Andreas Gursky en mars 2013 au musée K21 de Düsseldorf. Auteur : Hpschaefer, via Wikipedia, photographie recadrée
Andréas Gursky
Andreas Gursky, célèbre photographe allemand, est célèbre pour son utilisation pionnière de la manipulation d'images numériques et de la photographie grand format. Connu pour ses images aux couleurs vives, Gursky est devenu l'un des photographes contemporains les plus célèbres au monde, notamment pour ses œuvres monumentales qui remettent souvent en question les perceptions de l'espace et de l'échelle.
Né à Leipzig, en Allemagne de l'Est, en 1955, la famille de Gursky s'installe en Allemagne de l'Ouest en 1957, d'abord à Essen, puis à Düsseldorf. De 1978 à 1981, il étudie la communication visuelle à l'Université d'Essen, où il apprend auprès des photographes de renom Otto Steinert et Michael Schmidt. Alors que Gursky espérait étudier auprès de Steinert, il n'assiste qu'à quelques-unes de ses conférences avant la mort de ce dernier en 1978.
En 1981, Gursky s'inscrit à l'Académie des Beaux-Arts de Düsseldorf, où il suit les cours du duo de photographes influent Bernd et Hilla Becher. Leur style systématique et documentaire de capture de sites industriels a laissé une empreinte durable sur l'approche de la photographie de Gursky. Parmi les autres influences notables sur son travail, citons le photographe de paysage britannique John Davies, dont les compositions surélevées et très détaillées ont façonné les premières prises de vue au niveau de la rue de Gursky, ainsi que le photographe américain Joel Sternfeld.
Gursky est surtout connu pour ses photographies couleur grand format, souvent prises depuis des perspectives surélevées, capturant des paysages urbains, des architectures et des environnements artificiels de grande envergure. Sa capacité à transmettre des détails complexes à grande distance permet à ses images d'explorer les thèmes de la mondialisation et de la consommation de masse. Des œuvres comme « 99 Cent II Diptychon » et « Rhein II » soulignent sa fascination pour l'abstraction et le réalisme. « Rhein II », en particulier, est devenue la photographie la plus chère du monde en 2011, vendue pour 4,3 millions de dollars aux enchères chez Christie's.
L'œuvre d'Andreas Gursky continue de remettre en question la photographie conventionnelle en brouillant les frontières entre réalité et manipulation numérique. Ses photographies à grande échelle, méticuleusement composées, capturent non seulement l'immensité des espaces modernes, mais reflètent également la complexité de la vie mondiale contemporaine. Grâce à son approche unique, Gursky s'est imposé comme l'une des figures majeures de la photographie contemporaine, avec un impact durable à la fois sur le marché de l'art et sur la culture visuelle.
Carrière et style artistique
Gursky a commencé sa carrière avec la photographie de petit format, mais à la fin des années 1980, il est passé aux formats plus grands et au début des années 1990, il a commencé à intégrer le traitement numérique des images. S'il a d'abord capturé des images sans manipulation, Gursky a rapidement adopté la technologie pour modifier et améliorer ses photographies. Son approche méthodique de la photographie reflète le cadre conceptuel des Becher, bien que Gursky s'aventure au-delà de leur catalogage industriel minimaliste pour explorer des sujets plus vastes. Il photographie des paysages, de l'architecture et des intérieurs, en utilisant la couleur avec parcimonie mais avec précision.
Dans nombre de ses œuvres, Gursky utilise le traitement d’images assisté par ordinateur pour créer des montages qui produisent des effets artificiels, mêlant réalisme et abstraction. Son œuvre « Montparnasse » de 1993 en est un parfait exemple : il a assemblé numériquement des images d’un immeuble parisien pour créer une façade ornementale, mais étrangement sans vie. Si l’image semble à première vue plate, un examen plus approfondi révèle des détails complexes : des personnes, des meubles et la vie quotidienne capturés derrière les fenêtres.
L’une de ses dernières œuvres, « Mayday V » (2006), utilise des techniques similaires pour représenter la Westfalenhalle lors d’une soirée techno. L’image, une représentation imposante de l’événement sur 18 étages, combine plusieurs perspectives pour créer une représentation fascinante, presque surréaliste, du lieu.
Le rôle de la manipulation numérique
Avant les années 1990, Gursky ne retouchait pas numériquement ses images. Cependant, grâce aux progrès technologiques, il a commencé à utiliser ouvertement les ordinateurs pour manipuler son travail, créant des scènes qui vont au-delà de ce que l'œil peut naturellement saisir. Les montages de Gursky jouent souvent avec la perception du réalisme des spectateurs. Dans « Madonna I », par exemple, il agrandit numériquement le public d'un concert de Madonna, déformant ainsi la frontière entre la vérité et la fiction.
