Points clés
Origines et éducation : Né à Toledo, Ohio en 1945 d'une mère américaine et d'un père hongrois, Kosuth commence très tôt ses études artistiques et se forme dans plusieurs villes, dont Paris et New York.
Pionnier de l'art conceptuel : Dans les années 1960, il a révolutionné l'idée de l'art en déplaçant l'attention des objets visuels vers les idées, le langage et le contexte .
Œuvres emblématiques : One and Three Chairs et la série Art as Idea as Idea comptent parmi ses œuvres les plus célèbres, un art qui questionne le sens du langage lui-même.
Écriture et pensée : Son essai Art After Philosophy (1968-1969) est considéré comme un manifeste d’art conceptuel, profondément influencé par Wittgenstein et Walter Benjamin.
Anthropologie et Art : Dans les années 1970, il étudie l’anthropologie pour s’engager auprès des cultures non occidentales, intégrant cette expérience dans son travail artistique et théorique.
Carrière académique internationale : Kosuth a enseigné dans de grandes institutions en Europe et aux États-Unis, notamment Yale, NYU, la Sorbonne, Oxford et l'Académie des Beaux-Arts de Munich.
Expositions mondiales : Il a participé à 5 éditions de la Documenta et à 4 Biennales de Venise , avec plus de 170 expositions personnelles dans le monde entier.
Prix et reconnaissances : Parmi ses nombreuses distinctions, il a été nommé Chevalier des Arts et des Lettres en France et a reçu la Décoration d'Honneur autrichienne en or pour les Sciences et les Arts .
Joseph Kosuth (né le 31 janvier 1945) est un artiste conceptuel d'origine hongroise et américaine. Il partage actuellement son temps entre New York et Venise, après avoir vécu dans plusieurs villes européennes comme Londres, Gand et Rome.
Kosuth est né à Toledo, dans l'Ohio, d'une mère américaine et d'un père hongrois d'origine aristocratique. Sa lignée comprend Lajos Kossuth, figure marquante de la Révolution hongroise de 1848. Il a débuté sa formation artistique très tôt à la Toledo Museum School of Design (1955-1962), puis a suivi des cours particuliers auprès de la peintre belge Line Bloom Draper. Après avoir obtenu une bourse, il s'est inscrit au Cleveland Institute of Art en 1963. Une année de formation passée à Paris et des voyages en Europe et en Afrique du Nord ont approfondi sa perspective culturelle.
En 1965, Kosuth s'installe à New York et étudie à la School of Visual Arts jusqu'en 1967. Là, il devient rapidement une figure à la fois perturbatrice et influente, remettant en question le statu quo et laissant une forte impression sur les étudiants et les professeurs. Son influence lui vaut un poste de professeur avant même l'obtention de son diplôme – une initiative inhabituelle qui suscite la controverse parmi les enseignants traditionnels.
Pionnier d'un nouveau langage dans l'art
Au-delà des cours, Kosuth a cofondé le Museum of Normal Art , offrant une tribune à des artistes comme Robert Ryman et On Kawara. Figure clé de l'essor de l'art conceptuel, Kosuth a rejeté l'esthétique traditionnelle au profit du langage, du contexte et de l'exploration du sens. Il a notamment soutenu que l'art n'est pas une question de forme visuelle, mais de génération et d'analyse d'idées – une approche qui a marqué un tournant vers le postmodernisme et redéfini l'héritage d'artistes comme Marcel Duchamp.
L'œuvre de Kosuth explore souvent l'interaction entre langage et perception. Sa pratique comprend des installations, des œuvres photographiques et des œuvres d'appropriation, formant une réflexion constante sur la construction du sens. Il a exposé à travers le monde, participant à cinq Documenta et à quatre Biennales de Venise. Ses premières Protoinvestigations , créées à seulement vingt ans, sont aujourd'hui exposées dans de grandes institutions telles que le MoMA, le Guggenheim, la Tate et le Centre Pompidou.
Influence académique et portée mondiale
Kosuth a poursuivi son engagement académique, enseignant à l'École des arts visuels jusqu'en 1985, puis occupant des chaires à Hambourg, Stuttgart, Munich et Venise. Il a donné de nombreuses conférences dans des institutions de premier plan, dont Yale, NYU, UCLA et la Sorbonne. Son engagement pour l'éducation reflète sa foi dans la rigueur intellectuelle de la pratique artistique.
