félicité pour sa compréhension approfondie de l'architecture et de l'art dans une inscription. Pourtant, il y avait un lien fort entre les arts populaires et les arts nobles. Des similitudes existaient, par exemple, entre les danses de groupe tribales et l'art, la danse et la musique classiques occidentaux. Le sous-continent indien a une riche histoire artistique, la sculpture en ronde-bosse (citra) et la sculpture en relief (ardhacitra) occupant toutes deux des positions importantes.

Citrbhsa, qui se traduit par "l'apparence de la sculpture", est la troisième forme d'art la plus élevée. Un vers d'un drame du poète du Ve siècle Klidsa explique comment l'œil tombe sur les hauteurs et les profondeurs représentées dans le modelé d'un tableau, démontrant à quel point l'influence du clair-obscur (c'est-à-dire l'utilisation de la lumière et de l'ombre pour exprimer le modelé) était essentielle. . Les maîtres accordent la plus grande importance à l'esquisse au trait d'un tableau, qui doit être dessinée fermement et gracieusement, suivie de l'ombrage et de la représentation du modelé, qui sont appréciés par d'autres, de l'élément décoratif, qui fait appel au goût féminin, et de la splendeur de la couleur. , qui fait appel au goût commun. C'est très impressionnant que tu aies pu indiquer autant de forme avec si peu de dessin. Il existe de nombreux exemples littéraires de portraits réussis dans la peinture et la sculpture sud-asiatiques, démontrant la centralité du portrait dans les arts visuels de la région. Le Viudharmottara, écrit au VIe siècle, divise le portrait en quatre catégories : naturel, lyrique, sophistiqué et mixte. Il classe également différents types de personnes en fonction de la forme et de la couleur de leurs cheveux et de leurs yeux. Il comprend un aperçu des nombreuses perspectives artistiques, ainsi qu'une explication des bases du raccourcissement. Comme un poème reflète le poète, on pensait que les peintures et les sculptures prendraient les caractéristiques de leurs créateurs.

Malgré la longue histoire d'exposition de l'Asie du Sud aux influences étrangères, la région a toujours trouvé des moyens de combiner ces éléments dans des pratiques indigènes, produisant une synthèse unique plutôt qu'une simple copie. Cela se reflète également dans les œuvres d'art de la région de Gandhra au Pakistan, qui à l'époque (IVe siècle avant JC) était imprégnée de la culture gréco-romaine. L'incorporation de motifs et de styles indiens dans le style occidental dominant est une caractéristique de la sculpture de cette époque.

Après l'invasion de Kushan au premier siècle de notre ère, il y a eu un afflux évident d'influences extérieures, mais finalement la culture indigène a triomphé. L'Empire moghol, qui régna sur l'Asie du Sud à partir du XVIe siècle et se composait de musulmans d'Asie centrale, unifia culturellement la région en imposant une éducation à prédominance indienne à ses sujets. L'art musulman a prospéré sous le règne du deuxième empereur moghol, Humayn, qui a fait venir des artistes de la cour du Shah persan et a créé une histoire de fusion des styles indien et persan.

L'art de chaque région reflète sa propre structure politique, ses normes morales et éthiques et ses structures sociales. Dès le troisième siècle avant JC, les dirigeants montraient une volonté de servir le peuple et de le traiter presque comme une progéniture. De magnifiques pièces de monnaie de l'empire Gupta du nord de l'Inde aux IVe et VIe siècles dépeignent l'idéal du monarque en tant qu'archer sans égal, rassembleur, esprit noble et majestueux, sacrificateur pour le bien-être des sujets et héros de son personnes (qui l'imaginent sur un éléphant majestueux). Oeuvre représentant juste la conquête et juste la guerre. La guerre et la conquête, les sacrifices symboliques de chevaux, le conseil du roi, les réceptions diplomatiques, les négociations de paix, la construction de temples, l'appréciation des beaux-arts (y compris la danse et la musique) et le couronnement des rois ne sont que quelques-unes des nombreuses activités gouvernementales décrites dans le vaste série de sculptures illustrant l'histoire de la dynastie Pallava du sud de l'Inde des IVe-IXe siècles.

Semblable à la façon dont les sculptures qui mettent l'accent sur le dharma, les conventions ou les lois régissant l'obligation, reflètent les attitudes morales, il en va de même pour les sculptures qui dépeignent des actes moraux. Une manière courante de visualiser le principe d'ahimsa, ou la non-violence envers les autres, est à travers l'image d'un cerf, et l'idéal d'un site sacré est généralement représenté comme un endroit où le cerf peut se déplacer librement. Les œuvres d'art représentent souvent des scènes où les sujets se délectent de leurs propres sacrifices ou de ceux des autres. Les histoires du Paca-tantra, l'un des premiers recueils de fables au monde, sont représentées dans des sculptures d'une manière simple mais efficace. L'art sud-asiatique dépeint constamment la piété, la foi et le respect de la moralité qui ont imprégné la structure sociale du sous-continent pendant des générations.

Art d'Asie du Sud-Est

Les arts de l'Asie du Sud-Est comprennent ses formes écrites, orales et visuelles. Bien que la culture indienne ait eu un impact significatif sur le développement de la région, certaines caractéristiques communes sont antérieures à cette époque. Les styles artistiques non dérivés de l'Inde, comme les tissus batik, les orchestres de gamelan et le théâtre de marionnettes wayang, restent populaires. La culture indigène du riz humide (ou padi), la métallurgie, la navigation, les cultes des ancêtres et le culte de la montagne étaient tous courants.

L'Asie du Sud-Est englobe la vaste péninsule d'Indochine ainsi que les autres îles de la région souvent connues sous le nom d'Indes orientales. L'Asie du Sud-Est peut être décomposée en deux parties distinctes : le continent et les îles. Le Myanmar (Birmanie), la Thaïlande, le Laos, le Cambodge, le Vietnam, la Malaisie, Singapour, l'Indonésie et les Philippines sont les entités gouvernementales qui composent cette zone. Bien que les Philippines n'aient pas été initialement considérées comme faisant partie de l'Asie du Sud-Est, elles sont maintenant généralement considérées comme faisant partie de la région en raison de sa proximité avec la Chine et le Japon et des similitudes culturelles étroites qu'elle a avec les cultures de l'Asie du Sud-Est.

Toute l'Asie du Sud-Est partage un climat et une topographie similaires, qui ont façonné l'histoire et la culture de la région. Culturellement, ceux qui vivent dans les montagnes ont tendance à diverger de ceux qui vivent dans les vallées.

On croyait à l'origine que les peuples d'Asie du Sud-Est partageaient un manque d'originalité remontant à la préhistoire et qu'ils étaient plus "réceptifs" que "créatifs" dans leurs interactions avec les autres cultures. Des fouilles et des découvertes ultérieures au Myanmar et en Thaïlande ont incité certains chercheurs à s'opposer à la théorie acceptée selon laquelle la civilisation s'est déplacée vers l'Asie du Sud-Est depuis la Chine à l'époque préhistorique. Au lieu de cela, ont-ils soutenu, les habitants de l'Asie du Sud-Est continentale cultivaient des plantes, fabriquaient de la poterie et travaillaient le bronze à peu près au même moment que les habitants de l'ancien Moyen-Orient, et ainsi la civilisation s'est propagée de l'Asie du Sud-Est continentale à la Chine un millénaire plus tôt. Parce qu'ils sont toujours plus intéressés par le travail pratique de créer de belles choses, les Asiatiques du Sud-Est n'ont pas un riche héritage de théorie de l'art, de critique littéraire ou dramatique.

Il n'est pas possible de retracer pas à pas la création et l'évolution des formes d'art en Asie du Sud-Est puisque les gens, en particulier dans la moitié ouest du continent, travaillaient sur des matériaux non durables. Compte tenu de l'histoire de la zone de boisement dense, il va de soi que le bois aurait été le premier matériau utilisé pour des raisons esthétiques. Malgré leur nouvelle maîtrise du métal et de la pierre, ils n'ont jamais abandonné la pratique traditionnelle de la sculpture sur bois, qui a continué à prospérer même après la fin de la grande époque de la sculpture sur pierre et de la construction en pierre (vers le XIIIe siècle). Dans l'État Shan occidental du Myanmar, le long de la rivière Salween, des archéologues ont découvert des dessins rupestres préhistoriques qui présentent une ressemblance frappante avec les sculptures Naga ultérieures sur des poteaux de maison. Semblable à la façon dont le symbole du soleil peut être trouvé comme motif artistique dans toute l'Asie du Sud-Est, et comment les sculptures sous les avant-toits des maisons Naga font allusion à la crainte, au triomphe et à la joie d'acquérir une tête humaine, la tradition esthétique ultérieure de l'Asie du Sud-Est fait écho à la peintures rupestres d'une paire de mains humaines avec des paumes ouvertes tenant le soleil et un crâne humain. La peinture rupestre est la preuve que les arts de la région ont toujours été liés à son passé magico-religieux.

On croyait autrefois que la technique de moulage du tambour en bronze employée à Dong Son, près de Hanoï, était originaire de Chine. Cependant, de nouvelles fouilles en Thaïlande ont montré que les tambours et la civilisation dite Dong Son sont originaires de l'Asie du Sud-Est continentale. Quoi qu'il en soit, les tambours en bronze coulés par les Karens pendant des millénaires jusqu'aux premières années du XXe siècle témoignent de la continuité de l'héritage esthétique de l'Asie du Sud-Est. Le travail des métaux a dû se développer très tôt, car les montagnes de l'Asie du Sud-Est continentale fournissaient de l'or, de l'argent et d'autres métaux. Les peuples des collines d'Asie du Sud-Est ont une longue histoire de fabrication et d'utilisation de boutons, de ceintures et de bijoux en argent exquis. Les motifs textiles suivent la même lignée esthétique. Les chants, danses et autres formes d'expression musicale étaient traditionnellement utilisés dans les cérémonies tribales.

Sous le soutien des dirigeants de toute l'Asie du Sud-Est, les arts ont prospéré. À l'époque de la naissance du Christ, les tribus tribales ont commencé à s'organiser officiellement en cités-royaumes ou en conglomérats de villages après des années de vie sédentaire en tant que producteurs de riz. De ce point de vue, un roi n'était guère plus qu'un chef de tribu suprême. Comme les tribus avaient déjà une tradition d'adoration des esprits, les monarques cherchaient une nouvelle divinité qui deviendrait l'objet de dévotion pour tout le monde. Ce désir de nouveaux dieux nationaux a contribué à l'ouverture de l'Asie du Sud-Est aux dieux de l'hindouisme et du bouddhisme. Les rois d'Asie du Sud-Est étaient responsables de la diffusion de nouvelles religions, c'est pourquoi les temples de la région ont connu un âge d'or du premier au XIIIe siècle.

Les temples sont devenus des centres d'activité culturelle et leurs murs sont devenus des toiles pour l'architecture, la sculpture et les peintures murales religieuses. Les érudits du sanskrit, la langue des textes sacrés de l'hindouisme, étaient des courtisans dans les anciens empires de l'est de l'Indochine et des îles, où ils ont créé une littérature sanskrite locale. Ce n'est qu'à travers les grandes épopées hindoues du Mahabharata et du Ramayana que cette entreprise littéraire a atteint le commun des mortels. Les histoires sur les dieux hindous, les démons et les hommes puissants étaient essentielles pour expliquer l'hindouisme au grand public lorsque les écritures sanskrites étaient hors de leur portée. De l'autre côté de la péninsule, dans l'empire pyu-birman de Prome, qui a prospéré avant le 8ème siècle, un tel développement ne s'est pas produit pour deux raisons : premièrement, l'hindouisme n'a jamais été largement accepté en Birmanie, et deuxièmement, la société birmane plus ouverte n'a développé ni l'institution de un dieu-roi ni celui d'une noblesse héréditaire.

Plus tard, les rois païens ont été entourés d'experts en pali, mais l'étude du pali n'a pas été menée au palais mais dans des monastères à travers le royaume, apportant les enseignements du Bouddha même dans les villages les plus reculés. Des moines bouddhistes et des universitaires du monde entier se sont rendus à Pagan pour étudier le pali, tandis que les cours des rois du Cambodge et de Java sont restées de simples centres régionaux de recherche sur le sanskrit. Les histoires de Jataka (naissance de Bouddha) ont été utilisées pour expliquer le bouddhisme aux gens ordinaires qui ne pouvaient pas lire les écritures pali, tout comme les épopées indiennes ont été utilisées pour expliquer l'hindouisme aux masses. Les temples du Cambodge et de Java étaient décorés de sculptures et de fresques représentant des scènes des Jatakas, un peu comme celles représentant des événements des grandes épopées.

L'arrivée de l'islam dans l'île d'Asie du Sud-Est après la dynastie Majapahit a établi une troisième couche culturelle en plus des couches indigènes et hindou-bouddhistes déjà existantes. Un nouvel empire birman s'est développé à partir des cendres de l'ancien et a pour mission de répandre le bouddhisme sur l'Asie du Sud-Est continentale. L'invasion birmane du Siam au 18ème siècle a apporté avec elle la culture hindoue, qui a contribué à favoriser le développement du jeu birman. Reconquis par la Chine, le Vietnam de l'autre côté de la péninsule est de plus en plus influencé par la culture chinoise. Après une brève apogée de la culture islamique, les peuples autochtones des nations insulaires d'Asie du Sud-Est ont été contraints de se soumettre à la domination étrangère. Ce n'est qu'en Birmanie et au Siam, deux des gouvernements d'Asie du Sud-Est qui ont émergé après des années de combats en tant que puissants royaumes, que les arts autochtones ont continué à prospérer.

La religion et l'histoire nationale ont longtemps été au cœur de l'art de l'Asie du Sud-Est. Hormis la vie et le caractère du Bouddha et des dieux de l'hindouisme, la doctrine religieuse n'était pas un point d'intérêt majeur. Après la chute des grands empires, mais leur mémoire de gloire et de force a persisté, un nouveau thème a émergé dans l'histoire nationale : la vénération des héros légendaires du passé.

Bien que l'image de Bouddha ait évolué au fil du temps, elle est restée un sujet populaire pour les artistes. En plus d'introduire la couleur locale en utilisant, comme arrière-plan, des scènes de l'époque contemporaine de l'artiste, la représentation de scènes de ses vies antérieures dans des fresques et des sculptures en relief a servi à enseigner au peuple l'éthique bouddhiste, car les Jatakas mettaient l'accent sur certaines vertus morales du Bouddha dans ses vies antérieures.

