Poonam Choudhary : Mon parcours artistique est en grande partie autodidacte

Qu'est-ce qui vous a inspiré à créer de l'art et à devenir artiste ? (événements, sentiments, expériences...)

L'art a toujours été pour moi un voyage profondément personnel et intuitif. Dès mon plus jeune âge, j'ai trouvé réconfort et liberté dans l'expression de mes émotions par la couleur, la forme et la texture. Ce qui m'a véritablement inspiré à devenir artiste, ce sont les moments de calme et d'introspection de la vie, des moments de transformation, de résilience et de guérison.

Au fil des ans, la création artistique est devenue pour moi un moyen de traduire des sentiments et des expériences que les mots peinent souvent à exprimer. La nature, l'émotion humaine et la connexion spirituelle sont des thèmes récurrents dans mon travail. Chacune de mes œuvres est ancrée dans un désir de connexion, à la fois avec moi-même et avec les autres, à travers la narration visuelle.

Devenir artiste n’est pas un événement unique, mais plutôt un déploiement continu de passion, de curiosité et d’un besoin de partager la beauté et le sens avec le monde.

Quel est votre parcours artistique, les techniques et les sujets que vous avez expérimentés jusqu'à présent ?

Mon parcours artistique est en grande partie autodidacte, nourri par des années d'exploration, d'expérimentation et une profonde passion pour l'expression visuelle. Au fil du temps, j'ai développé ma propre voix et mon propre style en travaillant avec constance et en laissant mon intuition guider mon processus créatif.

Je travaille principalement avec l'acrylique et les techniques mixtes, incorporant souvent des textures épaisses pour créer profondeur et dimension. Mes supports vont de la toile traditionnelle aux panneaux de bois, ce qui me permet d'explorer différents effets et finitions. J'ai expérimenté les techniques du couteau à palette, les formes fluides, la superposition et les textures sculpturales pour évoquer l'émotion et le mouvement.

En termes de sujets, je suis attiré par la nature, le symbolisme et l'interaction entre énergie et émotion. Le minimalisme, les paysages abstraits et les motifs spirituels sont des éléments récurrents de mon travail. Mon objectif est toujours de créer des œuvres non seulement visuellement captivantes, mais aussi émotionnellement fortes.

Quels sont les 3 aspects qui vous différencient des autres artistes, rendant votre travail unique ?

Trois aspects qui distinguent mon travail de celui des autres artistes sont :

Profondeur de texture riche
J'utilise des textures épaisses et des techniques de superposition pour créer une forte impression de dimensionnalité dans mes œuvres. Cette qualité tactile invite le spectateur non seulement à voir l'œuvre, mais aussi à ressentir son énergie et son mouvement.
Symbolisme et connexion émotionnelle
Mon travail intègre souvent des éléments symboliques – lignes et motifs minimalistes, paysages floraux et formes organiques abstraites – pour refléter des thèmes plus profonds comme la résilience, la transformation et la paix intérieure. Chaque œuvre raconte une histoire qui résonne émotionnellement chez le spectateur.
Équilibre entre audace et sérénité
Je m'efforce de créer une harmonie unique entre des palettes de couleurs vibrantes et des compositions calmes et fluides. Cet équilibre permet à mes œuvres d'affirmer leur audace tout en offrant une présence apaisante et réfléchie dans n'importe quel espace.

D'où vient votre inspiration ?

Mon inspiration vient d'un lien profond avec la nature, les émotions et l'énergie invisible qui nous entoure. Je suis particulièrement attiré par la nature, le mouvement et les formes organiques, autant d'éléments qui symbolisent la fluidité, la transformation et le calme intérieur.

Les expériences de vie, qu'elles soient joyeuses ou difficiles, nourrissent également ma créativité. J'utilise souvent l'art pour exprimer mes émotions et raconter des histoires que les mots ne peuvent pleinement exprimer. L'interaction entre la lumière et l'ombre, la texture et la couleur me permet de traduire ces sentiments en quelque chose de visuel et de significatif.

En fin de compte, mon inspiration vient du désir de créer des œuvres qui résonnent avec les autres – un art qui parle à l’âme, offre un sentiment de calme et évoque une force tranquille.

Quelle est votre démarche artistique ? Quelles visions, sensations ou sentiments souhaitez-vous susciter chez le spectateur ?

