Allons-nous bronzer avec Edward Hopper ?

SUNNY BEACH (2020) Peinture de Sergey Sovkov.

L'invitation qui résonne dans mon titre ne surprendra pas les aficionados d'Edward Hopper, qui auront certainement remarqué la justesse avec laquelle le maître américain dispose habilement la lumière à l'intérieur de ses tableaux à la manière de plans cinématographiques, construisant différents points d'observation d'un même chef-d'œuvre dont l'essence semble être révélée précisément par ces entrées furtives du soleil dans les maisons ou les lieux les plus disparates dans lesquels sont généralement placés les protagonistes de son œuvre. Il n'est pas certain, cependant, que les connaisseurs susmentionnés aient même remarqué qu'il est possible de construire un récit graduel, visant à peupler progressivement les espaces lumineux d'un nombre croissant de personnages, à partir d'une vue partiellement éclairée par le soleil, mais totalement dépourvue de figure humaine. Pour le démontrer, je commencerai par Rooms by the Sea, un tableau de 1951 dans lequel se révèle l'architecture d'un intérieur, éclairé par la présence d'une porte grande ouverte, qui laisse entrer la lumière et met l'observateur en contact avec l'environnement extérieur : le ciel et la mer. C'est précisément cette dernière étendue d'eau, en constante fluctuation, qui semble atteindre de manière surnaturelle le seuil de la porte, une limite qui nous permet d'entrer dans la maison et de découvrir la présence d'une deuxième pièce meublée, au-delà de la première et nue, un espace qui transmet au spectateur la sensation de pouvoir se déplacer plus profondément à l'intérieur de la composition. En ce qui concerne le contexte dans lequel l'œuvre a été créée, Rooms by the Sea repropose la vue dont le peintre jouissait depuis son atelier de Cape Cod (Massachusetts), bien que cette vision de la réalité semble être davantage une invention métaphysique, exclusivement dictée par l'âme et l'intériorité de l'artiste. Enfin, c'est précisément ce positionnement entre le conscient et l'inconscient qui me permet d'imaginer cet espace de l'artiste progressivement peuplé par la présence de personnages qui, perdus dans la contemplation de la mer, sont aussi embrassés et bronzés par le soleil d'été. Cette fantaisie se résout, bien que dans un contexte collinaire résolument différent, en une figure solitaire que le maître américain a représentée embrassée par le soleil et révélée dans une nudité complète, presque destinée à suggérer un désir de mettre en lumière même les parties les plus "obscures" de notre corps, bien que, dans ce cas particulier, il semblerait que ce soit plus les pensées mystérieuses de l'effigie que ses parties génitales maintenant révélées. Pour ceux qui l'auraient manqué, je poursuis la description de A Woman in the Sun, une œuvre de 1961 qui témoigne précisément de la manière dont Hopper, parvenu à la maturité, a commencé à laisser de côté les détails visuels de ses tableaux pour se concentrer davantage sur le rendu des données psychologiques de ses sujets, qui, dans le cas de ce chef-d'œuvre, prennent la forme de la femme nue susmentionnée, capturée dans le faisceau de lumière provenant d'une fenêtre qui lui fait face. Ce cadre résolument voyeuriste, dans lequel on distingue des éléments architecturaux simples et quelques détails de la vie quotidienne, permet au spectateur d'imaginer les pensées de l'effigie, mais aussi de reconstruire les événements précédents et suivants de cette vision spécifique, visant à capturer les traits de l'épouse de l'artiste, Joséphine Nivison. Poursuivant l'intention d'atteindre l'apogée de la population dans les peintures de Hopper, j'ai décidé de procéder en m'imaginant habiller idéalement le modèle susmentionné, afin de lui permettre de rejoindre plus tard certains de ses semblables pris dans l'action contemplative bénéfique du soleil. Par conséquent, pour préparer la femme à sa sortie, je l'ai d'abord imaginée vêtue d'une robe couleur pêche, tandis que, réfléchissant, elle profite des rayons du soleil, probablement pour ne pas paraître trop blanche en public, car, du moins ici en Italie, les gens ont vraiment l'habitude de rivaliser sur la quantité de soleil qu'ils obtiennent pendant l'été. Cela nous amène à un autre chef-d'œuvre du maître américain : Morning sun (1952), un tableau conçu en réalité avec l'intention moins optimiste d'illustrer l'expérience de l'isolement humain dans les villes modernes, qui se reflète dans une effigie littéralement perdue dans ses pensées, placée entre des murs nus, qui prennent la forme d'un seul étage élevé et désolé. Cette vie isolée ne cesse que lorsque, probablement dans l'intention de profiter d'un peu de soleil, les cinq personnages de People in the Sun (1960) se rassemblent avec de confortables chaises longues devant un paysage rural énigmatique, une vision que l'artiste a obtenue en observant les habitudes des citoyens d'un parc new-yorkais, remplaçant ce dernier contexte urbain par un espace sans doute suggéré par le souvenir de ses nombreux voyages dans la station balnéaire du Massachusetts. Si la solitude semble avoir disparu, ce qui persiste, c'est le sentiment de mystère qui imprègne l'œuvre, une caractéristique récurrente des sujets traités par l'artiste qui, dans ce cas précis, nous amène à nous interroger : quel panorama les sujets admirent-ils ? Que lit l'homme au livre ? Pourquoi s'habillent-ils si élégamment pour transpirer au soleil ? Quels sont les rapports entre les personnages ? À cette dernière question, malheureusement et malgré l'air compassé de la peinture, il n'y a toujours qu'une seule réponse, tragique et unique, à savoir celle d'une solitude en réalité permanente, provenant principalement d'un profond sentiment d'aliénation, qui détermine l'incapacité éternelle des protagonistes à communiquer entre eux, alors que, pourtant, leurs visages deviennent de plus en plus bronzés. Enfin, le lien entre art, soleil et bronzage se poursuit dans les tableaux contemporains des artistes d'Artmajeur, tels que Beach de Roza Bronnikova, Lazy days d'Angela Brittain et Arcachon lovers de Stan.

