Amaya F Fariza, un sentiment intérieur

Qu'est-ce qui vous a poussé à créer de l'art et à devenir artiste (événements, sentiments, expériences...) ?

Je ne me souviens pas quand j'ai commencé à dessiner, mais à l'école je le faisais quand je m'ennuyais en classe à remplir des feuilles de papier avec des dessins. J'ai encore quelques dessins de mon enfance car ma mère s'est rendu compte que j'aimais tellement ça qu'elle a commencé à m'acheter des crayons et des aquarelles.

Il a toujours été clair pour moi que mon chemin irait dans cette direction et j'ai commencé à peindre mes premières peintures à l'huile à partir du jour où les Rois Mages m'ont apporté une valise pleine de peintures avec un chevalet et une toile quand j'étais petite fille.

J'étais tellement intéressé que je me souviens que depuis mon enfance, je passais des heures à feuilleter l'encyclopédie d'histoire de l'art que j'avais à la maison. C'est alors que j'ai commencé à m'émerveiller devant les planches en couleurs des tableaux des grands maîtres de la Renaissance, du baroque ou des impressionnistes. Je n'arrivais toujours pas à comprendre la peinture "moderne", l'avant-garde, Picasso, Tapies...

Quelle est votre formation artistique, les techniques et les thèmes avec lesquels vous avez expérimenté jusqu'à présent ?

Quand je suis entré à l'Université des Beaux-Arts, je me sentais complet. Ce fut pour moi une expérience très importante, malgré l'opposition de mon père qui était ingénieur et qui voulait que ses enfants étudient les métiers techniques. Il était très contrarié, prétendant que je n'aurais pas d'avenir.

J'ai commencé très excité car je savais que le monde de la création artistique était ce que je voulais et au collège je me souviens qu'on faisait beaucoup de pratique de dessin à partir de modèles naturels, là j'ai commencé à manier le fusain, l'aquarelle, la détrempe, la détrempe, la peinture à l'huile , etc. Mais la plupart de la production de toiles à cette époque, je les ai faites avec de l'acrylique. Il a tout pratiqué, du volume à la sculpture, la photographie, le collage, les encres,...,

La peinture est la spécialité que j'ai choisie car elle me permet d'exprimer ce que je ressens sur une surface bidimensionnelle de manière très libre où je recrée tout ce que je veux en exprimant des réalités fictives dans lesquelles la perspective, l'atmosphère, le ton ou le volume apparaissent dans la technique la plus académique , ce sera la base de mon évolution ultérieure.

Je pratique beaucoup en grand format en développant une peinture lâche et expressive laissant libre cours à mes émotions. Ce sont des moments de grande énergie et d'euphorie dans lesquels, en observant le travail de mes camarades de classe ou les indications de mes professeurs, j'obtiens beaucoup d'informations et de ressources qui, avec mes visites de musées et d'expositions, m'enrichissent et je commence à faire mon premier série.

C'est une peinture réaliste avec laquelle je me sens très à l'aise malgré les influences de l'expressionnisme très en vogue chez mes camarades et professeurs.

C'était une collection de portraits avec beaucoup de fraîcheur et de traits lâches. J'étais très intéressé par la figure humaine. Puis j'ai réalisé la série Ambientes (Environnements) où j'ai travaillé les intérieurs, associant le mobilier à la végétation. Ce sont des œuvres réalistes très colorées qui expriment le mystère de la solitude, ce sont des pièces vides. Ensuite, la série Tropicalia, dans laquelle apparaissent des mondes oniriques de jungle, végétation, abondance de verdure et perroquets, beaucoup de perroquets. Il ne reste presque plus rien de ces séries, ce furent des périodes très prolifiques et heureusement, avec des succès commerciaux.

Quels sont les 3 aspects qui vous différencient des autres artistes, rendant votre travail unique ?

La première pourrait être la collecte de données et d'informations à partir de tant de peintures au cours de ma vie dans des pairs, des expositions, des musées, des foires et des réseaux. Les musées, les foires et les réseaux... me font amorcer une nette évolution dans ma façon d'appliquer la couleur et d'aborder de nouveaux sujets. Cette évolution s'apprécie depuis mes premiers travaux jusqu'à ceux d'aujourd'hui. Pour moi, il est essentiel qu'il y ait un processus dans le travail de l'artiste, bien qu'il y ait des artistes qui peignent de la même manière et même le même sujet toute leur vie.

