Le Very Peri est la couleur de l'année 2022

Very Peri

Le Pantone Color Institute déclare la couleur de l'année depuis plus de 23 ans, influençant la production et l'achat de biens dans divers secteurs, notamment la mode, la décoration intérieure, le design industriel et les produits graphiques. Pour la couleur 2022, l'entreprise américaine a choisi la teinte Very Peri, qui est déjà devenue une tendance, car elle a été portée à l'avance par des célébrités et des VIP, même si ce n'est qu'en nuances. Toutefois, cette couleur n'influencera pas seulement le monde de la mode, du design et de la technologie, mais deviendra également le symbole de l'attitude avec laquelle nous devons aborder cette nouvelle année. À cet égard, ce bleu, infusé de rouge-violet, véhicule une tendance vive, joyeuse et dynamique qui encourage l'expressivité, la créativité et la capacité d'être audacieux dans un quotidien à reconstruire. En effet, Very Peri a été spécialement choisi pour représenter cette période de transition et de difficultés, où la technologie et la vie quotidienne se mélangent de plus en plus, générant une réalité nouvelle et sans précédent, qui est marquée par un fort élan créatif vers les possibilités infinies de la vie.

Anne Redpath, Nature morte sur fond bleu, vers 1945. Huile sur toile, 49,5 x 57,5 cm. Londres : The Fleming Collection. @alice.strang.art

Anne Redpath : Nature morte sur fond bleu 

De nombreux chefs-d'œuvre de l'histoire de l'art sont caractérisés par des teintes similaires à Very Peri, qui ont été utilisées pour générer à la fois des champs de couleurs étendus et des détails ravissants. Par exemple, le Very Peri, qui est parfait pour produire de la lumière et des ombres intenses, a été utilisé pour créer les reflets et les nuances de certains des Nymphéas de Claude Monet. De même, les blocs qui décorent La lavandière d'Henri Edmond Cross et le tulle de Le voile bleu d'Edmund Tarbell ont été réalisés dans une teinte très proche de cette couleur. Parmi les chefs-d'œuvre dans lesquels les nuances de Very Peri jouent un rôle prépondérant, montrant leur capacité à se fondre dans la plupart des styles et des tons, figure la Nature morte sur fond bleu d'Anne Redpath, datant d'environ 1945. L'œuvre de Redpath se caractérise par un style situé entre le post-impressionnisme français et le post-impressionnisme écossais, produisant des intérieurs célèbres et des natures mortes populaires. En fait, son travail, qui comprend également des portraits et des vues, a été fortement influencé par Henri Matisse, mais aussi par ses "disciples" du Royaume-Uni, tels que Francis Cadell et Samuel Peploe. Outre ces maîtres, l'art de Redpath présente également des similitudes dans les sujets traités avec les œuvres de deux peintres écossais, Joan Eardley et Elizabeth Blackadder. L'œuvre ultérieure de Redpath est toutefois marquée par un nouvel intérêt pour les sujets religieux et les développements contemporains de la technique picturale apportés par des artistes d'avant-garde tels que Jackson Pollock et Antoni Tàpies. Néanmoins, l'artiste écossais ne s'est jamais consacré à l'abstractionnisme pur, poursuivant ses recherches picturales très personnelles. Le tableau Nature morte sur fond bleu, caractérisé par un grand mur coloré dans une nuance très proche de Veri Pery, reprend l'exemple des Harmonies en rouge de Matisse de manière personnelle et innovante, puisque les décorations de la table et du mur entourant le vase semblent dialoguer entre elles, constituant un élément d'union et de continuité entre les différentes surfaces.

Ferdinand Hodler, La pointe d'Andey, vallée de l'Arv, 1909. Huile sur toile 67,5 x 90,5 cm. Paris : Musée d'Orsay. @nahtalei

Ferdinand Hodler : La pointe d'Andey, vallée de l'Arv

Autre chef-d'œuvre aux teintes proches de Very Peri, La pointe d'Andey, vallée de l'Arv de Ferdinand Hodler, qui représente une montagne vue de face, entièrement réalisée dans des teintes de Very Peri, elle s'accorde parfaitement avec le blanc des nuages, le bleu du ciel et l'ocre de la pointe de terre. À propos de l'artiste et de son style, Hodler est le peintre suisse le plus influent de la fin du XIXe et du début du XXe siècle, appartenant au mouvement symboliste. Tout comme le chef-d'œuvre susmentionné, les peintures les plus populaires de l'artiste représentent des paysages, mettant en évidence la beauté essentielle d'une nature idéalisée. En fait, les changements intervenus dans le paysage suisse entre le milieu du XIXe siècle et la fin du XXe siècle, en raison de l'avènement du tourisme de masse et des effets du développement industriel, ne sont pas du tout représentés. Enfin, cette matière non contaminée est liée à une dimension philosophique qui, à travers une étude attentive des lieux, vise à révéler les lois de la nature et du monde. 