Il en va de même pour les représentations d'événements tirés des épopées hindoues, qui offrent à l'artiste une chance similaire et remplissent une fonction similaire. Au fil du temps, des personnages bouddhistes et hindous comme des dieux et des déesses, des héros et des princesses, des ermites et des magiciens, des démons et des dragons, des chevaux volants et des jeunes filles ailées, etc. thèmes religieux dominants.

Différentes représentations du naga, une sorte d'esprit surhumain, ont émergé dans différentes parties du monde lorsque le naga a été approprié à partir des écritures bouddhistes et hindoues et fusionné avec des analogues nationaux. Le naga de Birmanie a une crête distinctive sur la tête. Pour les Mon, naga était un crocodile, mais pour les Khmers et les Indonésiens, c'était un serpent à neuf têtes.

Bien que les démons d'Asie du Sud-Est aient été regroupés sous le terme pali-sanskrit yakkha ou yaksha, leurs identités distinctes ont été préservées dans la sculpture et la peinture de chaque pays. Peu familier de la forêt de la mousson, le lion est néanmoins devenu un emblème et un thème indigène populaire en raison de son association avec les dieux de la mythologie hindoue et bouddhiste. Même après que l'empire khmer eut abandonné la pratique du culte du dragon-serpent en tant que dieu de la fertilité, le naga à neuf têtes était devenu un symbole de protection et de pouvoir royal, et des nagas de pierre veillaient sur les palais royaux et les temples sacrés. Le culte naga était mal vu par les bouddhistes.

Tout au long de l'histoire de l'art birman et mon, le naga a toujours été représenté dans un rôle subordonné au Bouddha, faisant souvent un siège de ses bobines pour le Bouddha ou soulevant son capuchon massif pour le protéger des éléments. La figure gardienne d'un temple Mon était traditionnellement représentée comme un lion avec deux corps et une tête humaine, tandis que la figure gardienne d'un temple birman était traditionnellement représentée comme un lion huppé. Malgré la prétention des Tai à hériter des traditions artistiques khmères et mon naga, le bon démon servait de gardien du temple dans ces cultures.

Les animaux indiens sont devenus une partie de l'ancien symbolisme et de l'imagerie animale qui sont entrés dans les arts. Par exemple, les Mons ont choisi le sheldrake rouge comme emblème, les Birmans ont refondu le soleil comme leur oiseau préféré, le paon, au motif que dans la mythologie bouddhique le paon est associé au soleil, et en Indonésie l'oiseau mythique appelé Garuda, le véhicule de Vishnu, a fusionné avec l'aigle local. Les représentations de ces oiseaux ont trouvé une utilisation comme ornementation. Des versions stylisées des animaux qui décoraient autrefois les toits de chaume et les murs en bois des maisons d'Asie du Sud-Est ont fait leur chemin vers les palais et les temples les plus opulents. Les dessins d'arbres, de fruits et de fleurs des forêts de mousson ont été combinés avec des motifs floraux indiens et des motifs géométriques anciens.

L'art d'Asie du Sud-Est est complètement distinct de l'art de toute autre région, à l'exception de l'Inde. Bien que la Birmanie ait toujours été un lien commercial vital avec la Chine, les influences chinoises sont étonnamment absentes de l'art traditionnel birman. Les Tai sont arrivés tardivement en Asie du Sud-Est, apportant avec eux certaines traditions artistiques chinoises, mais ils ont rapidement abandonné ces pratiques au profit de celles des Khmers et des Mon. Aujourd'hui, les seules traces de ces contacts antérieurs peuvent être vues dans les caractéristiques architecturales des temples, en particulier le toit effilé et la laque.

Depuis que le Vietnam a été une colonie de la Chine pendant un millénaire, la culture chinoise a influencé l'art vietnamien. Les preuves archéologiques de l'hindouisme dans le sud du Vietnam moderne remontent à l'époque de l'ancienne monarchie Champa, qui a été capturée par le Vietnam au 15ème siècle. Des influences chinoises peuvent être observées dans les statues bouddhistes du nord du Vietnam. La comparaison des temples-tombeaux du Cambodge et de l'Indonésie avec ceux des empereurs du Vietnam ou des images opulentes et dignes de Bouddha du Vietnam avec celles du Cambodge et des images ascétiques et gracieuses de Bouddha de Birmanie révèle les différences fondamentales d'objectif esthétique et de style entre les arts d'Asie de l'Est et ceux de l'Asie du Sud-Est. L'art islamique, qui rejette les figures animales et humaines et cherche à révéler la réalité derrière la beauté illusoire du monde quotidien, partage également peu avec l'art d'Asie du Sud-Est. L'art d'Asie du Sud-Est a ignoré les enseignements de l'hindouisme et du bouddhisme selon lesquels le monde sensuel était illusoire et impermanent.

Dans l'art d'Asie du Sud-Est, la réalité et la fantaisie coexistent, et une vision positive de la vie imprègne chaque pièce. Certains ont noté que l'art classique khmer et indonésien se concentrait sur la représentation de la vie quotidienne des dieux, mais dans une perspective sud-asiatique, la vie quotidienne des dieux était la même que la leur : joyeuse, terreuse et divine. Non seulement l'art d'Asie du Sud-Est ne reflétait pas la conception européenne de «l'art pour l'art», mais il ne reflétait pas non plus la division européenne de l'art en catégories laïques et religieuses. Les mêmes motifs qui ornaient un magnifique temple et un plateau de laque étaient tatoués sur les cuisses d'un Birman. L'artiste d'Asie du Sud-Est n'avait pas besoin d'utiliser de modèles puisque, contrairement à ses homologues européens, il ne se souciait pas de la précision dans tous les aspects anatomiques. L'utilisation d'éléments fantastiques et l'accent mis sur la célébration du bien dans la vie humaine sont ce qui distingue l'art de l'Asie du Sud-Est.

Zoom sur l'art japonais

Il existe une grande variété de formes d'art et de médias liés à l'art japonais', de la céramique et des sculptures anciennes à la peinture à l'encre et à la calligraphie sur soie et papier, en passant par les peintures ukiyo-e et les gravures sur bois, la céramique et l'origami. les mangas et anime contemporains. Depuis les premiers signes d'existence humaine au Japon, au 10e millénaire avant J.-C., jusqu'à aujourd'hui, le Japon a une histoire riche et variée.

Le Japon a connu à la fois des afflux rapides d'idées étrangères et un long isolement du reste du monde. Les Japonais ont une longue histoire d'assimilation et d'adaptation d'aspects d'autres cultures qu'ils trouvent esthétiquement agréables. Aux VIIe et VIIIe siècles, l'art sophistiqué au Japon a été créé en réponse à la propagation du bouddhisme. Alors que les Japonais s'éloignaient de la Chine et développaient leurs propres styles d'expression uniques au IXe siècle, les arts profanes ont pris de l'importance; dès lors jusqu'à la fin du XVe siècle, les arts religieux et profanes ont prospéré. Lorsque la guerre de Nin a éclaté au Japon (1467-1477), elle a inauguré plus d'un siècle de bouleversements politiques, sociaux et économiques. Les œuvres d'art qui ont survécu aux purges du shogunat Tokugawa étaient en grande partie laïques et la religion jouait un rôle beaucoup plus petit dans la vie quotidienne. L'introduction soudaine des styles occidentaux a été un événement important au cours de la période Meiji (1868-1912).

Au Japon, amateurs et experts se livrent à la peinture comme leur principale forme d'expression artistique. Les Japonais sont particulièrement sensibles aux valeurs et à l'esthétique de la peinture car, jusqu'à l'ère moderne, ils utilisaient un pinceau au lieu d'un stylo. Au cours de la période Edo, l'impression sur bois est devenue une forme d'art majeure et les méthodes utilisées pour créer ses gravures vibrantes ont été affinées pour répondre aux besoins d'une culture populaire croissante. Alors que la signification religieuse du bouddhisme japonais traditionnel diminuait à cette époque, les Japonais ont trouvé que la sculpture était un moyen moins attrayant pour exprimer leur vision créative.

Il est généralement admis que la poterie japonaise est de la plus haute qualité artistique et comprend certains des premiers artefacts du Japon ; L'exportation de porcelaine du Japon a été une activité économique importante à plusieurs reprises. La laque japonaise, délicieusement décorée de maki-e, a longtemps été une exportation populaire vers l'Europe et la Chine, et cette tendance s'est poursuivie tout au long du XIXe siècle. L'architecture japonaise traditionnelle met en évidence les matériaux naturels et l'intégration de la vie intérieure et extérieure.

Estampes japonaises

Ukiyo-e, ou gravures sur bois japonaises, gagne en popularité en Occident. Leur nom vient de l'expression "images du monde flottant", qui décrit leur sujet. La croyance bouddhiste selon laquelle le bonheur est éphémère et que seule une absence de désir peut conduire à l'illumination a inspiré leur image envolée et en apesanteur.

Les shoguns du Japon féodal ont joué un rôle déterminant dans le développement de la gravure japonaise, qui a commencé dans la région d'Edo (Tokyo d'aujourd'hui). Dans le cadre de la politique Sakoku, qui signifie littéralement "pays isolé ou fermé", le Japon s'est coupé du reste du monde. Perry, un général américain, s'est rendu au Japon en 1853 pour négocier avec l'administration Meiji. De nombreuses estampes d'Ukiyo-e, une forme d'art contemporain qui était florissante lorsque Perry visita Edo, pouvaient être trouvées en vente sur les trottoirs de la ville.

Des scènes de l'histoire et des légendes japonaises étaient fréquemment représentées en ukiyo-e, tout comme des portraits d'interprètes de kabuki, des scènes de théâtre, des couples amoureux, des courtisanes renommées et des paysages. Les voyageurs de l'Ouest ont immédiatement aimé les estampes Ukiyo-e, il n'est donc pas surprenant qu'ils les aient ramenées chez eux, introduisant le monde dans le style artistique unique du Japon.

Les estampes d'art Ukiyo-e ont été réalisées en pressant des blocs de bois encrés sur du papier après que les images aient été gravées à l'envers dans les blocs. Au début de l'impression, tout était fait en noir et blanc. Okomura Masanobu et Suzuki Harunobu ont été des pionniers dans le domaine de l'impression couleur sur bois, qui nécessitait un bloc séparé pour chaque couleur.

Un bloc-clé pour les contours et des blocs individuels pour chaque teinte étaient nécessaires. De plus, étant donné qu'un petit nombre d'impressions peuvent être réalisées à partir d'un seul bloc, un nombre important de blocs devrait être sculpté afin d'imprimer un nombre substantiel de copies. L'artiste n'était que l'un des nombreux professionnels impliqués dans la production d'estampes d'art japonaises. D'autres comprenaient des concepteurs, des planificateurs de moules, des coupeurs de moules et des presses à moules.

Vers 1912, le mouvement de gravure connu sous le nom de Ramifications d'Ukio-e a commencé à disparaître, mais deux autres écoles de gravure se sont rapidement formées pour combler le vide. Sosaku Hanga et Shin Hanga sont leurs deux noms. Il existe deux écoles de pensée en ce qui concerne le processus d'impression : Sosaku Hanga, qui considère que l'artiste doit jouer un rôle central à chaque étape, et Shin Hanga, qui est plus traditionnel et considère que l'éditeur est le plus central, donc différent. les artistes peuvent être responsables de la conception, du blocage et de l'impression.

Afin d'acheter et de vendre des estampes Ukiyo-e, il est important de connaître quelques termes japonais afin d'apprécier et d'apprécier correctement cette forme d'art fascinante. Lorsqu'il fait référence à une estampe japonaise, le terme «atozuri» indique qu'il a été imprimé après la fin de la première série, mais qu'il utilisait toujours les gravures sur bois d'origine. Les estampes Shozuri sont des premières éditions, tandis que les estampes fukkoku sont des copies. Les signatures d'artistes et les numéros d'édition imprimée n'étaient généralement pas inclus dans les étapes finales du processus de gravure japonais jusqu'à la seconde partie du XXe siècle. Au lieu de cela, chaque estampe avait un timbre qui nommait son créateur ainsi que son éditeur et sculpteur.

Cependant, alors que les Européens découvraient la culture unique du Japon, une mode pour tout ce qui était japonais a émergé et des expéditions massives d'estampes d'art japonaises ont été envoyées sur le continent à la fin des années 1860. Les maisons d'édition japonaises ont rapidement réalisé qu'elles auraient besoin de produire des reproductions des gravures sur bois les plus célèbres pour répondre à la demande croissante.

Il est facile de dire quelles estampes sont authentiques et lesquelles sont des doublons à cause des timbres et autres notes marginales. L'originalité d'un document peut souvent être déterminée par son état de papier et de couleur. Étant donné que le collectionneur d'art moyen ne peut probablement pas lire les caractères japonais, il devrait demander l'avis d'un expert avant d'acheter une impression d'art japonaise authentique.

Focus sur les significations de l'art floral chinois

Depuis la période néolithique, les artistes chinois ont représenté des plantes dans leurs œuvres. Les fleurs, les oiseaux et les insectes sont utilisés pour la décoration, et pas seulement parce qu'ils sont beaux ; ils sont également porteurs d'une richesse de sens. Au cours de la dynastie Song (960-1279), une augmentation du nombre de peintures intitulées "oiseau et fleur" a solidifié le statut de l'imagerie florale en tant que sujet de premier plan dans l'art chinois. Outre les peintures sur rouleau, ce thème peut être vu sur une grande variété d'œuvres d'art en trois dimensions, y compris les porcelaines, la laque, les sculptures en jade, les textiles, les meubles, etc.

Alors que nous nous préparons à accueillir le printemps, nous examinerons le symbolisme des fleurs dans l'art chinois en examinant une sélection de peintures de la collection d'art asiatique de l'AGGV du XIXe siècle. Les illustrations de cet album sont toutes des représentations précises de fleurs et de papillons basées sur leur flore et leur faune réelles. Il est probable que la combinaison soit apparue pour la première fois au 18ème siècle sur des produits spécialement commandés pour être offerts en cadeau d'anniversaire. Les rébus papillons peuvent être utilisés pour exprimer plusieurs bons souhaits à la fois. Ces objets, qui sont également liés à la longue durée de vie, sont d'excellents symboles d'anniversaire. Les papillons, dans le taoïsme, représentaient l'affranchissement de l'esprit. Les fleurs représentent de nombreuses choses positives, et leur inclusion dans ces œuvres ne fait qu'ajouter à leurs connotations positives.

