Nigel Cooke est un artiste britannique de premier plan, connu pour sa capacité à fusionner l'abstraction et la figuration dans ses peintures à grande échelle et multicouches. Son travail reflète une exploration profonde du monde naturel, de l'expérience humaine et des idées philosophiques, créant des compositions qui invitent les spectateurs à s'engager dans le mystère, le temps et la mémoire.
Biographie
Nigel Cooke, né à Manchester, en Angleterre, en 1973, a découvert la peinture très jeune après avoir hérité du matériel artistique de son grand-père. Bien qu'il ait d'abord pensé qu'il n'était pas particulièrement doué, il a relevé le défi et a persisté dans sa quête artistique. En 1994, Cooke a obtenu une licence en beaux-arts de l'université de Nottingham Trent et a ensuite obtenu une maîtrise en peinture du Royal College of Art en 1997. Il a ensuite obtenu un doctorat en beaux-arts à Goldsmiths, Université de Londres, en 2004.
La vision artistique de Cooke est centrée sur les paysages, qu'il décrit comme « une frontière culturelle entre la limite d'une civilisation et le début d'une autre ». Son approche particulière de la peinture a attiré une attention considérable, en particulier après son exposition personnelle Art Now: Nigel Cooke à la Tate Britain en 2004, qui a porté son travail sur la scène internationale.
Actuellement vivant et travaillant dans le Kent, Cooke partage également ses connaissances en tant que conférencier invité au Royal College of Art de Londres.
Style, mouvement et sujets
L'œuvre de Cooke mêle des éléments de l'expressionnisme , du surréalisme et de l'art abstrait , tout en restant ancrée dans la peinture figurative. Son style a évolué des paysages détaillés vers des œuvres plus abstraites, incorporant des thèmes de décadence, de transformation et de mythologies personnelles. Il utilise souvent des éléments naturels, des figures humaines et des images fragmentées pour créer de la tension et du mouvement. Son approche artistique est influencée par des artistes comme Francis Bacon et Philip Guston , se concentrant sur l'expérience émotionnelle brute de la création artistique.
Les œuvres de Cooke représentent souvent des personnages grotesques dans des environnements sombres et délabrés. Ses peintures évoquent un sentiment de malaise, véhiculé par des images telles que des crânes et des bâtiments abandonnés, ainsi que par l'utilisation de couleurs troublantes, en particulier des verts maladifs. Son processus créatif est progressif, les peintures évoluant au fil du temps à travers de multiples couches de peinture à l'huile. Cooke combine fréquemment différents styles au sein d'une même toile, juxtaposant de larges zones de couleur à des détails méticuleux. Dans ses œuvres plus récentes, il a introduit des gestes audacieux et amples dans ses compositions.
L’œuvre de l’artiste aborde les thèmes de l’horreur et de l’abandon. Les environnements qu’il crée, qu’il décrit comme des « espaces théâtraux hybrides », sont habités par des personnages étranges. Cooke commence par dessiner directement sur la toile. Il recouvre ensuite ces croquis de peinture blanche, après quoi son processus d’« excavation » commence, découvrant progressivement ce qui se trouve en dessous. Décrivant sa technique distinctive, Cooke explique :
« C'est un peu comme ce que font les archéologues avec les fossiles de dinosaures : ils balayent soigneusement le sol pour en exhumer quelque chose. »
Le style artistique de Cooke s'est progressivement transformé au fil des années, l'amenant à embrasser pleinement l'abstraction. Ses œuvres les plus récentes se sont éloignées des détails complexes au profit de coups de pinceau expressifs et colorés et de compositions plus complexes. Aujourd'hui, la ligne est devenue son principal outil d'expression, l'abstraction s'imposant comme ce qu'il décrit comme un « principe presque fondamental d'organisation de la peinture ». En un sens, toutes les peintures sont abstraites.
Les peintures de Nigel Cooke sont une tension dynamique entre les extrêmes : elles juxtaposent le monumental et le minuscule, en mettant l'accent sur la dégradation détaillée au sein de vastes paysages. Ses œuvres, bien que méticuleusement exécutées avec une précision scientifique, créent des scènes surréalistes et impossibles. Chaque toile témoigne d'une maîtrise technique, mais l'imagerie transmet souvent un sentiment de désordre et d'excès, semblant frôler l'autodestruction.
Les peintures à grande échelle de Cooke sont fortement influencées par les ambitions héroïques de la peinture de paysage traditionnelle, en particulier celle du XIXe siècle, qui célébrait le pouvoir sublime de la nature. Cependant, Cooke subvertit cette tradition en représentant des environnements sombres et chaotiques remplis de bâtiments délabrés, de figures squelettiques et de symboles de la culture populaire et des films d'horreur, transformant ces scènes naturelles en visions lugubres et apocalyptiques. Ses paysages mêlent la nature à des éléments de destruction humaine, montrant souvent une force « virulente » qui s'empare du territoire.
