Top 10 des photographes de mode

YEUX DE BICHE 3/3 (2023)Photographie de Bettina Dupont.

Photographie de mode : conte pour les paresseux

Cet article est dédié à tous ceux qui veulent en savoir plus sur la photographie, mais qui sont trop paresseux pour s'engager dans des études. Cet article est fait pour tous ceux qui s'ennuient de lire sur Wikipédia, car outre la liste de dates ou une interprétation un peu froide, ils ont urgemment besoin d'être stimulés, divertis et accompagnés dans l'apprentissage. Cet article vous racontera, en essayant d'être moins ennuyeux et exigeant, l'histoire de la photographie de mode, un sujet qui sera suivi de la présentation des dix meilleurs artistes du secteur. Avant de commencer par l'objectif numéro un, je vais vous expliquer ce qu'est la photographie de mode, en essayant de ne pas recourir à des définitions trop exigeantes, mais de décortiquer le sujet pour le rendre accessible à tous. Alors pour faire simple : connaissez-vous l’art pictural le plus ancien ? Eh bien, dans celui-ci, par exemple, il y a le genre du paysage, qui rassemble toutes les peintures qui montrent des vues naturalistes. Par conséquent, si je parle de photographie de mode, j'entends toutes ces images qui capturent des vêtements et des accessoires vestimentaires, qui peuvent être plus ou moins portés par les mannequins, pris en extérieur ou en intérieur. Jusqu'à présent, on peut supposer que la photographie et la peinture sont similaires, même si, dans le premier cas, il est important de souligner combien cette production artistique était liée, surtout à ses débuts, aux images diffusées par les magazines de mode (pensez aux emblématique de La mode pratique, Harper Bazar et Vogue), un contexte dont elle s'est aussi progressivement détachée, puisque certains de ses représentants les plus célèbres ont réussi à l'élever au rang d'art, existant même en dehors du monde purement commercial. J'y suis parvenu en m'échappant du style de Wikipédia, c'est-à-dire sans faire référence à une succession compulsive de dates, même si à ce stade, au moins pour orienter mon récit dans une période historique, Je voudrais rappeler comment la relation photographie-magazine s'est installée au XIXe siècle, tandis que l'interprétation artistique de ceux-ci peut être située approximativement dans les années 1930, à travers le travail de grands maîtres du genre, tels que Irving Penn, Martin Munkacsi, Richard Avedon et Louise Dahl-Wolfe. Il est en tout cas bon de souligner combien ces dernières n'auraient pas acquis la visibilité nécessaire pour imposer leur point de vue si, au cours du XXe siècle, la photographie de mode n'avait pas progressivement acquis un nouveau statut, que lui confère l'augmentation du public. intérêt pour les défilés de mode, les stylistes et les mannequins. Maintenant que l'histoire de la photographie a été simplifiée, ou réduite à son minimum, pour que peut-être vous puissiez vous en souvenir une bonne fois pour toutes, passons à la présentation des dix photographes...

'ROSÉ' (2021)Photographie de Dasha & Mari.

Top 10 des photographes de mode

Adolf de Meyer, via Wikipédia.

1. Baron Adolf de Meyer

L'histoire se poursuit dans les présentations individuelles des photographes, qui seront étudiés pour leur style, car je voulais absolument éviter de rappeler mécaniquement les étapes de leur existence, tout comme le fait mon désormais ennemi acharné (je plaisante) Wikipédia. À commencer par le baron Adolf de Meyer, le Français né en 1868 est connu pour avoir été le premier photographe de Vogue, se distinguant par l'utilisation d'un objectif défectueux, qui donnait à ses images un aspect flou inoubliable. Outre cette particularité, ce qui distingue l'œuvre d'Adolf de Meyer est le fait qu'il a cessé de représenter systématiquement des dames de la haute société, des passantes élégantes, des mannequins, etc., pour se donner pour objectif d'interpréter le sujet immortalisé, qui, en tant qu'exposant d'un style, est devenu une sorte de collaborateur du photographe, prêt à évoluer en harmonie avec lui, à se laisser découvrir authentiquement. Le résultat fut, pour l'époque, des photographies inédites prêtes à transmettre non seulement les vêtements, mais aussi les humeurs des modèles, sentiments qui pour la première fois transformèrent le genre en une sorte de modalité communicative, capable de révéler non seulement ce que nous sommes, mais aussi comment nous aimerions apparaître.

