Quiz artistique : devinez la technique artistique !

"COMPAGNE TEZETA" (2022) Peinture de Romain Fontaine (Neist)

Chaque fois que nous lisons un livre sur l'art, que nous nous rendons dans un musée, une exposition ou une galerie, nous pouvons admirer, en direct ou sur papier, un nombre variable d'œuvres d'art, toujours accompagnées du nom de l'auteur, du titre du œuvre, l'année d'exécution, la technique, les mesures et le lieu de conservation. Le spectateur, gâté d'informations préemballées, n'est jamais invité à développer son sens critique en essayant de découvrir par lui-même, par exemple, quelle technique l'artiste a utilisée. Une telle question, qui, sûrement, stimulerait sa curiosité, l'amenant à interagir davantage, à la fois avec l'œuvre et avec la bibliographie de référence, ainsi que des informations liées aux différentes particularités des approches de l'art pictural, devient le protagoniste de ce conte, qui illustrera des chefs-d'œuvre immortels rejoints par l'utilisation d'une technique "secrète", qui ne sera révélée qu'à la fin. Le sujet clé qui unira cette histoire iconographique est, encore une fois, le sujet féminin, auquel, avec les paysages et les natures mortes, il est impossible d'échapper en se référant à l'art plus "connu" et traditionnel. A ce thème s'ajoute une luminosité et une opacité caractéristiques et généralisées des œuvres étudiées, qui, tendant vers le nacré, donnent à l'effigie une interprétation inéluctablement liée à l'utilisation de la technique mystérieuse en question, que j'ai rebaptisée : « Miss X ." À commencer par le premier chef-d'œuvre, du peintre parisien François Boucher, intitulé La naissance et le triomphe de Vénus et daté c. 1743, il représente une sensuelle Vénus couchée sur le dos, décidée à serrer contre son corps une colombe blanche, entourée d'une multitude d'admirateurs savamment répartis autour d'elle, parmi lesquels se détachent les naïades, qui présentent à la déesse des coraux rouges et autres trésors marins, deux des tritons qui se disputent l'attention de Vénus, et des putti qui, en mer comme dans le ciel, rendent hommage à la plus belle des femmes. Malgré toute cette célébration, Vénus semble accorder peu d'attention à son environnement, restant dans une pose statique et pensive qui la rend plus sensible au plumage silencieux et doux de l'animal de la paix. Faisant plutôt une réflexion sur le titre de l'œuvre, il fait allusion à la fois à la naissance et au triomphe de la déesse, se trouvant "à mi-chemin" entre l'emblématique Naissance de Vénus de Botticelli (1485) et L'Allégorie du Triomphe de Vénus de Bronzino (1540-46) . Dans le premier cas, en juxtaposant Boucher avec le maître toscan, il devient évident que le chef-d'œuvre de 1743 n'a pas la présence lourde, mais légère, de la coquille Saint-Jacques, une coquille qui n'est en fait mentionnée que dans la version du premier siècle du mythe par le prêtre isiaque Isidore.  Parlant de Bronzino, d'autre part, Boucher s'est probablement tourné vers l'exemple de l'italien pour la surpopulation dans sa peinture, bien qu'il n'aille pas jusqu'à ce que tous les protagonistes, bien que désirant Vénus, n'osent pas la frôler si hardiment.

François Boucher, La naissance et le triomphe de Vénus , vers 1743. Los Angeles : Getty Museum.

Joseph Mallord William Turner, Une dame en robe de soie noire assise sur un canapé rose , 1827. Londres : Tate.

Henri de Toulouse-Lautrec, Les deux amis , 1895. Zurich : Fondation et Collection Emil G. Bührle.

