SEN (2023) Peinture de Malgorzata Lodygowska
Êtes-vous un amoureux des animaux qui veut tout savoir à leur sujet ? Restez-vous éveillé la nuit parce que vous êtes également passionné par l'art et désirez ardemment découvrir davantage sur le lien entre les animaux et les disciplines créatives ? Alors accrochez-vous bien, car ici vous trouverez des réponses à toutes les questions qui tourmentent votre cœur !
En effet, j'ai personnellement mené une enquête pour comprendre quelles espèces ont été les plus fréquemment représentées tout au long de l'histoire de l'art. Après avoir examiné un nombre considérable de volumes, j'ai eu une sorte de révélation : la récurrence des chevaux, des chiens, des chats et des oiseaux dans les peintures, les sculptures et les dessins est assez évidente, mais pourquoi cela se produit-il ?
LA CABRADE (2023) Sculpture d'Audrey Fléchet
UN CAVALISTE (2024) Peinture de Bertrand Joliet
Commençant par la question des chevaux, il est indéniable que leur popularité dans les arts visuels découle de leur rôle fondamental dans l'histoire humaine, à la fois comme moyens de transport et de travail, ainsi que dans des contextes militaires. Leur force, leur vitesse et leur endurance les ont rendus indispensables pour les batailles et pour le transport des marchandises et des personnes. Cependant, leur représentation fréquente dans les arts ne s'explique pas seulement par leur présence dans la vie quotidienne, mais aussi parce que les chevaux ont souvent été représentés comme des symboles de pouvoir et de noblesse, inextricablement liés aux portraits équestres des rois et des nobles, destinés à exprimer leur autorité et leur majesté. De plus, dans la mythologie grecque, ces animaux étaient associés à des divinités comme Poséidon, et dans de nombreuses autres cultures, ils étaient considérés comme sacrés ou liés à diverses légendes héroïques.
D'un point de vue plus strictement historique et artistique, il est possible de mettre en évidence comment les chevaux ont été représentés dans l'art à travers l'histoire : pendant la préhistoire, l'animal est apparu dans des peintures rupestres comme celles de Lascaux ; dans le monde antique, les images équines étaient courantes dans l'art égyptien, grec et romain, comme l'illustre bien la célèbre statue équestre de Marc Aurèle. La Renaissance a apporté un intérêt anatomique accru pour le cheval avec des artistes comme Léonard de Vinci, Raphaël et Titien. Aux XVIIIe et XIXe siècles, des maîtres comme George Stubbs et Rosa Bonheur étaient réputés pour leurs représentations détaillées des animaux. Aux XXe et XXIe siècles, un exemple notable est le peintre Sir Alfred Munnings, qui s'est même spécialisé dans les sujets équins. Cependant, dans l'art moderne, les chevaux apparaissent moins fréquemment qu'auparavant. Pourquoi cela ? Cela pourrait être attribué au fait que ces animaux sont devenus moins présents dans nos vies et, par conséquent, moins représentés sur les toiles des artistes.
En ce qui concerne les genres dans lesquels les chevaux ont été le plus immortalisés, ils étaient populaires dans l'art militaire et de guerre, comme le montre l'exemple célèbre de la "Bataille de San Romano" de Paolo Uccello. Le sujet des courses de chevaux a inspiré des maîtres comme Edgar Degas et influencé le génie de la photographie Eadweard Muybridge. Enfin, dans le contexte des scènes de chasse et de la vie rurale, les œuvres de Giovanni Fattori sont notables, tandis que l'Ouest américain est exemplifié du point de vue de Frederic Remington.
Passant à des visions plus contemporaines, l'art moderne a souvent pris des sujets célèbres de l'art classique pour les montrer de manière nouvelle et surprenante. Cette pratique rend non seulement hommage aux traditions artistiques du passé, mais les renouvelle et les réinterprète à travers de nouvelles perspectives, techniques et concepts. Un exemple emblématique de cette réinterprétation innovante est le célèbre "Guernica" de Pablo Picasso. Réalisé en 1937, ce chef-d'œuvre cubiste représente la dévastation et l'horreur de la guerre civile espagnole. Au centre de la composition se trouve un cheval hurlant, dont le corps est distordu et fragmenté. Cet animal, loin de la représentation traditionnelle de la force et de la noblesse, symbolise la souffrance et la brutalité de la guerre. La distorsion de sa forme confère un sentiment d'angoisse et de désorientation, amplifiant le message de chaos et de violence du tableau. Un autre exemple d'innovation dans la représentation des chevaux se trouve dans l'œuvre de Marino Marini, un sculpteur italien du XXe siècle. Ses œuvres se caractérisent par une forte stylisation et une simplification des formes. Marini a réinterprété les chevaux non comme de simples animaux mais comme des symboles puissants, utilisant souvent ces figures pour explorer des thèmes complexes tels que le conflit, le dynamisme et la relation entre l'homme et la nature, où la tension entre le cheval et le cavalier est un élément récurrent.