En 1989, Kosuth a cofondé la Fondation pour les Arts du Musée Sigmund Freud de Vienne, dont il est actuellement le président. La fondation honore l'héritage de Freud à travers l'art contemporain, avec un espace d'exposition permanent dans l'ancien bureau d'Anna Freud.
Héritage
Avec plus de 170 expositions personnelles et un impact durable sur le monde de l'art, Joseph Kosuth demeure une figure incontournable de l'art contemporain. Son œuvre continue d'inciter les spectateurs à repenser la nature même de l'art et de son sens, faisant de lui non seulement un pionnier de l'art conceptuel, mais aussi un philosophe de son langage.
Joseph Kosuth : l'artiste qui a transformé l'art en langage
Joseph Kosuth fait partie d'une génération révolutionnaire d'artistes conceptuels, apparue au milieu des années 1960, qui cherchait à dépouiller l'art de toute émotion et de toute complaisance visuelle. Plutôt que de créer de beaux objets, ce mouvement privilégiait les idées comme essence de l'art . Kosuth, aux côtés de Lawrence Weiner, On Kawara et Hanne Darboven, plaçait le langage au cœur de la création artistique.
Pour Kosuth, la finalité de l'art n'est pas esthétique, mais intellectuelle. Ses œuvres font souvent référence à elles-mêmes, soulevant des questions fondamentales sur ce qu'est réellement l'art. En 1969, il a déclaré :
« La valeur d’un artiste après Duchamp se mesure à la profondeur avec laquelle il questionne la nature de l’art. »
Sa pratique intègre fréquemment des références à la psychanalyse de Freud et aux théories du langage de Wittgenstein , intégrant une recherche philosophique approfondie dans la forme visuelle.
Le langage rendu visible : les expériences emblématiques de Kosuth
La première pièce conceptuelle de Kosuth, Leaning Glass , combinait un objet réel, sa photographie et les définitions du dictionnaire de son nom, jetant ainsi les bases de ses projets ultérieurs, plus ambitieux.
En 1966, il débute sa série « L'Art comme Idée » , dans laquelle il reproduit des définitions de dictionnaires (par exemple, « signification », « idée », « eau ») sous forme de grandes photocopies noir et blanc. Ces œuvres sont accompagnées de certificats de propriété plutôt que d'instructions d'exposition, soulignant que c'est le concept, et non l'objet, qui constitue l'œuvre d'art.
Son œuvre la plus connue, One and Three Chairs , présente une vraie chaise, une photographie de cette chaise et une définition du mot « chaise » – une réflexion complexe sur la représentation, le langage et la perception. D'autres œuvres, comme Four Colors Four Words , poursuivent cette exploration, créant des tautologies où l'œuvre est littéralement ce qu'elle décrit .
Idées contre objets : le manifeste d'un jeune rebelle
En 1968-1969, Kosuth écrivit L'Art après la philosophie , un essai marquant qui servit de fondement philosophique à l'art conceptuel . Plus qu'un traité, il s'agissait d'une critique acerbe du formalisme de Clement Greenberg et d'un plaidoyer en faveur d'un dépassement de l'esthétique vers une rigueur conceptuelle. Kosuth concevait l'art comme un prolongement de la philosophie, profondément influencé par des penseurs comme Wittgenstein et Walter Benjamin. L'essai a depuis été traduit en plus de 14 langues.
Des galeries à la jungle : l'artiste comme explorateur culturel
Au début des années 1970, Kosuth, déjà une étoile montante du monde de l'art, se sentait mal à l'aise avec son identité d'artiste « blanc, masculin et eurocentrique ». Pour y faire face, il étudia l'anthropologie à la New School et mena des enquêtes de terrain auprès de cultures reculées : le peuple Yagua en Amazonie, les groupes aborigènes d'Australie et les habitants des îles Trobriand étudiés par Malinowski.
Kosuth a décrit cette expérience comme une tentative de « toucher les limites » de sa propre compréhension culturelle. Ces explorations ont abouti à son important essai de 1975, L'Artiste comme anthropologue , mêlant théorie de l'art et recherche interculturelle.