Selon un conte populaire chinois sur deux amants tragiquement déchirés par la guerre, le coquelicot représente la fidélité et la loyauté entre partenaires dans une relation amoureuse. L'histoire tourne autour des coquelicots, qui ont poussé à l'endroit où la femme s'était engagée après la mort de son mari soldat.

L'expression huakaifugui suggère que les camélias, qui fleurissent pendant le Nouvel An chinois (fin janvier à mi-février), devraient être utilisés pour embellir sa maison afin d'accueillir la bonne fortune dans l'année à venir. En raison de l'affection de longue date de l'Europe pour la rose, la fleur est fréquemment représentée sur des articles destinés à la vente ailleurs. Étant donné que la rose chinoise fleurit fréquemment tout au long de l'année, le nom de "fleur printanière permanente" lui a été appliqué.

Fierté du matin Les fleurs en forme de trompette de la gloire du matin, qui fleurissent dans un violet vibrant, ont d'abord été utilisées comme élément décoratif dans les produits bleus et blancs Ming au 15ème siècle. On prétend que cette fleur symbolise le bonheur dans le mariage. La Chine abrite de nombreuses espèces d'azalées, qui ont toutes leurs propres saisons de floraison. Lorsqu'elle est utilisée en conjonction avec des papillons, l'azalée prend la connotation de «talent créatif dans l'art», représentant la beauté féminine qui est si répandue dans l'art.

Curiosité : qu'est-ce que l'orientalisme ?

L'orientalisme fait référence à la pratique consistant à imiter ou à stéréotyper des éléments de l'Orient, et on le trouve dans les domaines de l'histoire de l'art, de la littérature et des études culturelles. Les auteurs, designers et peintres occidentaux sont le plus souvent responsables de ces représentations. Parmi les différents sous-genres de l'art académique populaires au XIXe siècle, la peinture orientaliste - qui se concentrait sur la représentation du Moyen-Orient - était l'une des plus importantes. De même, la littérature occidentale de l'époque manifeste un vif intérêt pour l'exotisme de l'Orient.

Dans les milieux académiques, le terme « Orientalisme » est devenu monnaie courante depuis la publication de l'Orientalisme d'Edward Said en 1978. Ce terme est utilisé pour décrire une perspective occidentale condescendante sur les cultures asiatiques et africaines. Selon Said, l'Occident essentialise ces cultures comme stagnantes et sous-développées, créant une image de la culture orientale qui peut être recherchée, représentée et reproduite au service de l'autorité impériale. Comme le souligne Said, ce mensonge repose sur l'hypothèse que la société occidentale est progressiste, intelligente, adaptable et supérieure. Cela donne aux Occidentaux la liberté d'imaginer les cultures et les peuples "orientaux" comme à la fois exotiques et dangereux.

Le terme «orientalisme» est utilisé dans l'histoire de l'art pour décrire l'ensemble des œuvres créées par des artistes occidentaux tout au long du XIXe siècle qui se sont concentrés sur des thèmes et des motifs orientaux à la suite de leurs explorations de l'Asie occidentale. À l'époque, les artistes et les universitaires étaient souvent étiquetés avec dérision "orientalistes", un terme popularisé par le critique d'art français Jules-Antoine Castagnary. La Société française des peintres orientalistes, avec Jean-Léon Gérôme comme président d'honneur, a été créée en 1893, malgré la désapprobation sociale généralisée du genre ; en revanche, en Grande-Bretagne, « orientaliste » signifiait simplement « artiste ».

Les perspectives des artistes ont changé vers la fin du XIXe siècle avec la création de la Société des peintres orientalistes français, qui a permis aux membres de se reconnaître comme faisant partie d'un mouvement artistique plus large. Bien que de nombreux styles de peinture orientaliste distincts aient émergé à l'apogée du mouvement au XIXe siècle, le terme «peinture orientaliste» est généralement utilisé pour désigner un seul sous-genre de l'art académique. De nombreux historiens de l'art classent les peintres orientalistes en deux catégories : ceux qui ont peint par observation directe et ceux qui ont créé des décors fantastiques dans leurs ateliers. Il est généralement admis que les figures les plus importantes du mouvement orientaliste étaient des artistes français comme Eugène Delacroix (1798-1863) et Jean-Léon Gérôme (1824-1904).

Orientalisme français

La désastreuse invasion de l'Égypte et de la Syrie par Napoléon en 1798-1801 a influencé la peinture orientaliste française et a été documentée par les peintres de la cour de Napoléon, en particulier Antoine-Jean Gros, dans les années qui ont suivi, malgré le fait que Gros n'ait pas voyagé au Moyen-Orient avec l'armée. . Bonaparte visitant les pestiférés de Jaffa (1804) et la bataille d'Abukir (1806) sont tous deux centrés sur l'empereur, tel qu'il était à cette époque, mais présentent également de nombreux Égyptiens. Le moins réussi Napoléon à la bataille des Pyramides compte également de nombreux Égyptiens (1810). La Révolte du Caire (1810) d'Anne-Louis Girodet de Roussy-Trioson est également significative. Le gouvernement français a produit vingt volumes d'une description illustrée des antiquités égyptiennes entre 1809 et 1828 sous le titre Description de l'Égypte.

Avant de mettre les pieds en Grèce ou en Orient, Eugène Delacroix connaît son premier grand succès avec Le Massacre de Chios (1824) qui, comme Le Radeau de la Méduse de son ami Théodore Géricault, dépeint une tragédie récente dans un lieu lointain qui a soulevé opinion publique. Alors que les Grecs luttaient encore pour se libérer des Ottomans, le pays était tout aussi exotique que les sections les plus extrême-orientales de l'empire. Delacroix a ensuite peint La Grèce sur les ruines de Missolonghi (1827) pour commémorer un siège qui avait eu lieu l'année précédente, et La Mort de Sardanapale (1828), qui a été inspiré par Lord Byron et aurait été la première œuvre d'art allier sexe, violence, paresse et exotisme. En 1832, dans le cadre d'une mission diplomatique auprès du sultan du Maroc, Delacroix se rend finalement dans l'actuelle Algérie, un territoire nouvellement conquis par les Français. Il a été profondément ému par ce dont il a été témoin, établissant des parallèles entre le mode de vie nord-africain et celui des anciens Romains, et il a continué à peindre des sujets de son voyage après son retour en France. Beaucoup de ses images représentaient des Juifs ou des guerriers à cheval car, comme de nombreux peintres orientalistes ultérieurs, il avait du mal à représenter des femmes. Peu de scènes de harem suivantes pourraient prétendre au même réalisme, mais il a apparemment pu accéder au quartier des femmes (ou harem) d'une maison pour esquisser ce qui est devenu les Femmes d'Alger.

C'est Ingres, directeur de l'Académie de peinture française, qui a popularisé un Orient érotisé par sa généralisation nébuleuse des figures féminines dans sa représentation aux couleurs vives d'un bain turc (qui auraient pu tous être le même modèle). Dans le mystérieux Orient, des manifestations plus manifestes de sexualité étaient tolérées. Les peintures semi-nues de la période niçoise d' Henri Matisse et son utilisation de costumes et de motifs orientaux sont des exemples de cette utilisation continue de ce motif au début du XXe siècle. Le bateau à vapeur a rendu les voyages beaucoup plus faciles et de nombreux artistes ont visité le Moyen-Orient et au-delà pour peindre un large éventail de scènes orientales. Avant de visiter l'Orient, Théodore Chassériau (1819-1856), élève d'Ingres, avait déjà connu le succès avec son nu La Toilette d'Esther (1841, Louvre) et le portrait équestre d'Ali-Ben-Hamet, calife de Constantin et chef de le Haractas, suivi de son escorte

Beaucoup de ces œuvres perpétuaient une représentation stéréotypée, exotique et sexualisée de l'Orient. Les œuvres d'art de ce type se concentraient souvent sur les cultures arabe, juive et sémitique, car c'est là que les peintres français se sont rendus pour en apprendre davantage sur l'histoire et le développement de la région alors que la France impériale étendait son influence en Afrique du Nord. Plusieurs artistes français, comme Eugène Delacroix, Jean-Léon Gérôme et Jean-Auguste-Dominique Ingres, ont représenté des odalisques dans leurs peintures de la culture islamique. Ils ont mis l'accent sur la lenteur et les visuels flashy. Les peintures de genre, en particulier, ont été critiquées pour être trop similaires aux exemples européens du même sujet, ou pour exprimer une vision du monde orientaliste au sens saïdien. Gérôme était l'ancêtre et souvent le maître d'un groupe de peintres français de la fin du siècle connus pour leurs représentations sexuellement flagrantes de harems, de bains publics et de ventes aux enchères d'esclaves (ces deux derniers étant également disponibles avec un décor classique), et pour avoir contribué à "la équation de l'orientalisme avec le nu en mode pornographique".

Orientalisme dans l'architecture et le design européens

À partir de la fin du XVe siècle, le style mauresque de la parure de la Renaissance était une adaptation européenne de l'arabesque islamique qui a continué à être utilisée dans certains domaines, comme la reliure, jusqu'à pratiquement nos jours. Le terme «renouveau indo-sarrasin» décrit l'utilisation occidentale précoce des thèmes architecturaux indiens. La façade du Guildhall de Londres remonte à cette période (1788-1789). À partir de 1795 environ, lorsque des vues de l'Inde ont été publiées par William Hodges et William et Thomas Daniell, le style a acquis une popularité en Occident. Parmi les exemples les plus connus d'architecture «hindoue», citons Sezincote House (vers 1805) dans le Gloucestershire, qui a été construite pour un nabab récemment revenu du Bengale, et le Royal Pavilion à Brighton.

L'emploi de styles «turcs» dans les arts décoratifs, l'adoption occasionnelle de vêtements turcs et l'intérêt pour l'art représentant l'Empire ottoman faisaient tous partie du mouvement Turquerie, qui a commencé à la fin du XVe siècle et a duré au moins jusqu'au XVIIIe. Même si la France est devenue plus importante après le XVIIIe siècle, la plaque tournante d'origine était Venise, la relation commerciale de longue date des Ottomans.

Le nom "Chinoiserie" fait référence au style général de décoration avec des éléments inspirés de la Chine qui était populaire en Europe occidentale à partir du XVIIe siècle et atteignant son apogée en plusieurs vagues, notamment pendant la période rococo (vers 1740-1770). La complexité technique de la céramique chinoise a été tentée et seulement partiellement réussie par les designers occidentaux de la Renaissance au 18ème siècle. C'est au XVIIe siècle que des pays comme l'Angleterre (avec sa Compagnie des Indes orientales), le Danemark (avec sa Compagnie des Indes orientales), les Pays-Bas (avec sa Compagnie des Indes orientales) et la France (avec sa Compagnie des Indes orientales) ont commencé à montrer des signes de Chinoiserie (Compagnie française des Indes orientales). Au début du XVIIe siècle, les potiers de Delft et d'autres villes néerlandaises ont commencé à utiliser la même porcelaine bleue et blanche authentique qui avait été produite en Chine sous la dynastie Ming. La vaisselle, les vases et les ustensiles de thé des premiers sites de véritable production de porcelaine, comme Meissen, imitaient les formes traditionnelles chinoises (voir Porcelaine d'exportation chinoise).

Les parterres formels des palais allemands du baroque tardif et du rococo avaient des pavillons de plaisir au «goût chinois» et des panneaux de tuiles à Aranjuez près de Madrid représentaient des structures similaires. Les tables à thé et les vaisseliers, en particulier, ont été décorés par Thomas Chippendale avec des vitrages et des balustrades en chantournage en 1753–1770. La naturalisation s'est également produite dans les sombres hommages aux meubles des premiers érudits Xing, comme le tang, qui est devenu une table d'appoint mi-géorgienne et des fauteuils carrés à dossier à lattes convenant aussi bien aux gentlemen anglais qu'aux érudits chinois.

Toutes les interprétations occidentales de l'esthétique traditionnelle chinoise ne sont pas considérées comme de la « chinoiserie ». Des exemples de médias chinoiseries comprennent des figurines en céramique et des ornements de table, les premiers papiers peints peints sous forme de feuilles et des imitations de plats en laque et en étain peint ( tôle ) qui évoquaient le Japon. Des pagodes grandeur nature ont été installées dans les jardins, tandis que des versions miniatures ont été placées sur des manteaux. La Grande Pagode, créée par William Chambers, est une structure étonnante à Kew. Situé à Stuttgart, le Wilhelma (1846) est un bâtiment qui illustre le style néo-mauresque. Construit pour l'artiste Frederic Leighton, Leighton House présente un extérieur traditionnel mais des intérieurs ornés de style arabe avec de véritables tuiles islamiques et d'autres composants et un travail orientalisant victorien.

En raison en grande partie de l'introduction des estampes ukiyo-e en Occident, le mouvement esthétique connu sous le nom de japonisme s'est épanoui après 1860. L'esthétique japonaise a été particulièrement influente sur les artistes français modernes comme Claude Monet et Edgar Degas. Les estampes japonaises ont inspiré l'artiste américaine Mary Cassatt, qui a vécu et travaillé en France. Elle a incorporé leur utilisation de motifs en couches, de plans plats et de perspectives dynamiques dans son propre travail. Certains des meilleurs exemples d'art d'inspiration japonaise se trouvent dans The Peacock Room, une collection de peintures de James Abbott McNeill Whistler. La Gamble House et d'autres bâtiments de Greene et Greene de Californie ont été influencés par l'architecture japonaise.

L'architecture néo-égyptienne était un style populaire au début et au milieu du XIXe siècle, et elle a persisté en tant que style mineur jusqu'au début du XXe siècle. Au début du XIXe siècle, les synagogues figuraient parmi les principaux bénéficiaires du style néo-mauresque originaire des États allemands. Un style architectural connu sous le nom de renouveau indo-sarrasin a émergé dans le Raj britannique vers la fin du 19ème siècle.

Décorer avec l'art oriental

L'esthétique du décor oriental est parmi les plus séduisantes au monde. Populaires dans les industries du meuble et de la décoration intérieure, l'utilisation d'éléments de décoration orientaux est en hausse. Cette collection de formes d'art asiatiques est demandée depuis des millénaires et présente des œuvres d'une grande variété de pays asiatiques.