HARMONY - (HYPNOTIQUE, MONOCHROMATIQUE EQUUS) (2023) Peinture de Richard Brandão
De manière tout aussi innovante, la peinture acrylique "Harmony" représente un cheval debout de profil. Cette œuvre fait partie d'une série de l'artiste d'Artmajeur Richard Brandão, composée de peintures monochromatiques sur le même sujet, exécutées dans des tons de brun avec une approche minimaliste. La réduction des éléments vise à offrir une expérience visuelle puissante, invitant le spectateur à la contemplation et à la réflexion.
Brandão, en rompant avec les conventions et en nous rappelant la capacité de l'art à transmettre des émotions profondes à travers la simplicité, célèbre les chevaux en explorant le concept de dynamisme. L'œuvre peut en effet être reliée au mouvement de l'Op Art, un genre artistique qui joue avec les illusions optiques et le mouvement. En fait, les lignes sinueuses et les formes fluides de la peinture créent un effet hypnotique, transmettant une sensation de mouvement continu. Cette approche n'est pas seulement visuellement stimulante, mais elle résonne également profondément avec la nature intrinsèque du cheval, un animal connu pour sa vitesse et son agilité.
BON DÉLIRE (2024) Peinture d'Aurélie Quentin
À l'instar des chevaux, la popularité des chiens dans les arts visuels découle de leur rôle fondamental dans l'histoire humaine, à la fois comme compagnons aimants et loyaux, ainsi que comme gardiens et chasseurs. En effet, en plus d'exceller dans cette dernière activité, les chiens ont souvent été représentés comme des symboles d'amitié, d'amour, de fidélité et de protection, inextricablement liés aux portraits de famille et aux scènes domestiques, où ils exprimaient la sécurité et l'affection qu'ils représentaient.
Mais comment en sommes-nous arrivés là ? Les premières représentations de chiens remontent à l'âge du bronze ! Pendant cette période, les illustrations sur les murs des tombes, ainsi que les statues, les jouets pour enfants et les céramiques représentant des chiens, montraient couramment des chiens de chasse. Dans les mondes grec et romain, les chiens étaient souvent représentés sur des reliefs et des céramiques, symbolisant déjà la fidélité et offerts en cadeau entre amoureux. De plus, les anciens Romains élevaient trois types de chiens : les chiens de chasse, notamment les lévriers ; les chiens molosses comme le mâtin napolitain, souvent représentés sur des reliefs et des mosaïques avec les mots "Cave Canem" ; et les petits chiens de compagnie comme le maltais, utilisés comme chiens de salon par les femmes. Les lévriers étaient souvent représentés sous forme de sculptures, tandis que les gros chiens étaient utilisés à la guerre par l'armée romaine.
Les scènes de chasse étaient des thèmes récurrents dans l'art médiéval et de la Renaissance. Pendant le Moyen Âge, la chasse était un sport exclusif à l'aristocratie, donc les représentations de personnes avec des chiens, des faucons ou des faucons indiquaient leur statut social. Un exemple de ce type d'événement est représenté par Pisanello, un peintre renommé de la Renaissance, dans son œuvre "La Vision de Saint Eustache." Pendant cette même période, les chiens, symboles de fidélité et de loyauté, étaient très populaires dans les peintures allégoriques, représentant souvent des couples mariés ou la loyauté des veuves. Un exemple notable de ce symbolisme est présent dans le célèbre "Portrait des Arnolfini" de Jan van Eyck, une peinture à l'huile sur panneau de chêne datant de 1434.
Aux XVIe et XVIIe siècles, les chiens continuaient d'être représentés dans des scènes de chasse en tant que symboles de statut social, en tant que chiens de salon ou parfois comme compagnons personnels. À mesure que les chiens devenaient de plus en plus domestiqués, ils étaient plus souvent représentés comme animaux de compagnie. Au XVIIIe siècle, les portraits de chiens devinrent de plus en plus populaires, l'exemple le plus notable du genre étant "A Distinguished Member of the Humane Society," peint en 1838 par Sir Edwin Landseer.
Enfin, certains des plus grands maîtres du XXe siècle ont immortalisé ces animaux de manière innovante, notamment Pablo Picasso, Giacomo Balla, Francis Bacon et Keith Haring. Tout comme ces artistes, les artistes contemporains perpétuent la tradition de représenter les chiens, favorisant un développement plus poussé de représentations variées et très personnelles, comme en témoignent les œuvres de Jeff Koons, David Hockney et Banksy.
