Alors que certains d'entre vous sont chez eux au chaud, tristes de ne pas pouvoir partir en vacances d'été, ou allongés dans leur lit à rêver de l'Amérique, imaginez-moi sonnant à votre porte, vous traînant hors de chez vous et vous prenant par la main. En effet, mon récit vous emmènera dans un voyage imaginaire à travers les merveilleux paysages des États-Unis, immortalisés par certains des peintres et photographes les plus emblématiques du "Nouveau Monde". Qui seront ces compagnons de voyage, et pourquoi les ai-je choisis ?
Eh bien, la plupart des artistes mentionnés faisaient partie de mouvements significatifs dans l'art paysager et la photographie américaine, qui ont eu un impact substantiel sur la représentation de la nature. Pour vous donner un aperçu de certains d'entre eux : Thomas Cole, fondateur de la Hudson River School, a initié un mouvement qui célébrait la beauté sauvage et intacte de l'Amérique. Jasper Francis Cropsey, également membre de la Hudson River School avec Asher Brown Durand, était connu pour ses paysages saisonniers, notamment ceux d'automne, qui représentaient la nature dans tout son éclat.
Albert Bierstadt, quant à lui, a élargi les frontières du mouvement avec ses représentations grandioses de l'Ouest américain, tandis que Frederic Edwin Church, élève de Cole, a ajouté une dimension scientifique et aventureuse à ses œuvres, s'inspirant des voyages et des études d'Alexander von Humboldt.
Du côté de la photographie, Carleton Watkins fut un pionnier dans la capture de la beauté de Yosemite, tandis qu'Ansel Adams est célèbre pour ses photographies en noir et blanc qui montrent la majesté de Yosemite et d'autres parcs nationaux.
Nous sommes prêts pour notre voyage, une aventure à travers dix œuvres d'art extraordinaires qui nous transporteront aux États-Unis. Imaginez faire partie d'une visite organisée où chaque artiste que nous rencontrons sera notre guide personnel, nous révélant la beauté et la majesté de leur pays à travers leurs yeux et leurs créations.
Thomas Cole, The Oxbow, 1836. Huile sur toile. MOMA, New York.
Première étape : Thomas Cole et "The Oxbow" (Vue depuis Mount Holyoke, Northampton, Massachusetts, après un orage) (1836)
Alors que nous entamons notre voyage, notre premier compagnon de voyage est Thomas Cole, le fondateur de la Hudson River School. Avec son tableau de 1836, il nous présente un panorama romantique de la vallée du fleuve Connecticut, symbolisant la tension entre la nature sauvage et la civilisation juste après un orage.
Pourquoi capturer un tel sentiment ? Entre 1833 et 1836, Thomas Cole était profondément engagé dans la création de sa série de peintures intitulée "The Course of Empire," commandée par le mécène new-yorkais Luman Reed. Le travail intense et la solitude impliqués dans ce projet ont conduit Cole à se sentir seul et déprimé. Notant la détresse de Cole, Reed lui a suggéré de faire une pause et de créer une œuvre différente pour l'exposition annuelle de la National Academy of Design en avril 1836. Cole a accepté et a décidé de peindre une vue depuis Mount Holyoke, une zone qu'il avait précédemment esquissée et trouvée particulièrement inspirante.
En décrivant le chef-d'œuvre, "The Oxbow" présente un puissant contraste entre la nature sauvage et les terres cultivées. Le côté gauche du tableau montre un terrain sombre et ravagé par la tempête, avec des troncs d'arbres brisés et des falaises rugueuses sous des nuages menaçants. En contraste frappant, le côté droit représente un paysage serein et ensoleillé avec des champs cultivés, mettant en évidence le paisible fleuve Connecticut qui serpente à travers. Cole a habilement utilisé une ligne diagonale pour séparer ces deux scènes contrastantes, créant une narration de la nature contre la civilisation. Notamment, Cole a également inclus un petit autoportrait au premier plan, assis avec son chevalet. Pouvez-vous repérer le peintre bien camouflé ? Cette figure souligne la présence de l'artiste dans le monde naturel qu'il immortalise.
Asher Brown Durand, Kindred Spirits, 1836. Huile sur toile. Crystal Bridges Museum of American Art.