Le terme "art oriental" évoque souvent des images de filles Geisha au Japon ou des aquarelles chinoises, mais ce ne sont pas les seuls exemples. Avec leurs couleurs vibrantes et leur souci du détail, les parchemins, vases et peintures orientaux ont perduré pendant des siècles. Les parapluies, les éventails et les lampes sont d'autres exemples d'autres formes d'art oriental.

L'une des raisons pour lesquelles l'art oriental est si apprécié est ses lignes épurées et ses couleurs vives. Les hémisphères oriental et occidental ont incorporé des éléments de décor oriental dans leurs intérieurs. En raison de son élégance et de sa fonctionnalité, il peut être utilisé dans des environnements qui sortent autrement de l'ordinaire. Ajouter une œuvre d'art oriental à votre maison est un excellent moyen de lui donner un aspect et une sensation uniques. L'éventail mural est un exemple emblématique de l'art oriental. Décorer avec des objets de l'Orient est une excellente idée car ils sont à la fois élégants et peu coûteux.

Comme le suggèrent de nombreux spécialistes du domaine, les ventes aux enchères sont l'un des meilleurs moyens de se procurer des œuvres d'art oriental. Par conséquent, vous pouvez simplement parcourir les catalogues d'enchères et commencer à décorer votre maison avec des pièces à saveur orientaliste. À propos de l'art japonais, cependant, les ventes aux enchères incluent souvent des estampes, des céramiques, des armures et plus encore.

Quelques artistes orientaux célèbres

Gu Kaizhi (344 - vers 406)

Parmi les œuvres célèbres de l'artiste chinois Gu Kaizhi figurent Admonitions de la gouvernante aux dames de la cour et Instructions aux femmes illustres. Il était également poète et théoricien de l'art. C'était un philosophe taoïste qui a eu une vie colorée et qui a parfois fait preuve d'un grand cynisme. Fonctionnaire du gouvernement à partir de 366, Gu Kaizhi (vers 344-406) est né à Wuxi, dans la province du Jiangsu, mais ses talents s'étendent bien au-delà de la politique. Il était également un poète accompli, essayiste, peintre et praticien de la calligraphie chinoise. Trois œuvres, On Painting, Introduction to the Famous Paintings of the Wei and Jin Dynasties, et Painting Mount Yuntai, résument les nombreuses théories de Gu sur ce médium. Le travail de sa vie est documenté dans plus de 70 peintures qui se concentrent sur des figures humaines et divines, des animaux, des paysages et des voies navigables. Le Bouddha du temple de Nanjing (créé pour générer de l'argent pour la construction du temple), les remontrances de la gouvernante aux dames de la cour et la nymphe de la rivière Luo sont toutes des œuvres qui lui sont communément attribuées. Les œuvres de Gu Kaizhi se retrouvent désormais dans des collections du monde entier. Entre 220 et 581 après JC environ, il y a eu un âge d'or de la peinture chinoise. Malgré les guerres et les changements dynastiques qui se sont produits en Chine au cours de 300 ans, la vie culturelle du pays est restée dynamique. Cela était dû en grande partie aux nombreuses écoles différentes qui ont donné une impulsion significative au développement artistique du pays. Il existe plusieurs exemples de virtuosité dans la calligraphie et l'art chinois au cours de cette période, notamment des peintures de tombes, des sculptures en pierre et en brique et des peintures à la laque. Sont également théorisées les règles picturales que nous voyons sous la peinture chinoise contemporaine, des règles comme la théorie graphique et la théorie des six règles. L'un des artistes les plus influents et les plus connus est Gu Kaizhi, souvent considéré comme l'initiateur de la peinture traditionnelle chinoise. Ses œuvres incarnent l'époque à laquelle il a vécu.

Fan Kuan (960 - vers 1030)

Des années 990 à 1020, Fan Kuan était un peintre taoïste de « style nordique » de premier plan en Chine. Les plus beaux maîtres des Xe et XIe siècles, entre autres, lui sont attribués. Un rouleau vertical intitulé Voyageurs au milieu des montagnes et des ruisseaux, de Fan Kuan, est largement considéré comme l'œuvre d'art fondamentale de l'école des Song du Nord. Il établit une norme pour la peinture de paysages gigantesques sur laquelle de nombreux artistes se tourneront par la suite pour se guider. Il est clair que la vieille idée chinoise des trois dimensions, proche, médiane (représentée par l'eau et la brume) et distance, est à l'œuvre ici. Contrairement aux premiers exemples de peinture de paysage chinoise, la splendeur du monde naturel est le centre d'intérêt plutôt qu'une réflexion après coup. A la base du monolithe, on aperçoit une file de chevaux de bât émergeant des buissons. Les conventions de l'ancienne dynastie Tang sont visibles dans le style visuel de l'œuvre.

Katsushika Hokusaï ( 1760 – 1849 )

C'est le style ukiyo-e que Katsushika Hokusai a popularisé en tant que peintre et graveur au Japon. C'était un peintre précis et excentrique qui est surtout connu pour ses estampes. Cependant, il a continué à travailler dans les deux médiums tout au long de sa vie. Plus de soixante ans après le début de sa carrière, il avait déjà expérimenté des gravures sur bois représentant des sujets théâtraux, des estampes de salutation pour circulation privée (surimono) et, à partir des années 1830, des séries de paysages, comme en témoignent des œuvres comme Vues de ponts célèbres et Chutes d'eau célèbres à Diverses provinces et trente-six vues du mont Fuji, qui reflète en partie un attachement personnel au célèbre volcan. La grande vague de Kanagawa, qui fait également partie de ce canon, est une œuvre associée. Après une période de grandes difficultés provoquée par un certain nombre de problèmes familiaux, dont le moindre n'était pas la propension de son neveu au jeu, il a publié un certain nombre de guides de dessin et de manga destinés aux amateurs et aux pros. L'écriture et le dessin d'un large éventail de livres de mystère et de nouvelles pour femmes et enfants, ainsi que le travail d'illustration de grands chefs-d'œuvre littéraires, ont été inspirés par son amour de toujours pour la littérature, qui a probablement commencé pendant son adolescence en tant que garçon de courses pour un voyage. bibliothèque. Les haïku qu'il a écrits étaient également plutôt bons. En raison de l'influence généralisée de son art sur les impressionnistes européens comme Claude Monet et les post-impressionnistes comme Vincent van Gogh et le peintre français Paul Gauguin, trois biographies sur Hokusai ont été publiées en français entre 1896 et 1914 par les plus grands critiques de l'époque, dont Edmond de Goncourt. Selon les histoires racontées à son sujet, il a déménagé plus de quatre-vingt-dix fois et a utilisé plusieurs noms de scène différents tout au long de sa carrière.

Hiroshi Yoshida (1876 – 1950)

Peintre et imprimeur japonais Hiroshi Yoshida. Ses gravures du Taj Mahal, des Alpes suisses et du Grand Canyon comptent parmi les exemples les plus célèbres de l'art du shin-hanga et évoquent de fortes émotions chez les spectateurs. Le 19 septembre 1876, dans la ville de Kurume, préfecture de Fukuoka sur l'île de Kysh, la vie de Hiroshi Yoshida, né Hiroshi Ueda, a commencé. Son père adoptif, professeur d'art dans une école publique, a encouragé ses premiers talents artistiques. Après avoir passé trois ans à Tokyo à apprendre avec Koyama Shotaro, il a été transféré à Kyoto pour étudier avec le célèbre maître de peinture occidental Tamura Shoryu à l'âge de 19 ans. En 1899, Yoshida a présenté sa première exposition à ce qui s'appelait alors le Detroit Museum of Art, mais qui s'appelle maintenant le Detroit Institute of Arts. Hiroshi Yoshida était un peintre à l'huile accompli qui utilisait ce médium depuis son introduction à l'ère Meiji au Japon. La série Sailing Boats de 1921 et les estampes Taj Mahal (au nombre de six) sont deux exemples de l'habitude de Yoshida de reproduire la même image dans différentes couleurs pour changer l'ambiance.

Devis

Madeleine L'Engle

• « J'aime le fait que dans l'art chinois ancien, les grands peintres aient toujours inclus un défaut délibéré dans leur travail : la création humaine n'est jamais parfaite.

Ai Weiwei

• « Tous les gens riches collectionnent l'art traditionnel chinois. Il est donc tout à fait naturel que les familles chinoises considèrent toujours l'art comme la plus haute performance humaine et envoient leurs enfants dans ce domaine.

Stéphane Gardiner

• "Dans l'art japonais, l'espace a assumé un rôle dominant et sa position a été renforcée par les concepts zen".

Henri Matisse

• "Les artistes de la grande époque de l'art japonais n'ont-ils pas changé plusieurs fois de nom au cours de leur carrière ? J'aime cela ; ils voulaient sauvegarder leur liberté".

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L'art oriental : un vaste éventail de créations issues de cultures diverses

Il existe une grande variété de traditions artistiques de toute l'Asie qui composent l'histoire de l'art asiatique. L'Asie centrale, l'Asie de l'Est, l'Asie du Sud, l'Asie du Sud-Est et l'Asie de l'Ouest sont les parties les plus importantes du continent asiatique.

L'art d'Asie orientale comprend les cultures de la Chine, du Japon et de la Corée, tandis que l'art d'Asie centrale est dominé par les créations des peuples turcs de la steppe eurasienne. L'art d'Asie du Sud-Est comprend les arts de Thaïlande, du Laos, du Vietnam, de Singapour, d'Indonésie et des Philippines, tandis que l'art d'Asie du Sud fait référence aux arts du sous-continent indien. L'art du Proche-Orient, ou d'Asie occidentale, comprend l'art mésopotamien de l'Antiquité et l'art islamique de l'ère moderne.

L'évolution de l'art asiatique est similaire à celle de l'art occidental à bien des égards. Les cultures se sont mélangées par des moyens tels que le transfert d'art de la route de la soie, les échanges culturels à l'ère de la découverte et de la colonisation, ainsi que par Internet et la mondialisation actuelle. Si l'on exclut l'art de l'âge de pierre, l'art de la Mésopotamie est l'art le plus ancien d'Asie.

Art d'Asie centrale

Le Kirghizistan contemporain, le Kazakhstan, l'Ouzbékistan, le Turkménistan, l'Azerbaïdjan, le Tadjikistan, l'Afghanistan, le Pakistan et certaines régions de la Mongolie, de la Chine et de la Russie modernes sont tous considérés comme faisant partie de la région d'Asie centrale, qui abrite une histoire riche et une grande variété de traditions artistiques. L'art d'Asie centrale de l'Antiquité au Moyen Âge illustre la diversité de la population et du patrimoine culturel de la région. Le patrimoine culturel de l'Asie centrale reflète la composition multiculturelle de la région de manière surprenante, comme en témoignent les artefacts artistiques de la région. L'art scythe, l'art gréco-bouddhique, l'art sérindien et même la culture persane moderne font tous partie de cette histoire alambiquée, qui comprend également la transmission de l'art sur la route de la soie.

Les éleveurs migrants qui pratiquaient des économies mixtes à la périphérie des communautés sédentaires ont élu domicile dans les prairies d'Asie centrale (de la mer Caspienne au centre de la Chine et du sud de la Russie au nord de l'Inde) depuis la fin du IIe millénaire avant notre ère jusqu'à relativement récemment. L'art préhistorique de « style animalier » de ces nomades pastoraux révèle non seulement leurs mythes zoomorphes et leurs rituels chamaniques, mais aussi leur ouverture à incorporer les symboles de la culture sédentaire dans leurs propres pratiques.

Des cultures du monde entier se sont rencontrées et fusionnées en Asie centrale, ce qui en fait le centre névralgique de l'ancienne route de la soie qui reliait la Chine à la Méditerranée. Les communautés croissantes des troisième et deuxième millénaires avant notre ère faisaient partie d'un vaste réseau commercial qui reliait l'Asie centrale à la vallée de l'Indus, à la Mésopotamie et à l'Égypte.

L'art islamique a eu une influence majeure sur l'art occidental au cours des derniers siècles, mais les cultures plus anciennes se sont inspirées d'un large éventail de sources, notamment les arts de la Chine, de la Perse et de la Grèce, ainsi que le style animalier, qui a émergé parmi les nomades de les steppes.

Art d'Asie de l'Est

Les pratiques culturelles d'Asie de l'Est comprennent les arts visuels, la littérature et les arts du spectacle de la Chine, de la Corée et du Japon. Étant donné qu'elles n'ont pas de but pratique et n'impliquent aucun travail manuel, seules la peinture et la calligraphie ont le statut de "vrais beaux-arts" en Chine. La sculpture, ainsi que la fonte et la sculpture du bronze, ainsi que la production de céramiques, de textiles, de métallurgie et de laque, sont toutes considérées comme de l'artisanat. Les bâtiments chinois traditionnels sont presque souvent faits de bois et ont une plate-forme, un cadre à poteaux et à linteaux, des supports de toit et un toit lourd et en pente.

Trois facteurs, dont l'iconographie bouddhiste, les thèmes et traditions japonais indigènes et les arts visuels chinois, ont eu des impacts significatifs sur la culture visuelle japonaise. Le temple Hry, construit au VIIe siècle, a été la première structure à utiliser les dispositions asymétriques qui caractériseront l'architecture japonaise. La gravure sur bois polychrome, qui est devenue l'estampe emblématique ukiyo-e, et les peintures sur écran et sur panneaux du XVIe au XVIIIe siècle sont de parfaits exemples de la préoccupation des peintres japonais pour l'abstraction de la nature. L'utilisation de la pierre dans la construction et la sculpture et le développement d'une glaçure céladon exquise sont deux des contributions les plus distinctives de la Corée aux arts.

Parmi les littératures du monde, celle de la Chine a la plus longue histoire ininterrompue (plus de 3 000 ans). Son histoire est intimement liée à celle de la langue écrite qu'elle partage avec la Corée et le Japon. Ballades, légendes, drames masqués, textes de marionnettes et textes p'ansori ("chant d'histoire") font tous partie de la riche histoire orale de la Corée, et le pays possède également une solide tradition écrite de poésie (notamment les formes hyangga et sijo) . Étant donné que ni le Japon ni la Corée n'avaient leur propre langue écrite, les traditions littéraires des deux pays ont beaucoup emprunté à la Chine (bien que les systèmes syllabaires japonais aient émergé vers 1000 et que le Hangul coréen ait été développé au XVe siècle). La poésie du Japon, en particulier sous la forme de haïku, est réputée dans le monde entier pour sa sensibilité délicate, et elle remonte au 7ème siècle avec les nombreux trésors littéraires du pays comme Le Conte de Genji.

