Les curateurs d'Artmajeur, malgré la chaleur estivale, continuent de travailler avec grand zèle pour leur cause la plus importante : diffuser l'art dans le monde entier ! En examinant les résultats de ventes et les clics sur le site web, ils ont créé trois collections extraordinaires, rassemblant les œuvres des artistes les plus tendance, les plus vendus et les plus recherchés du moment. Cette sélection a inspiré une histoire qui célèbre les dix artistes les plus populaires de juillet, en analysant chaque œuvre d'un point de vue historico-artistique pour offrir aux lecteurs une compréhension approfondie de la raison pour laquelle elle est si attrayante pour le grand public. Alors, êtes-vous prêts à commencer avec le top 10 ? Ne soyez pas paresseux, il y a de la place pour l'art même sous le parasol à la plage. Bonne lecture et bon repos !
LADY BLUR (2019) Art numérique par Andrea Pisano
GEEK GAME (2017) Photographie par Mathilde Oscar
Les 10 artistes incontournables du mois !
De l'art numérique à la photographie : Andrea Pisano et Mathilde Oscar
"Lady blur" (2019) par Andrea Pisano est une œuvre d'art numérique qui représente un sujet en vêtements d'époque, présenté dans un format flou, probablement pour évoquer un sens de mystère et d'intangibilité. En fait, le portrait semble viser non pas à capturer les détails physiques du sujet, mais plutôt l'essence et l'atmosphère qui l'entourent. Il est fort probable que le flou intentionnel ait été conçu pour défier le spectateur à regarder au-delà des apparences, encourageant une recherche plus profonde de signification, invitant à une réflexion sur l'identité et la perception visuelle.
D'un point de vue technique, l'artiste a utilisé une combinaison d'outils de peinture numérique et de photomontage, où la présence du flou généralisé a permis l'expérimentation avec la mémoire visuelle et la recomposition des images. Pisano joue avec les signes et les traces, déconstruisant et réassemblant des fragments visuels pour générer de nouvelles formes d'expression. Cette approche reflète son inclination à ne pas se contenter de ce qui est connu, mais à explorer continuellement des visions et des significations multiples, montrant une veine ironique et expérimentale.
De plus, il est possible de faire référence à l'art photographique, car le flou mentionné ci-dessus peut rappeler l'ancienne technique de la photographie hors focus, ainsi que le mouvement de l'objectif, destiné à évoquer un sentiment de nostalgie, de rêve ou d'introspection. De même, "Lady blur" utilise le flou pour transcender la simple représentation visuelle et communiquer une réalité plus complexe et nuancée. Enfin, en comparant l'œuvre à l'art pictural, il est possible de rapprocher le sujet immortalisé par l'artiste d'Artmajeur de celui du célèbre portrait de "Margaretha de Geer" de Rembrandt, célébré pour son riche costume avec une fraise.
À ce point, j'introduis un deuxième artiste d'Artmajeur, Mathilde Oscar, la créatrice de la photographie "Geek game", qui apparaît comme une version dévoilée de la figure mystérieuse et floue de "Lady blur", et semblable au chef-d'œuvre célébré de Rembrandt. Le sujet d'Oscar, cependant, est représenté de face, portant des vêtements rappelant le style du XVIIe siècle, mais avec l'ajout d'accessoires modernes. La scène est enrichie d'objets décoratifs inspirés par le pixel art et les jeux vidéo des années 80, créant un pont entre le passé célèbre et une réalité plus compréhensible et proche de notre quotidien.
ALTER EGO ERMELLINO (2020) Tirage artistique d'Alessandro Piano
ALTER EGO FRIDA (2020) Tirage d'art d'Alessandro Piano
Pop art et street art : tirages d'art d'Alessandro Piano et Alessio B
En ce qui concerne les impressions d'art, l'un des artistes les plus populaires du mois de juillet est Alessandro Piano, le créateur de l'interprétation sympathique de deux femmes décisives dans le monde de l'art : un mannequin-musée et une artiste. En effet, la première œuvre, "Alter ego hermine", présente une réinterprétation contemporaine du célèbre portrait de la "Dame à l'hermine" de Léonard de Vinci, tandis que "Alter ego Frida" est un hommage au portrait photographique de Frida Kahlo réalisé par Nickolas Muray.
Dans les deux cas, les visages des sujets ont été remplacés par un cube transparent, inspiré des célèbres briques LEGO. L'intention de l'artiste est d'évoquer un saut dans le temps, en immortalisant les jouets de son enfance tout au long des années 1980. En combinant des visions nostalgiques et novatrices, et en fusionnant le passé et le présent, l'artiste souligne la pertinence culturelle durable des jouets de l'époque où il n'était encore qu'un enfant.
GROW LOVE (2022) Impression d'art par Alessio B
BANKSYWOOD XXL LUXE (2022) Sculpture de Ravi
La culture populaire émerge également dans les estampes d'Alessio B, quoique de manière différente, à travers des références au statut de célébrité atteint par le langage du Street Art, empruntant au style emblématique et répandu de Banksy. En effet, l'œuvre "Grow Love" d'Alessio B présente des éléments qui rappellent la technique et les thèmes chers au maître susmentionné, impliquant principalement le sujet d'un enfant, exécuté en noir et blanc, arrosant un champ d'où poussent des cœurs rouges, détails qui véhiculent un message clair d’amour et de croissance.