Mon approche artistique est profondément intuitive et émotionnelle. Je commence chaque œuvre par une vision ou un sentiment, laissant le processus se déployer naturellement à travers des couches de textures, de couleurs et de formes. Je travaille souvent avec de l'acrylique et des techniques mixtes sur bois ou toile, créant ainsi de la profondeur pour créer une forte présence physique et émotionnelle.

À travers mon travail, je cherche à susciter chez le spectateur un sentiment de calme, de connexion et d'introspection. Je souhaite qu'il ressente quelque chose, que ce soit une force tranquille, un moment de réflexion ou une sensation de fluidité spirituelle. Je suis particulièrement inspiré par la nature et le symbolisme, et j'utilise ces éléments pour explorer les thèmes de la transformation, de la résilience et de la paix intérieure.

En fin de compte, j’espère que mon art offre non seulement une beauté visuelle, mais aussi une résonance émotionnelle qui reste avec le spectateur.

Quel est le processus de création de vos œuvres ? Spontané ou basé sur un long processus préparatoire (technique, inspiration tirée des classiques de l'art ou autre) ?

Mon processus créatif repose sur un équilibre entre spontanéité et réflexion. Chaque œuvre naît souvent d'une émotion ou d'une étincelle visuelle, parfois inspirée par la nature, des expériences personnelles ou des thèmes symboliques. J'esquisse ou visualise généralement la composition dans ma tête, mais je laisse une grande place à l'évolution naturelle de l'œuvre au fil de mon travail.

La texture joue un rôle majeur dans mon processus artistique. Je commence donc souvent par superposer les couches, expérimentant différents outils et supports pour créer profondeur et dimension. Bien que je ne suive pas strictement les techniques classiques, je suis influencé par l'expressionnisme abstrait et le symbolisme spirituel, et je m'inspire souvent de formes d'art contemporaines et traditionnelles.

À bien des égards, le processus est intuitif – guidé par l'émotion, la couleur et le rythme – mais s'appuie sur des années d'expérimentation et de pratique technique. Cette fusion me permet de créer des œuvres vivantes et émotionnellement résonnantes.

Utilisez-vous une technique de travail particulière ? Si oui, pouvez-vous l'expliquer ?

Oui, j'utilise une technique unique qui combine la peinture acrylique avec une texture épaisse et une superposition d'acrylique fluide. Mon procédé consiste à appliquer plusieurs couches de peinture, des bâtons de pastel à l'huile, de la peinture à l'huile en aérosol et des médiums acryliques pour créer une base richement texturée. J'utilise ensuite des pinceaux, des couteaux à palette et parfois des outils originaux pour façonner et affiner la surface.

Une fois la texture posée, je superpose des couches de peinture acrylique transparente et opaque pour développer la couleur, la lumière et le mouvement. Cette technique me permet de créer une impression de dimensionnalité et de fluidité, notamment dans les œuvres inspirées par l'eau, la nature et l'énergie.

Le résultat est une surface tactile et visuellement dynamique qui invite les spectateurs à s’engager non seulement avec l’imagerie mais aussi avec la présence physique de l’œuvre.

Y a-t-il des aspects innovants dans votre travail ? Pouvez-vous nous les indiquer ?

Oui, il y a plusieurs aspects innovants dans mon travail qui, selon moi, le distinguent.

L'une de mes innovations majeures réside dans l'utilisation de textures épaisses et de coutures sur toile pour créer une superposition qui confère à la peinture acrylique traditionnelle une dimension tactile et tridimensionnelle. Je combine différents médiums, comme la pâte à modeler, les gels et les matériaux mixtes, pour créer de la profondeur et une surface presque vivante. Cela permet au spectateur non seulement de voir l'œuvre, mais aussi d'en ressentir la présence.

Un autre aspect novateur réside dans la manière dont j'intègre le symbolisme et les formes fluides et organiques pour exprimer des thèmes émotionnels et spirituels. Mes compositions s'inspirent souvent d'éléments naturels comme l'eau ou les carpes koï, mais leur abstraction invite à l'interprétation personnelle et à la connexion émotionnelle.

Enfin, j'explore le mouvement visuel par la superposition et la lumière, en utilisant des peintures transparentes et opaques pour créer des perspectives changeantes selon la position du spectateur et l'éclairage. Cela confère à chaque œuvre un caractère interactif et évolutif.