La musique d'Asie de l'Est, comme la musique occidentale, a créé une gamme pentatonique basée sur un vocabulaire à 12 tons, mais sa base est distincte. Les ensembles d'Asie de l'Est ont tendance à être relativement petits et les compositeurs de la région privilégient généralement la mélodie et le rythme au-dessus de la complexité harmonique. Il convient de noter que dans les pays d'Asie de l'Est, la musique, la danse et le théâtre sont souvent liés, et il n'y a aucune preuve d'évolution distincte de la forme dans les catégories associées de la danse et du théâtre d'Asie de l'Est. Les processions dansées, l'opéra de danse (jingxi, ou « Pékin » et d'autres types d'opéra chinois), le théâtre d'ombres, le théâtre de marionnettes et les pièces dialoguées avec musique et danse ne sont que quelques-unes des nombreuses variétés d'arts du spectacle d'Asie de l'Est (par exemple, le japonais Kabuki). Les œuvres de Bash, Bo Juyi, Du Fu, Hiroshige Ando, Lu Xun et Murasaki Shikibu valent également la peine d'être étudiées, tout comme l'ikebana, le pliage de papier de style Jgan, la peinture sur rouleau, le shinden-zukuri, le shoin-zukuri, le style sukiya, Architecture de style Tempyu et de style Tori.

Art d'Asie du Sud

Les arts de l'Inde, du Pakistan, du Bangladesh et du Sri Lanka sont souvent connus sous le nom d'Asie du Sud. Une pléthore de littérature textuelle ancienne en sanskrit, en prkrit et dans les langues régionales a contribué à rapprocher les peuples du sous-continent indien, tout comme une perspective culturelle et éthique partagée. Malgré la division de la région en un kaléidoscope de schémas politiques au fil des siècles, le sous-continent dans son ensemble a des traditions musicales et de danse, des rituels rituels, des pratiques religieuses et des idées littéraires communs.

Les épopées de l'Asie du Sud, telles que les Rmyaa et les Mahbhrata, donnent un aperçu du réseau complexe de relations entre les nombreux peuples de la région. Il existe des preuves évidentes d'une relation familiale entre les dieux et les héros de lieux très éloignés, et de nombreux noms de lieux eux-mêmes font allusion à des antécédents communs. Des efforts persistants ont également été déployés pour établir un ordre politique unifié dans la région. Au troisième siècle avant JC, par exemple, l'empereur Aoka contrôlait la majeure partie de cette zone; au XIe siècle après JC, Rajendra I de Chai a capturé une grande partie de l'Inde et de l'Asie du Sud-Est; et au seizième siècle de notre ère, le grand moghol Akbar fit de même. Les frontières ont grandi et rétréci tout au long de l'histoire de l'Asie du Sud, se joignant et se séparant officiellement en tant que régions complètes, mais la culture est restée cohérente tout au long.

Il y avait une appréciation répandue pour la beauté des montagnes et des rivières de la région en raison de son cadre physique commun. L'Himalaya, qui longe la frontière nord, est la plus haute montagne du monde et représente un idéal culturel de grandeur, de pureté et de neige immaculée. Des fleuves comme le Brahmapoutre et l'Indus sont honorés en tant que "mères" dans leurs régions respectives en raison de l'abondance de l'eau qu'ils fournissent.

Il existe une croyance répandue selon laquelle les esprits aquatiques et les fées sylvestres, respectivement appelés ngas et yakas, habitent les lacs et les sources de la région. Le nom d'une ancienne dynastie du Cachemire, Karkoa, est lui-même symbolique du culte nga. Des artefacts religieux anciens tels que des statues de ngas et de yakas qui ont été déterrés à divers endroits suggèrent une philosophie de dévotion partagée, tout comme les textes religieux qui ont été transmis oralement pendant des siècles sans perdre leur intonation primitive. Des sculptures représentant une danse classique similaire peuvent être trouvées dans les villes pakistanaises de Gandhra, Bhrhut et Amarvat.

En Asie du Sud, il est indispensable de bien connaître plusieurs arts avant de pouvoir se spécialiser dans un seul. Puisque la sculpture, comme la peinture et la danse, représente le monde entier, il va de soi qu'on ne peut maîtriser chaque forme d'art sans d'abord maîtriser l'autre. La danse est une forme d'expression par le mouvement et le rythme ; par conséquent, une compréhension du rythme musical est cruciale. La connaissance de la littérature et de la rhétorique est considérée comme importante pour susciter l'émotion dans la musique et la danse ; la saveur (rasa) à exprimer dans la musique, la danse, la sculpture ou la peinture nécessite une certaine familiarité avec l'écrit. Les arts sont ainsi interconnectés à plusieurs niveaux.

Les arts en Asie du Sud n'étaient pas seulement pratiqués pour eux-mêmes comme un loisir respectable, mais aussi comme un acte de dévotion et de culte à une puissance supérieure. Il existe des références littéraires à des princes inspectant des œuvres d'art à la recherche de défauts. Les réalisations et les ambitions, tant théoriques que pratiques, de l'artiste sont illustrées par une seule inscription qui mentionne le nom du stra-dhra ("architecte") du temple Mallikrjuna à Pattadakal, construit au VIIIe siècle.

Les cultures sud-asiatiques accordent depuis longtemps aux artistes un statut privilégié. La cour était remplie de poètes, de musiciens et de danseurs. Un danseur brillant a reçu les éloges de Rjendra Ca, et l'architecte du temple de Tiruvoiyr, également soutenu par Rjendra, a été félicité pour sa compréhension approfondie de l'architecture et de l'art dans une inscription. Pourtant, il y avait un lien fort entre les arts populaires et les arts nobles. Des similitudes existaient, par exemple, entre les danses de groupe tribales et l'art, la danse et la musique classiques occidentaux. Le sous-continent indien a une riche histoire artistique, la sculpture en ronde-bosse (citra) et la sculpture en relief (ardhacitra) occupant toutes deux des positions importantes.

Citrbhsa, qui se traduit par "l'apparence de la sculpture", est la troisième forme d'art la plus élevée. Un vers d'un drame du poète du Ve siècle Klidsa explique comment l'œil tombe sur les hauteurs et les profondeurs représentées dans le modelé d'un tableau, démontrant à quel point l'influence du clair-obscur (c'est-à-dire l'utilisation de la lumière et de l'ombre pour exprimer le modelé) était essentielle. . Les maîtres accordent la plus grande importance à l'esquisse au trait d'un tableau, qui doit être dessinée fermement et gracieusement, suivie de l'ombrage et de la représentation du modelé, qui sont appréciés par d'autres, de l'élément décoratif, qui fait appel au goût féminin, et de la splendeur de la couleur. , qui fait appel au goût commun. C'est très impressionnant que tu aies pu indiquer autant de forme avec si peu de dessin. Il existe de nombreux exemples littéraires de portraits réussis dans la peinture et la sculpture sud-asiatiques, démontrant la centralité du portrait dans les arts visuels de la région. Le Viudharmottara, écrit au VIe siècle, divise le portrait en quatre catégories : naturel, lyrique, sophistiqué et mixte. Il classe également différents types de personnes en fonction de la forme et de la couleur de leurs cheveux et de leurs yeux. Il comprend un aperçu des nombreuses perspectives artistiques, ainsi qu'une explication des bases du raccourcissement. Comme un poème reflète le poète, on pensait que les peintures et les sculptures prendraient les caractéristiques de leurs créateurs.

Malgré la longue histoire d'exposition de l'Asie du Sud aux influences étrangères, la région a toujours trouvé des moyens de combiner ces éléments dans des pratiques indigènes, produisant une synthèse unique plutôt qu'une simple copie. Cela se reflète également dans les œuvres d'art de la région de Gandhra au Pakistan, qui à l'époque (IVe siècle avant JC) était imprégnée de la culture gréco-romaine. L'incorporation de motifs et de styles indiens dans le style occidental dominant est une caractéristique de la sculpture de cette époque.

Après l'invasion de Kushan au premier siècle de notre ère, il y a eu un afflux évident d'influences extérieures, mais finalement la culture indigène a triomphé. L'Empire moghol, qui régna sur l'Asie du Sud à partir du XVIe siècle et se composait de musulmans d'Asie centrale, unifia culturellement la région en imposant une éducation à prédominance indienne à ses sujets. L'art musulman a prospéré sous le règne du deuxième empereur moghol, Humayn, qui a fait venir des artistes de la cour du Shah persan et a créé une histoire de fusion des styles indien et persan.

L'art de chaque région reflète sa propre structure politique, ses normes morales et éthiques et ses structures sociales. Dès le troisième siècle avant JC, les dirigeants montraient une volonté de servir le peuple et de le traiter presque comme une progéniture. De magnifiques pièces de monnaie de l'empire Gupta du nord de l'Inde aux IVe et VIe siècles dépeignent l'idéal du monarque en tant qu'archer sans égal, rassembleur, esprit noble et majestueux, sacrificateur pour le bien-être des sujets et héros de son personnes (qui l'imaginent sur un éléphant majestueux). Oeuvre représentant juste la conquête et juste la guerre. La guerre et la conquête, les sacrifices symboliques de chevaux, le conseil du roi, les réceptions diplomatiques, les négociations de paix, la construction de temples, l'appréciation des beaux-arts (y compris la danse et la musique) et le couronnement des rois ne sont que quelques-unes des nombreuses activités gouvernementales décrites dans le vaste série de sculptures illustrant l'histoire de la dynastie Pallava du sud de l'Inde des IVe-IXe siècles.

Semblable à la façon dont les sculptures qui mettent l'accent sur le dharma, les conventions ou les lois régissant l'obligation, reflètent les attitudes morales, il en va de même pour les sculptures qui dépeignent des actes moraux. Une manière courante de visualiser le principe d'ahimsa, ou la non-violence envers les autres, est à travers l'image d'un cerf, et l'idéal d'un site sacré est généralement représenté comme un endroit où le cerf peut se déplacer librement. Les œuvres d'art représentent souvent des scènes où les sujets se délectent de leurs propres sacrifices ou de ceux des autres. Les histoires du Paca-tantra, l'un des premiers recueils de fables au monde, sont représentées dans des sculptures d'une manière simple mais efficace. L'art sud-asiatique dépeint constamment la piété, la foi et le respect de la moralité qui ont imprégné la structure sociale du sous-continent pendant des générations.

Art d'Asie du Sud-Est

Les arts de l'Asie du Sud-Est comprennent ses formes écrites, orales et visuelles. Bien que la culture indienne ait eu un impact significatif sur le développement de la région, certaines caractéristiques communes sont antérieures à cette époque. Les styles artistiques non dérivés de l'Inde, comme les tissus batik, les orchestres de gamelan et le théâtre de marionnettes wayang, restent populaires. La culture indigène du riz humide (ou padi), la métallurgie, la navigation, les cultes des ancêtres et le culte de la montagne étaient tous courants.

L'Asie du Sud-Est englobe la vaste péninsule d'Indochine ainsi que les autres îles de la région souvent connues sous le nom d'Indes orientales. L'Asie du Sud-Est peut être décomposée en deux parties distinctes : le continent et les îles. Le Myanmar (Birmanie), la Thaïlande, le Laos, le Cambodge, le Vietnam, la Malaisie, Singapour, l'Indonésie et les Philippines sont les entités gouvernementales qui composent cette zone. Bien que les Philippines n'aient pas été initialement considérées comme faisant partie de l'Asie du Sud-Est, elles sont maintenant généralement considérées comme faisant partie de la région en raison de sa proximité avec la Chine et le Japon et des similitudes culturelles étroites qu'elle a avec les cultures de l'Asie du Sud-Est.

Toute l'Asie du Sud-Est partage un climat et une topographie similaires, qui ont façonné l'histoire et la culture de la région. Culturellement, ceux qui vivent dans les montagnes ont tendance à diverger de ceux qui vivent dans les vallées.

On croyait à l'origine que les peuples d'Asie du Sud-Est partageaient un manque d'originalité remontant à la préhistoire et qu'ils étaient plus "réceptifs" que "créatifs" dans leurs interactions avec les autres cultures. Des fouilles et des découvertes ultérieures au Myanmar et en Thaïlande ont incité certains chercheurs à s'opposer à la théorie acceptée selon laquelle la civilisation s'est déplacée vers l'Asie du Sud-Est depuis la Chine à l'époque préhistorique. Au lieu de cela, ont-ils soutenu, les habitants de l'Asie du Sud-Est continentale cultivaient des plantes, fabriquaient de la poterie et travaillaient le bronze à peu près au même moment que les habitants de l'ancien Moyen-Orient, et ainsi la civilisation s'est propagée de l'Asie du Sud-Est continentale à la Chine un millénaire plus tôt. Parce qu'ils sont toujours plus intéressés par le travail pratique de créer de belles choses, les Asiatiques du Sud-Est n'ont pas un riche héritage de théorie de l'art, de critique littéraire ou dramatique.

Il n'est pas possible de retracer pas à pas la création et l'évolution des formes d'art en Asie du Sud-Est puisque les gens, en particulier dans la moitié ouest du continent, travaillaient sur des matériaux non durables. Compte tenu de l'histoire de la zone de boisement dense, il va de soi que le bois aurait été le premier matériau utilisé pour des raisons esthétiques. Malgré leur nouvelle maîtrise du métal et de la pierre, ils n'ont jamais abandonné la pratique traditionnelle de la sculpture sur bois, qui a continué à prospérer même après la fin de la grande époque de la sculpture sur pierre et de la construction en pierre (vers le XIIIe siècle). Dans l'État Shan occidental du Myanmar, le long de la rivière Salween, des archéologues ont découvert des dessins rupestres préhistoriques qui présentent une ressemblance frappante avec les sculptures Naga ultérieures sur des poteaux de maison. Semblable à la façon dont le symbole du soleil peut être trouvé comme motif artistique dans toute l'Asie du Sud-Est, et comment les sculptures sous les avant-toits des maisons Naga font allusion à la crainte, au triomphe et à la joie d'acquérir une tête humaine, la tradition esthétique ultérieure de l'Asie du Sud-Est fait écho à la peintures rupestres d'une paire de mains humaines avec des paumes ouvertes tenant le soleil et un crâne humain. La peinture rupestre est la preuve que les arts de la région ont toujours été liés à son passé magico-religieux.