De plus, tout comme Banksy, Alessio B utilise la technique du pochoir pour créer ses œuvres, un choix qui permet à la fois précision et haute reproductibilité. Les deux artistes se concentrent sur des thèmes sociaux et humanitaires, utilisant l’art comme outil pour diffuser des messages de paix, d’amour et de critique sociale.
Un chef-d'œuvre similaire de Banksy dans ce sens est « Il y a toujours de l'espoir » : une fresque murale représentant une jeune fille laissant flotter un ballon en forme de cœur, symbolisant l'espoir et l'amour. À ce stade, il est possible de révéler une différence fondamentale entre les deux artistes, car Alessio B est connu pour insuffler à ses œuvres une touche typiquement italienne, obtenue en incorporant des références à la culture italienne et aux icônes pop dans ses compositions.
Enfin, dans le domaine sculptural, une allusion plus fidèle à l'œuvre de Banksy "There Is Always Hope" est représentée par "Banksywood XXL Luxe" de l'artiste Artmajeur Ravi. Cette similitude est évidente tant dans les sujets que dans les thèmes représentés : l'œuvre de Ravi représente une figure féminine libérant un cœur rouge, un peu comme dans la peinture murale de Banksy, où il y a également un fort contraste entre le noir, le blanc et le rouge. Entièrement réalisée à la main à partir de bois, à l'aide d'acrylique, de vinyle et de peinture brillante, la sculpture de Ravi ajoute une dimension tactile à la célèbre image du célèbre maître de Bristol.
LA NENA XS (2021) Sculpture d'Idan Zareski
CIBLE (2019) Sculpture de Karen Axikyan
Acrobaties sculpturales : Idan Zareski et Karen Axikyan
Les deux sculptures, l'une d'Idan Zareski et l'autre de Karen Axikyan, immortalisent des sujets similaires : toutes deux représentent des figures en équilibre sur deux mains, voire sur une seule, atteignant des positions hautement acrobatiques et dynamiques. "La Nena XS" dépeint une figure féminine, probablement un enfant, réalisée en résine et faisant partie de la série "Bigfoot Family". Cette série est caractérisée par des personnages aux grands pieds, symbolisant l'humanité et sa connexion à la Terre. En ce qui concerne le dynamisme, les œuvres de Zareski sont connues pour combiner mouvement et stabilité, capturant l'énergie et la vitalité de l'être à un moment spécifique, accentuées par le matériau brillant.
D'autre part, la sculpture "Target" de Karen Axikyan représente une figure acrobatique en équilibre précaire sur une main, tandis que le corps est enveloppé de spirales de fil métallique, soulignant l'idée de mouvement et d'instabilité du sujet. Le fil métallique typiquement utilisé par l'artiste crée un effet de légèreté et de transparence, malgré sa solidité distinctive. Cela vise à faire allusion aux deux natures complémentaires de l'être, où la fragilité et le mouvement, l'énergie dynamique et l'équilibre précaire sont éternellement en jeu.
Un récit similaire dans l'histoire de l'art peut être observé dans les "Balancing Sculptures" de Jerzy Kędziora, qui capturent de manière similaire l'essence de l'instabilité, représentant des figures qui semblent défier la gravité tout en s'équilibrant dans des positions impossibles. De plus, les sculptures d'Antony Gormley, telles que "Suspended Figure", explorent la relation entre le corps et l'espace, avec des sujets qui semblent flotter, figés dans des poses dynamiques, évoquant toujours un sentiment de suspension et de précarité.
PETIT DÉJEUNER EN AMÉRIQUE (2021) Peinture de Federika Di Maggio
NATURE MORTE À LA CAFETIÈRE ET AUX COINGS OU LE HOLLANDAIS (2024) Peinture de Stéphane Mouton
SPAGHETTI Peinture de Joanra Canosa
Peinture et moments de vie : Federika Di Maggio, Stéphane Mouton et Joanra Canosa
Il était midi ensoleillé dans une ville américaine tranquille. Le café "Breakfast in America" était vide, les tables désertes reflétant un calme surréaliste. La lumière filtrait à travers les grandes fenêtres, illuminant les coins de la pièce et créant un jeu d'ombres douces sur les sièges en cuir marron. Des lampes Tiffany, avec leur vitrail caractéristique, pendaient du plafond, ajoutant une touche vintage à l'environnement. Dehors, le monde semblait très silencieux, presque inexistant, comme si le temps s'était peut-être arrêté.
En passant par la porte arrière du café, on pouvait entrer dans une pièce peu connue des clients. Ici, sur une table antique, étaient posées une cafetière en métal brillant et deux grandes coings, tandis qu'à l'arrière-plan, un drap bleu foncé s'ouvrait pour révéler l'image peinte d'un homme en armure avec un regard perçant.
En continuant dans le couloir qui relie la petite pièce à la nature morte décrite, on arrivait à une cuisine rustique, où un homme italo-américain d'une soixantaine d'années savourait, comme chaque jour, un énième plat de spaghetti. Après tout, c'était un dimanche de juillet, avec l'arôme de tomate fraîche et de basilic, des saveurs qui remplissaient l'air et que le personnage pouvait inhaler avec une expression de pur plaisir sur le visage.
La scène narrée combine la description imaginative de trois œuvres distinctes, unies par le fil conducteur de l'intimité et de la nostalgie : je parle de l'intérieur de Federika Di Maggio, de la nature morte de Stéphane Mouton, et de la scène de genre de Joanra Canosa.
Olimpia Gaia Martinelli
| ArtMajeur Magazine