L'étang — Clair de lune (1904) d'Edward Steichen

2. Édouard Steichen

Edward Jean Steichen (1879-1973), photographe, peintre et conservateur américain d'origine luxembourgeoise, est connu pour avoir été, avec le susmentionné Adolph de Meyer, un pionnier du genre en question, auquel il a donné une approche artistique, comme ainsi qu'un style quelque peu pictorialiste, dans lequel prenait forme un soft focus, accompagné d'une retouche esthétique, prêt à se démarquer des images mécaniques et claires créées par ses collègues commerciaux de l'époque. Tout cela ne pouvait manquer d'une habile touche d'imagination, de créativité et de désir d'expérimenter, comme le montre la photographie, publiée dans le numéro de février 1928 de Vanity Fair, dans laquelle Steichen a capturé Gloria Swanson, plaçant un morceau de voile de dentelle noire sur son visage. son visage. La femme se reconnut à tel point dans cette dernière idée qu'elle écarquilla son regard, imitant celui d'une léopard, prête à attaquer derrière un buisson, tout en observant, en anticipant sa proie. La description précédente montre comment la photographie de mode, avec Edward Jean Steichen, a dépassé sa stérile répétitivité, cherchant dans les modèles une interprétation originale de la robe ou de l'accessoire en question, et recréant ainsi cette relation ancienne, qui donne des siècles, a lié la créativité du peintre à la capacité d'acteur de son modèle préféré.

Lee Miller pendant la Seconde Guerre mondiale, via Wikipédia.

3. Lee Miller

Lee Miller (1907-1977), avant d'être photographe, était un modèle, à la fois pour son père et pour certains photographes importants de son époque, comme Edward Steichen, George Hoyningen-Huene et Arnold Genthe, qui l'ont photographiée pour Vogue avant 1929. , l'année où Miller a décidé de passer de l'autre côté de l'objectif, pour collaborer également avec le grand Man Ray. Passant rapidement à son point de vue, on peut se faire une idée de cette dernière en décrivant le cliché glamour avec lequel le photographe a immortalisé, en 1933, l'actrice Lilian Harvey, décidée à porter une robe de soirée en satin élégante et accrocheuse et de paillettes, rehaussé par une posture partiellement détendue, dans laquelle le mannequin trouve son équilibre sur son bras gauche. Mais ce qui rend tout tout à fait spécial, c'est le processus photographique de solarisation, par lequel, en surexposant délibérément le film pendant le développement, les images sont partiellement négatives. Cette technique transformait à la fois la robe et la silhouette, brouillant à la fois la main et la définition de la manche de la robe et l'espace du fond. Tout cela est suivi par la présence de forts contrastes chromatiques, qui prennent forme dans le corps étiré susmentionné, qui apparaît progressivement de plus en plus aplati et incohérent, à tel point que le sujet, avec un sourire conscient, semble se dissoudre progressivement dans l'espace.

4. Helmut Newton

Elsa Peretti en costume de lapin Halston, New York (1975) : c'est la photo avec laquelle je souhaite présenter le travail de Helmut Newton (1920-2004), qui, dans ce cas précis, a capturé Peretti, mannequin, et plus tard créatrice de bijoux, surprise en train de poser pour le Vogue français, vêtue d'un costume de lapin sur le toit de son appartement new-yorkais. Le tout se dessine avec en toile de fond ladite métropole, un lieu où des atmosphères typiques de la nuit se dévoilent à la lumière du jour, faisant probablement allusion à une forme de voyeurisme révélé. Ce qui vient d'être décrit s'inspire certainement de l'expérience Palyboy du photographe, qui a donc décidé d'explorer librement l'érotisme et la sexualité féminine, dimensions prêtes, de manière innovante, à entrer dans le genre de la photographie de mode. À l’époque, cette approche du photographe daltonien était en effet perçue comme très sensuelle, parfois sadomasochiste, stylisée voire fétichiste. Malgré l'extrémisme de certaines évaluations, ce qui est certain est que l'artiste a voulu représenter la femme sous un nouveau jour, en mettant l'accent sur une nature dominante, capturée à travers des angles étranges, des lumières dramatiques et des poses érotiques savamment organisées et composées, prêtes à donner vie à des visions fortes et provocatrices.