On croyait autrefois que la technique de moulage du tambour en bronze employée à Dong Son, près de Hanoï, était originaire de Chine. Cependant, de nouvelles fouilles en Thaïlande ont montré que les tambours et la civilisation dite Dong Son sont originaires de l'Asie du Sud-Est continentale. Quoi qu'il en soit, les tambours en bronze coulés par les Karens pendant des millénaires jusqu'aux premières années du XXe siècle témoignent de la continuité de l'héritage esthétique de l'Asie du Sud-Est. Le travail des métaux a dû se développer très tôt, car les montagnes de l'Asie du Sud-Est continentale fournissaient de l'or, de l'argent et d'autres métaux. Les peuples des collines d'Asie du Sud-Est ont une longue histoire de fabrication et d'utilisation de boutons, de ceintures et de bijoux en argent exquis. Les motifs textiles suivent la même lignée esthétique. Les chants, danses et autres formes d'expression musicale étaient traditionnellement utilisés dans les cérémonies tribales.

Sous le soutien des dirigeants de toute l'Asie du Sud-Est, les arts ont prospéré. À l'époque de la naissance du Christ, les tribus tribales ont commencé à s'organiser officiellement en cités-royaumes ou en conglomérats de villages après des années de vie sédentaire en tant que producteurs de riz. De ce point de vue, un roi n'était guère plus qu'un chef de tribu suprême. Comme les tribus avaient déjà une tradition d'adoration des esprits, les monarques cherchaient une nouvelle divinité qui deviendrait l'objet de dévotion pour tout le monde. Ce désir de nouveaux dieux nationaux a contribué à l'ouverture de l'Asie du Sud-Est aux dieux de l'hindouisme et du bouddhisme. Les rois d'Asie du Sud-Est étaient responsables de la diffusion de nouvelles religions, c'est pourquoi les temples de la région ont connu un âge d'or du premier au XIIIe siècle.

Les temples sont devenus des centres d'activité culturelle et leurs murs sont devenus des toiles pour l'architecture, la sculpture et les peintures murales religieuses. Les érudits du sanskrit, la langue des textes sacrés de l'hindouisme, étaient des courtisans dans les anciens empires de l'est de l'Indochine et des îles, où ils ont créé une littérature sanskrite locale. Ce n'est qu'à travers les grandes épopées hindoues du Mahabharata et du Ramayana que cette entreprise littéraire a atteint le commun des mortels. Les histoires sur les dieux hindous, les démons et les hommes puissants étaient essentielles pour expliquer l'hindouisme au grand public lorsque les écritures sanskrites étaient hors de leur portée. De l'autre côté de la péninsule, dans l'empire pyu-birman de Prome, qui a prospéré avant le 8ème siècle, un tel développement ne s'est pas produit pour deux raisons : premièrement, l'hindouisme n'a jamais été largement accepté en Birmanie, et deuxièmement, la société birmane plus ouverte n'a développé ni l'institution de un dieu-roi ni celui d'une noblesse héréditaire.

Plus tard, les rois païens ont été entourés d'experts en pali, mais l'étude du pali n'a pas été menée au palais mais dans des monastères à travers le royaume, apportant les enseignements du Bouddha même dans les villages les plus reculés. Des moines bouddhistes et des universitaires du monde entier se sont rendus à Pagan pour étudier le pali, tandis que les cours des rois du Cambodge et de Java sont restées de simples centres régionaux de recherche sur le sanskrit. Les histoires de Jataka (naissance de Bouddha) ont été utilisées pour expliquer le bouddhisme aux gens ordinaires qui ne pouvaient pas lire les écritures pali, tout comme les épopées indiennes ont été utilisées pour expliquer l'hindouisme aux masses. Les temples du Cambodge et de Java étaient décorés de sculptures et de fresques représentant des scènes des Jatakas, un peu comme celles représentant des événements des grandes épopées.

L'arrivée de l'islam dans l'île d'Asie du Sud-Est après la dynastie Majapahit a établi une troisième couche culturelle en plus des couches indigènes et hindou-bouddhistes déjà existantes. Un nouvel empire birman s'est développé à partir des cendres de l'ancien et a pour mission de répandre le bouddhisme sur l'Asie du Sud-Est continentale. L'invasion birmane du Siam au 18ème siècle a apporté avec elle la culture hindoue, qui a contribué à favoriser le développement du jeu birman. Reconquis par la Chine, le Vietnam de l'autre côté de la péninsule est de plus en plus influencé par la culture chinoise. Après une brève apogée de la culture islamique, les peuples autochtones des nations insulaires d'Asie du Sud-Est ont été contraints de se soumettre à la domination étrangère. Ce n'est qu'en Birmanie et au Siam, deux des gouvernements d'Asie du Sud-Est qui ont émergé après des années de combats en tant que puissants royaumes, que les arts autochtones ont continué à prospérer.

La religion et l'histoire nationale ont longtemps été au cœur de l'art de l'Asie du Sud-Est. Hormis la vie et le caractère du Bouddha et des dieux de l'hindouisme, la doctrine religieuse n'était pas un point d'intérêt majeur. Après la chute des grands empires, mais leur mémoire de gloire et de force a persisté, un nouveau thème a émergé dans l'histoire nationale : la vénération des héros légendaires du passé.

Bien que l'image de Bouddha ait évolué au fil du temps, elle est restée un sujet populaire pour les artistes. En plus d'introduire la couleur locale en utilisant, comme arrière-plan, des scènes de l'époque contemporaine de l'artiste, la représentation de scènes de ses vies antérieures dans des fresques et des sculptures en relief a servi à enseigner au peuple l'éthique bouddhiste, car les Jatakas mettaient l'accent sur certaines vertus morales du Bouddha dans ses vies antérieures.

Il en va de même pour les représentations d'événements tirés des épopées hindoues, qui offrent à l'artiste une chance similaire et remplissent une fonction similaire. Au fil du temps, des personnages bouddhistes et hindous comme des dieux et des déesses, des héros et des princesses, des ermites et des magiciens, des démons et des dragons, des chevaux volants et des jeunes filles ailées, etc. thèmes religieux dominants.

Différentes représentations du naga, une sorte d'esprit surhumain, ont émergé dans différentes parties du monde lorsque le naga a été approprié à partir des écritures bouddhistes et hindoues et fusionné avec des analogues nationaux. Le naga de Birmanie a une crête distinctive sur la tête. Pour les Mon, naga était un crocodile, mais pour les Khmers et les Indonésiens, c'était un serpent à neuf têtes.

Bien que les démons d'Asie du Sud-Est aient été regroupés sous le terme pali-sanskrit yakkha ou yaksha, leurs identités distinctes ont été préservées dans la sculpture et la peinture de chaque pays. Peu familier de la forêt de la mousson, le lion est néanmoins devenu un emblème et un thème indigène populaire en raison de son association avec les dieux de la mythologie hindoue et bouddhiste. Même après que l'empire khmer eut abandonné la pratique du culte du dragon-serpent en tant que dieu de la fertilité, le naga à neuf têtes était devenu un symbole de protection et de pouvoir royal, et des nagas de pierre veillaient sur les palais royaux et les temples sacrés. Le culte naga était mal vu par les bouddhistes.

Tout au long de l'histoire de l'art birman et mon, le naga a toujours été représenté dans un rôle subordonné au Bouddha, faisant souvent un siège de ses bobines pour le Bouddha ou soulevant son capuchon massif pour le protéger des éléments. La figure gardienne d'un temple Mon était traditionnellement représentée comme un lion avec deux corps et une tête humaine, tandis que la figure gardienne d'un temple birman était traditionnellement représentée comme un lion huppé. Malgré la prétention des Tai à hériter des traditions artistiques khmères et mon naga, le bon démon servait de gardien du temple dans ces cultures.

Les animaux indiens sont devenus une partie de l'ancien symbolisme et de l'imagerie animale qui sont entrés dans les arts. Par exemple, les Mons ont choisi le sheldrake rouge comme emblème, les Birmans ont refondu le soleil comme leur oiseau préféré, le paon, au motif que dans la mythologie bouddhique le paon est associé au soleil, et en Indonésie l'oiseau mythique appelé Garuda, le véhicule de Vishnu, a fusionné avec l'aigle local. Les représentations de ces oiseaux ont trouvé une utilisation comme ornementation. Des versions stylisées des animaux qui décoraient autrefois les toits de chaume et les murs en bois des maisons d'Asie du Sud-Est ont fait leur chemin vers les palais et les temples les plus opulents. Les dessins d'arbres, de fruits et de fleurs des forêts de mousson ont été combinés avec des motifs floraux indiens et des motifs géométriques anciens.

L'art d'Asie du Sud-Est est complètement distinct de l'art de toute autre région, à l'exception de l'Inde. Bien que la Birmanie ait toujours été un lien commercial vital avec la Chine, les influences chinoises sont étonnamment absentes de l'art traditionnel birman. Les Tai sont arrivés tardivement en Asie du Sud-Est, apportant avec eux certaines traditions artistiques chinoises, mais ils ont rapidement abandonné ces pratiques au profit de celles des Khmers et des Mon. Aujourd'hui, les seules traces de ces contacts antérieurs peuvent être vues dans les caractéristiques architecturales des temples, en particulier le toit effilé et la laque.

Depuis que le Vietnam a été une colonie de la Chine pendant un millénaire, la culture chinoise a influencé l'art vietnamien. Les preuves archéologiques de l'hindouisme dans le sud du Vietnam moderne remontent à l'époque de l'ancienne monarchie Champa, qui a été capturée par le Vietnam au 15ème siècle. Des influences chinoises peuvent être observées dans les statues bouddhistes du nord du Vietnam. La comparaison des temples-tombeaux du Cambodge et de l'Indonésie avec ceux des empereurs du Vietnam ou des images opulentes et dignes de Bouddha du Vietnam avec celles du Cambodge et des images ascétiques et gracieuses de Bouddha de Birmanie révèle les différences fondamentales d'objectif esthétique et de style entre les arts d'Asie de l'Est et ceux de l'Asie du Sud-Est. L'art islamique, qui rejette les figures animales et humaines et cherche à révéler la réalité derrière la beauté illusoire du monde quotidien, partage également peu avec l'art d'Asie du Sud-Est. L'art d'Asie du Sud-Est a ignoré les enseignements de l'hindouisme et du bouddhisme selon lesquels le monde sensuel était illusoire et impermanent.

Dans l'art d'Asie du Sud-Est, la réalité et la fantaisie coexistent, et une vision positive de la vie imprègne chaque pièce. Certains ont noté que l'art classique khmer et indonésien se concentrait sur la représentation de la vie quotidienne des dieux, mais dans une perspective sud-asiatique, la vie quotidienne des dieux était la même que la leur : joyeuse, terreuse et divine. Non seulement l'art d'Asie du Sud-Est ne reflétait pas la conception européenne de «l'art pour l'art», mais il ne reflétait pas non plus la division européenne de l'art en catégories laïques et religieuses. Les mêmes motifs qui ornaient un magnifique temple et un plateau de laque étaient tatoués sur les cuisses d'un Birman. L'artiste d'Asie du Sud-Est n'avait pas besoin d'utiliser de modèles puisque, contrairement à ses homologues européens, il ne se souciait pas de la précision dans tous les aspects anatomiques. L'utilisation d'éléments fantastiques et l'accent mis sur la célébration du bien dans la vie humaine sont ce qui distingue l'art de l'Asie du Sud-Est.

Zoom sur l'art japonais

Il existe une grande variété de formes d'art et de médias liés à l'art japonais', de la céramique et des sculptures anciennes à la peinture à l'encre et à la calligraphie sur soie et papier, en passant par les peintures ukiyo-e et les gravures sur bois, la céramique et l'origami. les mangas et anime contemporains. Depuis les premiers signes d'existence humaine au Japon, au 10e millénaire avant J.-C., jusqu'à aujourd'hui, le Japon a une histoire riche et variée.

Le Japon a connu à la fois des afflux rapides d'idées étrangères et un long isolement du reste du monde. Les Japonais ont une longue histoire d'assimilation et d'adaptation d'aspects d'autres cultures qu'ils trouvent esthétiquement agréables. Aux VIIe et VIIIe siècles, l'art sophistiqué au Japon a été créé en réponse à la propagation du bouddhisme. Alors que les Japonais s'éloignaient de la Chine et développaient leurs propres styles d'expression uniques au IXe siècle, les arts profanes ont pris de l'importance; dès lors jusqu'à la fin du XVe siècle, les arts religieux et profanes ont prospéré. Lorsque la guerre de Nin a éclaté au Japon (1467-1477), elle a inauguré plus d'un siècle de bouleversements politiques, sociaux et économiques. Les œuvres d'art qui ont survécu aux purges du shogunat Tokugawa étaient en grande partie laïques et la religion jouait un rôle beaucoup plus petit dans la vie quotidienne. L'introduction soudaine des styles occidentaux a été un événement important au cours de la période Meiji (1868-1912).

Au Japon, amateurs et experts se livrent à la peinture comme leur principale forme d'expression artistique. Les Japonais sont particulièrement sensibles aux valeurs et à l'esthétique de la peinture car, jusqu'à l'ère moderne, ils utilisaient un pinceau au lieu d'un stylo. Au cours de la période Edo, l'impression sur bois est devenue une forme d'art majeure et les méthodes utilisées pour créer ses gravures vibrantes ont été affinées pour répondre aux besoins d'une culture populaire croissante. Alors que la signification religieuse du bouddhisme japonais traditionnel diminuait à cette époque, les Japonais ont trouvé que la sculpture était un moyen moins attrayant pour exprimer leur vision créative.

Il est généralement admis que la poterie japonaise est de la plus haute qualité artistique et comprend certains des premiers artefacts du Japon ; L'exportation de porcelaine du Japon a été une activité économique importante à plusieurs reprises. La laque japonaise, délicieusement décorée de maki-e, a longtemps été une exportation populaire vers l'Europe et la Chine, et cette tendance s'est poursuivie tout au long du XIXe siècle. L'architecture japonaise traditionnelle met en évidence les matériaux naturels et l'intégration de la vie intérieure et extérieure.