Dans sa série « F1 Pit Stop », Gursky représente les arrêts aux stands de Formule 1, créant des compositions ordonnées et répétitives. Les lignes et les motifs précis confèrent aux scènes une impression structurée et homogène. Pourtant, de subtiles imperfections dans la répétition perturbent l'illusion d'objectivité, ce qui conduit à un réexamen du rôle de la photographie dans la représentation de la réalité.
Perspective globale et œuvres majeures
Gursky est connu pour ses prises de vue en hauteur, ce qui donne à son travail une perspective panoramique qui englobe des scènes entières, à la fois des éléments centraux et périphériques. Cette approche est particulièrement adaptée à la capture d'espaces vastes et anonymes, tels que des immeubles de grande hauteur, des intérieurs de bureaux, des bourses et des environnements commerciaux. Son travail aborde souvent les thèmes de la mondialisation et de la culture de consommation.
L’une de ses œuvres les plus emblématiques, « 99 Cent » (1999), représente l’intérieur d’un magasin 99 Cents Only à Los Angeles, transformant les rangées de produits soigneusement disposés en un champ de couleurs vibrantes. De même, « Rhein II » (1999) offre une vue abstraite du Rhin, présentant des bandes horizontales de couleur qui brouillent la frontière entre la photographie de paysage et l’abstraction.
Dans sa série « Ocean I-VI » (2009-2010), Gursky a utilisé des images satellites à haute résolution combinées à des améliorations numériques pour créer des représentations à grande échelle des océans de la Terre. Cette œuvre explore davantage le mélange de réalité et de manipulation dans sa photographie.
Succès sur le marché de l'art
Les œuvres de Gursky atteignent régulièrement des prix élevés sur le marché international de l'art. En 2011, sa photographie « Rhein II » a établi un record mondial, en étant vendue 4,3 millions de dollars lors d'une vente aux enchères chez Christie's, ce qui en fait la photographie la plus chère jamais vendue à l'époque. Avant cela, son « 99 Cent » (2001) avait déjà atteint 2,26 millions de dollars chez Sotheby's en 2006, et plus tard la même année, « 99 Cent II Diptychon » a été vendu pour 2,48 millions de dollars chez Phillips de Pury & Company. En février 2007, une copie de cette œuvre avait atteint 3,3 millions de dollars.
Gursky est représenté par de grandes galeries telles que Sprüth Magers, White Cube et Gagosian Gallery, et ses œuvres font partie de collections et de musées internationaux de premier plan, notamment le Museum of Modern Art de New York et la Tate Modern de Londres.
Expositions et collections publiques
Andreas Gursky a participé à de nombreuses expositions importantes tout au long de sa carrière, à commencer par sa première exposition personnelle à la Galerie Johnen & Schöttle de Cologne en 1988. Cette exposition a marqué le début de son ascension dans le monde de l'art contemporain. Il a fait ses débuts aux États-Unis en 1998 avec une exposition au Milwaukee Art Museum dans le Wisconsin, qui a présenté ses photographies monumentales au public américain. L'un des moments les plus marquants de sa carrière a été la rétrospective de 2001 au Museum of Modern Art (MoMA) de New York. Cette rétrospective a considérablement accru sa notoriété internationale et a offert un aperçu complet de ses œuvres photographiques à grande échelle. Gursky a également présenté son art lors de grands événements artistiques internationaux, notamment la Biennale de Venise en 1990 et 2004, et la Biennale de Sydney en 1996 et 2000.
En 2007, une grande rétrospective au Kunstmuseum de Bâle, en Suisse, a mis en lumière sa contribution à la photographie contemporaine. L'influence mondiale de Gursky s'est encore renforcée avec son exposition de 2018 à la Hayward Gallery de Londres, qui présentait plus de 60 de ses œuvres, illustrant sa capacité unique à manipuler et à capturer des environnements expansifs. Son travail continue d'être exposé dans des galeries et des musées du monde entier, avec des expositions individuelles et collectives se prolongeant au cours des dernières années, y compris d'importantes expositions en 2020.
Les œuvres de Gursky sont conservées dans de nombreuses collections publiques de premier plan à travers le monde. Le Museum of Modern Art (MoMA) de New York inclut ses œuvres dans sa prestigieuse collection de photographies, aux côtés d'autres institutions emblématiques telles que la Tate Modern de Londres et l'Art Institute de Chicago. Les photographies de Gursky font également partie de la collection permanente du Centre Pompidou à Paris et du Metropolitan Museum of Art de New York, soulignant son importance dans le monde de l'art moderne et contemporain. Ses œuvres de grande envergure sont conservées au San Francisco Museum of Modern Art (SFMOMA), au Kunstmuseum Basel et au Hamburger Bahnhof Museum for Contemporary Art de Berlin. D'autres institutions majeures comme le Stedelijk Museum d'Amsterdam et la National Gallery of Art de Washington DC présentent également ses œuvres dans leurs collections, renforçant encore son statut de l'une des figures de proue de la photographie contemporaine.
Selena Mattei