DOG'S DUCK 3 (2022) Peinture d'Anna Voronina
Concernant un exemple contemporain, la peinture "Dog's Duck 3" de l'artiste Anna Voronina d'Artmajeur s'inspire des portraits de chiens du XVIIIe siècle mais humanise le sujet. Dans les temps anciens, les chiens étaient souvent représentés dans leurs rôles sauvages liés à la chasse, et plus tard comme symboles d'amour et de fidélité ou comme compagnons des dames aristocratiques. Dans cette peinture, cependant, le chien atteint son apogée évolutive, devenant si proche des humains qu'il adopte leurs habitudes.
L'œuvre montre l'animal avec une serviette enroulée autour de la tête, une tranche de concombre sur un œil et un canard en caoutchouc dans la bouche, comme s'il était en plein milieu d'une séance de soins de beauté pour animaux de compagnie. "Dog's Duck 3" fait partie de la série "Funny Animals" de l'artiste, conçue pour explorer le lien étroit entre les chiens et les humains, transformant l'animal en membre de la famille. Cet engagement émotionnel est complété par l'aspect chromatique ; selon Goethe et Kandinsky, le fond rouge est une couleur positive qui apporte de la gaieté, de l'activité et de l'énergie, rendant l'image encore plus excitante et vivante.
CATTON. SÉRIE « STÉRÉOTYPES DE GENRE COUSUS » (2022) Collages de Lena Ash.
Le chat, avec son élégance énigmatique et son allure sensuelle, a toujours exercé un charme irrésistible sur les humains. Ce félin, symbole d'indépendance et de grâce, était vénéré comme une divinité dans l'Égypte antique, bien qu'il ait ensuite perdu cette grâce...
Commençons par parler des années de gloire du chat, car aucune culture existante n'a célébré cet animal autant que les Égyptiens mentionnés précédemment, qui considéraient les chats comme si sacrés qu'ils les représentaient sur des papyrus, des peintures murales et des sarcophages. Cela s'expliquait par le fait que le félin, souvent accompagné du défunt dans son voyage vers l'au-delà et momifié avec son propriétaire, était associé à Bastet, la déesse de la fertilité et de la féminité. Cependant, vers 500 avant J.-C., les chats sont arrivés en Europe depuis la Grèce antique via des navires marchands. Initialement considérés comme exotiques, ils ont progressivement acquis le rôle plus pratique de chasseurs de rongeurs, comme ils l'ont fait dans la Rome antique.
Au Moyen Âge, cependant, les chats ont perdu leur grâce car ils étaient souvent associés à la sorcellerie et au mal en raison de leur nature nocturne et mystérieuse. Pendant cette période, les représentations artistiques reflétaient souvent cette vision négative de l'animal, les liant à des symboles de paresse et de luxure. Cependant, avec la Renaissance, les attitudes envers les chats ont commencé à changer. Des maîtres comme Léonard de Vinci les ont étudiés scientifiquement, appréciant leur beauté et leur comportement. Néanmoins, les représentations négatives du félin ont persisté, comme dans la "Dernière Cène" de Ghirlandaio, où l'animal apparaît à côté de Judas.
Aux XVIIe et XVIIIe siècles, ces animaux ont commencé à apparaître dans des scènes domestiques sereines, comme celles de Louis Le Nain, ainsi que dans les natures mortes de Clara Peeters. Enfin, aux XIXe et XXe siècles, les chats sont devenus des protagonistes de l'art plus expérimental et des sujets d'œuvres de maîtres emblématiques, dont Manet, Picasso, Chagall, Matisse et, plus tard, Andy Warhol.
Curiosité : Le chat noir dans l'"Olympia" de Manet est chargé de symbolisme. Traditionnellement, les chats noirs ont été associés à la magie, au mystère et à la sorcellerie. Dans ce contexte, le chat peut être vu comme un symbole d'indépendance et de rébellion. L'animal noir peut également être interprété comme l'emblème de la sexualité et de l'audace d'Olympia, car les félins sont souvent considérés comme des êtres luxurieux.
FEMME ET GUITARE AVEC CHATS (2022) Collages de Simon Taylor
Poursuivant la narration artistique historique avec un exemple contemporain, l'œuvre "Woman & Guitar with Cats" de Simon Taylor représente une scène intime et domestique, où les éléments stylistiques du cubisme ont été revisités de manière unique et personnelle. Le collage, représentant une femme avec une guitare entourée de deux chats, l'un blanc et l'autre noir, présente des formes géométriques fragmentées et des plans superposés qui confèrent à la composition un fort sens de profondeur et de dynamisme. De plus, les lignes audacieuses et les couleurs vives ajoutent de l'énergie à la scène, tandis que les détails complexes des motifs et des textures des matériaux du collage ajoutent une dimension tactile et visuelle.