Estampes japonaises

Ukiyo-e, ou gravures sur bois japonaises, gagne en popularité en Occident. Leur nom vient de l'expression "images du monde flottant", qui décrit leur sujet. La croyance bouddhiste selon laquelle le bonheur est éphémère et que seule une absence de désir peut conduire à l'illumination a inspiré leur image envolée et en apesanteur.

Les shoguns du Japon féodal ont joué un rôle déterminant dans le développement de la gravure japonaise, qui a commencé dans la région d'Edo (Tokyo d'aujourd'hui). Dans le cadre de la politique Sakoku, qui signifie littéralement "pays isolé ou fermé", le Japon s'est coupé du reste du monde. Perry, un général américain, s'est rendu au Japon en 1853 pour négocier avec l'administration Meiji. De nombreuses estampes d'Ukiyo-e, une forme d'art contemporain qui était florissante lorsque Perry visita Edo, pouvaient être trouvées en vente sur les trottoirs de la ville.

Des scènes de l'histoire et des légendes japonaises étaient fréquemment représentées en ukiyo-e, tout comme des portraits d'interprètes de kabuki, des scènes de théâtre, des couples amoureux, des courtisanes renommées et des paysages. Les voyageurs de l'Ouest ont immédiatement aimé les estampes Ukiyo-e, il n'est donc pas surprenant qu'ils les aient ramenées chez eux, introduisant le monde dans le style artistique unique du Japon.

Les estampes d'art Ukiyo-e ont été réalisées en pressant des blocs de bois encrés sur du papier après que les images aient été gravées à l'envers dans les blocs. Au début de l'impression, tout était fait en noir et blanc. Okomura Masanobu et Suzuki Harunobu ont été des pionniers dans le domaine de l'impression couleur sur bois, qui nécessitait un bloc séparé pour chaque couleur.

Un bloc-clé pour les contours et des blocs individuels pour chaque teinte étaient nécessaires. De plus, étant donné qu'un petit nombre d'impressions peuvent être réalisées à partir d'un seul bloc, un nombre important de blocs devrait être sculpté afin d'imprimer un nombre substantiel de copies. L'artiste n'était que l'un des nombreux professionnels impliqués dans la production d'estampes d'art japonaises. D'autres comprenaient des concepteurs, des planificateurs de moules, des coupeurs de moules et des presses à moules.

Vers 1912, le mouvement de gravure connu sous le nom de Ramifications d'Ukio-e a commencé à disparaître, mais deux autres écoles de gravure se sont rapidement formées pour combler le vide. Sosaku Hanga et Shin Hanga sont leurs deux noms. Il existe deux écoles de pensée en ce qui concerne le processus d'impression : Sosaku Hanga, qui considère que l'artiste doit jouer un rôle central à chaque étape, et Shin Hanga, qui est plus traditionnel et considère que l'éditeur est le plus central, donc différent. les artistes peuvent être responsables de la conception, du blocage et de l'impression.

Afin d'acheter et de vendre des estampes Ukiyo-e, il est important de connaître quelques termes japonais afin d'apprécier et d'apprécier correctement cette forme d'art fascinante. Lorsqu'il fait référence à une estampe japonaise, le terme «atozuri» indique qu'il a été imprimé après la fin de la première série, mais qu'il utilisait toujours les gravures sur bois d'origine. Les estampes Shozuri sont des premières éditions, tandis que les estampes fukkoku sont des copies. Les signatures d'artistes et les numéros d'édition imprimée n'étaient généralement pas inclus dans les étapes finales du processus de gravure japonais jusqu'à la seconde partie du XXe siècle. Au lieu de cela, chaque estampe avait un timbre qui nommait son créateur ainsi que son éditeur et sculpteur.

Cependant, alors que les Européens découvraient la culture unique du Japon, une mode pour tout ce qui était japonais a émergé et des expéditions massives d'estampes d'art japonaises ont été envoyées sur le continent à la fin des années 1860. Les maisons d'édition japonaises ont rapidement réalisé qu'elles auraient besoin de produire des reproductions des gravures sur bois les plus célèbres pour répondre à la demande croissante.

Il est facile de dire quelles estampes sont authentiques et lesquelles sont des doublons à cause des timbres et autres notes marginales. L'originalité d'un document peut souvent être déterminée par son état de papier et de couleur. Étant donné que le collectionneur d'art moyen ne peut probablement pas lire les caractères japonais, il devrait demander l'avis d'un expert avant d'acheter une impression d'art japonaise authentique.

Focus sur les significations de l'art floral chinois

Depuis la période néolithique, les artistes chinois ont représenté des plantes dans leurs œuvres. Les fleurs, les oiseaux et les insectes sont utilisés pour la décoration, et pas seulement parce qu'ils sont beaux ; ils sont également porteurs d'une richesse de sens. Au cours de la dynastie Song (960-1279), une augmentation du nombre de peintures intitulées "oiseau et fleur" a solidifié le statut de l'imagerie florale en tant que sujet de premier plan dans l'art chinois. Outre les peintures sur rouleau, ce thème peut être vu sur une grande variété d'œuvres d'art en trois dimensions, y compris les porcelaines, la laque, les sculptures en jade, les textiles, les meubles, etc.

Alors que nous nous préparons à accueillir le printemps, nous examinerons le symbolisme des fleurs dans l'art chinois en examinant une sélection de peintures de la collection d'art asiatique de l'AGGV du XIXe siècle. Les illustrations de cet album sont toutes des représentations précises de fleurs et de papillons basées sur leur flore et leur faune réelles. Il est probable que la combinaison soit apparue pour la première fois au 18ème siècle sur des produits spécialement commandés pour être offerts en cadeau d'anniversaire. Les rébus papillons peuvent être utilisés pour exprimer plusieurs bons souhaits à la fois. Ces objets, qui sont également liés à la longue durée de vie, sont d'excellents symboles d'anniversaire. Les papillons, dans le taoïsme, représentaient l'affranchissement de l'esprit. Les fleurs représentent de nombreuses choses positives, et leur inclusion dans ces œuvres ne fait qu'ajouter à leurs connotations positives.

Selon un conte populaire chinois sur deux amants tragiquement déchirés par la guerre, le coquelicot représente la fidélité et la loyauté entre partenaires dans une relation amoureuse. L'histoire tourne autour des coquelicots, qui ont poussé à l'endroit où la femme s'était engagée après la mort de son mari soldat.

L'expression huakaifugui suggère que les camélias, qui fleurissent pendant le Nouvel An chinois (fin janvier à mi-février), devraient être utilisés pour embellir sa maison afin d'accueillir la bonne fortune dans l'année à venir. En raison de l'affection de longue date de l'Europe pour la rose, la fleur est fréquemment représentée sur des articles destinés à la vente ailleurs. Étant donné que la rose chinoise fleurit fréquemment tout au long de l'année, le nom de "fleur printanière permanente" lui a été appliqué.

Fierté du matin Les fleurs en forme de trompette de la gloire du matin, qui fleurissent dans un violet vibrant, ont d'abord été utilisées comme élément décoratif dans les produits bleus et blancs Ming au 15ème siècle. On prétend que cette fleur symbolise le bonheur dans le mariage. La Chine abrite de nombreuses espèces d'azalées, qui ont toutes leurs propres saisons de floraison. Lorsqu'elle est utilisée en conjonction avec des papillons, l'azalée prend la connotation de «talent créatif dans l'art», représentant la beauté féminine qui est si répandue dans l'art.

Curiosité : qu'est-ce que l'orientalisme ?

L'orientalisme fait référence à la pratique consistant à imiter ou à stéréotyper des éléments de l'Orient, et on le trouve dans les domaines de l'histoire de l'art, de la littérature et des études culturelles. Les auteurs, designers et peintres occidentaux sont le plus souvent responsables de ces représentations. Parmi les différents sous-genres de l'art académique populaires au XIXe siècle, la peinture orientaliste - qui se concentrait sur la représentation du Moyen-Orient - était l'une des plus importantes. De même, la littérature occidentale de l'époque manifeste un vif intérêt pour l'exotisme de l'Orient.

Dans les milieux académiques, le terme « Orientalisme » est devenu monnaie courante depuis la publication de l'Orientalisme d'Edward Said en 1978. Ce terme est utilisé pour décrire une perspective occidentale condescendante sur les cultures asiatiques et africaines. Selon Said, l'Occident essentialise ces cultures comme stagnantes et sous-développées, créant une image de la culture orientale qui peut être recherchée, représentée et reproduite au service de l'autorité impériale. Comme le souligne Said, ce mensonge repose sur l'hypothèse que la société occidentale est progressiste, intelligente, adaptable et supérieure. Cela donne aux Occidentaux la liberté d'imaginer les cultures et les peuples "orientaux" comme à la fois exotiques et dangereux.

Le terme «orientalisme» est utilisé dans l'histoire de l'art pour décrire l'ensemble des œuvres créées par des artistes occidentaux tout au long du XIXe siècle qui se sont concentrés sur des thèmes et des motifs orientaux à la suite de leurs explorations de l'Asie occidentale. À l'époque, les artistes et les universitaires étaient souvent étiquetés avec dérision "orientalistes", un terme popularisé par le critique d'art français Jules-Antoine Castagnary. La Société française des peintres orientalistes, avec Jean-Léon Gérôme comme président d'honneur, a été créée en 1893, malgré la désapprobation sociale généralisée du genre ; en revanche, en Grande-Bretagne, « orientaliste » signifiait simplement « artiste ».

Les perspectives des artistes ont changé vers la fin du XIXe siècle avec la création de la Société des peintres orientalistes français, qui a permis aux membres de se reconnaître comme faisant partie d'un mouvement artistique plus large. Bien que de nombreux styles de peinture orientaliste distincts aient émergé à l'apogée du mouvement au XIXe siècle, le terme «peinture orientaliste» est généralement utilisé pour désigner un seul sous-genre de l'art académique. De nombreux historiens de l'art classent les peintres orientalistes en deux catégories : ceux qui ont peint par observation directe et ceux qui ont créé des décors fantastiques dans leurs ateliers. Il est généralement admis que les figures les plus importantes du mouvement orientaliste étaient des artistes français comme Eugène Delacroix (1798-1863) et Jean-Léon Gérôme (1824-1904).

Orientalisme français

La désastreuse invasion de l'Égypte et de la Syrie par Napoléon en 1798-1801 a influencé la peinture orientaliste française et a été documentée par les peintres de la cour de Napoléon, en particulier Antoine-Jean Gros, dans les années qui ont suivi, malgré le fait que Gros n'ait pas voyagé au Moyen-Orient avec l'armée. . Bonaparte visitant les pestiférés de Jaffa (1804) et la bataille d'Abukir (1806) sont tous deux centrés sur l'empereur, tel qu'il était à cette époque, mais présentent également de nombreux Égyptiens. Le moins réussi Napoléon à la bataille des Pyramides compte également de nombreux Égyptiens (1810). La Révolte du Caire (1810) d'Anne-Louis Girodet de Roussy-Trioson est également significative. Le gouvernement français a produit vingt volumes d'une description illustrée des antiquités égyptiennes entre 1809 et 1828 sous le titre Description de l'Égypte.

Avant de mettre les pieds en Grèce ou en Orient, Eugène Delacroix connaît son premier grand succès avec Le Massacre de Chios (1824) qui, comme Le Radeau de la Méduse de son ami Théodore Géricault, dépeint une tragédie récente dans un lieu lointain qui a soulevé opinion publique. Alors que les Grecs luttaient encore pour se libérer des Ottomans, le pays était tout aussi exotique que les sections les plus extrême-orientales de l'empire. Delacroix a ensuite peint La Grèce sur les ruines de Missolonghi (1827) pour commémorer un siège qui avait eu lieu l'année précédente, et La Mort de Sardanapale (1828), qui a été inspiré par Lord Byron et aurait été la première œuvre d'art allier sexe, violence, paresse et exotisme. En 1832, dans le cadre d'une mission diplomatique auprès du sultan du Maroc, Delacroix se rend finalement dans l'actuelle Algérie, un territoire nouvellement conquis par les Français. Il a été profondément ému par ce dont il a été témoin, établissant des parallèles entre le mode de vie nord-africain et celui des anciens Romains, et il a continué à peindre des sujets de son voyage après son retour en France. Beaucoup de ses images représentaient des Juifs ou des guerriers à cheval car, comme de nombreux peintres orientalistes ultérieurs, il avait du mal à représenter des femmes. Peu de scènes de harem suivantes pourraient prétendre au même réalisme, mais il a apparemment pu accéder au quartier des femmes (ou harem) d'une maison pour esquisser ce qui est devenu les Femmes d'Alger.

C'est Ingres, directeur de l'Académie de peinture française, qui a popularisé un Orient érotisé par sa généralisation nébuleuse des figures féminines dans sa représentation aux couleurs vives d'un bain turc (qui auraient pu tous être le même modèle). Dans le mystérieux Orient, des manifestations plus manifestes de sexualité étaient tolérées. Les peintures semi-nues de la période niçoise d' Henri Matisse et son utilisation de costumes et de motifs orientaux sont des exemples de cette utilisation continue de ce motif au début du XXe siècle. Le bateau à vapeur a rendu les voyages beaucoup plus faciles et de nombreux artistes ont visité le Moyen-Orient et au-delà pour peindre un large éventail de scènes orientales. Avant de visiter l'Orient, Théodore Chassériau (1819-1856), élève d'Ingres, avait déjà connu le succès avec son nu La Toilette d'Esther (1841, Louvre) et le portrait équestre d'Ali-Ben-Hamet, calife de Constantin et chef de le Haractas, suivi de son escorte

Beaucoup de ces œuvres perpétuaient une représentation stéréotypée, exotique et sexualisée de l'Orient. Les œuvres d'art de ce type se concentraient souvent sur les cultures arabe, juive et sémitique, car c'est là que les peintres français se sont rendus pour en apprendre davantage sur l'histoire et le développement de la région alors que la France impériale étendait son influence en Afrique du Nord. Plusieurs artistes français, comme Eugène Delacroix, Jean-Léon Gérôme et Jean-Auguste-Dominique Ingres, ont représenté des odalisques dans leurs peintures de la culture islamique. Ils ont mis l'accent sur la lenteur et les visuels flashy. Les peintures de genre, en particulier, ont été critiquées pour être trop similaires aux exemples européens du même sujet, ou pour exprimer une vision du monde orientaliste au sens saïdien. Gérôme était l'ancêtre et souvent le maître d'un groupe de peintres français de la fin du siècle connus pour leurs représentations sexuellement flagrantes de harems, de bains publics et de ventes aux enchères d'esclaves (ces deux derniers étant également disponibles avec un décor classique), et pour avoir contribué à "la équation de l'orientalisme avec le nu en mode pornographique".

