Art hongrois : introduction en 5 points
Racines : La plupart des historiens croient que le peuple hongrois est apparu vers 895 après J.C. sous la direction du Prince Árpád, époque à laquelle leurs premières formes d'expression artistique se sont également développées. Dans la période suivant la conquête d'Árpád, l'utilisation de motifs ornementaux est devenue répandue, utilisée pour décorer à la fois les vêtements et l'équipement des chevaux, mettant en avant le thème proéminent de la palmette. Ce qui a été décrit est resté populaire jusqu'au XIe siècle.
Du Roman au Gothique : L'art du royaume hongrois médiéval prend la forme d'un entrelacement de cultures, qui se sont succédé dans l'état millénaire du bassin des Carpates. Cela aboutit à un mélange des styles originels des steppes et de l'art roman européen contemporain. Cette rencontre a généré un style architectural particulier rappelant l'art viking scandinave et celtique. Quant au Gothique, il est arrivé en Hongrie à la fin du XIVe siècle, influençant l'architecture, la peinture et la sculpture. En peinture, les fresques représentant la légende de Saint Ladislas étaient très populaires à cette époque, dédiées au roi éponyme et trouvées dans de nombreuses églises.
Renaissance : L'influence italienne devient assez évidente dans les arts. Cela est dû à la forte connexion que le roi Matthias Corvinus de Hongrie a établie avec la péninsule italienne pendant son règne.
Baroque, Néoclassicisme et Sécessionnisme : La plupart des bâtiments que nous pouvons admirer en Hongrie aujourd'hui sont de style baroque, qui a pris de l'importance dans le pays après l'expulsion des Ottomans en 1686. Des exemples de bâtiments néoclassiques sont le résultat d'une renaissance des traditions grecques anciennes suite à l'Âge des Réformes. Le triomphe de la popularité du style sécessionniste subséquent est évident dans des architectures telles que celle du Musée des Arts Appliqués (Ferencváros, Hongrie), conçu par l'un des plus grands architectes de l'époque, Ödön Lechner.
HOT TUB NO2Peinture de Tibor Simon-Mazula
JEU D'OMBRE III. (2023)Peinture de László Barna
Le XXe siècle
L'introduction au monde de l'art hongrois nous a permis d'arriver là où nous le souhaitions : le XXe siècle, l'Avant-garde, et ses artistes les plus célèbres. Dans ce contexte spécifique, les maîtres hongrois se sont révélés particulièrement actifs et réceptifs à toutes les innovations artistiques provenant principalement de l'Europe occidentale à cette époque. Pendant cette période, les artistes hongrois se sont distingués, notamment les peintres fauves tels que Béla Czóbel, Dezső Czigány, Bertalan Pór, ainsi que les artistes d'avant-garde tels que Gyula Tornai, Gyula Benczúr et Sándor Bihari. Plus tard, pendant l'ère socialiste, il y a eu une production artistique plus expérimentale, critique et provocante, s'alignant sur une faction activiste occidentale de nature tempérée. Enfin, l'effondrement du régime a conduit à une nouvelle liberté et à une ouverture à l'art occidental. Il est maintenant temps d'introduire, dans l'ordre chronologique croissant en fonction de leur date de naissance, certains des artistes hongrois les plus influents du XXe siècle !
TRAVAIL DUR (2024)Peinture de Peter Duhaj
André Kertész
Qui a révolutionné la composition photographique et l'essai photographique avec des contributions pionnières d'une nature lyrique, élégante et rigoureuse ? André Kertész ! Le photographe hongrois né en 1894 n'a cependant pas immédiatement trouvé la reconnaissance qu'il méritait, car à l'origine, ses angles non conventionnels et son style plus spontané, plutôt que la précision technique, n'étaient pas bien compris. Néanmoins, il est aujourd'hui considéré comme l'une des figures fondamentales de la photographie du XXe siècle, comme en témoigne son œuvre "La Fourchette" (1918). Ce sujet vise à juxtaposer le beau et le simple, des concepts éclairés dans leur essence quotidienne, et mis en valeur par la présence d'ombres dramatiques placées sous la fourchette. Cela crée presque l'impression d'une composition abstraite, même si la nature de l'ustensile est explicitement montrée. Que pouvons-nous déduire de cela ? Certainement, la puissance du médium photographique, capable de transformer un simple outil en un objet au potentiel poétique exceptionnel.