5. Richard Avedon

Richard Avedon, né en 1923, était un photographe et portraitiste américain, extrêmement célèbre pour ses innombrables portraits en noir et blanc, qui se sont distingués dans divers genres, y compris le reportage et la mode, où, par exemple, il reste immortel grâce à l'impact de clichés tels que Dovima aux éléphants, robe du soir Dior, Cirque d'Hiver, Paris (1955). Cette dernière photographie révèle le style du maître, se présentant comme un jeu de contrastes, dans lequel la peau claire du modèle avec son ruban contraste avec la peau gris foncé des éléphants rugueux et ridés, prêts à parler du temps qui passe, à ce que la jeune femme semble n'avoir rien à craindre, prenant une pose forte, quoique quelque peu anguleuse. Les contraires s'attirent à nouveau dans les lignes, tant la rigueur de la femme semble se distinguer des courbes instinctives mais lourdes des animaux. Même si la photo en question marque l'ascension du maître dans le domaine de la photographie de mode, il s'en souvient avec une sorte de regret : « Je regarde encore cette photo aujourd'hui et je ne sais pas pourquoi je n'ai pas mis le bandeau à gauche. pour compléter la ligne de l'image". Pour moi, la photo sera toujours un échec parce que cette portée n'est pas là."

6. Ellen von Unwerth

Ellen von Unwerth est une photographe allemande née en 1954, qui a débuté sa carrière comme mannequin, avant de devenir une icône de la photographie de mode et publicitaire, spécialisée dans le sujet féminin, qu'elle interprète en se référant à l'exemple tiré de l'œuvre de Guy Bourdin et Helmut Newton. Le thème principalement abordé par l'artiste réside dans la valorisation du pouvoir du regard féminin, ainsi que sa capacité à exploiter l'érotisme, qui, parfois perçu de manière provocatrice, fait allusion à l'émancipation de la gent féminine, en la racontant à travers le évocation d'un point de vue glamour, visant à présenter des éléments visuels à la fois calmes et forts. Cette narration prend forme, aussi bien en noir et blanc qu'en couleur, au sein de compositions classiques et intemporelles, mais aussi de plans dynamiques et ludiques. Concernant ce dernier aspect, son travail est connu pour présenter une approche ludique, visant à mettre les modèles à l'aise, encourageant des attitudes positives et quelque peu spontanées, qui amènent photographe et sujet à explorer ensemble les thèmes du fétichisme, de la sexualité et de la féminité, en essayant également de révéler la personnalité de la personne représentée.

7. Tim Walker

Timothy Walker est un photographe de mode britannique né en 1970, qui, s'exprimant régulièrement pour des magazines comme Vogue, W et Love, explicite un point de vue certainement prêt à attirer l'attention de tous ceux qui ont refusé de grandir, espérant voir ont réalisé les rêves qui ont pris vie dans leurs contes de fées préférés. En effet, les clichés de Walker, à travers l'utilisation de couleurs principalement douces, se caractérisent par le fait de laisser libre cours à une imagination enfantine, prête à prendre l'apparence d'histoires enchantées et, en même temps, délicates, qui amènent l'observateur à s'éloigner. des schémas mentaux rigides du monde adulte. Il semble presque que l'artiste ait fait sienne la citation d'Irving Penn : « La photographie de mode consiste à vendre des rêves et non des vêtements », pour rapprocher le quotidien de la magie d'une manière surréaliste mais tout à fait crédible. Cet enchantement n'est cependant pas le résultat de la manipulation numérique que le photographe évite, d'autant que ce qui apparaît dans le cliché a été authentiquement composé sur le plateau, exclusivement en grandeur nature. Il s'ensuit que le spectateur se sent comme « il était une fois », c'est-à-dire capable de ressentir ces sensations oubliées, prêt à lui faire porter à nouveau les ailes du fantastique...