Je crois qu'il y a un style de coup de pinceau et des thèmes qui sont de plus en plus personnels.

La seconde peut être que je reste fidèle à mes idées en faisant une figuration très personnelle avec la nature comme base d'inspiration et la combinaison d'éléments inertes avec des éléments vivants. Mes modèles sont des personnes de mon environnement que je photographie. Il y a une idée très claire de la couleur, la capturant dans sa plénitude, lumineuse, saturée et très expressive. J'ai aussi besoin de mettre en valeur des contrastes, des sources lumineuses qui peuvent provenir de n'importe quel angle mais qui sont toujours là.

Et troisièmement, la façon dont j'aborde mes compositions. Je commence toujours par beaucoup d'idées, puis je les filtre. Lorsque je construis une scène, j'essaie les éléments que je vais incorporer ou ceux que je vais éliminer, avant je faisais mes croquis sur la toile elle-même (Velázquez le faisait aussi), maintenant j'utilise aussi un programme pour visualiser mes idées. Mais il y aura plus de changements car l'agitation de la recherche constante me fait pencher vers de nombreuses idées, je peux toucher la figure humaine, la végétation, le paysage. Éléments du quotidien, n'importe quoi.

D'où vient votre inspiration?

C'est un sentiment intérieur. Chaque jour, je regarde les choses qui m'entourent, les choses que font les artistes contemporains, le paysage de ma ville, les gens, la lumière... La grandeur qu'offre la Nature, que les classiques admiraient tant.

Rousseau disait "Il y a un livre ouvert à tous les yeux : la Nature".

Quelle est votre démarche artistique ? Quelles visions, sensations ou sentiments souhaitez-vous évoquer chez le spectateur ?

Le moment dans lequel je suis plongé préserve désormais l'essence de ma manière habituelle de peindre. Mais il y a eu un processus que je considère important car si vous n'évoluez pas vous ne vivez pas l'expérience créative ni les découvertes d'autres vérités qui sont en vous.

La manière de produire et de créer est basée sur la collecte de beaucoup d'informations sur des choses qui m'intéressent. Avec la matière graphique incluant mon propre travail photographique, je réalise des compositions dans lesquelles j'introduis des éléments vivants ou inertes, mais chaque série ou projet porte sur un thème précis. C'est concentré en fonction de l'état d'esprit, les adversités me font aiguiser mes esprits et j'ai traversé de bons et de moins bons moments.

Quand je fais un travail je suis tourmenté par la pensée de ne pas atteindre les attentes que j'ai en tête, ou quand je vois que ça va mal, c'est une grande déception. Ce n'est pas toujours agréable.

J'aimerais que quiconque visualise mes peintures s'arrête et observe. La peinture, pour être réussie, doit regarder le spectateur et non l'inverse. Le travail que je fais depuis ces années évoque la nostalgie, la fraîcheur et un certain air de romantisme, c'est très clair dans ma série : Solitudes.

Quel est le processus de création de vos œuvres ? Spontané ou avec un long processus préparatoire (technique, inspiration des classiques de l'art ou autres) ?

À partir de la collection d'images que je conserve dans mes dossiers thématiques, je prépare le processus. Je prends habituellement des photocopies couleur et je les colle sur le mur, et je les essaie. Sur la toile je fais les croquis, ainsi que les modifications et je construis ma composition. Je dessine au graphite ou au fusain les figures ou les éléments et je commence la première tache, qui est généralement très diluée pour favoriser les changements qui peuvent survenir. Il y a aussi de la spontanéité, surtout dans les détails.

Utilisez-vous une technique de travail particulière ? Si oui, pouvez-vous l'expliquer ?

Je donne d'abord une couche diluée sur la surface de la toile avec une couleur vive, presque toujours rouge. Je le fais avec de la peinture acrylique. Il peut passer sur le dessin ou sous le dessin.

Ensuite, j'ajoute des calques et couvre les espaces. Parfois la peinture coule pour donner de la fraîcheur et parfois il y a plus d'empâtement. J'applique également des glacis dans les zones où je souhaite modifier un peu le chromatisme.