HOT CHILL 2 (2022) Peinture de Stuart Dalby.

PLAGE (2021) Peinture de Roza Bronnikova.

Roza Bronnikova: Plage

La peinture de Bronnikova d'un paysage ensoleillé, situé dans un paradis tropical avec un hamac, ne manque de rien pour accueillir une figure détendue et aimant le plaisir, qui, ostensiblement absente, semble nous rappeler que la présence humaine sur cette terre est quelque peu superflue, car baigneur ou non, le soleil, s'il brille, le fera toujours, tout au plus, en embrassant des paysages et des étendues d'eau, plutôt qu'un beau visage. Outre l'étoile susmentionnée, que l'on aperçoit de loin avec imprécision, le tableau abrite également la présence silencieuse du vent, comme le suggèrent les propres déclarations de l'artiste, qui révèle que son souffle est consacré à déplacer sinueusement les feuilles de palmier et les franges du hamac. Une vision d'une "absence" similaire nous est offerte par le récit parallèle de l'art contemporain, bien rendu par The Beach de Snarkitecture, une installation de 2015 qui, avant d'être remplie par les foules de visiteurs, se présente comme un établissement de bains désert, qui, placé dans le Grand Hall du National Building Museum à Washington D.C., prend la forme d'une multitude de boules translucides de plastique recyclable, de chaises longues, de matériaux de construction tels que des échafaudages, des panneaux de bois et des filets perforés éclairés par la lumière artificielle. Par conséquent, si l'œuvre de l'artiste d'Artmajeur se présente comme une sorte de manifeste d'un mariage calme et authentique des éléments humains et de la nature, l'installation du studio collaboratif new-yorkais fondé par Daniel Arsham et Alex Mustonen, se présente comme un avertissement plus dramatique de l'impact dévastateur des activités humaines sur la terre, aujourd'hui largement envahie par des lieux artificiels, qui ont transformé le concept le plus authentique de la plage.