Deuxième étape : Asher Brown Durand et "Kindred Spirits" (1849)
Poursuivant notre voyage, nous rencontrons Asher Brown Durand. Avec "Kindred Spirits", le peintre nous guide sur une corniche dans l'une des gorges des Catskill Mountains, où, outre le paysage, sont représentés Thomas Cole et William Cullen Bryant, un célèbre poète de la nature et éditeur. Pourquoi ce sujet particulier ?
Durand, le premier disciple de Cole et ami proche de Bryant, a réalisé cette peinture à la demande de Jonathan Sturges, un mécène des deux artistes. Sturges a offert le tableau à Bryant en hommage à l'éloge funèbre que le poète a prononcé lors du service commémoratif de Cole, décédé en février 1848. Invoquant une phrase du septième sonnet de John Keats, "O Solitude," Sturges a demandé à Durand de représenter Cole et Bryant ensemble en tant que "kindred spirits" (esprits apparentés) dans le paysage. Par conséquent, Durand a adapté son approche méticuleuse des formes naturelles, telles que le promontoire rocheux et les branches d'arbres suspendues, pour suggérer les références poétiques de Keats à "l'observatoire de la nature" et "les branches pavillonnées."
Au-delà de sa signification historique, la peinture incarne le mariage entre le naturalisme et l'idéalisation, central dans l'esthétique de la Hudson River School. La représentation minutieuse des éléments naturels, combinée à une vision idéalisée de la nature, reflète l'harmonie et la beauté que Durand et ses contemporains cherchaient à capturer dans leurs œuvres.
Jasper Francis Cropsey, Lac Greenwood, 1870. Peinture.
Troisième étape : Jasper Francis Cropsey et "Greenwood Lake" (1870)
Notre voyage se poursuit avec Jasper Francis Cropsey, qui nous guide à Greenwood Lake ! La peinture éponyme capture la sérénité d'un coucher de soleil à cet endroit, où une palette de couleurs riche et vibrante met en valeur les feuilles rouges et dorées des arbres.
Cropsey était renommé pour son usage audacieux et somptueux des couleurs, qu'il employait principalement pour représenter des sujets automnaux, impressionnant les spectateurs par leur vivacité et leur éclat. En tant que membre de première génération de la Hudson River School, il utilisait ce style distinctif pour créer des œuvres mémorables.
Dans "Greenwood Lake," l'artiste exprime également une autre de ses croyances uniques : que les paysages sont la forme d'art la plus élevée et que la nature représente une manifestation directe de Dieu. Ce chef-d'œuvre célèbre non seulement la beauté naturelle de la région, mais reflète aussi un profond sentiment patriotique pour les qualités rugueuses et intactes de l'Amérique.
Albert Bierstadt, Les montagnes Rocheuses, Lander's Peak, 1863. Peinture.
Quatrième étape : Albert Bierstadt et "The Rocky Mountains, Lander's Peak" (1863)
Albert Bierstadt nous emmène à Lander's Peak dans la chaîne de montagnes du Wyoming, où nous pouvons également observer un campement des Amérindiens Shoshone, qui apparaît au premier plan de la peinture. Le choix du sujet est dû à des circonstances particulières : l'artiste a créé cette œuvre en 1863, basée sur des esquisses réalisées lors d'une expédition en 1859 dirigée par le colonel Frederic W. Lander dans les régions actuelles du Wyoming et de l'Utah.
Bierstadt, né en Allemagne en 1830 mais déménagé à New Bedford, Massachusetts, à l'âge de deux ans, a passé de nombreuses années formatrices en Europe, faisant ses débuts en 1858. Cependant, son succès est venu après le voyage mentionné de 1859. Au cours de cette expédition, l'artiste a été profondément impressionné par les paysages des montagnes Rocheuses, les décrivant comme "le meilleur matériau pour l'artiste dans le monde". Néanmoins, il est important de souligner que le chef-d'œuvre en question ne représente pas un paysage réel, mais plutôt un lieu idéalisé basé sur la nature, modifié par Bierstadt pour obtenir un effet dramatique.
Albert Bierstadt, Vallée du Yosemite, 1864. Peinture.