La densité des détails de ses peintures, des graffitis aux formes en forme de crâne, introduit une juxtaposition troublante entre grandeur et trivialité. Cette superposition excessive de contenu crée un sentiment de claustrophobie et de tension, incitant le spectateur à une inspection plus approfondie mais offrant peu de réconfort. Son attention méticuleuse aux détails microscopiques, renforcée par le port de lunettes de chirurgien, crée une expérience visuelle complexe à plusieurs niveaux.
En résumé, l'œuvre de Cooke crée un dialogue entre réalisme, mythe et chaos. Ses compositions complexes encouragent le spectateur à changer constamment de perspective pour comprendre pleinement le tableau, ce qui rend son travail à la fois épuisant et captivant.
Expositions et présence sur le marché
L'œuvre de Cooke a été largement exposée dans des galeries prestigieuses telles que la Pace Gallery à New York et à Londres, et ses peintures font partie des collections permanentes d'institutions telles que le MoMA et le musée Solomon R. Guggenheim . Il participe régulièrement à des expositions personnelles et collectives dans le monde entier.
Tout au long de sa carrière, Nigel Cooke a présenté son travail dans de nombreuses expositions à travers le monde. Ses expositions personnelles comprennent « How the World Became Natural » (2023) à la Pace Gallery de New York, « Atlas with Butterfly » (2022) à Pace London et une exposition virtuelle intitulée « ONLINE : Nigel Cooke : In Focus » (2022) , organisée par Pace Palm Beach en Floride. Il a également participé à diverses expositions collectives, telles que « Contemporary Prints » (2023) à Pace Prints à New York et « In the Meanwhile...Recent Acquisitions of Contemporary Art, Part II » (2021) au Santa Barbara Museum of Art en Californie.
Artistes influencés par Cooke
L'intégration de l'abstraction aux éléments figuratifs et l'exploration de la décadence et de la pensée mythologique par Cooke ont influencé un certain nombre de peintres contemporains, en particulier ceux qui travaillent avec des compositions surréalistes et fragmentées. Son intérêt pour le récit intérieur et l'acte physique de peindre trouve un écho chez les artistes qui cherchent à repousser les limites entre réalisme et abstraction.
Faits peu connus
Nigel Cooke oppose son approche à celle de l'essai d'Eiseley sur l'histoire naturelle, considérant la peinture comme un voyage vers le mythe personnel plutôt que comme une rupture avec la cohérence. Cooke décrit sa pratique picturale comme un processus mythique qui explore le contenu mystérieux de son esprit, reliant des pensées et des expériences disparates pour créer de nouvelles possibilités. Il met l'accent sur l'interaction entre les récits internes et le monde extérieur, soulignant l'importance du sentiment et de l'intuition dans son travail.
Cooke reconnaît que si ses peintures célèbrent l’introspection, elles reflètent également le flux dynamique d’idées qui enrichissent la compréhension de l’environnement. Il pense que le mouvement et l’énergie de ses compositions révèlent l’interdépendance de la vie, exprimant l’espoir à travers l’évolution de la couleur et de la ligne.
Son inspiration artistique puise dans un large éventail de sujets, notamment la nature, la mythologie et la littérature, ce qui lui permet de synthétiser ces influences variées sans se limiter à des formes spécifiques. En fin de compte, Cooke valorise l'expérience du mystère dans la peinture, la considérant comme un aspect essentiel de son objectif artistique.
Littérature:
- Darian Leader, Tony Godfrey, Marie Darrieussecq, Nigel Cooke, Phaidon , Londres, 2016.
- Michael Bracewell, Martin Herbert, Nigel Cooke, Walter König , Cologne, 2011.
Références:
- Galerie Pace. « Nigel Cooke - Documents ». Archivé par la Galerie Pace, consulté le 11 décembre 2016 (date d'archivage originale : 28 avril 2019).
- « Faculté de peinture ». Royal College of Art. Consulté le 11 décembre 2016.
- Schwabsky, Barry. "Nigel Cooke - Artforum". Archivé le 14 novembre 2014.
- Tate. « Art Now: Nigel Cooke - Exposition à la Tate Britain ». Consulté le 11 décembre 2016.
- M. Phinney. "L'art observé".
L'œuvre de Nigel Cooke illustre une interaction riche et dynamique entre l'abstraction et la figuration, explorant les thèmes du temps, de la décadence et des mythologies personnelles. Ses contributions à la peinture contemporaine lui ont valu une place de choix dans les principales expositions et collections du monde entier, faisant de lui une figure importante de l'évolution de l'art moderne.
Selena Mattei
| ArtMajeur Magazine