Avez-vous un format ou un support avec lequel vous êtes le plus à l'aise ? Si oui, pourquoi ?

Oui, je suis plus à l'aise avec l'acrylique sur toile brute. La polyvalence de la peinture acrylique me permet d'expérimenter différentes techniques, du glacis à l'empâtement, et son séchage rapide favorise mon approche spontanée de la création. J'apprécie particulièrement l'acrylique car elle offre une palette de couleurs vibrantes et la possibilité de superposer des couches de texture, ce qui est essentiel à mon travail.

Je choisis la toile brute pour sa surface brute et organique et sa capacité à retenir les couleurs intenses, ce qui ajoute une dimension tactile et dimensionnelle à mes œuvres. L'association de l'acrylique et de la toile brute me permet d'explorer la couleur et la texture de manière organique et intuitive, conférant à mes œuvres profondeur et présence.

Ce support et ce format me permettent la liberté d’exprimer la résonance émotionnelle que je recherche dans mon art, tout en offrant un contrôle technique pour les détails complexes et la superposition.

Où produisez-vous vos œuvres ? Chez vous, dans un atelier partagé ou dans votre propre atelier ? Et dans cet espace, comment organisez-vous votre travail créatif ?

Je travaille dans mon home-studio dédié, où je peux créer librement dans un environnement personnel et inspirant. L'espace est conçu pour favoriser la concentration et la créativité, avec une lumière naturelle abondante et une atmosphère calme et épurée.

J'organise mon travail créatif en divisant l'espace en zones spécifiques pour les différentes étapes du processus. Par exemple, j'ai une section dédiée à la préparation des matériaux et des surfaces, comme l'application des couleurs sur la toile et le mélange des médiums. Un autre espace est dédié à la peinture, où je peux travailler sur la superposition des couleurs et les détails. Je garde tous mes outils, pinceaux et peintures à portée de main, ce qui permet un flux de travail fluide et intuitif.

Disposer d'un espace dédié m'aide à rester organisée tout en me permettant de passer librement d'une phase de création à l'autre. C'est là que je peux m'immerger pleinement dans mon processus, du concept initial aux finitions.

Votre travail vous amène-t-il à voyager pour rencontrer de nouveaux collectionneurs, à l'occasion de salons ou d'expositions ? Si oui, qu'est-ce que cela vous apporte ?

Oui, mon travail m'amène parfois à voyager pour des expositions, des foires d'art et pour rencontrer de nouveaux collectionneurs. Ces déplacements me permettent d'entrer en contact avec un public plus large, de présenter mon travail en personne et de nouer des relations enrichissantes avec des acheteurs potentiels, des commissaires d'exposition et d'autres artistes.

En plus d'élargir mon réseau, ces expériences m'offrent de précieuses occasions de retours et d'inspiration. Le contact direct avec les gens me permet de mieux comprendre comment mon art résonne auprès de différentes personnes et cultures, ce qui influence et enrichit mon processus créatif.

De plus, participer à des salons et à des expositions me permet de rester connecté à la communauté artistique au sens large, de découvrir les tendances et d’échanger des idées avec d’autres artistes, ce qui m’aide à grandir à la fois professionnellement et artistiquement.

Comment imaginez-vous l’évolution de votre travail et de votre carrière d’artiste dans le futur ?

Je vois mon travail et ma carrière évoluer vers un approfondissement constant, tant artistique que professionnel. À l'avenir, je souhaite explorer de nouvelles techniques et de nouveaux médiums qui repoussent les limites de ma pratique actuelle, me permettant d'expérimenter de nouvelles textures, couleurs et formes. Je souhaite particulièrement développer mon utilisation des techniques mixtes et explorer des œuvres de plus grande envergure, capables d'avoir un impact encore plus fort dans les espaces privés et publics.

Concernant ma carrière, je compte continuer à nouer des relations avec des collectionneurs, des galeries et des conservateurs, tout en développant ma présence sur les marchés internationaux et dans les foires d'art. J'envisage de présenter mon travail dans davantage d'expositions et de collaborer avec d'autres artistes et institutions sur des projets innovants qui associent l'art à d'autres formes d'expression créative.

En fin de compte, je vois mon art non seulement gagner en complexité et en portée, mais aussi nourrir des liens émotionnels plus profonds avec mon public. J'espère continuer à évoluer en tant qu'artiste tout en conservant les valeurs fondamentales d'authenticité et de résonance émotionnelle qui ont toujours guidé mon travail.