László Moholy-Nagy
László Moholy-Nagy (1895 - 1946) était un peintre et photographe hongrois, ainsi qu'un professeur à l'école du Bauhaus. Ce maître moderniste a été influencé par le dadaïsme, le constructivisme, le suprématisme et les débats sur la photographie, ce qui lui a donné une approche plus pratique, expérimentale et technologique. En parlant de l'une de ses peintures, nous pouvons faire référence à la célèbre "Konstruktion in Emaille 1" (1922-23), une composition géométrique abstraite qui prend forme sous la forme d'une épaisse barre verticale noire sur fond blanc. Ce qui vient d'être décrit est accompagné par la présence d'un petit rectangle horizontal jaune, entouré de rouge, apparaissant derrière une ligne verticale rouge. De plus, une figure similaire en forme de croix est placée dans le coin supérieur droit de la toile, créant de la profondeur dans la composition. Alors que ces éléments plus petits du chef-d'œuvre semblent progressivement se rapprocher du spectateur, les formes plus grandes restent statiques, faisant allusion à l'ordre minimaliste plus typique. Enfin, l'œuvre, en raison de ses caractéristiques, présente des affinités avec le constructivisme et le mouvement contemporain De Stijl néerlandais.
BALLET 2. (2020)Sculpture de Kristof Toth
Brassaï
Brassaï (1899 – 1984), un photographe, sculpteur, médailleur, écrivain et cinéaste hongrois-français, a connu la renommée internationale au XXe siècle en France. Ce qui l'a rendu célèbre, c'est son exploration photographique de la vie nocturne parisienne, compilée dans le livre "Paris de Nuit". Cependant, en tant que photographe et photojournaliste, il a principalement contribué au domaine de la photographie vernaculaire, bien que son travail oscille souvent entre la photographie de rue et l'art surréaliste. Pour représenter ses sujets, principalement perçus comme le résultat de sa curiosité à l'égard des phénomènes d'urbanisation de l'époque, je fais référence à la photographie suivante : "Le ruisseau serpentant dans la rue vide" (1930-32). Cette photographie met en évidence l'intérêt du photographe pour le sujet de la rue, éclairée par la lumière électrique, prête à révéler le pavé dans tous ses détails. En suivant ces intérêts, les villes de nuit sont immortalisées selon deux principes fondamentaux : la discipline systématique de la prise de vue et une vision et une sensibilité poétiques. En fait, ses photographies ont été décrites par Christian Bouqueret comme suit : Brassaï est le photographe "d'un nouveau monde", "où la nuit n'est plus la nuit et où la lumière éclate brutalement et bruyamment [...] rendant visible des choses qui n'étaient auparavant que des spéculations".
Marcel Breuer
Marcel Lajos Breuer (1902 - 1981) était un architecte et designer de mobilier moderniste hongrois-allemand, dont la carrière a couvert tous les aspects de la conception tridimensionnelle, des objets aux bâtiments. En particulier, en tant qu'élève puis enseignant au Bauhaus, il est surtout connu pour ses créations emblématiques de chaises, où son vif intérêt pour tester les dernières avancées technologiques pour rompre avec les conventions et obtenir des résultats remarquables était évident. En ce qui concerne la chaise B3 (1927-28), en cuir et en acier tubulaire, elle est tout simplement emblématique, même si elle a été créée pendant la période où l'artiste était encore apprenti au Bauhaus. Stylistiquement, la chaise s'inspire des principes constructivistes du mouvement De Stijl et réinterprète l'idée d'un cadre de bicyclette de manière essentielle, en adhérant aux principes de fonctionnalité et de simplicité.