Philosophie sur le mur : œuvres ultérieures et style caractéristique
Les œuvres ultérieures de Kosuth sont souvent des photomontages grand format combinant des images de ses premières œuvres avec des citations philosophiques – de penseurs comme Derrida, Buber et Kristeva – subtilement signées de ses initiales. Ces œuvres constituent de véritables mémoires visuelles , retraçant son évolution intellectuelle et artistique.
Collaborations et commandes : l'art dans l'espace public
Kosuth a également étendu sa pratique à la musique, à l'architecture et aux monuments publics. En 1992, il a conçu la pochette de l'album Fragments of a Rainy Season de John Cale. En 1994, il a collaboré avec Ilya Kabakov sur Le Couloir des deux banalités , une grande installation reflétant leurs origines culturelles.
À partir des années 1990, Kosuth a reçu de nombreuses commandes publiques dans le monde entier. Il a conçu des monuments pour Jean-François Champollion en France, créé des hommages en néon à Walter Benjamin et décoré les murs du Louvre de textes philosophiques dans le cadre de son projet « ni apparence ni illusion » . Parmi ses autres réalisations marquantes figurent des œuvres pour des bâtiments gouvernementaux à Stockholm, Bruxelles et le Bundestag à Berlin, ainsi que des hommages à Charles Darwin et à la philosophe Ricarda Huch.
Le penseur-enseignant : l'héritage académique de Kosuth
Kosuth est un enseignant de longue date, ayant enseigné à New York, Hambourg, Stuttgart et Munich. Il a également été professeur invité et conférencier invité dans des institutions prestigieuses telles que Yale, NYU, la Sorbonne, Oxford et le Musée Freud de Vienne. L'artiste Michel Majerus compte parmi ses élèves les plus remarquables.
Écrits : des manifestes aux magazines
Au-delà des arts visuels, Kosuth a eu une forte présence dans le monde de l'édition. Il a été rédacteur américain d' Art & Language , co-rédacteur de The Fox et rédacteur artistique de Marxist Perspectives . Ses écrits continuent de façonner le discours sur l'art, notamment sa définition de l'art comme suit :
« Une proposition de contexte et de pensée, rendue explicite par l'artiste pour révéler ce qui est normalement caché dans la culture – traduisant l'implicite en explicite, et vice versa. »
Ses écrits, notamment Art After Philosophy et After , révèlent la conviction durable de Kosuth selon laquelle l'art ne concerne pas ce que vous voyez, mais la façon dont nous pensons, questionnons et interprétons le monde qui nous entoure.
Une voix mondiale de l'art conceptuel : les principales expositions de Kosuth
Joseph Kosuth a inauguré sa première exposition personnelle en 1969 à la prestigieuse galerie Leo Castelli de New York. La même année, il a lancé avec audace Fifteen Locations , une ambitieuse exposition simultanée présentée dans 15 institutions à travers le monde – une première démonstration du potentiel sans frontières de l'art conceptuel. Il a également participé à une exposition collective majeure à la galerie Seth Siegelaub , événement phare du mouvement conceptuel émergent.
En 1973, le Kunstmuseum de Lucerne lui consacre une importante rétrospective, qui voyage à travers l'Europe, consolidant ainsi sa renommée internationale. D'autres rétrospectives suivent, dont celle organisée en 1981 par la Staatsgalerie de Stuttgart et la Kunsthalle de Bielefeld .
Kosuth a également été une présence régulière dans les forums artistiques mondiaux, avec des invitations aux documenta V, VI, VII et IX (1972-1992) et à la Biennale de Venise en 1976, 1993 et 1999. À partir de 2011, il est retourné à Venise à plusieurs reprises, exposant avec le Centre culturel européen , plus récemment au Palazzo Bembo en 2017 .
Au-delà de la toile : Kosuth en tant que conservateur et organisateur
Dès 1967, Kosuth organisait déjà des expositions innovantes. L'une d'elles, « Fifteen People Present Their Favorite Book » , à la galerie Lannis de New York, réunissait des artistes influents comme Robert Morris , Sol LeWitt , Dan Graham et Robert Smithson , transformant la galerie en un espace de dialogue littéraire et conceptuel.
La même année, alors qu'il était encore étudiant, il cofonda le Museum of Normal Art avec Christine Kozlov. Leur initiative présenta des œuvres conceptuelles précoces et offrit une tribune aux voix expérimentales de la scène artistique new-yorkaise en pleine évolution.