Enfin je résous avec des couleurs fortes, puissantes, et parfois les figures se confondent avec les fonds, donnant de la plasticité à l'ensemble. Il y a toujours de la lumière, il est important de donner de la vivacité et de l'efficacité à la composition.

Y a-t-il des aspects innovants dans votre travail ? Pouvez-vous nous dire lesquelles ?

Tout a été inventé. Dans les trente mille ans que l'homme peint depuis la découverte des créations préhistoriques, il a eu le temps de tout faire, je ne vois pas de grands changements depuis le début de l'ère numérique. Il y a eu beaucoup plus de rupture et d'innovation à la fin du IXe et XXe siècle avec l'avant-garde et les différents styles qui se sont transcendés dans l'histoire pour être innovants et changeants.

Maintenant, j'utilise un programme, comme je l'ai mentionné précédemment, qui est très utile pour créer des compositions comprenant les éléments ou les images que je sélectionne dans mes dossiers. Je ne fais pas de digital painting, mais je peux visualiser avec le programme des épreuves couleurs.

J'aime tout faire manuellement, en tant qu'admiratrice de l'Art je n'aime pas la peinture qui est appliquée sur une photo tracée sur une toile et ni les oeuvres réalisées avec l'Intelligence Artificielle qui commencent à se faufiler dans les concours. Plus que des artistes dans ce domaine, il y a des ingénieurs. Ni l'Art qui se fait "en série", des oeuvres répétitives et anodines avec peu de technique. L'Art qui transcende je ne pense pas que ce soit celui-là, même si aujourd'hui le marché favorise ces choses-là.

Je n'aime pas non plus une sorte de courant que j'observe qui est en plein essor, et qui est la manière "facile" de créer, comme jeter des jets de peinture sur la toile et faire des mouvements dessus pour étendre la peinture ou utiliser des plaques et des pochoirs et appliquer couleur. J'aime dessiner et peindre, et les oeuvres d'autres artistes je préfère aussi qu'elles soient faites avec une certaine dextérité, le talent ne peut s'apprécier que dans celui qui a une élaboration avec une technique et une esthétique créative un peu travaillée quel que soit le style de l'artiste.

Rothko, lorsqu'il réalise ses peintures multiformes, de grands champs de couleur, donne la sensation d'être quelque chose de trop simple. Je suis fasciné par cette série car elle a une élaboration très élaborée, ce sont des compositions dans lesquelles il exprime ses émotions, il ne peint pas de simples rectangles. Or s'il y a des artistes qui le font en recouvrant des champs de couleur sans plus, c'est une peinture simpliste. Mais les styles sont cycliques dans le temps.

Je pense qu'il est plus difficile de bien travailler avec l'abstraction qu'avec la figuration ou le réalisme.

Ma peinture pourrait être encadrée dans la Nouvelle Figuration.

Avez-vous un format ou un support avec lequel vous vous sentez plus à l'aise ? Si oui, pourquoi?

Je me sens plus à l'aise de travailler en grand format. Je fais de grands tableaux depuis de nombreuses années, je m'organise mieux avec l'espace et je pense que mon message est mieux transmis. Mais je travaille dans tous les formats.

Et mon médium préféré est sans aucun doute l'huile car elle me permet de faire des corrections et des floutages, elle a plus de plasticité et me donne la possibilité de créer un langage expressif.

Où produisez-vous vos œuvres ? Chez vous, en studio partagé ou dans votre propre studio ? Et dans cet espace, comment organisez-vous votre travail créatif ?

À la maison. Ma maison est grande et j'ai un espace aménagé pour la peinture.

Là où j'aime peindre, c'est dans ma maison d'été, il y a une lumière naturelle que j'aime plus qu'artificielle.

J'utilise de grandes planches de MDF comme palettes car avec les peintures à l'huile la palette met beaucoup de temps à sécher.

Votre travail vous amène à voyager à la rencontre de nouveaux collectionneurs, pour des foires ou des expositions ? Si oui, qu'est-ce que cela vous apporte ?

J'ai toujours beaucoup voyagé, mais pendant des années, je n'ai voyagé qu'en Espagne.

Dans ma ville (Bilbao), il y a une bonne offre d'exposition, nous avons le Guggenheim avec de bonnes expositions temporaires contemporaines et le Musée des Beaux-Arts, qui a aussi de nombreuses expositions d'artistes de tous les temps.