En continuant avec les manifestations de "Miss x", nous arrivons à un chef-d'œuvre peu connu de Joseph Mallord William Turner, comme A Lady in a Black Silk Dress Seated on a Pink Sofa (1827), visant à immortaliser une femme, probablement pensive, qui, dans l'intimité de sa maison, est entourée de précieux tableaux. Cette œuvre informelle et inachevée, à tel point que les pigments se fondent les uns dans les autres, résultant en des lignes très diffuses, peut être comparée dans son sujet, mais pas dans sa technique, au travail du père des intérieurs avec des figures féminines par excellence. - Johannes Vermeer. En particulier, l'œuvre de Turner, remplie de portraits en son sein, pourrait être « juxtaposée » à La femme lisant une lettre devant la fenêtre (vers 1657), une huile sur toile du maître hollandais, qui, tout récemment, a été trouvé pour "abriter" en son sein un tableau représentant Cupidon, destiné à rendre flagrante, même dans ce contexte, la fusion de l'art dans l'art. A ce stade du récit, la technique mystérieuse délaisse l'intérieur pour trouver plus de "liberté" dans la verdure lumineuse qui envahit la vacherie, Eragny, (1887) tableau de Camille Pissarro, dans lequel une bergère au repos évoque l'une des visions  les plus chères du maître français et les plus utopiques, conçues avec l'intention d'éduquer les spectateurs à la vision de sociétés paysannes idylliques. Mais Pissarro savait-il que quelques années plus tôt un autre artiste italien était même allé jusqu'à « bénir » les animaux des bergers ? Il s'agit de La Bénédiction du Mouton (1884) de Giovanni Segantini, une œuvre, peinte avant les expériences divisionnistes du maître, qui représente un prêtre en haut d'un escalier courbe, déterminé à ce que trois enfants de chœur lui apportent les instruments pour la bénédiction, tandis que, en contrebas, un troupeau de moutons s'avance sans le savoir. Avant de dévoiler le nom de la technique secrète, venons-en aux Deux Amis (1895) d'Henri de Toulouse-Lautrec, une œuvre qui comme bien d'autres, comme par exemple Le Sommeil de Courbet (1866), ainsi qu'aux nombreuses interprétations de Sappho, étaient en avance sur leur temps, montrant explicitement toute cette complicité féminine typique, qui, souvent, laisse le sexe opposé observer en arrière-plan et avec une certaine envie (je ris). Parlant du chef-d'œuvre de 1985, l'œuvre met en scène les hôtes d'un clos parisien cher au peintre, qui, dès leur plus jeune âge, fréquentaient ces lieux justement pour observer et mettre en scène ses modèles favoris, qui agissaient en toute intimité. Bien que dit aujourd'hui, cela puisse sembler quelque peu bizarre, et peut-être, ou presque certainement, même à l'époque, le maître français, afin de poursuivre l'intention susmentionnée, est même allé jusqu'à se déplacer à l'intérieur d'un véritable bordel, un lieu où les stimuli visuels , etc., ne pouvaient certainement pas manquer. Revenant un peu plus au sérieux, toutes les œuvres majeures que j'ai citées, à l'exception de celles qui m'ont aidée dans leur description, se distinguent par leur exécution avec la technique de la gouache. Cette dernière, aux origines très anciennes, apparaît comme une sorte d'aquarelle opaque, dans la mesure où, à l'instar de cette dernière technique, il s'agit d'une peinture à l'eau composée de pigment naturel, d'eau et de liant. L'histoire de l'ancienne "Miss x" se poursuit à travers le point de vue des artistes Artmajeur, notamment Jose Luis Montes, Stephen Grossman et Iuliia Petrushenko.

"SILENT" (2018) Peinture de Natalia Nozdrina.

"AIR" (2018) Peinture de José Luis Montes

José Luis Montes : Aérien

Nous introduisons la gouache de Montes en nous référant aux propres mots de l'artiste, visant à décrire le lien entre les sujets représentés et sa poétique particulière de la réalité : "Cette œuvre est une allégorie de la vie, car lorsque la fleur de pissenlit est soufflée, les graines sont dispersées et un nouveau cycle commence. Le chemisier de la femme est vert, parce que c'est la couleur de la nature, ses cheveux sont bleus, symbole de spiritualité, et le fond rose exprime la positivité, l'innocence et la chaleur." En bref, le concept sous-jacent à l'œuvre, signalé par le titre lui-même, est l'élément de l'air, qui, dans ce cas, devient un principe de continuation essentiel de l'espèce florale susmentionnée. Un tel souffle "labile" et "insubstantiel" se manifeste, dans ce cas précis, par un geste quotidien typique et simple : le souffle d'une jeune fille, qui, avec une intention claire, répand une nouvelle vie sur terre. À cette vision principale de l'œuvre s'ajoutent les messages lancés par les détails de couleur conçus par des experts susmentionnés, qui font référence à des concepts clés de l'existence et de la survie humaines, tels que la nature, la spiritualité, la positivité, l'innocence et la chaleur. Dans l'histoire de l'art, le combo pissenlit et gouache se manifeste dans le travail de maîtres bien connus, tels que, par exemple, Barbara Regina Dietzsch et Claude Monet. Dans l'art contemporain, en revanche, les particularités des espèces susmentionnées se retrouvent dans le travail de Duy Anh Nhan Duc, un artiste botanique spécialisé dans l'arrangement créatif de fleurs délicates dans une sorte d'artisanat floral, dans lequel la série sur les pissenlits apparaît dans toute la justesse de son agencement aérien, visant à mêler la fragilité et la poésie inhérentes à son être. Sur le plan pratique, son approche artistique des pissenlits se déroule de différentes manières : Duy Anh Nhan Duc peut utiliser les fleurs entières et matures tout en les gardant intactes, il peut n'arranger que leurs minuscules graines en motifs parfaits et éthérés, ou il peut intégrer les deux vues.