LÁNY FÁCÁNNAL (2022)Peinture de Attila Karácsony
Victor Vasarely
Victor Vasarely (1906 - 1997), le "grand-père" et leader du mouvement Op art, était un artiste hongrois-français largement connu pour ses œuvres mettant en avant des effets optico-géométriques obtenus grâce à une combinaison de précision technique virtuose et de conscience scientifique renommée. En fait, son art vise à jouer avec le sens visuel du spectateur en créant des effets illusoires, des profondeurs multiples, des perspectives et des mouvements. L'aspect le plus important devient l'acte de regarder, de comparer ce que nous voyons réellement avec ce qui est vraiment présent. Dans "Zèbre" (1937), les deux animaux représentés s'entrelacent sur un fond noir, donnant à la composition de la profondeur ainsi qu'une intimité, une énergie et une sensualité. Le sentiment général de mouvement est renforcé par le fait que les animaux n'ont pas de contours mais sont définis par des rayures noires et blanches ondulantes, faisant apparaître tout comme en mouvement constant. Dans cette utilisation des effets optiques, "Zebra" a souvent été considéré comme l'une des premières œuvres de l'Op art.
Robert Capa
Robert Capa, un photographe de guerre et photojournaliste hongro-américain né en 1913, utilisait souvent un petit appareil photo pour se rapprocher des zones d'action dangereuses afin de dépeindre les effets dévastateurs de la violence. De plus, ses photographies de guerre, créées pour raconter des histoires et capturer l'essence des sujets, sont connues pour leur pathos. Il reste un modèle pour ceux qui s'engagent dans cette branche de la photographie de nos jours. L'une des photos les plus emblématiques de Capa est sans aucun doute "Le Soldat Tombé" (1936), une œuvre qui capture un soldat touché par un coup fatal, tombant en arrière dans un champ désolé, laissant progressivement tomber son fusil également. La photographie capture vraiment ce qu'Henri Cartier-Bresson appelait le "moment décisif", où l'on perçoit à la fois le mouvement de la chute et l'immobilité de la mort. Enfin, la composition dramatique de la photographie, désormais largement considérée comme la photographie de guerre la plus célèbre jamais prise, rappelle les bras tendus du soldat, évoquant "Fusillade du 3 mai 1808" de Francisco Goya (1814).
SZENVEDÉLY (2023)Peinture de Rékai Zsolt
Simon Hantaï
Simon Hantaï (1922 - 2008) était un peintre hongrois naturalisé français, généralement associé à l'art abstrait. Ses œuvres, y compris les peintures "pliage", sont le résultat d'une fusion de l'automatisme surréaliste et des gestes de l'expressionnisme abstrait. Cette méthode de création artistique particulière a caractérisé la majeure partie de sa carrière et a pris diverses formes. En ce qui concerne la technique en question : dans le "pliage", la toile est pliée en diverses formes, puis peinte et dépliée, révélant des parties du support dépourvues de couleur. À titre d'exemple de son travail, "Sans titre [Suite 'Blancs']" (1973) a été créé en utilisant la méthode du "pliage", dans ce cas en nouant des parties de la toile non tendue, en appliquant de la peinture, puis en libérant le support.
Dóra Maurer
Dóra Maurer est une artiste visuelle hongroise née en 1937, connue pour s'exprimer à travers presque tous les médias artistiques, notamment la photographie, le cinéma, la peinture, la performance et la sculpture. Elle expérimente avec un langage contemporain et moderniste qui prend forme à travers des processus mathématiques et des systèmes complexes, visant à offrir différentes options au spectateur, qui doit décider comment réagir et agir de manière indépendante. Dans tous les cas, le travail de l'artiste implique souvent la décomposition d'actions simples, permettant au public de contempler les composantes du mouvement. En décrivant une œuvre spécifique, "Hétpróba" est un portrait intime de la chanteuse et mère Póka Eszter et de ses quatre enfants adolescents. La voix hors champ de Maurer accompagne chaque membre de la famille alors qu'ils sont incités à répondre à une série de défis amusants, révélant des pensées privées et douloureuses. Cette narration est presque dédramatisée par les stratégies cinématographiques de Maurer, à travers lesquelles les personnages sont disséqués, répétés, reformatés, mis en pause et déformés, pour nous amener à nous concentrer davantage sur leurs liens et leurs différences.
Olimpia Gaia Martinelli