L'intérêt de Kosuth pour la psychanalyse l'a conduit en 1989 à offrir une œuvre au Musée Sigmund Freud de Vienne. Il a ensuite invité d'autres artistes à faire de même, constituant ainsi une collection d'œuvres inspirées par Freud. Cette année-là, il a également organisé l'exposition Ludwig Wittgenstein : Le Jeu de l'indicible , un hommage philosophique marquant le centenaire du penseur, présentée à la Sécession viennoise et au Palais des Beaux-Arts de Bruxelles.
En 1990, en réponse aux débats sur la censure culturelle, Kosuth a organisé « A Play of the Unmentionable » au Brooklyn Museum of Art . Il a sélectionné des œuvres provocatrices issues de divers départements – nus, icônes religieuses, pièces érotiques, et même du mobilier Bauhaus – et les a confrontées à des citations critiques de philosophes et d'universitaires. Cette exposition audacieuse a incité les visiteurs à repenser l'évolution du sens de l'art en fonction du contexte social et des structures de pouvoir.
Distinctions et honneurs : un héritage d'art intellectuel
L'œuvre novatrice de Kosuth a été reconnue très tôt. En 1968, à seulement 23 ans, il a reçu la bourse de la Fondation Cassandra , attribuée personnellement par Marcel Duchamp peu avant sa mort.
En 1993, il reçoit une mention honorable à la Biennale de Venise et est nommé Chevalier de l'Ordre des Arts et des Lettres par le gouvernement français. Plus tard, en 1999, la France lui rend à nouveau hommage en émettant un timbre-poste de 3 francs à Figeac, lieu de son hommage monumental à Champollion.
En 2001, l'Université de Bologne lui décerne le titre de docteur honoris causa en philosophie et lettres. Deux ans plus tard, le gouvernement autrichien lui décerne la plus haute distinction pour sa contribution culturelle, la Décoration d'honneur en or .
Kosuth a également reçu d'autres prix importants, notamment :
Prix Brandeis (1990)
Prix Frederick Weisman (1991)
Prix d'art du Centre culturel européen (2017) pour une vie consacrée à la création de sens à travers l'art contemporain.
Ses œuvres sont conservées dans de grandes institutions à travers le monde, telles que :
Musée d'art américain Whitney , New York
Centre international d'art lumineux , Unna
Musée d'art contemporain , Lyon
Galerie nationale de Victoria , Melbourne
Musée d'art de Saint-Louis
Musée d'art de l'Université de l'Arizona
Galerie d'art américain Addison , Andover
Et bien d'autres.
❓ FAQ
Qui est Joseph Kosuth ?
C'est un artiste conceptuel hongro-américain connu pour avoir déplacé l'attention de l'art de la forme visuelle vers l'idée et le langage , faisant du concept le médium principal.
Quelle est son œuvre la plus célèbre ?
One and Three Chairs , une installation mettant en vedette une vraie chaise, une photographie de cette chaise et une définition du dictionnaire du mot « chaise ».
Que voulait-il dire en disant « l’art est la production de sens » ?
Kosuth croyait que l'art devait aller au-delà de la couleur et de la forme, mais plutôt étudier le contexte, le langage et la perception du spectateur.
Quelle est sa contribution théorique ?
Il a écrit Art After Philosophy , un texte fondateur de l’art conceptuel qui critique l’esthétique moderniste et propose une approche conceptuelle enracinée dans la philosophie.
Où puis-je voir ses œuvres aujourd'hui ?
Ses œuvres font partie de collections prestigieuses telles que le MoMA (New York) , le Centre Pompidou (Paris) , la Tate (Londres) et bien d'autres en Europe, en Australie et aux États-Unis.
A-t-il enseigné ?
Oui, il a occupé des postes universitaires à New York, Hambourg, Stuttgart, Munich et Venise, et a donné des conférences dans des universités de premier plan à travers le monde.
Pourquoi a-t-il étudié l’anthropologie ?
Confronter ses propres hypothèses culturelles et élargir la dimension philosophique et critique de son art en apprenant d’autres visions du monde et d’autres sociétés.
Selena Mattei
| ArtMajeur Magazine