LAZY DAYS (2023) Peinture d'Angela Brittain.

Angela Brittain : Jours paresseux

Sur une plage peu fréquentée, une femme d'âge mûr est occupée à coiffer une jeune femme qui prend un bain de soleil, la tête appuyée sur une serviette, dont la présence suggère, avec le maillot de bain solitaire à droite du support, que la jeune fille vient de se baigner. Malgré l'imagination avec laquelle sont décrits le groupe de personnages à l'arrière-plan en serviette, la femme promenant son chien, l'homme en costume brun, la mère et la fille, les personnages en mer et les bateaux, le tableau dont je parle, à savoir le chef-d'œuvre de Degas intitulé Scène de plage, a été exécuté par le maître dans son atelier, comme en témoignent certains oublis de l'artiste français, tels que, par exemple, les fumées des bateaux allant dans des directions différentes. En outre, le peintre lui-même a déclaré à propos de l'exécution de ce chef-d'œuvre : "C'était très simple. J'ai étalé mon gilet de flanelle sur le sol de l'atelier et j'ai fait asseoir le modèle dessus. Vous voyez, l'air que l'on respire dans un tableau n'est pas forcément le même que celui que l'on respire à l'extérieur". Quant au bronzage, il n'est devenu à la mode qu'une cinquantaine d'années après la réalisation de ce tableau, à tel point que la jeune fille est équipée d'un parasol et que seule la femme, probablement une nounou issue d'une classe sociale inférieure, ne prend pas la peine de se protéger du soleil. Aujourd'hui, au contraire, le bain de soleil est immédiatement associé au dolce far niente des riches, éternels vacanciers qui, au lieu de faire des crises d'identité au bureau, rôtissent au soleil comme des crevettes, dont la soif est de préférence étanchée par le cocktail le plus nommé de la saison, comme le fait la protagoniste rousse de Lazy days alors que, probablement presque pompette, elle s'endort coincée sur un rocher.

LES AMOUREUX D'ARCACHON (2023) Peinture de Stan.

Stan : les amoureux d'Arcachon

Dans la peinture Pop de Stan, les protagonistes passionnés ne pensent plus à prendre un bain de soleil en rendant leurs marques de costume minuscules, car ils sont totalement épris l'un de l'autre, pour s'unir dans un baiser qui a lieu sur une structure gonflable placée dans on ne sait quelle étendue d'eau. Ils ne doivent cependant pas être si insouciants et occupés, car s'ils ont oublié de se protéger, ils risquent, avec un fort pourcentage de probabilité, de "rougir" comme le protagoniste de Nude Sunbathing, le chef-d'œuvre de Roy Lichtenstein datant de 1995. En réalité, l'objectif de cette dernière œuvre est d'illustrer, au moyen de la technique personnelle Ben-Day, le conte féminin du maître américain présenté dans sa version finale, c'est-à-dire celle dans laquelle son héroïne, ou plutôt sa fille idéale, un personnage souvent présenté dans les affres du drame ou dans des rendus stylistiques articulés, apparaît sous sa forme la plus pure : celle du nu, dans laquelle elle prend une connotation séduisante, sensuelle et érotique sans aucune retenue. En fait, l'artiste américaine en est venue à célébrer l'essence même d'une féminité qui, devenue confiante, langoureuse, oisive, magnétique et très coquette, est capable d'envoûter et de séduire complètement le spectateur, invoquant, avec sa main jouant avec des mèches de cheveux blonds, une interprétation plus audacieuse des chefs-d'œuvre antérieurs tels que le Nu drapé de Matisse et la Vénus d'Urbino du Titien.