Orientalisme dans l'architecture et le design européens

À partir de la fin du XVe siècle, le style mauresque de la parure de la Renaissance était une adaptation européenne de l'arabesque islamique qui a continué à être utilisée dans certains domaines, comme la reliure, jusqu'à pratiquement nos jours. Le terme «renouveau indo-sarrasin» décrit l'utilisation occidentale précoce des thèmes architecturaux indiens. La façade du Guildhall de Londres remonte à cette période (1788-1789). À partir de 1795 environ, lorsque des vues de l'Inde ont été publiées par William Hodges et William et Thomas Daniell, le style a acquis une popularité en Occident. Parmi les exemples les plus connus d'architecture «hindoue», citons Sezincote House (vers 1805) dans le Gloucestershire, qui a été construite pour un nabab récemment revenu du Bengale, et le Royal Pavilion à Brighton.

L'emploi de styles «turcs» dans les arts décoratifs, l'adoption occasionnelle de vêtements turcs et l'intérêt pour l'art représentant l'Empire ottoman faisaient tous partie du mouvement Turquerie, qui a commencé à la fin du XVe siècle et a duré au moins jusqu'au XVIIIe. Même si la France est devenue plus importante après le XVIIIe siècle, la plaque tournante d'origine était Venise, la relation commerciale de longue date des Ottomans.

Le nom "Chinoiserie" fait référence au style général de décoration avec des éléments inspirés de la Chine qui était populaire en Europe occidentale à partir du XVIIe siècle et atteignant son apogée en plusieurs vagues, notamment pendant la période rococo (vers 1740-1770). La complexité technique de la céramique chinoise a été tentée et seulement partiellement réussie par les designers occidentaux de la Renaissance au 18ème siècle. C'est au XVIIe siècle que des pays comme l'Angleterre (avec sa Compagnie des Indes orientales), le Danemark (avec sa Compagnie des Indes orientales), les Pays-Bas (avec sa Compagnie des Indes orientales) et la France (avec sa Compagnie des Indes orientales) ont commencé à montrer des signes de Chinoiserie (Compagnie française des Indes orientales). Au début du XVIIe siècle, les potiers de Delft et d'autres villes néerlandaises ont commencé à utiliser la même porcelaine bleue et blanche authentique qui avait été produite en Chine sous la dynastie Ming. La vaisselle, les vases et les ustensiles de thé des premiers sites de véritable production de porcelaine, comme Meissen, imitaient les formes traditionnelles chinoises (voir Porcelaine d'exportation chinoise).

Les parterres formels des palais allemands du baroque tardif et du rococo avaient des pavillons de plaisir au «goût chinois» et des panneaux de tuiles à Aranjuez près de Madrid représentaient des structures similaires. Les tables à thé et les vaisseliers, en particulier, ont été décorés par Thomas Chippendale avec des vitrages et des balustrades en chantournage en 1753–1770. La naturalisation s'est également produite dans les sombres hommages aux meubles des premiers érudits Xing, comme le tang, qui est devenu une table d'appoint mi-géorgienne et des fauteuils carrés à dossier à lattes convenant aussi bien aux gentlemen anglais qu'aux érudits chinois.

Toutes les interprétations occidentales de l'esthétique traditionnelle chinoise ne sont pas considérées comme de la « chinoiserie ». Des exemples de médias chinoiseries comprennent des figurines en céramique et des ornements de table, les premiers papiers peints peints sous forme de feuilles et des imitations de plats en laque et en étain peint ( tôle ) qui évoquaient le Japon. Des pagodes grandeur nature ont été installées dans les jardins, tandis que des versions miniatures ont été placées sur des manteaux. La Grande Pagode, créée par William Chambers, est une structure étonnante à Kew. Situé à Stuttgart, le Wilhelma (1846) est un bâtiment qui illustre le style néo-mauresque. Construit pour l'artiste Frederic Leighton, Leighton House présente un extérieur traditionnel mais des intérieurs ornés de style arabe avec de véritables tuiles islamiques et d'autres composants et un travail orientalisant victorien.

En raison en grande partie de l'introduction des estampes ukiyo-e en Occident, le mouvement esthétique connu sous le nom de japonisme s'est épanoui après 1860. L'esthétique japonaise a été particulièrement influente sur les artistes français modernes comme Claude Monet et Edgar Degas. Les estampes japonaises ont inspiré l'artiste américaine Mary Cassatt, qui a vécu et travaillé en France. Elle a incorporé leur utilisation de motifs en couches, de plans plats et de perspectives dynamiques dans son propre travail. Certains des meilleurs exemples d'art d'inspiration japonaise se trouvent dans The Peacock Room, une collection de peintures de James Abbott McNeill Whistler. La Gamble House et d'autres bâtiments de Greene et Greene de Californie ont été influencés par l'architecture japonaise.

L'architecture néo-égyptienne était un style populaire au début et au milieu du XIXe siècle, et elle a persisté en tant que style mineur jusqu'au début du XXe siècle. Au début du XIXe siècle, les synagogues figuraient parmi les principaux bénéficiaires du style néo-mauresque originaire des États allemands. Un style architectural connu sous le nom de renouveau indo-sarrasin a émergé dans le Raj britannique vers la fin du 19ème siècle.

Décorer avec l'art oriental

L'esthétique du décor oriental est parmi les plus séduisantes au monde. Populaires dans les industries du meuble et de la décoration intérieure, l'utilisation d'éléments de décoration orientaux est en hausse. Cette collection de formes d'art asiatiques est demandée depuis des millénaires et présente des œuvres d'une grande variété de pays asiatiques.

Le terme "art oriental" évoque souvent des images de filles Geisha au Japon ou des aquarelles chinoises, mais ce ne sont pas les seuls exemples. Avec leurs couleurs vibrantes et leur souci du détail, les parchemins, vases et peintures orientaux ont perduré pendant des siècles. Les parapluies, les éventails et les lampes sont d'autres exemples d'autres formes d'art oriental.

L'une des raisons pour lesquelles l'art oriental est si apprécié est ses lignes épurées et ses couleurs vives. Les hémisphères oriental et occidental ont incorporé des éléments de décor oriental dans leurs intérieurs. En raison de son élégance et de sa fonctionnalité, il peut être utilisé dans des environnements qui sortent autrement de l'ordinaire. Ajouter une œuvre d'art oriental à votre maison est un excellent moyen de lui donner un aspect et une sensation uniques. L'éventail mural est un exemple emblématique de l'art oriental. Décorer avec des objets de l'Orient est une excellente idée car ils sont à la fois élégants et peu coûteux.

Comme le suggèrent de nombreux spécialistes du domaine, les ventes aux enchères sont l'un des meilleurs moyens de se procurer des œuvres d'art oriental. Par conséquent, vous pouvez simplement parcourir les catalogues d'enchères et commencer à décorer votre maison avec des pièces à saveur orientaliste. À propos de l'art japonais, cependant, les ventes aux enchères incluent souvent des estampes, des céramiques, des armures et plus encore.

Quelques artistes orientaux célèbres

Gu Kaizhi (344 - vers 406)

Parmi les œuvres célèbres de l'artiste chinois Gu Kaizhi figurent Admonitions de la gouvernante aux dames de la cour et Instructions aux femmes illustres. Il était également poète et théoricien de l'art. C'était un philosophe taoïste qui a eu une vie colorée et qui a parfois fait preuve d'un grand cynisme. Fonctionnaire du gouvernement à partir de 366, Gu Kaizhi (vers 344-406) est né à Wuxi, dans la province du Jiangsu, mais ses talents s'étendent bien au-delà de la politique. Il était également un poète accompli, essayiste, peintre et praticien de la calligraphie chinoise. Trois œuvres, On Painting, Introduction to the Famous Paintings of the Wei and Jin Dynasties, et Painting Mount Yuntai, résument les nombreuses théories de Gu sur ce médium. Le travail de sa vie est documenté dans plus de 70 peintures qui se concentrent sur des figures humaines et divines, des animaux, des paysages et des voies navigables. Le Bouddha du temple de Nanjing (créé pour générer de l'argent pour la construction du temple), les remontrances de la gouvernante aux dames de la cour et la nymphe de la rivière Luo sont toutes des œuvres qui lui sont communément attribuées. Les œuvres de Gu Kaizhi se retrouvent désormais dans des collections du monde entier. Entre 220 et 581 après JC environ, il y a eu un âge d'or de la peinture chinoise. Malgré les guerres et les changements dynastiques qui se sont produits en Chine au cours de 300 ans, la vie culturelle du pays est restée dynamique. Cela était dû en grande partie aux nombreuses écoles différentes qui ont donné une impulsion significative au développement artistique du pays. Il existe plusieurs exemples de virtuosité dans la calligraphie et l'art chinois au cours de cette période, notamment des peintures de tombes, des sculptures en pierre et en brique et des peintures à la laque. Sont également théorisées les règles picturales que nous voyons sous la peinture chinoise contemporaine, des règles comme la théorie graphique et la théorie des six règles. L'un des artistes les plus influents et les plus connus est Gu Kaizhi, souvent considéré comme l'initiateur de la peinture traditionnelle chinoise. Ses œuvres incarnent l'époque à laquelle il a vécu.

Fan Kuan (960 - vers 1030)

Des années 990 à 1020, Fan Kuan était un peintre taoïste de « style nordique » de premier plan en Chine. Les plus beaux maîtres des Xe et XIe siècles, entre autres, lui sont attribués. Un rouleau vertical intitulé Voyageurs au milieu des montagnes et des ruisseaux, de Fan Kuan, est largement considéré comme l'œuvre d'art fondamentale de l'école des Song du Nord. Il établit une norme pour la peinture de paysages gigantesques sur laquelle de nombreux artistes se tourneront par la suite pour se guider. Il est clair que la vieille idée chinoise des trois dimensions, proche, médiane (représentée par l'eau et la brume) et distance, est à l'œuvre ici. Contrairement aux premiers exemples de peinture de paysage chinoise, la splendeur du monde naturel est le centre d'intérêt plutôt qu'une réflexion après coup. A la base du monolithe, on aperçoit une file de chevaux de bât émergeant des buissons. Les conventions de l'ancienne dynastie Tang sont visibles dans le style visuel de l'œuvre.

Katsushika Hokusaï ( 1760 – 1849 )

C'est le style ukiyo-e que Katsushika Hokusai a popularisé en tant que peintre et graveur au Japon. C'était un peintre précis et excentrique qui est surtout connu pour ses estampes. Cependant, il a continué à travailler dans les deux médiums tout au long de sa vie. Plus de soixante ans après le début de sa carrière, il avait déjà expérimenté des gravures sur bois représentant des sujets théâtraux, des estampes de salutation pour circulation privée (surimono) et, à partir des années 1830, des séries de paysages, comme en témoignent des œuvres comme Vues de ponts célèbres et Chutes d'eau célèbres à Diverses provinces et trente-six vues du mont Fuji, qui reflète en partie un attachement personnel au célèbre volcan. La grande vague de Kanagawa, qui fait également partie de ce canon, est une œuvre associée. Après une période de grandes difficultés provoquée par un certain nombre de problèmes familiaux, dont le moindre n'était pas la propension de son neveu au jeu, il a publié un certain nombre de guides de dessin et de manga destinés aux amateurs et aux pros. L'écriture et le dessin d'un large éventail de livres de mystère et de nouvelles pour femmes et enfants, ainsi que le travail d'illustration de grands chefs-d'œuvre littéraires, ont été inspirés par son amour de toujours pour la littérature, qui a probablement commencé pendant son adolescence en tant que garçon de courses pour un voyage. bibliothèque. Les haïku qu'il a écrits étaient également plutôt bons. En raison de l'influence généralisée de son art sur les impressionnistes européens comme Claude Monet et les post-impressionnistes comme Vincent van Gogh et le peintre français Paul Gauguin, trois biographies sur Hokusai ont été publiées en français entre 1896 et 1914 par les plus grands critiques de l'époque, dont Edmond de Goncourt. Selon les histoires racontées à son sujet, il a déménagé plus de quatre-vingt-dix fois et a utilisé plusieurs noms de scène différents tout au long de sa carrière.

Hiroshi Yoshida (1876 – 1950)

Peintre et imprimeur japonais Hiroshi Yoshida. Ses gravures du Taj Mahal, des Alpes suisses et du Grand Canyon comptent parmi les exemples les plus célèbres de l'art du shin-hanga et évoquent de fortes émotions chez les spectateurs. Le 19 septembre 1876, dans la ville de Kurume, préfecture de Fukuoka sur l'île de Kysh, la vie de Hiroshi Yoshida, né Hiroshi Ueda, a commencé. Son père adoptif, professeur d'art dans une école publique, a encouragé ses premiers talents artistiques. Après avoir passé trois ans à Tokyo à apprendre avec Koyama Shotaro, il a été transféré à Kyoto pour étudier avec le célèbre maître de peinture occidental Tamura Shoryu à l'âge de 19 ans. En 1899, Yoshida a présenté sa première exposition à ce qui s'appelait alors le Detroit Museum of Art, mais qui s'appelle maintenant le Detroit Institute of Arts. Hiroshi Yoshida était un peintre à l'huile accompli qui utilisait ce médium depuis son introduction à l'ère Meiji au Japon. La série Sailing Boats de 1921 et les estampes Taj Mahal (au nombre de six) sont deux exemples de l'habitude de Yoshida de reproduire la même image dans différentes couleurs pour changer l'ambiance.

Devis

Madeleine L'Engle

• « J'aime le fait que dans l'art chinois ancien, les grands peintres aient toujours inclus un défaut délibéré dans leur travail : la création humaine n'est jamais parfaite.

Ai Weiwei

• « Tous les gens riches collectionnent l'art traditionnel chinois. Il est donc tout à fait naturel que les familles chinoises considèrent toujours l'art comme la plus haute performance humaine et envoient leurs enfants dans ce domaine.

Stéphane Gardiner

• "Dans l'art japonais, l'espace a assumé un rôle dominant et sa position a été renforcée par les concepts zen".

Henri Matisse

• "Les artistes de la grande époque de l'art japonais n'ont-ils pas changé plusieurs fois de nom au cours de leur carrière ? J'aime cela ; ils voulaient sauvegarder leur liberté".

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