8. Roxanne Lowit

Roxanne Elizabeth Lowit (1942-2022) était une photographe de mode et de célébrités américaine, dont le principal désir était de ne manquer aucun détail, de le fixer en images, visant à donner un visage à une époque, en l'arrêtant dans des instants éternels. Sa vision présente une particularité spécifique, qui est celle de permettre à l'observateur d'entrer dans la sphère privée, intime et personnelle des sujets représentés, accédant également aux coulisses tant attendues et convoitées du monde de la mode. Dans sa recherche figurative, deux composantes en particulier fusionnent, comme l'hédonisme et le glamour, souvent également exprimés à travers un point de vue nocturne. Les particularités du monde qu'elle a capturé n'étaient cependant possibles à saisir qu'à l'époque où elle exerçait principalement sa pratique, car, se référant à ses propres mots, la photographe a déclaré : « À cette époque, il y avait définitivement plus de jeu. Les modèles avaient vraiment une grande personnalité et beaucoup de charme. Aujourd'hui, je trouve que les filles sont toutes plus ou moins pareilles... les top models ont vraiment tout compris."

9. David LaChapelle

David LaChapelle est un photographe et réalisateur américain né en 1963, actif dans les domaines de la mode, de la publicité et dans un sens plus large de la photographie d'art, s'exprimant à travers un point de vue Pop très personnel, qui a pris forme dans la fusion de thèmes principalement érotiques, pailletés, sacrés et mythologiques. Ces sujets se concrétisent dans des photographies qui ressemblent à des peintures, destinées à donner forme aux rêves de l'artiste, qui font certainement aussi référence aux enseignements du surréalisme. Grâce à ce dernier aspect, il a été possible de rendre concret un langage dans lequel spiritualité et provocation se confondent, dans un mélange qui semble incorporer les contes de fées et le kitsh, mais aussi l'exemple de Michel-Ange, Botticelli, Dalì et de Koons, qui est rendu à travers l'utilisation de couleurs translucides et d'images brillantes riches à la fois enjouées et blasphématoires. De la même manière, la référence au culte des célébrités, au consumérisme et à la voracité expressive qui en résulte est explicitée, sans oublier comment LaChapelle a déclaré avoir une admiration particulière pour les maîtres du calibre d'Andrea Pozzo et du Caravage, estimant également que son Son travail a probablement été influencé par le travail de Salvador Dalí, Jeff Koons, Michelangelo, Cindy Sherman et Andy Warhol.

10. Annie Leibovitz

Untitled (2017): plan de Leibovitz qui explique en partie son point de vue exprimé dans la photographie de mode, rendu, dans ce cas particulier, par la couverture du numéro hollywoodien de Vanity Fair, dans lequel onze stars posent vêtues de vêtements de marque aux couleurs coordonnées, tout en se démarquant sur fond de studio de cinéma. Les sujets de la composition sont disposés debout, assis ou couchés, semblant unis uniquement par le fait que chacun d'eux tourne son regard vers l'objectif, présentant une expression impassible. La couverture apparaît résolument glamour et élégante, même si, apparaissant chaque année avec des protagonistes différents, selon la coutume des Oscars, elle est aussi quelque peu éphémère et interchangeable. Cependant, c’est ce type de portrait de groupe de célébrités qui a contribué à rendre célèbre la photographe, connue pour sa capacité à susciter un intérêt visuel grâce à sa disposition astucieuse des sujets, ainsi qu’à celle des lumières et des accessoires. Tout est le résultat d'une grande réflexion et planification, qui s'oppose idéalement à la superficialité du culte des personnages célèbres, même si c'est aussi à travers cette légèreté qu'il est possible de connaître le moment culturel dans lequel un plan a pris forme...