Cinquième étape : Albert Bierstadt et "Valley of the Yosemite" (1864)
Nous restons avec notre guide Bierstadt pour une excursion dans le parc de Yosemite, sujet de "Valley of the Yosemite," une peinture créée suite à son voyage de l'été 1863 sur la côte ouest des États-Unis avec l'écrivain Fitz Hugh Ludlow. Pendant le voyage, Bierstadt a passé plusieurs semaines à faire des études en plein air dans la vallée de Yosemite, utilisant ces esquisses comme références pour ses futures peintures, y compris "Valley of the Yosemite," achevée dans son atelier de New York en 1864.
Bierstadt a décrit Yosemite comme le "Jardin d'Éden en Amérique" et a peint des scènes idéalisées de la nature sauvage américaine, la dépeignant comme entièrement intacte par les humains. En fait, "Valley of the Yosemite" présente une scène idyllique avec un groupe de cerfs errant paisiblement au premier plan, tandis que le coucher de soleil projette une lueur jaune-orange sur tout le paysage, rendu dans le style luministe typique de Bierstadt.
Fait intéressant : ce chef-d'œuvre, étant de plus petite échelle par rapport à ses autres scènes panoramiques, est souvent considéré comme une esquisse pour sa peinture significativement plus grande, "Looking Down Yosemite Valley, California," créée un an plus tard en 1865.
Carleton Watkins, Half Dome, Yosemite, 1865. Photographie.
Sixième étape : Carleton Watkins et "Half Dome, Yosemite" (1865)
Continuons avec Carleton Watkins, un pionnier de la photographie de paysage, dont l'image "Half Dome, Yosemite" montre la majesté de la formation rocheuse la plus célèbre du parc. La photographie, prise par Carleton Watkins et imprimée par Isaiah West Taber vers 1870, est un témoignage clair de la manière dont ce lieu est devenu l'un des sujets préférés de l'artiste. Les images de Watkins ont influencé de manière significative la décision du Congrès des États-Unis de préserver la vallée en tant que parc national.
En remontant dans le temps, c'est en juillet 1861 que Watkins prit une décision déterminante pour sa carrière : voyager à Yosemite avec sa caméra à plaques mammouth et une caméra stéréoscopique. L'artiste conclut son voyage avec trente plaques mammouth et cent négatifs stéréoscopiques, qui furent exposés à New York à la Goupil Gallery en 1862, recevant les éloges des critiques, y compris du New York Times. Pourquoi un tel succès ? Les œuvres de Watkins représentent certains des premiers exemples de photographies de Yosemite vues sur la côte est des États-Unis.
Thomas Moran, Le Grand Canyon du Yellowstone, 1872. Peinture.
Septième étape : Thomas Moran et "The Grand Canyon of the Yellowstone" (1872)
Nous traversons maintenant le vaste et sauvage paysage du parc national de Yellowstone avec Thomas Moran, dont la peinture nous amène à contempler le majestueux Grand Canyon. Mais comment est-il devenu si familier avec cette région pour nous guider ?
En 1871, Moran a participé à une expédition dirigée par Ferdinand Vandeveer Hayden qui explorait la région destinée à devenir le parc national de Yellowstone. L'artiste a passé plusieurs jours à dessiner le Grand Canyon sous divers angles. Il est important de souligner comment le rapport détaillé de Hayden sur l'expédition, qui incluait les croquis et peintures de Moran ainsi que les photographies de William Henry Jackson, a persuadé le Congrès de préserver la région en tant que parc national. En effet, peu de temps après, en mars 1872, le président Ulysses S. Grant a signé la loi protégeant le parc national de Yellowstone, créant ainsi le premier parc national du monde.
En revenant à l'œuvre, le chef-d'œuvre offre une vue idéalisée de la topographie du Grand Canyon de Yellowstone à la fin du XIXe siècle. L'attention du spectateur est attirée par la rivière qui coule, apparaissant minuscule par rapport au vaste paysage rocheux. Bien que la composition, riche en sapins et pins, suggère un environnement primordial intact par la civilisation, quatre figures, dont un Amérindien, peuvent être vues au premier plan comme témoins de la majesté de la nature.
Thomas Moran, Le gouffre du Colorado, 1874. Peinture.
Huitième étape : Thomas Moran et "The Chasm of the Colorado" (1874)
Notre voyage à travers le Grand Canyon se poursuit avec Thomas Moran, cette fois mettant en vedette son chef-d'œuvre "The Chasm of the Colorado," achevé entre 1873 et 1874, né de son exploration avec le Major John Wesley Powell.