"CONSTRUCTION" (2010) Peinture de Stephen Grossman.

Stephen Grossman : Construction

La peinture de Grossman concrétise la réalisation d'un abstractionnisme géométrique complexe, à travers l'utilisation de la technique opaque de la gouache, qui, à travers le point de vue plus ancien de Matisse, s'était déjà manifestée dans un point de vue similaire, bien que moins labyrinthique. L'œuvre du maître français en question est L'escargot (1953), qui, comme le titre lui-même l'indique, représente l'animal lent au moyen d'une série de formes colorées qui, disposées en spirale, combinent des couleurs complémentaires. A quoi est dû l'intérêt de Matisse pour la gouache ? L'artiste, qui après 1948 ne pouvait plus peindre pour des raisons de santé, se consacra, alité, à une série d'œuvres réalisées dans la technique précitée, qui, accompagnée de la pratique du découpage, était réalisée en coupant ou en déchirant du papier peint à la gouache. Les formes obtenues à partir de cette approche ont été placées et collées par un assistant travaillant sous la direction du maître, qui a révélé comment la technique lui permettait de dessiner en couleur, par une simplification : « Au lieu de dessiner le contour et de mettre la couleur à l'intérieur, l'un modifiant l'autre, je dessine directement en couleur." Enfin, il est bon de préciser comment, au moyen de la forme en spirale susmentionnée, les traits de l'animal se sont matérialisés dans la tête de l'artiste, qui a déclaré : « J'ai d'abord dessiné l'escargot d'après nature, en le tenant dans ma main. J'ai remarqué un déroulement, trouvé dans mon esprit une image purifiée du coquillage, puis j'ai pris les ciseaux." En conséquence, en se référant à nouveau au titre de l'œuvre, nous pouvons spéculer sur la façon dont la gouache de Grossman fait allusion à un bâtiment haut et élancé avec de nombreux étages et des terrasses complexes, pour une vision quelque part entre abstraction, imagination et réalité.

"MOMENT" (2023)Peinture de Iuliia Petrushenko.

Iuliia Petrushenko: Moment

Un coucher de soleil à la gouache et à l'aquarelle bien connu est The Scarlet Sunset (1830-40) de Turner, un chef-d'œuvre dans lequel le rouge des nuages se reflète dans l'eau, pour se retrouver, harmonieusement, même dans certaines parties de l'architecture et de la végétation. Tout ce qui est perceptible de loin est un paysage urbain, dans lequel se détache la présence d'un long pont, qui est surmonté par le soleil et "entouré" de reflets lumineux, ayant la forme "esquisse" du "crawl jaune d'un serpent". " Maintenant, en regardant la gouache de Petrushenko, on peut presque imaginer prendre une loupe pour "voler" à l'intérieur des nuages de Turner, qui, il y a environ cent quatre-vingt-deux ans, s'est distingué comme l'un des plus grands savants du rendu de la l'atmosphère et ses composants. De plus, parlant toujours des nuages, un autre maître anglais était également extrêmement fasciné par eux, nous parlons de John Constable, qui, influencé par les théories de Luke Howard, en vint à interpréter ces hydrométéores comme un organe du sentiment ainsi qu'un phénomène météorologique. Contrairement à Constable, les trois types de nuages de base identifiés par Luke Howard étaient trop restrictifs pour le romantique Caspar David Friedrich, un artiste allemand qui voyait dans la nature toutes les nuances possibles et infinies de l'être. Se référant plutôt au titre de l'œuvre de l'artiste Artmajeur, elle semble plutôt capter un instant de vie, en l'occurrence, marqué par le passage d'un petit avion, dont la présence semble nous rappeler toute l'insignifiance de l'homme face à l'immensité des nuages de la création.