Valentina Olempyuk-Vinnikova, Nature morte avec une cruche bleue, 2019. Huile sur toile, 55 x 55 cm.

Valentina Olempyuk-Vinnikova : Nature morte avec un pichet bleu

De nombreux chefs-d'œuvre de l'histoire de l'art, comme le tableau de l'artiste d'Artmajeur, Valentina Olempyuk-Vinnikova, ont représenté des natures mortes avec des fleurs, notamment la Nature morte aux fleurs, au papillon et autres insectes de Margareta Haverman, la Nature morte aux pivoines de Camille Jacob Pissarro, la Nature morte aux fleurs et aux fruits de Claude Monet et les Tournesols de Vincent Van Gogh. Ainsi, l'œuvre de Valentina Olempyuk-Vinnikova s'inscrit parfaitement dans la tradition figurative de l'art occidental et est comparable à la Nature morte sur fond bleu d'Anne Redpath par l'utilisation d'une teinte très proche de Very Peri. Malgré cette affinité, les deux tableaux présentent toutefois de nettes différences, car le style impressionniste de l'artiste d'Artmajeur impose à l'œuvre une recherche plus minutieuse des détails lumineux, faisant ressortir les ombres et les reflets de la lumière. De plus, l'œuvre de Valentina Olempyuk-Vinnikova, qui manque d'éléments décoratifs en arrière-plan et sur la surface, est plus réaliste, c'est-à-dire moins suspendue dans une atmosphère entre rêve et réalité. Enfin, dans le tableau de l'artiste d'Artmajeur, l'espace consacré aux nuances de Very Peri est réduit, car elles distinguent le voile, qui n'apparaît que dans une partie du fond de la nature morte. En tout cas, les couleurs qui accompagnent ces tons ont été choisies avec grand soin, car les jaunes des citrons, le blanc du fond et de l'avion et le bleu de la cruche créent une délicieuse composition chromatique. 

Aleksandr Kryushyn, Soirée. Début du printemps, 2020. Huile sur carton, 40 x 45 cm.

Aleksandr Kryushyn : Soirée. Début du printemps

Les montagnes ont été représentées dans de nombreux tableaux emblématiques, tels que La montagne Sainte Victoire de Paul Cézanne, Le Voyageur contemplant une mer de nuages  de Caspar David Friedrich et Le col du Saint-Gothard de William Turner. Toutes ces œuvres sont également en mesure de nous donner une idée de la vérité stylistique, perspective et contextuelle avec laquelle ce thème a été développé au cours des siècles. Quant au paysage créé par l'artiste d'Artmajeur, Aleksandr Kryushyn, il a, comme le tableau de Ferdinand Hodler, La pointe d'Andey, vallée de l'Arv, immortalisé une montagne aux nuances très proches de Very Peri. Néanmoins, les deux tableaux sont très différents l'un de l'autre : dans l'œuvre de Kryushyn, la vue frontale de la montagne est éliminée, devenant l'arrière-plan d'un paysage enneigé avec des maisons et des arbres sporadiques. C'est précisément ce type de vue, dans laquelle l'atmosphère au loin est teintée de violet et de bleu, qui fait de l'œuvre de l'artiste d'Artmajeur un tableau impressionniste, à l'instar des paysages ou des vues peints par certains des plus grands maîtres de l'histoire de l'art.

Albert Costa, Murmurillo 1 , 2021. Acrilique sur la carte, 90 x 68 cm. 

Albert Costa : Murmurillo 1 

Ce tableau de l'artiste Artmajeur, Alberto Costa, représente un paysage abstrait, caractérisé par une combinaison de couleurs allant du bleu au violet, en partie disposées en grandes taches sur le support, et comprenant des nuances proches de Very Peri. Cette peinture abstraite, destinée à immortaliser un sujet réel, nous rappelle l'œuvre du grand maître Paul Klee, qui pensait que l'abstraction ne pouvait jamais être totalement séparée de la réalité. En fait, il est possible d'être abstrait même avec "un certain souvenir" de la réalité, qui fournit souvent aussi l'inspiration pour l'œuvre elle-même. Ainsi, la peinture de Costa, caractérisée par un goût prononcé pour la couleur, s'inscrit parfaitement dans la plus importante tradition artistique du XXe siècle.

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