Le sujet est rendu dans une scène de tempête dramatique : le côté gauche de la peinture est enveloppé de nuages sombres et menaçants, tandis que le côté droit est illuminé par un ciel plus clair, créant un fort contraste chromatique. Cet effet démontre non seulement la capacité de Moran à représenter des conditions atmosphériques dynamiques, mais aussi la grandeur et le danger du paysage naturel.
Encore une fois, le travail de Moran a souligné la beauté intacte et primordiale de l'Ouest américain, jouant un rôle significatif dans la promotion de la conservation de ces paysages naturels. "The Chasm of the Colorado" a été acheté par le Congrès des États-Unis pour 10 000 dollars et exposé dans le hall du Sénat. Actuellement, la peinture est conservée au Smithsonian American Art Museum.
Ansel Adams, Clearing Winter Storm, 1944. Photographie.
Neuvième étape : Ansel Adams et "Clearing Winter Storm" (1944)
Les deux dernières destinations de notre voyage auront le même guide : Ansel Adams ! Le photographe est l'auteur de "Clearing Winter Storm," une photo emblématique qui capture le parc national de Yosemite, déjà fréquemment mentionné. L'image en noir et blanc transmet pleinement la majesté et le drame de la nature, montrant les montagnes enneigées émergeant des nuages de tempête, créant une atmosphère éthérée et mystérieuse. En effet, la composition habile d'Adams utilise le contraste entre les ombres profondes et les lumières éclatantes, soulignant l'immensité et la beauté intacte du paysage naturel.
Il n'est pas surprenant que les photographies de paysages d'Adams soient connues pour leur charge émotionnelle intense, donnant aux images force et profondeur. Cela prend vie grâce à une longue quête, dont le but ultime est de montrer la beauté de la nature et de souligner les dangers du consumérisme et d'un mode de vie qui ne respecte pas l'environnement. Grâce à son travail, nous pouvons encore admirer les grands parcs naturels tels qu'ils étaient avant l'avènement du tourisme de masse.
Fait intéressant : À l'âge de 14 ans, Adams a reçu son premier appareil photo lors d'une visite au parc national de Yosemite, un événement qui a marqué le début de sa carrière photographique.
Ansel Adams, Aspens, nord du Nouveau-Mexique, 1958. Photographie.
Dixième étape : Ansel Adams et "Aspens, Northern New Mexico" (1958)
Avant de rentrer chez nous après nos vacances américaines, Adams veut nous montrer le Nouveau-Mexique, capturé dans la photographie "Aspens." Comment est née cette photographie en noir et blanc ? Exemple classique du style de l'artiste pour capturer la beauté et l'essence des paysages américains, le chef-d'œuvre a été créé lors d'un voyage de retour du Canyon de Chelly, en Arizona, à l'automne 1958. Pendant le trajet, Adams a remarqué un bosquet de peupliers faux-trembles au Nouveau-Mexique et a été particulièrement frappé par leurs feuilles dorées ; il a immédiatement décidé de s'arrêter et de photographier la scène. L'artiste a décrit ce moment ainsi : "Nous étions à l'ombre des montagnes au nord de Santa Fe, la lumière était fraîche et calme, et il n'y avait pas de vent. Les troncs des peupliers étaient légèrement verdâtres et les feuilles d'un jaune vibrant. Le sol de la forêt était couvert d'un enchevêtrement de sous-bois rougeâtres. Tout était très tranquille."
Bien qu'il ait initialement envisagé de prendre une photo en couleur, Adams a opté pour le noir et blanc, ce qui lui a permis de renforcer le contraste entre les ombres de la forêt et les feuilles des arbres. L'artiste a également expliqué que la plupart des observateurs pensaient que l'image avait été prise dans une scène ensoleillée, alors qu'elle représentait en réalité une lumière diffusée par le ciel et réfléchie par des nuages lointains. Cette observation met en évidence comment Adams a utilisé son style pour transcender la simple représentation de la réalité physique, invitant les spectateurs à une réponse émotionnelle et contemplative.
Bon retour de vos vacances en Amérique !
Olimpia Gaia Martinelli
| ArtMajeur Magazine