En ce qui concerne les chats dans l'œuvre, ils sont représentés de manière stylisée, avec des traits simples mais expressifs qui capturent leur attitude et leur humeur. Le chat blanc, orné de délicats motifs floraux, transmet un sentiment de tranquillité et de sérénité, tandis que le chat noir adopte une pose affectueuse et joueuse, en contraste frappant avec son image traditionnellement associée à la sorcellerie. Ce détail particulier souligne le message de l'artiste : les chats, indépendamment de leur couleur ou de leur symbolisme culturel, sont des compagnons de vie aimants.
L'OISEAU HUMAIN (2020) Sculpture de Nelli Isupova
Les oiseaux, à travers les siècles, ont fasciné et inspiré les artistes, devenant des symboles de liberté, de beauté, de mystère et de spiritualité. Des peintures rupestres anciennes aux sculptures réfléchissantes les plus modernes, ces créatures continuent de s'élever haut dans l'imaginaire artistique, représentant une connexion profonde entre l'homme et la nature.
Ces animaux ont été parmi les premiers à être représentés par les humains. Où cela ? Les peintures rupestres de Lascaux, datant de plus de 17 000 ans, incluent des représentations d'oiseaux, démontrant l'attrait ancien de ces animaux. Par la suite, dans l'Égypte antique, les oiseaux ont également été le sujet d'œuvres d'art, car le dieu Horus, souvent représenté comme un faucon, symbolisait le ciel, la royauté et la protection. Pendant le Moyen Âge, les oiseaux apparaissaient fréquemment dans les manuscrits enluminés et les vitraux des églises, symbolisant des concepts spirituels tels que l'âme et la liberté.
Cependant, ce n'est qu'à la Renaissance qu'un intérêt naturaliste pour le sujet a émergé, conduisant à des représentations plus détaillées et réalistes des oiseaux. Des artistes comme Albrecht Dürer et Léonard de Vinci, qui ont étudié leur vol et la mécanique de leurs ailes, ont grandement contribué à cette tendance. Au XVIIe siècle, la représentation réaliste s'est combinée à la représentation symbolique, les oiseaux étant souvent immortalisés pour faire allusion à des thèmes moraux ou philosophiques. Le XVIIIe siècle a vu un intérêt naturaliste continu pour les oiseaux, mais c'est au XIXe siècle, avec l'Impressionnisme, que ces sujets ont commencé à transcender les styles conventionnels.
Le sommet de ce processus a été atteint au XXe siècle, avec une diversification dans la représentation des oiseaux par des artistes explorant de nouvelles techniques et des significations symboliques. Parmi ceux-ci, Paul Klee se distingue avec son iconique "Paysage avec des oiseaux jaunes" (1923). L'exploration du symbolisme continue dans l'art contemporain, avec des sculptures réfléchissantes qui interagissent avec l'environnement, telles que le "Bluebird Planter" de Jeff Koons (2010-2016), et les oiseaux interprétés personnellement par Kiki Smith, Walton Ford et Ai Weiwei.
OISEAUX ET VASE NATURE MORTE (2017) Peinture d'Amirata Winter
Il est important de souligner, cependant, que le langage de l'art contemporain se distingue par son ouverture à toute forme d'expression, prêt à évoquer le réalisme et l'intérêt naturaliste des maîtres du passé, comme en témoigne "Birds and Vase Still Life" d'Amirata Winter.
Cette peinture représente deux petits oiseaux : l'un perché sur un petit vase bleu avec des motifs orientaux, tandis que l'autre est placé derrière un vase plus grand orné de fleurs et de feuilles peintes. Pour ajouter encore plus de naturel à la scène, il y a des baies rouges et orange placées à côté des vases.
L'ensemble de la scène est dépeint dans un style réaliste, caractérisé par une grande attention aux détails et une précision méticuleuse. Les oiseaux sont représentés avec des plumes douces, finement rendues. De plus, les vases mentionnés sont réalisés avec complexité et souci du détail, rappelant le style de peinture traditionnel.
Enfin, la composition de la peinture est harmonieuse et équilibrée, avec une interaction intéressante entre les objets artificiels et les éléments naturels. Les baies rouges au bas de la peinture ajoutent une couche supplémentaire de détail, évoquant le genre de la nature morte.
Olimpia Gaia Martinelli
| ArtMajeur Magazine