Je vais à Madrid chaque année en février pour voir les foires d'art.

Voir l'art apporte beaucoup, parfois on remarque un détail dans un tableau et on le retient, c'est enrichissant.

Comment imagines-tu l'évolution de ton travail et de ta carrière d'artiste dans le futur ?

Je pense que j'aime de plus en plus peindre. Mais j'exige de plus en plus de moi-même et cela implique un effort mental et je pense que je m'implique trop.

J'ai des projets pour l'avenir. Je pense que je vais faire de nouvelles choses et de nouveaux processus. J'aimerais avoir accès à des expositions intéressantes. Je n'ai jamais payé pour louer des espaces. Mais je ne critique pas cette pratique, il faut donner des options aux gens qui peignent et il est difficile de trouver des espaces car maintenant il y a très peu de Galeries et elles ont beaucoup de dépenses en plus de l'épée d'Internet. Les expositions en ligne ou les plateformes d'art enlèvent beaucoup d'espace de vente.

Quel est le thème, le style ou la technique de votre dernière production artistique ?

Je travaille actuellement sur la série Paraísos. Ce sont des univers idylliques où la paix règne et où les rêves peuvent se répandre. Il y a beaucoup de couleurs, de végétation, des paysages inventés et beaucoup d'oiseaux.

Pour l'instant, il ne sera pas publié ni mis en vente, mais plus tard, j'en parlerai ou le mettrai en lumière.

Parallèlement, je travaille toujours sur la série Anónimas, qui est l'une des collections les plus complètes que je réalise. Dans cette série je parle d'une féminité traitée à partir de la simplicité, ce sont des héroïnes du quotidien, je mets en lumière des situations dans lesquelles la transcendance est précisément la fonction d'être ou d'être. Il est important que ces filles-femmes se démarquent dans des situations non pertinentes et brillent par elles-mêmes.

Pouvez-vous nous parler de votre expérience d'exposition la plus importante ?

Je pense que l'expérience d'exposition la plus importante est encore à venir.

J'ai été ravi de recevoir une invitation d'une galerie d'art à Dubaï pour exposer mon travail.

De plus en plus de personnes sont incitées à acheter des œuvres d'art sur Internet. Il y a de vrais bijoux, des tableaux dont on tombe amoureux. Le marché est plus global.

Mais je n'oublierai jamais ma première exposition dans les années 90 dans la salle d'exposition du village où je me rendais chaque été. C'était une série de paysages réalisés à partir d'une série de photographies que j'avais prises dans la région.

Ce fut une expérience attachante.

Si tu avais pu créer une œuvre célèbre dans l'histoire de l'art, laquelle choisirais-tu ? Et pourquoi?

Les panneaux de nénuphars de Monet dans sa maison de Giberny.

Ils restituent son univers particulier de manière délicate avec un chromatisme très harmonieux sans perspective et vaporisation des contours. Ils reflètent l'expérience de Monet avec la nature. Il y a une ligne fine entre le réalisme et l'abstraction dans ces œuvres que je pense que le peintre résout avec une grande maîtrise.

David Hockney m'a beaucoup marqué et inspiré lorsque j'ai réalisé ma première série de portraits à l'acrylique. Ses peintures de piscines et de jardins qu'il a réalisées en Californie m'ont fasciné et ses derniers portraits que j'ai pu voir au Guggenheim de Bilbao semblaient très colorés et expressifs. J'aime définitivement son style et son évolution.

J'ai aussi vu beaucoup de travail de Sorolla. Le maître de la lumière.

Si vous pouviez inviter un artiste célèbre (vivant ou mort) à dîner, qui serait-ce ? Comment suggéreriez-vous qu'ils passent la soirée ?

Je serais très heureux de discuter avec Antonio López. Le peintre espagnol des paysages madrilènes. J'aime son travail précoce et tardif. Il a un sens de l'espace incroyable et une très bonne capacité de travail. Il est logique qu'il soit si recherché car son travail de création a été et reste très précieux.

Je voudrais également inviter le peintre chilien Guillermo Lorca. Il fait des compositions très baroques avec une technicité incroyable et un potentiel créatif très puissant.