Quel est le thème, le style ou la technique de votre dernière production artistique ?

Le thème de ma dernière production artistique tourne autour de la transformation et de la résilience. J'explore le symbolisme de l'eau, du mouvement et des formes naturelles, notamment les carpes koï, comme symboles de croissance, de changement et de force intérieure. La fluidité de l'eau est une métaphore du flux constant de la vie, tandis que les carpes koï incarnent la persévérance et le cheminement vers la réalisation de soi.

Côté style, je continue de travailler avec l'expressionnisme abstrait, alliant coups de pinceau dynamiques et textures denses pour créer une impression de profondeur et de dimensionnalité. J'expérimente la technique mixte par superpositions, incorporant peintures acryliques et pâte à modeler pour créer des surfaces tactiles qui invitent le spectateur à ressentir l'énergie de l'œuvre.

La combinaison de ces éléments vise à évoquer un sentiment de puissance tranquille et d’introspection, permettant au spectateur de se connecter émotionnellement à l’œuvre à un niveau plus profond.

Pouvez-vous nous parler de votre expérience d’exposition la plus importante ?

L'une de mes expositions les plus marquantes a eu lieu à Chicago, où j'ai eu l'occasion de présenter mon travail aux côtés d'un groupe diversifié d'artistes talentueux. Cette exposition a été particulièrement marquante car elle a marqué un tournant dans ma carrière, me permettant d'échanger directement avec des collectionneurs, des conservateurs et des amateurs d'art qui ont profondément marqué mes œuvres.

Cette expérience a été précieuse en termes de visibilité et de retours, car elle m'a permis de mieux comprendre l'impact de mon art sur un public plus large. Elle m'a également permis de réseauter avec des professionnels du secteur, ce qui a débouché sur plusieurs collaborations et expositions.

Dans l’ensemble, ce fut une expérience transformatrice qui m’a aidé à grandir à la fois personnellement et professionnellement, renforçant mon engagement envers mon parcours artistique.

Si vous aviez pu créer une œuvre célèbre dans l'histoire de l'art, laquelle choisiriez-vous ? Et pourquoi ?

Si je pouvais créer une œuvre célèbre dans l'histoire de l'art, je choisirais « La Nuit étoilée » de Vincent van Gogh. La profondeur émotionnelle et l'énergie tourbillonnante capturées dans ce tableau résonnent profondément en moi. J'admire profondément la capacité de Van Gogh à transmettre des sentiments aussi intenses grâce à des couleurs vibrantes et un coup de pinceau dynamique.

Si j'ai choisi cette œuvre, ce n'est pas seulement pour son statut iconique, mais aussi pour sa capacité à susciter une émotion brute. « La Nuit étoilée » reflète l'expérience humaine d'une manière à la fois personnelle et universelle, capturant la tension entre le trouble intérieur et la beauté de la nature. Ce serait incroyable de créer une œuvre qui ait un impact émotionnel aussi durable et qui continue d'inspirer les spectateurs du monde entier.

En fin de compte, ce tableau symbolise le type d’art que je m’efforce de créer : un art qui émeut les gens, défie les perceptions et parle à la fois à l’esprit et au cœur.

Si vous pouviez inviter un artiste célèbre (mort ou vivant) à dîner, qui choisiriez-vous ? Comment lui proposeriez-vous de passer la soirée ?

Si je pouvais inviter un artiste célèbre à dîner, ce serait Vincent Van Gogh. Sa profondeur émotionnelle et son approche unique de l'art m'ont toujours fasciné, et j'aimerais comprendre le fonctionnement de son esprit, en particulier sa façon de voir et de capturer le monde qui l'entoure.

Pour la soirée, je suggérerais un cadre détendu et intime, peut-être dans un atelier d'art ou un jardin tranquille, en pleine nature. Nous pourrions discuter de son parcours artistique, de ses difficultés et de ce qui a inspiré ses œuvres les plus emblématiques. J'aimerais aussi connaître son point de vue sur l'évolution de l'art aujourd'hui et sur la scène artistique moderne. Ce serait un échange enrichissant, mêlant passé et présent, et l'occasion de rencontrer un génie qui a profondément influencé le monde de l'art.